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définition de l'art en anglais

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1 mass noun The expression or application of human creative skill and imagination, typically in a visual form such as painting or sculpture, producing works to be appreciated primarily for their beauty or emotional power.

'great art is concerned with moral imperfections'

1. 1.1 Works produced by human creative skill and imagination.

'The Niland Gallery has one of the finest collections of modern Irish art in the world.'

'So the labels and the catalogue are of greater importance here than in an exhibition of more modern art.'

'What was striking about this year's fair was the appearance of more modern and contemporary art.'

'Belfast is another major city well worth travelling to for contemporary and modern art.'

'Formerly a vast and imposing power station, the building is now a vast and imposing modern art gallery.'

'Once seen as avant-garde, these thirtysomethings are now at the core of the modern art world.'

'The most economical way to sum it all up is with that favourite word of art critics: eclectic.'

'When he died in 1784 he was chiefly known as a sentimental playwright and art critic.'

'She was the muse and lover of the French poet and art critic Guillaume Apollinaire.'

'Built after the First World War it's renowned for its Rodin, but more modern art also has a place.'

'It was originally built as a picture gallery for a large private art collection, with a glass roof.'

'I like a lot of modern art but I am annoyed that so much gets paid for it.'

'There was lots of blond wood, geometric modern art on the walls, and new dishes on the menu that tickled our fancies.'

'The artists, who were all painters, had joined together to find somewhere to show modern art.'

'According to another, the British are preternaturally blind to the merits of modern art.'

'During the fifty plus years of his working life he saw the reputation and value of the modern art he admired rise.'

'The Earl certainly had a fine eye for art and appreciated both the beauty and rarity of the items he collected.'

'None the less it is possible for a student to buy art that will hopefully appreciate in value.'

'Also, perhaps surprisingly, there is even a shortage of art, or at least of art that can be reproduced.'

'It has also been reported that some institutions may even lend against a work of art to buy more art!'

2. 1.2 Creative activity resulting in the production of paintings, drawings, or sculpture.

'She had a real flair for art and did some brilliant drawings and paintings while she was here.'

'This event features a range of activities across art, music, dance and film-making.'

'There is already table tennis but centre workers would like more activities, such as art projects.'

'Its activities include the provision of lunches and a wide range of leisure activities from art to yoga.'

'Its sub groups included clubs for activities like drama, art and crafts, and country dancing.'

'The context for the development of Sam Doyle's career is as interesting as the artist and his art.'

'Like Warhol, he began as a commercial artist and his art has its roots in advertising.'

'Much of his work in stimulating art activities in the borough was carried out modestly and behind the scenes.'

'Unlike other prizes, the Turner does not attempt to award various categories of art or artists.'

'He first became interested in art while doing lino cuts and motion drawings in school.'

'This is undoubtedly an age of globalised art, in which artists routinely show in other countries.'

'This also makes them ideal for artists or art students seeking inspiration or affirmation.'

'We use art, poetry and prose so that visitors can feel and experience the beauty of nature.'

'This kind of art does little to inspire women to claim their independence, it is depressive.'

'There are limits to what art can accomplish and to what it should presume to do.'

'The pupils enjoyed stories, art activities and games and on Tuesday they enjoyed a Chinese meal.'

'If an artist can stay humble and focus only on his art, he rises way beyond his talent and his craft.'

'For all his inspiration, the artist still had to work at his art, and find people to buy it.'

'The festival art competition will involve youngsters creating paintings or drawings.'

'After art school Moira taught art for a couple of years at the secondary school in Blackminster.'

'Thirty of the dustmen are now being sent to modern art classes to try to ensure that the same mistake never happens again.'

2 the arts The various branches of creative activity, such as painting, music, literature, and dance.

3 arts Subjects of study primarily concerned with human creativity and social life, such as languages, literature, and history (as contrasted with scientific or technical subjects)

'the belief that the arts and sciences were incompatible'

4 A skill at doing a specified thing, typically one acquired through practice.

Phrases

art for art's sake

Used to convey the idea that the chief or only aim of a work of art is the self-expression of the individual artist who creates it.

'Ruskin's pre-Raphaelitism, for example, which stressed the moral purpose of art, contrasted Pater's aestheticism, which promoted the idea of art for art's sake.'

'English cultural commentators have recently speculated that this hostility is more widespread, and that there is a deep historical and cultural resistance to the very idea of art for art's sake in Scotland.'

'It's an odd looking movie that embraces the idea of art for art's sake.'

'These artists see the value of their productions as art for art's sake as well as revelations of the truth and presentation of possibilities for their listeners.'

'In a school setting, it's never art for art's sake.'

'What needs to be stressed is that neither Khlebnikov nor his fellow Futurist poets were making the case for art for art's sake, for a poetry divorced from its larger cultural import.'

'Having criticized art for art's sake for being potentially reactionary, they then focus on the counterproposal they offer to socialist realism and Stalinism.'

'The bourgeois or decadent notions of disinterested investigation, scepticism, art for art's sake and so on, had no place in Soviet Russia or, for that matter, Nazi Germany.'

'The great thing about being in Calgary, as opposed to L.A., is that you kind of do art for art's sake, and comedy for comedy's sake.'

'He understood best how to play the emotions, but his contemporaries are impatient with an aesthetic of art for art's sake.'

art is long, life is short
proverb

There is so much knowledge to acquire that a lifetime is not sufficient.

'Goethe said that art is long, life is short.'

'They can be summed up in such Latin expressions as: ars longa, vita brevis (art is long, life is short) ora pro scriptore (pray for the scribe) finis coronat opus (the end crowns the work) errare humanum est (to err is human) scriptori vita (long life to the scribe).'

the art of war

The strategy, tactics, and techniques of combat.

'As one component of the art of war, tactics are but part of the whole; the complex, costly, and messy business of war must be seen in the round.'

'The American Army came to favor the science of war over the art of war, resulting in a stiff adherence to principles and rules.'

'They openly deprecated the principles of military science and art of war.'

'Eisenhower had read military history, including the works of the Prussian military intellectual Carl von Clausewitz, and had studied the art of war under the supervision of the leading American strategists.'

'We all need instruction; for the art of war, the primary forms of instruction are training, personal study, and hard-won experience.'

Origin

Middle English via Old French from Latin ars, art-.

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1 mass noun The expression or application of human creative skill and imagination, typically in a visual form such as painting or sculpture, producing works to be appreciated primarily for their beauty or emotional power. 'great art is concerned with moral imperfections' 1.1 Works produced by human creative skill and imagination.

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qu'est ce qui a généré le bizarre à partir de la norme ?

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Andy Warhol, de son vrai nom Andrew Warhola, est né le 6 août 1928 à Pittsburgh et est décédé le 22 février 1987 à New-York. Enfant d'immigrés slovaques d'origine modeste, il obtient un diplôme en Beaux-Arts qui lui ouvre la voie d'une carrière de dessinateur publicitaire récompensée par différents prix. Dans les années 1961 et 1962, il réalise ses premières œuvres en mélangeant objets de la vie quotidienne et expérience artistique comme pour la toile des Campbell's Soup Cans. A partir de 1962, Andy Warhol se lance dans des séries de portraits de célébrités comprenant entre autres Liz Taylor, Marylin Monroe ou encore Jackie Kennedy. L'artiste utilise ainsi la technique de la sérigraphie pour montrer le caractère machinal et reproductible de son art. Il reprendra cette méthode dans les années 70 pour les portraits de Mao Zedong et Mike Jagger. Andy Warhol dans son processus de création s'entoure de toute une assemblée d'artistes qui fréquente son atelier-studio " The Factory " ouvert en 1964 et devenu un lieu incontournable de la scène artistique underground et des célébrités de cette époque. Artiste polymorphe, starisé et contesté, figure emblématique du Pop Art, peintre de commande à la fin de sa vie, Andy Warhol fut tout cela à la fois.

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Andy Warhol : biographie, actualités et émissions France Culture

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Andy Warhol - Andy Warhol, de son vrai nom Andrew Warhola, est né le 6 août 1928 à Pittsburgh et est décédé le 22 février 1987 à New\-York. Enfant d'immigrés slovaques d'origine modeste, il obtient un diplôme en Beaux\-Arts qui lui ouvre la voie d'une carrière de dessinateur publ[...]

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peinture à l'huile sur toile de 169,5 × 216,5 cm réalisée par Rembrandt en 1632

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La Leçon d'Anatomie du docteur Deyman est un tableau fragmentaire de Rembrandt, peint en 1656. C'est un portrait de groupe montrant une dissection.

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le christ dans la tempête sur la mer de galilée

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la leçon d'anatomie du docteur nicolaes tulp

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Biographie et œuvre de Rembrandt (1606-1669) avec de nombreuses illustrations

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Larousse

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rembrandt harmenszoon van rijn dit rembrandt

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Encyclopédie Larousse en ligne - Rembrandt Harmenszoon Van Rijn dit Rembrandt

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Peintre et graveur néerlandais Leyde 1606-Amsterdam 1669 Maître absolu du clair-obscur en son siècle Rembrandt fut le type même de l'artiste en qui s'incarne le mythe du génie créateur Il représente aussi un modèle d'artiste-philosophe dont la longue méditation sur le sens de la destinée humaine a une portée universelle Van Rijn Rembrandt Charles Blanc Paul Valéry

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Maître absolu du clair-obscur en son siècle, Rembrandt fut le type même de l'artiste en qui s'incarne le mythe du génie créateur. Il représente aussi un modèle d'artiste-philosophe, dont la longue méditation sur le sens de la destinée humaine a une portée universelle.

Dessinateur d'une remarquable fécondité et modernité, Rembrandt est aussi l'auteur de près de 300 gravures (paysages, sujets religieux et mythologiques) ; à ce titre, il est considéré comme le plus grand aquafortiste de tous les temps (les Trois Arbres, la Pièce aux cent florins, Jésus prêchant). Son style évolue de la même manière dans son œuvre peint et dans son œuvre gravé.

C'est autant à travers lui-même (soixante-deux autoportraits étant authentifiés) qu'à travers ses proches et tous ceux qu'il rencontre que Rembrandt représente la condition humaine et scrute son mystère – quand ce n'est pas en s'inspirant d'épisodes bibliques (le Christ se révélant aux pèlerins d'Emmaüs, 1648).

C'est grâce à son génie du clair-obscur que la lumière, dont il dispose à son gré, semble émaner du tableau lui-même. On le voit commencer par retracer la réalité physique, presque anecdotique, des êtres et des choses, pour parvenir à exprimer la vérité de la vie, tant apparente qu'intérieure (Aristote contemplant le buste d'Homère,, 1653).

Les scènes conventionnelles sont toujours transformées par certains détails : un personnage qui regarde le spectateur dans la première Leçon d'anatomie, ou la reprise d'une représentation du Christ mort par Mantegna dans la seconde Leçon d'anatomie. Avec Rembrandt, la moindre scène quotidienne s'élève à un sens métaphysique qui ne laissera pas de fasciner peintres et écrivains au cours des siècles.

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Une exposition d'œuvres de l'artiste américain, présentée à Londres puis à Francfort, fait revivre " The Big Apple " au temps où la ville était déclarée en faillite.

Depuis qu'en mai 2017, chez Sotheby's, Yusaku Maezawa, un collectionneur japonais, a jugé bon d'acheter un de ses tableaux pour 110,5 millions de dollars (99,5 millions d'euros), on ne regarde plus les œuvres de Jean-Michel Basquiat, mort d'une overdose en 1988 à l'âge de 27 ans, autrement que comme un tas de billets de banque. C'est moche, mais cela n'a pas que des inconvénients : la flambée de la cote ayant entraîné celle des primes d'assurance, les conservateurs de musée désireux de l'exposer doivent faire preuve d'imagination.

Ainsi Eleanor Nairne, du Barbican Art Center de Londres, qui lui consacre une exposition, et Dieter Buchhart, de la Schirn Kunsthalle de Francfort, où l'exposition ira en février, n'ont pu réunir qu'une cinquantaine d'œuvres peintes, essentielles toutefois. La relative maigreur de l'accrochage est compensée par un travail de documentation remarquable qui fait revivre le New York du tout début des années 1980, au temps où la ville était déclarée en faillite.

Les mafias y tenaient encore le haut du pavé, Broadway et Time Square étaient des hauts lieux de la prostitution, les clochards faisaient partie du paysage et on vendait de la drogue à peu près partout. Les seringues abandonnées sur les trottoirs y traînaient d'autant plus longtemps que les services publics étaient défaillants, sinon moribonds : la ville ne pouvait plus payer ses fonctionnaires, des éboueurs aux policiers.

Un milieu âpre, dur, voire violent

Une ville ruinée, mais où tout était possible, et d'abord pour les jeunes artistes. L'écrivain et journaliste Glenn O'Brien - qui fut également le scénariste de Downtown 81 (New York Beat Movie), où Basquiat jouait le rôle d'un artiste expulsé par son propriétaire - en témoignait dans le catalogue de la rétrospective organisée en 2010 par la Fondation Beyeler en Suisse : " New York City était vraiment le Far East sauvage. Fusillades. Bandits. Violences. Mauvais quartiers....

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Le New York de Basquiat, entre graffitis et galeries

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Une exposition d'œuvres de l'artiste américain, présentée à Londres puis à Francfort, fait revivre " The Big Apple " au temps où la ville était déclarée en faillite.

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L'héritage haïtien de Jean-Michel Basquiat

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Hergé profite de la parution de " Tintin et les Picaros " en 1976 pour répondre aux critiques qui lui reprochent sa neutralité politique. "Toute conviction est une prison" dit-il en citant Nietzche. Au-delà de la politique, Tintin et Hergé c'est 50 ans d'aventure, inscrits dans l'histoire de la BD et dans l'histoire de l'art.

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expo basquiat

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Rembrandt

Rembrandt, de son nom complet Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, est un peintre néerlandais, né le 15 juillet 1606 à Leyde et mort le 4 octobre 1669 à Amsterdam. Rembrandt est l'un des plus grands peintres de l'École hollandaise du XVIIe siècle et, plus généralement, de l'art baroque européen

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Basquiat

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En bref

Du graffiti à la peinture, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est l'une des comètes de l'art contemporain. Mort d'une overdose à l'âge de 27 ans, ce jeune ami de Warhol a élevé le street art au rang des beaux-arts. Son œuvre témoigne des réminiscences de son passé familial (ses origines haïtiennes), conjuguées aux influences du pop art. Il est devenu l'une des grandes figures de l'afro-américanisme dans le monde artistique.

Il a dit

" Je ne suis pas un artiste noir. Je suis un artiste. "

Sa vie

Né à Brooklyn dans une famille aux origines mixtes (portoricaine par sa mère et haïtienne par son père), Jean-Michel Basquiat est un enfant très précoce dans le domaine des langues et du dessin.

Après la séparation de ses parents et un déménagement, il revient à New York à l'âge de 16 ans. Il découvre le milieu de l'underground, se lie avec des graffeurs et abandonne ses études. Il prend alors le pseudonyme de SAMO© (pour " Same Old Shit ") pour taguer dans les rues de Manhattan.

Pour combler l'absence des artistes noirs dans les musées américains, l'ambition de Basquiat se double très vite d'une quête identitaire placée sous le signe de la négritude. Son goût pour le métissage culturel et sa haine du racisme nourrissent une œuvre néo-expressionniste parfois sombre et angoissée.

À la fin des années 1970, alors que Keith Haring couvre aussi les murs de graffitis, Basquiat devient une figure de l'East Village. Il travaille seul ou en collectif, fonde un groupe de rock et participe à un film indépendant. C'est à cette occasion qu'il rencontre Andy Warhol, pape consacré de la Pop culture. Basquiat commence à exposer ses œuvres et la fréquentation de Warhol lui offre une plus grande visibilité.

La carrière de Basquiat connait une irrémédiable ascension à partir de 1981. Un article lui est consacré dans Artforum sous le titre " The Radiant Child ", soulignant son charisme. Il trouve l'appui de la marchande d'art Annina Nosei qui lui réserve le sous-sol de sa galerie comme espace de travail.

En 1982, il expose chez Larry Gagosian, l'un des plus importants marchands d'art contemporain. Les plus grands musées américains se l'arrachent. Mais, au quotidien, l'artiste est miné par la drogue et l'alcool. Il vit cloîtré dans un loft où il peint et regarde la télévision en boucle.

La disparition de Warhol en 1987 est une tragédie pour Basquiat. Le peintre s'isole et s'enferme dans sa toxicomanie. Un voyage à Hawaï ne suffira pas à le détourner de ses démons : le jeune artiste sera finalement retrouvé mort dans son appartement de New York, le 12 août 1988.

En 2017, une de ses œuvres pulvérise un record de vente. Elle atteint aux enchères 110,5 millions de dollars, signe que l'artiste mort depuis trente ans n'a pas fini de faire vivre le marché de l'art contemporain. Il est devenu l'un des artistes américains les plus chers de l'Histoire.

Ses œuvres clés
Slave Auction (Vente aux enchères d'esclaves), 1982
Représentative du style de Basquiat, cette œuvre traite d'un thème subversif et toujours d'actualité dans notre société contemporaine. Alors en plein essor médiatique, l'artiste représente le monde de manière chaotique, qu'il traduit en faisant cohabiter signes manuscrits et illustrations imagées. Dans cette œuvre, il s'intéresse aux minorités opprimées, aux exclus, aux exploités.
A Panel of Experts, 1982
Au début des années 1980, Basquiat, alors en couple, aurait eu une brève liaison avec la chanteuse Madonna. Un soir, les deux femmes finissent par se battre, ce qui inspira à Basquiat cette œuvre rassemblant des fragments de dessins, comme autant de cartoons. Si les altercations sont mises en scène de manière enfantine, presque naïve, la violence est bien présente ; Basquiat n'hésite pas à utiliser le motif du revolver. La couronne est quant à elle le symbole de l'artiste lui-même.
Sans titre, 1986
Jean-Michel Basquiat a produit des milliers d'œuvres sur papier, souvent complexes. Le dessin est chez lui une pratique expérimentale : superpositions de mots, de croquis qui évoquent des graffitis reliés entre eux par un fil énigmatique. On y retrouve fréquemment, entre autres, des formes squelettiques et effrayantes. Autant de sujets qui renvoient au thème de la mort, une véritable obsession de l'artiste.

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Du graffiti à la peinture, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est l'une des comètes de l'art contemporain. Mort d'une overdose à l'âge de 27 ans, ce jeune...

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Cinquecento siècle du bizarre, beaux arts p.70-79

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Cinquecento siècle du bizarre, beaux arts p.70-79

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manierisme

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En bref

Réaction à l'hégémonie de la perfection classique, le maniérisme est un courant esthétique de la fin de la Renaissance qui envisage une nouvelle représentation du canon hérité de l'Antiquité. Ses principaux représentants, pour le contexte italien, sont Pontormo, Parmigianino, Bronzino, Arcimboldo... Ces artistes ont puisé leur première source d'inspiration dans l'art de Raphaël et de Michel-Ange. Privilégiant l'artificialité, rejetant les lois de la perspective albertienne, ils magnifient l'arabesque, le mouvement, la gestualité au détriment de la pensée classique. Le maniérisme annonce en quelque sorte le style baroque.

" Ce qu'on doit bien comprendre avec le maniérisme, c'est qu'il a une dimension ludique, le paradoxe maniériste étant très souvent un jeu. " Daniel Arasse

Son histoire, ses idées clés

Apparu dans les années 1520, le maniérisme - qui signifie manière ou style - s'écarte de la représentation classique et mathématique pour ériger l'artificialité en principe fondateur d'une nouvelle esthétique. Art profondément subjectif, il est en quête d'expressivité plus que d'harmonie. Ce changement d'état d'esprit est lié à la fois à la disparition du plus grand peintre de la génération précédente, Raphaël, mais aussi à l'évolution du temps. L'ordre religieux se fissure et l'époque annonce un schisme entre les catholiques et les protestants. L'autorité papale perd de son influence et laisse la porte ouverte à une plus grande diversité d'expression des images religieuses, l'iconographie dominante de la Renaissance. Le maniérisme prend fin en Italie dans les années 1580.

Le maniérisme se caractérise par une certaine exagération des formes et des proportions, ce qui donne aux personnages un aspect irréel. Les artistes privilégient la ligne serpentine (en S), mais aussi une véritable théâtralisation de la mise en scène, au moyen d'un éclairage fortement contrasté et de l'éloquence des gestes. Leurs œuvres confinent à l'étrangeté.

Florence fut la capitale du maniérisme italien. De tous les artistes à adopter cette manière, Bronzino, élève de Pontormo, est le plus connu et l'un des plus originaux. Il fut peintre officiel de la cour de Cosme I er de Médicis. L'art de Bronzino se caractérise par sa palette privilégiant les couleurs claires et les tonalités parfois acides. Peintre de sujets religieux et allégoriques, il s'est également illustré dans l'art du portrait aristocratique.

Le peintre Giuseppe Arcimboldo incarne lui aussi l'esprit maniériste, avec ses allégories fantastiques inspirées de la nature. L'auteur des Quatre Saisons est à l'origine de véritables rébus visuels. La nature, sous son pinceau, n'est plus nature morte mais bien vivante !

Le maniérisme a parfois été perçu comme un art de décadence, d'imitation dénaturée des grands artistes de la Renaissance. Il est vrai que l'art de Raphaël, de Michel-Ange (notamment les décors de la chapelle Sixtine, 1512) et de Léonard de Vinci, considérés comme l'expression d'un aboutissement esthétique, ont exercé une grande influence sur ces peintres. Cependant, les maniéristes ne furent pas de simples suiveurs. Ils ont mené une véritable quête d'originalité, nourrie par leur grande culture littéraire, à destination d'un public élitiste.

Le goût pour le maniérisme s'est diffusé dans le reste de l'Europe, en particulier dans les Flandres (notamment à Anvers). On trouve également trace de cette influence en France, à travers l'École dite de Fontainebleau, grâce à la présence à la cour de François I er de Rosso Fiorentino et du Primatice.

Quelques œuvres maniéristes
Agnolo Bronzino, Portrait d'une dame en rouge, Parmigianino (en français Le Parmesan), La Vierge au long cou, 1534-1535 www.palazzostrozzi.org 1525-1530
L'identité du modèle de ce portrait peint par Bronzino, peintre officiel de la cour de Toscane, est malheureusement inconnu. Mais il est certain qu'il s'agissait d'une aristocrate (comme le montre la richesse de ses atours). L'œuvre relève du courant maniériste par sa préciosité, sa dimension allégorique (froide comme le marbre, la figure semble être une allégorie de vertu), l'illusionnisme des étoffes, la carnation très pâle du modèle (autre caractéristique des portraits maniéristes). Il s'agit manifestement d'une œuvre réalisée pour un commanditaire fortuné, ne serait-ce qu'en raison du choix de représenter le modèle dans une ample robe rouge, un pigment particulièrement coûteux à fabriquer à cette époque.

Avec son corps exagérément élancé, cette vierge correspond tout à fait au canon maniériste. Son long cou pourrait évoquer celui d'un cygne. L'Enfant-Jésus présente également une physionomie hors normes, disproportionnée, et il apparaît installé d'une façon bien instable sur les genoux de sa mère. L'artiste a renforcé le sentiment d'étrangeté et de surnaturel en associant le duo divin à des figures angéliques de plus petite taille. Cette œuvre a été commandée pour une église de la ville de Parme, dont l'artiste était originaire.

Ce tableau appartient à une série sur le thème des quatre saisons commandée au peintre par l'empereur Maximilien II de Habsbourg. L'allégorie de la troisième saison de l'année prend la forme d'un homme barbu d'âge mur. Le raisin tient une place prépondérante dans la physionomie du personnage. Arcimboldo fut considéré par ses contemporains comme un peintre particulièrement fantaisiste. En raison de leur bizarrerie, ses œuvres pouvaient aisément rejoindre le cabinet de curiosité d'un amateur de son temps, où l'on appréciait de collectionner des espèces curieuses issues du monde végétal, minéral et marin.

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Réaction à l'hégémonie de la perfection classique, le maniérisme est un courant esthétique de la fin de la Renaissance qui envisage une nouvelle représentation du canon hérité de l'Antiquité. Ses principaux représentants, pour le contexte italien, sont Pontormo, Parmigianino, Bronzino, Arcimboldo... Ces artistes ont puisé leur première source d'inspiration dans l'art de Raphaël et de Michel-Ange.

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Personne qui a le sens de la beauté et est capable de créer une œuvre d'art : Une sensibilité d'artiste.

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Définitions : artiste - Dictionnaire de français Larousse

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artiste - Définitions Français : Retrouvez la définition de artiste, ainsi que les synonymes, expressions, citations... - Dictionnaire, définitions, section_expression, conjugaison, synonymes, homonymes, difficultés, citations.

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"nouveau dictionnaire des artistes contemporains" p.33/34

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Le Pop art a vu le jour en Amérique dans les années 50. Un contexte historique particulier dans avec les artistes tel Roy Lichtenstein et Andy Warhol.

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historique et définitions

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VANITATES VANITATUM, OMNIS EST VANITAS.

Vanité de Philippe de Champaigne (1602-1674)

Vanité des vanités tout est vanité, ces paroles de Arcimboldo ou Breughel.(voir ci-dessous)contre l'attachement aux biens terrestres. les symbolesla montrela bougie à demi éteinte. l'Ecclésiaste désignent la vacuité des actions humaines.

tels que
le crâne,
ou
le sablier,

Ces représentations symboliques prévenaient le spectateur des choses mondaines vues comme des leurres.
Dans tous les cas ce sont des préfigurations de la mort.

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Pour la définir, une vanité, c'est souvent une nature morte qui propose une méditation sur la mort et le caractère éphémère des biens terrestres.
Les objets représentés sont des choses qui satisfont les sens (argent, instrument de musique, fruits, fleurs, miroir) et ils sont discrédités par la présence d'une tête de mort ou bien d'un sablier symbole du temps qui passe.

Le thème parait donc dans la peinture occidentale
au 15 ème siècle dans les polyptyques flamands et se répand sous l'influence du calvinisme.

-Il se cache dans les anamorphoses et continue ainsi jusqu'à la fin du 17ème siècle.

-Le 18ème est trop peu religieux et trop attaché au bonheur, pour se faire peur avec ces représentations.

- Le 19 ème va exprimer sa philosophie du temps et de la mort d'une autre manière et en particulier dans la recherche intellectuelle et scientifique.

-Au 20ème siècle avec l'inquiétude de l'humanité, le thème réapparaît chez Cézanne, Braque ou Picasso.

-Dans l'art actuel le thème des vanités est d'une grande richesse et d'une grande diversification.

(de R.Dumoux)
donc, s'il faut retenir quelque chose , ce sera :
C'est un type de peintures qui illustre de façon symbolique:

1. le thème philosophique de la vie
2. la fragilité des biens terrestres
3. la futilité des plaisirs à travers la représentation de
natures mortes d'allégories ou de grands saints.

Les peintures de vanités sont issues de la Réforme et de la Contre-Réforme;
elles avertissent l'homme des dangers du développement des sciences et de la richesse
(en Hollande à cette époque).

Dans les tableaux, on déchiffre facilement

A l'origine les vanités renvoyaient à une intention morale et philosophique.
Le spectateur était mis en garde
(Du latin : vanus)

Il s'agit de l'énigme de la naissance et de la mort:
le temps et la mort sont l'essence du thème des vanités.

Le thème des vanités demeure et s'impose dans les arts depuis le 17 ème siècle,
voire depuis

Hans Holbein le Jeune. Les Ambassadeurs.
1533. National Gallery (Londres).

La vanité est une composition picturale baroque

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"Les Vanités" Historique et définitions. - Le blog d' Anne Paingault

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VANITATES VANITATUM, OMNIS EST VANITAS. Vanité de Philippe de Champaigne (1602-1674) Vanité des vanités tout est vanité, ces paroles de Arcimboldo ou Breughel.(voir ci-dessous)contre l'attachement aux biens terrestres. les symbolesla montrela bougie à demi éteinte. l'Ecclésiaste désignent la vacuité des actions humaines.

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Qu'est-ce que " la vanité " au singulier ?

Au singulier, le mot " vanité " a plusieurs sens. Il désigne d'abord un défaut humain : l'orgueil. Ainsi une personne vaniteuse est prétentieuse, trop satisfaite d'elle-même. Le mot " vanité " a cependant une autre signification. Il vient en effet du mot latin " vanitas " de " vanus " signifiant " vain " c'est-à-dire ce qui est vide, creux, inutile et illusoire. Une " vanité " désigne par conséquent tout ce qui est frivole et insignifiant.

Les " Vanités " au pluriel, qu'est-ce que c'est ?

Les " Vanités " sont des oeuvres d'art qui nous rappellent que nous sommes mortels et que notre vie s'achèvera un jour. Il peut s'agir de tableaux, de sculptures ou même de bijoux.
On nomme aussi " Vanité " certaines oeuvres littéraires, par exemple des poèmes qui évoquent ces thèmes : la vie éphémère et la mort.

À quoi servent les " Vanités " ? Quel est l'intérêt de parler ainsi de la mort aux vivants ?

Le principe des " Vanités " remonte à l'Antiquité. Ainsi lorsqu'un général romain défilait après une grande victoire, paradant devant le peuple lors d'une cérémonie de triomphe, un esclave se tenait debout derrière lui. Tandis que le général recevait les plus grands honneurs, se gonflait d'orgueil et de satisfaction, l'esclave brandissait une couronne de lauriers au-dessus de sa tête. Et il ne cessait de lui répéter à l'oreille : " Memento mori ! Memento mori ! ". Cela signifie : " Souviens-toi que tu es mortel, souviens-toi que tu vas mourir. ". Le général romain ne pouvait donc pas être trop prétentieux. Il était invité à profiter de ce triomphe mais aussi à se rappeler que sa joie ne pouvait être qu'éphémère et qu'après tout, il n'était qu'un homme, appelé à mourir un jour... En un mot, son orgueil était rabaissé.

Une invitation à profiter de la vie

Horace, un célèbre poète latin du Ier siècle avant Jésus-Christ écrit : " Mangeons, buvons et soyons joyeux, car nous mourrons demain ". Cette fois, on le comprend, il s'agit moins de modérer une tendance à la prétention que d'inviter chacun à profiter de la vie. En ce sens, la pensée d'Horace se rapproche du célèbre adage romain : " Carpe diem ", c'est-à-dire " Cueille le jour " qu'on pourrait résumer ainsi : profite de la vie !

Le rappel de cette mort qui viendra achever chaque existence humaine est présent dans l'Ancien Testament de la Bible, dans le livre appelé " L'Ecclésiaste " ou bien " Livre de Qohelet ". Cet homme se désigne comme étant " fils de David, roi de Jérusalem ". En latin, ce discours débute ainsi : " anitas vanitatum et omnia vanitas " extraits sont donnés en bas de cette page ). Dans ce célèbre livre, il est indiqué entre autres qu' " il n'y a rien de nouveau sous le soleil " et qu' " il y a un temps pour tout ".

De nombreuses vanités ont un but religieux : l'Homme doit adorer Dieu et penser à son salut.

Quelle époque est concernée par les " Vanités " ?

En vérité, de l'Antiquité à aujourd'hui, toutes les époques sont concernées par les Vanités !

Pourtant c'est particulièrement au XVIIe siècle qu'on a produit de nombreuses peintures de " Vanités " avec un traitement baroque ou bien classique, en France et dans toute l'Europe. Parmi les oeuvres célèbres françaises du 17e siècle, on peut citer Saint François en méditation (Le Caravage, vers 1602), (Philippe de Champaigne, vers 1650), (Georges de La Tour, 1640) et de nombreuses La Madeleine à la veilleuse Vanités de Simon Renard de Saint-André (1613-1677).

Il existe aussi des vanités aux siècles suivants, par exemple (Van Gogh, 1886) ou encore Crâne de squelette fumant une cigarette Skull (Andy Warhol, 1976).

Quels sont les éléments qu'on retrouve dans les " Vanités " ?

Plusieurs éléments se retrouvent souvent dans ces oeuvres d'art appelées " Vanités ". Ainsi la fuite du temps qui passe, la brièveté de la vie, sont évoquées par des sabliers, des bougies qui se consument ou des horloges. Le crâne, bien entendu, évoque la mort prochaine, du moins la mort qui ne manquera pas d'arriver un jour. Les effets du temps sont aussi souvent représentées à travers les fleurs (qui se fanent rapidement), les fruits (qui s'abiment), les pierres (qui se lézardent)...

Les plaisirs de la vie sont considérés comme " vains ". Ils ne sont que futiles et dérisoires au moment de mourir. Ainsi les " Vanités " présentent des éléments qui font référence aux sciences (par exemple des compas ou des globes), aux arts (la musique, la littérature, la peinture...), à la puissance et aux honneurs (pièces d'argent, médailles, bijoux...) et bien sûr à la beauté (miroir...).

En effet la beauté, la puissance, la richesse, la considération sociale... tout ceci ne dure pas éternellement !

Chapitre 1 : [ 1 ] Paroles de l'Ecclésiaste, fils de David, roi de Jérusalem. [ ] Vanité des vanités, dit l'Ecclésiaste, vanité des vanités, tout est vanité. [ 2 ] Quel avantage revient-il à l'homme de toute la peine qu'il se donne sous le soleil? [ 3 ] Une génération s'en va, une autre vient, et la terre subsiste toujours. [ ] Le soleil se lève, le soleil se couche; il soupire après le lieu d'où il se lève de nouveau. [ 4 ] Le vent se dirige vers le midi, tourne vers le nord; puis il tourne encore, et reprend les mêmes circuits. [ 5 ] Tous les fleuves vont à la mer, et la mer n'est point remplie; ils continuent à aller vers le lieu où ils se dirigent. [ ] Toutes choses sont en travail au delà de ce qu'on peut dire; l'œil ne se rassasie pas de voir, et l'oreille ne se lasse pas d'entendre. [ 6 ] Ce qui a été, c'est ce qui sera, et ce qui s'est fait, c'est ce qui se fera, il n'y a rien de nouveau sous le soleil. [ 7 ] S'il est une chose dont on dise: Vois ceci, c'est nouveau! cette chose existait déjà dans les siècles qui nous ont précédés. [ ] On ne se souvient pas de ce qui est ancien; et ce qui arrivera dans la suite ne laissera pas de souvenir chez ceux qui vivront plus tard. [ 8 ] Moi, l'Ecclésiaste, j'ai été roi d'Israël à Jérusalem. [ 9 ] J'ai appliqué mon cœur à rechercher et à sonder par la sagesse tout ce qui se fait sous les cieux: c'est là une occupation pénible, à laquelle Dieu soumet les fils de l'homme. [ ] J'ai vu tout ce qui se fait sous le soleil; et voici, tout est vanité et poursuite du vent. 10 11 12 13 14

Chapitre 3 : [ 1] Il y a un temps pour tout, un temps pour toute chose sous les cieux: [ 2] un temps pour naître, et un temps pour mourir; un temps pour planter, et un temps pour arracher ce qui a été planté; [ 3] un temps pour tuer, et un temps pour guérir; un temps pour abattre, et un temps pour bâtir; [ 4] un temps pour pleurer, et un temps pour rire; un temps pour se lamenter, et un temps pour danser; [ 5] un temps pour lancer des pierres, et un temps pour ramasser des pierres; un temps pour embrasser, et un temps pour s'éloigner des embrassements; [ 6] un temps pour chercher, et un temps pour perdre; un temps pour garder, et un temps pour jeter; [ 7] un temps pour déchirer, et un temps pour coudre; un temps pour se taire, et un temps pour parler; [ 8] un temps pour aimer, et un temps pour haïr; un temps pour la guerre, et un temps pour la paix.

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Au singulier, le mot " vanité " a plusieurs sens. Il désigne d'abord un défaut humain : l'orgueil. Ainsi une personne vaniteuse est prétentieuse, trop satisfaite d'elle-même. Le mot " vanité " a cependant une autre signification.

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La peinture de Vanités est un genre particulier de nature morte à haute valeur symbolique, qui se développe au XVIIe siècle, particulièrement dans la peinture hollandaise à l'époque baroque. Dans les vanités, les objets représentés sont tous symboliques du vide de l'existence terrestre. La vie humaine est considérée comme vaine, précaire et sans valeur : memento mori (souviens-toi que tu vas mourir). De tous ces objets, le crâne humain est un incontournable et l'un des plus emblématiques (la mort). Mais on trouve aussi fréquemment la chandelle en partie consumée (la lumière qui va s’arrêter), le sablier ou la montre (la fin qui s’annonce), la bulle de savon (la futilité de la vie), les fleurs fanées (la mort)… Le genre de la Vanité disparaît presque complètement au XVIIIe siècle, avant d’être repris par des artistes modernes au XXe siècle. Le contexte est différent – la vanité exprime dorénavant toute représentation de la dépouille humaine - l’intention de l’artiste et la perception du spectateur sont dorénavant plus libres.

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Sur ce tableau, on peut remarquer beaucoup de symboles propres à la vanité en peinture. Ainsi, en bas à gauche du tableau, une corde, en train de se consumer, représente le temps qui passe. Le crâne, placé au centre du tableau et le verre cassé font référence à la mort qui nous attend. Les instruments de musique (flûtes) et des écrits renvoient aux plaisirs des Hommes alors que la présence d’un coquillage, de pièces et d’une étoffe illustrent la notion de richesse.

J’ai choisi cette vanité pour son originalité. Les bulles de savon m’ont particulièrement plu dans cette œuvre car elles représentent la fragilité de la vie. Elles se brisent et disparaissent, tout comme la vie.

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Sur ce tableau, on peut remarquer beaucoup de symboles propres à la vanité en peinture. Ainsi, en bas à gauche du tableau, une corde, en train de se consumer, représente le temps qui passe. Le crâne, placé au centre du tableau et le verre cassé font référence à la mort qui nous attend.

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Simon RENARD DE SAINT-ANDRÉ (Paris 1613-1677) Nature morte à la Vanité, Huile sur toile, Collection particulière - Photo de Vanités dans l'art ancien - Alain.R.Truong

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Simon RENARD DE SAINT-ANDRÉ (Paris 1613-1677) Nature morte à la Vanité, Huile sur toile, Collection particulière de l'album Vanités dans l'art ancien

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Simon Renard de St-André

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Simon Renard de Saint-André est un portraitiste français du ( Paris, 1613 - Paris, 1677) paradoxalement surtout connu pour ses vanités. Il est reçu à l' Académie royale de peinture et de sculpture le 26 mai 1663.

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les vanités

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Le baroque, forme de la contre-réforme, a réussi à mettre en place tout un système artistique autour du thème de la vanité. C'est une démarche tout à fait cohérente et aisément compréhensible : pour contrer l' humanisme et le protestantisme, qui en appellent à la raison, le baroque a affirmé de très nombreuses manières que tout est vain, que rien n'a de sens, que rien ne sert à rien.

Cela donne un mot d'ordre - " memento mori ", " souviens toi que tu vas mourir " - qui devient essentiel au catholicisme, et une série de représentations, communément appelé " vanités ", du terme employé dans le passage biblique " vanité des vanités, tout est vanité "

Le plus couramment existant sous la forme de peintures, les vanités montrent des " rappels " : on a ainsi un crâne, symbole de la mort, parfois un sablier pour désigner le temps qui passe. On a cependant également une systématisation de cette présentation allégorique, avec une fleur dans un vase (qui va donc faner), un fruit (qui va pourrir), une bougie allumée (qui va se consumer), etc.

A côté de cela, on peut également trouver des armes, symbole du pouvoir, de la gloire, présentés comme éphémères ; pour la même raison, on peut trouver des livres, des pages écrites à la main, tout cela étant présenté comme sans réelle signification.

Pareillement on peut trouver une bulle de savon, allégorie de la vie qui ne dure pas, qui n'a pas de sens, et la présence de jeux (de cartes, de dames, etc.) ou d'instruments de musique témoignent du caractère considéré comme futile du divertissement qui n'est là que pour tenter, vainement bien sûr, d'échapper à la mort inéluctable.

Cette intense propagande catholique tente ainsi de relativiser et de nier la science, à une époque où la bourgeoisie apparaît en tant que classe et revendique la rationalité. Le baroque est une démarche profondément réactionnaire historiquement et son sens profond est la négation de la possibilité même de la science.

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Baroque et contre-réforme - 4e partie : les vanités

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Le baroque, forme de la contre-réforme, a réussi à mettre en place tout un système artistique autour du thème de la vanité. C'est une démarche tout à fait cohérente et aisément compréhensible : pour contrer l' humanisme et le protestantisme, qui en appellent à la raison, le baroque a affirmé de très nombreuses manières que tout est vain, que rien n'a de sens, que rien ne sert à rien.

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Claude Monet, Le Saule pleureur, 1920-1922

Huile sur toile * 100 x 100 cm * Coll. musée d'Orsay, Paris * © RMN-Grand Palais / Michèle Bellot

Un saule en personnage principal ? Tiens donc. L'œil se souvient surtout de ses seconds rôles dans les Nymphéas. Nombreux sont les épisodes de la série où le timide frangé est planté comme un faire-valoir du nénuphar super star. Le figurant y multiplie les apparitions : dans le Matin clair aux saules, il structure la contemplation, dans Reflets d'arbres, le miroir de ses feuilles murmure au fond de l'eau, dans les Deux saules, il joue avec un confrère pour tirer les rideaux. Même pour le Pont japonais, le saule est caché à l'arrière-plan, rythmant le fond de la toile grâce à ses franges verticales.

Mais cette fois, le saule se présente en solo. Et finalement, la chose n'est pas si rare : Monet va en peindre une douzaine entre 1918 et 1922. Au gré des humeurs et des heures du jour, il décoiffe et recoiffe l'arbre dans son gros bouillon de feuilles. Le peintre souffle le chaud et le froid, le rouge et le bleu, le jaune et le mauve. En bon joueur de saule, ses harmonies hirsutes varient : saule acide, saule qui pleure, saule qui rit, saule qui brille, saule qui dort.

Dans cette version-là, le saule ne dort pas - ou alors d'un sommeil agité. Comme une " grosse mer à Giverny " avec quelque chose de bizarre. Dans cette tempête, l'eau est calme, seuls les verts éclaboussent. Face aux embruns, l'œil recompose l'ensemble à partir de ces feuilles qui serpentent. Ici pas de limite, pas de ciel, pas de nuage. Par instants, on croit voir du feu. Le plan d'eau se recouvre d'un rouge quasi corail... Va-t-on bientôt s'abîmer ?

Giverny, la grande fabrique

Monet débarque à Giverny en 1883. Tous les sujets sont là, savamment plantés, bouturés, taillés, nettoyés. Le jardin est une œuvre d'art totale, une nature parfaitement maîtrisée. L'artiste y creuse un bassin pour créer son jardin d'eau d'inspiration japonaise. Autour du miroir poussent les saules, les bambous et les nymphéas... Tous ces verts viennent du Japon, une inspiration qui se retrouve d'ailleurs sur les murs jaunes de la cuisine, recouverts d'estampes japonaises.

Cet Extrême-Orient inspire à Monet un autre rapport à la nature. Dans ce dialogue-là, l'homme va devoir se montrer humble. Il n'y a qu'à voir la Grande Vague dans laquelle il est si mal embarqué... Le japonisme de Monet n'a pas attendu les Nymphéas pour travailler selon le principe (répétitif) des célèbres Vues du Mont Fuji d'Hokusai. Vers 1890, il s'attaque à la série des Meules puis à celle des Peupliers. Mais curieusement, au fil des années, Monet va se rapprocher du sujet.

L'artiste plonge dans la matière. Cette innovation ne va pourtant pas émouvoir grand monde. Sa peinture de jardinier n'aimante plus la critique, qui n'y voit qu'un décor de porcelaine pour retraités. Les regards sont lassés, l'impressionnisme a fané. Et pourtant... Monet se fond dans la nature et entame avec elle un nouveau dialogue. Mais l'échange est incompris. Il faut attendre vingt ans pour qu'une nouvelle génération d'artistes américains poursuive la discussion : ils s'appellent Mark Rothko, Barnett Newman ou Joan Mitchell...

Joan Mitchell, Painting, 1956-1957

Huile sur toile * 199,5 × 200 cm * Coll. Centre Pompidou, musée national d'Art moderne, Paris * © MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian / © Estate Joan Mitchell

À lire aussi : Monet et ses héritiers abstraits, regards croisés sur la nature

Les arbres permettent aux peintres de se raconter. Au gré des ressentis, les coiffures varient. Parfois, c'est heureux : les bouclettes de l'Arbre de vie imaginé par Klimt rebiquent comme un sourire. Il y a de la vie, ça respire. Dans la Nuit étoilée, les cyprès de Van Gogh ouvrent un autre registre, plus tourmenté : les arbres sont noirs, coupés en pointe. Dans le genre " visions terribles ", les Arbres d'Automne dans le vent d'Egon Schiele sont assez éloquents. Les branches sont décharnées comme les corps étalés sur les plaines de Verdun.

Claude Monet, Saule pleureur, Giverny et Le Saule pleureur, 1920-1922 et 1921-1922

Huile sur toile * 120 x 100 cm et 116 x 89 cm * Coll. galerie Larock-Granoff, Paris et Coll. musée Marmottan-Monet, Paris * © akg-images - Erich Lessing et © Bridgeman Images

D'ailleurs, le 12 novembre 1918, Monet célèbre l'armistice en offrant la série des Nymphéas à l'État français. La paix universelle est prononcée par toutes ses vibrations de bleus apaisés... Mais les Saules ne figurent pas dans le présent d'après-guerre. En regardant les dernières œuvres de la série, on comprend pourquoi : sur les toiles, c'est un déluge de feu, un grand brasier. Entrés en éruption, certains saules dégueulent des flammes comme le canon.

Par endroits, le feu vient même brûler le plan d'eau. Le joueur de saule broie-t-il du noir ? On ne sait pas. Monet applique pourtant le même principe qu'avec ses bleus nénuphars : la coiffe rebelle de l'arbre lui permet de bousculer notre vision. Les branches tombées dans l'étang fusionnent ciel, terre et eau. Ciao l'horizon, tout se joue à l'intérieur... Mais avec les saules, le monologue prend parfois des accents crépusculaires.

À lire aussi : La puissante révélation des Nymphéas

Musée de l'Orangerie * Jardin des Tuileries - Place de la Concorde * 75001 Paris
www.musee-orangerie.fr

Le blog de Louvre-Ravioli

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Un saule en personnage principal ? Tiens donc. L'œil se souvient surtout de ses seconds rôles dans les Nymphéas. Nombreux sont les épisodes de la série où le timide frangé est planté comme un faire-valoir du nénuphar super star.

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(bizarre)

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aléatoire

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Bizarre qualifie ce qui sort de l'usage ou de l'ordre commun, qui est original, extraordinaire, insolite, singulier.

Synonymes : cocasse, étonnant, étrange, excentrique, anormal, abracadabrant, singulier, inhabituel, insolite, saugrenu, biscornu, baroque, déroutant, curieux, fantaisiste, fantastique, farfelu, extravagant, fantasque, loufoque, surprenant, déconcertant

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Bizarre : Définition simple et facile du dictionnaire

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Bizarre : définition, synonymes, citations, traduction dans le dictionnaire de la langue française. Définition : Bizarre qualifie ce qui...