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Las Secesiones como experiencias modernistas-simbolistas que están planteando una discusión con el "Campo" artístico del fin de siglo xix

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relación: herencia: incidencia de la luz y el valor en el color.

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La puerta abierta. William Henry Fox Talbot. 1844.

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Representación de una escena de la vida cotidiana y de la clase baja.

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-Representación de zapatos desgastados simbolizando el trabajo y trayectoria de su dueño

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Los comedores de patatas, Van Gogh (1885)

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-Representación de una familia de campesinos comiendo tras terminar sus labores.
-Utilización de líneas remarcadas, fisionomías con tono caricaturesco, utilización del claroscuro. Emplea estos elementos para cargar al cuadro de expresividad.
-Realismo inspirado en Millet y Daummier.
-La pobreza esta implicita en el ambiente, la casa pequeña, la mesa diminuta para cinco personas, la comida.
-Alejado de sus obras posteriores.

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(uno de los móviles de la  reforma de la pintura)

"permitió observar cosas que el ojo humano mas lento y menos preciso no puede captar. (los movimientos de las piernas de las bailarinas, o un caballo al galope) ".  Argan.

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Los campesinos de Flagey volviendo de la feria. Courbet (1850)

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Representación de la vida cotidiana campesina.

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Fotografía/ retrato:
Reflexión de una realidad visual.  (dos posturas: 1 reflexión realista. 2: la fotografía tambien se construye de la visión del artista por ende no es un reflejo real. tambien es una construcción).

Construcción escenográfica artificial.
Transformación en las costumbres.

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Investigación pictórica. (Neoimpresionismo)
Búsqueda de la elevación de la pintura a ciencia.
(Argumento)
(Diviosinismo y fotografía):
Similaridad técnica
(creación de la imagen por aplicación del color en diminutas cantidades de tinte).

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Fotografía y Ciencia.
Imagen científica y la ilustración precisa..

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Rue de Paris, temps de pluie, Caillebotte, 1877. 

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Captura: instante
Espacio: fondo/ Transformación visual:
Influencia del ojo mecánico

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(encuadre fotográfico)
Transformación: recorte/ selección del espacio.
Inmediatez : captura, propiedad de observación del instante.

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-Valoración de la inmediatez y la instantaneidad.
(Capacidad técnica).

-Reflejo visual de una realidad física. (Pone a la pintura en competencia)

-La subjetividad del artista construye parte de la imagen.
(punto de vista).  selección de lo que se muestra y lo que se oculta.  " El fotógrafo también manifiesta sus inclinaciones estéticas": Argán.

- <Captura de visión>
- Valor de la instantaneidad del "aquí y ahora". El disparo de luz.

-Transformación escenográfica del espacio representativo.
aparición de Nuevas escenografías y encuadres.   (selección y recorte del espacio. )   (Retratos,  transformaciones escenográficas y lumínicas).

-Medio Mecánico: Influencia Neo impresionismo:
Puntillismo . (creación de la imagen por divisionismo- concepto análogo al medio mecánico).

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Las posibilidades brindadas por el desarrollo industrial logrado por la fotografía generan El acercamiento y la posibilidad a nuevas miradas. Acercamientos al detalle. Transformación de los encuadres
el espacio particular.

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-Encuadre fotográfico y punto de vista inusual.
-Valores táctiles: ej. menor nitidez
-Espacio polisensorial

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Exposición

El movimiento Arts and Crafts, ligado al diseño y a las artes decorativas, nació en Gran Bretaña hacia 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de América y Europa hasta llegar a Japón. Su máximo ideólogo fue el artista y escritor William Morris (1834-1896) y tomó su nombre de la Arts and Crafts Exhibition Society, fundada en Londres en 1887.

Fue un movimiento nacido desde los ideales, la preocupación por los efectos de la industrialización en el diseño, el saber y la vida cotidiana. Abogaba por una reactivación de la artesanía tradicional, un retorno a una forma de vida más simple y una mejora en el diseño de objetos domésticos ordinarios.

La exposición será la primera muestra de Morris y las Arts & Crafts que tendrá lugar en España y presentará obras maestras de este movimiento artístico. Llega a Barcelona después de su exposición en Madrid, del 6 de octubre de 2017 al 21 de enero de 2018, en la Fundación Juan March.
Catálogo de la exposición
Con motivo de la exposición se ha hecho una pequeña intervención en la sala 69 de Arte Moderno que incluye un retablo gótico y dos encuadernaciones de principios del s. XX de la Biblioteca . Estas obras ilustran las conexiones que se establecen con este movimiento inglés .
#WilliamMorris Organizan

Ámbitos

Ámbito 1 Los inicios (1834-1860)

En las décadas de 1830 y 1840, el diseño victoriano se vio influido por el estilo neogótico; Augustus W.N. Pugin era su principal representante y afirmaba que la calidad de los edificios refleja la calidad de la sociedad que los construye. En sus libros, Pugin yuxtapuso imágenes de monasterios medievales católicos con ciudades protestantes modernas e insistió que todo elemento arquitectónico debía resultar esencial para su función y mostrarse con honestidad.

Durante su juventud, William Morris se interesó más por las iglesias antiguas del condado de Essex y las novelas de Walter Scott que por los debates en torno al diseño. Aquellas lecturas fueron determinantes para su visión de un pasado medieval repleto de caballerosidad y aventura. Sin embargo, el despertar intelectual y estético de Morris se produjo en Oxford, donde conoció a Edward Coley Burne-Jones. Juntos descubrieron la pintura de los prerrafaelitas y la obra de John Ruskin, que celebraba la belleza de los edificios medievales y la obra de los artesanos que los crearon. En concreto, el capítulo "The Nature of Gothic" [La naturaleza del gótico] de The Stones of Venice [Las piedras de Venecia] (1851-1853) abrió los ojos de Morris a la creatividad o independencia de los artesanos medievales en contraste con la naturaleza impersonal de la producción mecanizada moderna.

Ámbito 2 La Red House

En 1860 Morris y su mujer, Jane Burden, se mudaron a la Red House [Casa roja], en Bexleyheath (Londres), diseñada por Philip Speakman Webb. Decoraron los interiores con pinturas murales, telas bordadas, muebles, vidrieras y azulejos. Estos elementos fueron diseñados por Morris y un grupo de amigos, entre los que se encontraban Burne-Jones y Dante Gabriel Rossetti, e ilustran la visión de Morris de un "palacio de arte" medieval. La satisfacción derivada de esta tarea, junto a las dificultades que tuvieron para encontrar productos comerciales de su gusto animaron al grupo a crear su propia compañía de artistas diseñadores. En 1861 se fundó Morris, Marshall, Faulkner & Co.

Ámbito 3 William Morris and Company (1861-1896)

Los primeros productos vendidos por Morris, Marshall, Faulkner & Co. fueron telas bordadas, azulejos pintados a mano y vidrieras, que ponían de manifiesto el entusiasmo de sus socios por el arte medieval. A mediados de la década de 1860, la compañía comenzó a producir artículos más comerciales, sobre todo papeles pintados y tejidos estampados. Estos objetos tenían un precio más asequible y contribuyeron a aumentar la variedad y el número de clientes.

El rechazo de Morris por los colorantes químicos lo llevó a experimentar con pigmentos naturales. Estos pigmentos produjeron colores tenues pero ricos y suntuosos, que realzaron sus patrones florales simples con sus formas orgánicas y rítmicas derivadas de la naturaleza y la ornamentación medieval.

La defensa de Morris de lo artesanal frente al proceso mecanizado respondía tanto a motivos estéticos como intelectuales. Consideraba que una obra hecha a mano producía placer y satisfacción a quien la creaba, mientras que el trabajo mecanizado era repetitivo y bloqueaba toda libertad creativa. También se opuso con vehemencia a la deshumanización, la explotación y los bajos salarios asociados al trabajo en las fábricas.

Morris & Co. -como se denominaría la firma a partir de 1875- se convirtió en una empresa próspera y muy conocida de decoración, con representantes en muchos lugares de Europa y Estados Unidos. Sin embargo, Morris cada vez dedicaba más tiempo a la política. En 1881 se hizo miembro de la Social Democratic Federation [Federación Democrática Social] y trabajó incansablemente para promover la causa socialista mediante escritos, discursos y donaciones. Abandonó su idea original de que la sociedad podía ser transformada mediante el arte, para defender que el arte no podía florecer hasta que se reformara primero la sociedad.

En 1877 fue uno de los miembros fundadores de la Society for the Protection of Ancient Buildings [Sociedad para la Protección de Edificios Antiguos]. Su último logro profesional fue la Kelmscott Press, para la que diseñó tres tipografías y editó 52 libros con un total de 644 diseños. Como resumen de su carrera Morris dijo: "si me preguntasen cuál es la producción más importante del arte contestaría que una casa hermosa, y si me pidieran la segunda en importancia, diría que un libro hermoso".

Ámbito 4 El movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña (1887-1914)

El término "Arts and Crafts" [Artes y Oficios] se utilizó por primera vez en 1887 para describir la Arts and Crafts Exhibition Society [Sociedad para la Exposición de Artes y Oficios], que organizaría influyentes exposiciones entre 1888 y 1916. El movimiento reunió a arquitectos, diseñadores y artesanos que compartían una profunda preocupación por el impacto negativo de la industrialización en los oficios artesanales tradicionales, las comunidades rurales y la sociedad coetánea. Muchas de sus convicciones estaban inspiradas en las ideas de William Morris: en especial su énfasis en las "artes menores" y lo artesanal, y su convencimiento de que se podía mejorar la vida de las personas adoptando estilos de vida sencillos y objetos cotidianos bien diseñados fabricados con materiales de calidad.

El movimiento fue un fenómeno urbano sostenido por una red de escuelas, gremios, exposiciones y sociedades que surgieron en Londres y en otras ciudades principales, y que atrajo a un gran número de clientes y consumidores cultos y sofisticados. Pero también albergaba una profunda nostalgia por el campo y las tradiciones rurales. Algunos de sus seguidores buscaron una nueva vida en el campo y en 1884 se fundó la Home Arts and Industries Association [Asociación de Artes e Industrias del Hogar] para recuperar los oficios artesanales y mejorar la economía de las comunidades rurales más pobres.

El movimiento Arts and Crafts rescató el uso de materiales y habilidades tradicionales en interiores aireados y llenos de luz caracterizados por vigas vistas, chimeneas grandes, papeles pintados y textiles con coloridos motivos vegetales. Los muebles, realizados con maderas locales como el roble y el pino, incorporaron adornos tallados o incrustados y grandes bisagras de metal.

A comienzos del siglo XX, los artículos producidos por el movimiento Arts and Crafts habían alcanzado tal popularidad en Gran Bretaña que podían adquirirse en tiendas tan prestigiosas como Heal & Son o Liberty & Co.

Ámbito 5 La difusión internacional de los ideales Arts and Crafts (1890-1914)

El movimiento Arts and Crafts comenzó a extenderse fuera de Gran Bretaña a partir de la década de 1890. Diseñadores, fabricantes y comerciantes minoristas extranjeros visitaban sus exposiciones y muchos diseñadores británicos exponían fuera y vendían sus productos en tiendas como la Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing (París) o Sub Rosa (Estocolmo), así como en Barcelona, Berlín, Copenhague, Fráncfort o Zurich. La revista londinense The Studio publicaba versiones en francés, alemán y español y la estadounidense The Crafts man informaba sobre las últimas novedades.

Cada país adoptó de forma diferente las prácticas del movimiento. Mientras Gran Bretaña ofrecía un modelo a seguir respecto al trabajo en el taller y la recuperación de las técnicas artesanales, otros países exploraban diversas formas de relación con la industria y creaban artes que promovían cambios sociales y políticos, o profundizaban en las tradiciones locales para establecer un estilo nacional distintivo.

En Estados Unidos, Frank Lloyd Wright abrió los espacios interiores e integró en ellos mobiliario rectilíneo y elementos como las vidrieras. En Alemania, los talleres se centraron en la producción de artículos cotidianos de calidad a precios asequibles, combinando producción mecanizada y trabajo manual. Y mientras que el arquitecto holandés Hendrick Petrus Berlage se ocupó del ideal socialista del arte para el pueblo, los Wiener Werkstätte [Talleres vieneses] produjeron artículos caros hechos a mano para la élite pudiente y cosmopolita de Viena y su imperio. En Noruega y Finlandia se utilizó la imaginería vikinga y motivos extraídos de sagas y cuentos; en Suecia, la casa de Carl y Karin Larsson, Ett Hem [Un hogar], convirtió su vida familiar en modelo de una sociedad feliz y en paz. En nuestro país, Barcelona fue la ciudad en la que el movimiento Arts and Crafts tuvo mayor impacto. La Casa Amatller se decoró con telas del diseñador británico Harry Napper y, con motivo de la V Exposición Internacional de Bellas Artes e Industrias Artísticas (Barcelona, 1907), el coleccionista Alexandre de Riquer contribuyó a que el hoy Museu Nacional d'Art de Catalunya adquiriera obras de artistas y artesanos británicos.

Actividades

Actividad en torno a la exposición

Conferencias, cursos y coloquios

Actividad en torno a la exposición

Actividad en torno a la exposición

Actividad en torno a la exposición

Actividad en torno a la exposición

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William Morris y el movimiento Arts & Crafts en Gran Bretaña

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El movimiento Arts and Crafts, ligado al diseño y a las artes decorativas, nació en Gran Bretaña hacia 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de América y Europa hasta llegar a Japón.

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Dialéctica entre realismo y impresionismo

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Dialéctica entre realismo y impresionismo:

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En 1848, en plena era victoriana, surgió la hermandad prerrafaelita. Un grupo de jóvenes reivindicaban el regreso a una pintura pura, con la edad media como referencia.
Sus miembros fundadores fueron William Hunt, Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, que eligieron como referencia todo el arte anterior al renacentista del quattrocento Rafael Sanzio.
Los prerrafaelitas representaron obras de Dante y Shakespeare

Sus valores mezclaban el arte con la religiosidad y la espiritualidad, muy propios de la Inglaterra de finales del XIX. Sugerentes representaciones cargadas de sensualidad y amenazadora quietud, sus temas principales siempre suelen ser los literarios. Eligen representar historias de Dante o Shakespeare.

Los prerrafaelitas plantearon de esta forma, como hicieron los pintores realistas, una oposición a las convenciones del arte de su momento y los cánones oficiales. Todos tenían en común la aversión hacia el

"academicismo insustancial del arte contemporáneo"

Los temas históricos y religiosos de la fraternidad prerrafaelita

Los prerrafaelitas se sentían especialmente atraídos hacia los temas históricos, religiosos y también mitológicos. Destacable sería por ejemplo la Proserpina o Perséfone de Dante Gabriel Rossetti, o la Bella Isolda de William Morris.

Este grupo estuvo estrechamente relacionado con el movimiento Arts and Crafts, y también ejercieron una notable influencia sobre el desarrollo del Art Nouveau y del Arte Simbolista.

La pintura "El despertar de la conciencia" de Hunt realizada en el año 1854, se convirtió en un símbolo de la rígida moral victoriana. Representa el rechazo de una joven ante la insistencia de su pretendiente.

Los prerrafaelitas y la femme fatale

Uno de los temas que más comúnmente han pasado a la historia del arte en cuanto a los prerrafaelitas es su representación de las femme fatale. Fue precisamente Rossetti quien las explora trasladando al lienzo su propia relación personal con las mujeres.

Mujeres que nos parecen distantes, vistas desde una óptica empañada por cierta melancolía. Seriamente perturbado por el suicidio de su esposa tras dar a luz a una niña que nació muerta, el pintor sufría de serios episodios de insomio y depresiones, quitándose la vida finalmente en el año 1872.

Sin embargo Rossetti es sin duda el miembro más activo e influyente del movimiento prerrafaelita, y el más célebre a nivel internacional.

Los prerrafaelitas más naturalistas

Por su parte John Everett Millais planteó una versión pictórica mucho más cercana al naturalismo. Sus temas sentimentales, evocadores de la niñez, nos muestra su visión algo menos poética que sus compañeros de fraternidad pero con clara intención moralizadora.

Tras la disgregación de los primeros miembros que se unieron en el grupo prerrafaelita, se unieron a ella otros pintores como lo hizo Edward Burne Jones. Jones fundó junto con Rossetti el segundo grupo prerrafaelita, influyendo enormemente en las siguientes generaciones simbolistas.
Eso sí , se mantuvieron los temas preferidos en torno a la religión, los mitos clásicos y las leyendas medievales.

También formó parte de este segundo grupo el ya mencionado William Morris, que determinó la creación de las artes decorativas.

En lucha contra lo instaurado de la revolución industrial, la creación automatizada y la falta de amor y detallismo en los productos creados del momento, Morris reivindicó lo artesanal y realizado con mimo, con su marcado compromiso social.
Fundó el Morris and Company y lideró el movimiento Arts and Crafts (Artes y oficios)

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Hermandad Prerrafaelita, precursores del Art Nouveau y el simbolismo.

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En época victoriana, surgió la hermandad prerrafaelita: un grupo de jóvenes que reivindicó el arte anterior al Renacimiento, lo surgido antes de Rafael Sanzio.

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Imagen de la mujer como símbolo de poder, lujuria y peligro para el hombre.

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[Stacatto] La Mujer Fatal en el Simbolismo | Shook Down Underzine

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Aunque la iconografía de la femme fatale se enmarca preferentemente dentro de unos determinados movimientos artísticos, en realidad, el tema, más que ser

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[Stacatto] La Mujer Fatal en el Simbolismo

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Antecesores:
William Blake, Samuel Palmer, Edward Calvert

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Nuevos medios.
Fotografía científica
Influencia a la pintura.

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Según Lucie Smith: el símbolo es un catalizador de la psique. Busca crear una realidad diferente y es una síntesis entre elementos del mundo real.

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Según Argán: El simbolismo no quiere desfigurar o desmaterializar el arte, lo que pretende es traer a la realidad, hacer presente y visible algo que se considera que pertenece únicamente al espíritu. Superación del impresionismo.

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masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas

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El Simbolismo entiende el arte como un sueño, lo que les relaciona con la revelación freudiana de las leyes de la experiencia psíquica

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BERTHE MORISOT Y MARY CASSATT CON LOS PINTORES DE SU ÉPOCA

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Morisot y Cassat

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Berthe Morisot (1841-1895) y Mary Cassatt (1844-1926) junto con Eva Gonzalès o Marie de Bracquemond a pesar de los impedimentos de la época fueron las pioneras en la participación de la mujer en los movimientos artísticos que empezarían en la cultura occidental a partir de ese momento.
Berthe y Mary eran mujeres de familias acomodadas que llegaron a París para estudiar desde la zona centro de Francia y de Filadelfia en Estados Unidos.
Ambas llegaron a tener amistad incluso parentesco con los más reconocidos pintores impresionistas. Estuvieron influenciadas o fueron alumnas de los inspiradores del grupo, Corot y Manet.
Berthe presentó a Manet al grupo impresionista, fue su modelo y se casó con su hermano. Mary no pudiendo realizar estudios de Bellas Artes por no admitir a mujeres, entró como alumna en el estudio de Gérôme, importante pintor pompier de la Academia Francesa
En aquel momento las obras realizadas por mujeres eran tratadas con desprecio, pero su empeño y participación en las exposiciones les abrieron un hueco dentro del grupo.
Una frase como "Ninguna mujer tiene el derecho de dibujar así" la dijo Degas a propósito de una obra de Mary Cassatt con la que compartió proyectos durante largos años. Ambos tenían sus estudios muy cerca y se consideraban pintores de la figura humana. Mary contribuyó a introducir la obra de Degas en Estados Unidos.
Berthe Morisot fué junto con Camile Pissarro fueron los únicos artistas que participaron en las ocho exposiciones del grupo de los impresionistas.
Ambas fueron etiquetadas como artistas femeninas por su temática de la vida cotidiana, expresando con el toque impresionista su entorno social.
La obra de Berthe Morisot tiene más parecido a la de Monet y Pisarro por el placer de la pintura al aire libre y la pincelada suelta de ambos
La obra de Mary Casatt tiene más afinidad con Degas y Renoir que son los artistas que más trataron el tema de la figura humana. De Degas tiene el gusto dibujo y por la técnica del pastel, de Renoir recoge el tratamiento a trazos visibles del color y la sensibilidad de las figuras

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COMPARANDO A BERTHE MORISOT Y MARY CASSATT CON LOS PINTORES DE SU ÉPOCA

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Berthe Morisot (1841-1895) y Mary Cassatt (1844-1926) junto con Eva Gonzalès o Marie de Bracquemond a pesar de los impedimentos de la época fueron las pioneras en la participación de la mujer en los movimientos artísticos que empezarían en la cultura occidental a partir de ese momento.Berthe y Mary eran mujeres de familias acomodadas que llegaron a París para estudiar desde la zona centro de Francia y de Filadelfia en Estados Unidos.Ambas llegaron a tener amistad incluso parentesco con los más reconocidos pintores impresionistas.

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Captación instantánea de la fugacidad

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-Según Argan comienzan en las ultimas decadas de siglo XIX y en las primeras del XX.
-movimientos de artes y oficios
-cruces de lenguajes
-Art nouveau
-Funcionalismo

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-Moreau: temas bíblicos y míticos
-Redon: fantasía onírica
-Chavannes: evocación poética

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En esta tendencia que rechaza el arte burgués y todo lo que tenga que ver con ellos, surge un nuevo estilo que busca la evasión de este mundo academicista e industrial. ¿Qué mejor manera de huir de este mundo que soñar? El arte simbolista se acerca a los sueños, a un mundo onírico, sensual y decadente, tomando como modelo en muchas ocasiones oriente, tierra-imagen-que aparece envuelta en las nieblas del enigma, allí donde la razón deja de hacer pie y cede su lugar a la emoción.

El Simbolismo es un movimiento paralelo a la literatura que surge en Francia sobre 1880 como reacción al realismo y al positivismo, al conocimiento empírico del que hablábamos en el apartado anterior. Se considera la obra de arte como una emoción, quieren expresar algo distinto a lo real (entiéndase: lo real reducido a la cuantificación científica, a la matemática), a lo tangible y, por ello, se acercan a lo espiritual. Los temas, por tanto, con lo irracional, con lo subjetivo; algo que podemos ver en los artistas más destacados de este movimiento: Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon. Lo material no desaparece, pero ahora se convierte en vehículo de una realidad que está allende los sentidos.

Moreau se aproxima a los temas orientales como podemos ver en La aparición de la cabeza de San Juan Bautista Salomé donde presenta la mujer con una fuerza sexual inusitada al tratarse de un tema religioso. Su pintura es rica en ornamentos, texturas y colores como también podemos observar en Faetón o Júpiter y Semele.

Puvis de Chavannes tiende algo más al clasicismo, es más equilibrado en sus obras y realiza muchos murales donde destaca el uso del color. el dibujo es muy importante en este artista, pero parece puesto al servicio de lo onírico. En los lienzos, como El pescador pobre, donde utiliza óleo sobre lienzo pero con una técnica que los aproxima al fresco.

Odilon Redon es el más onírico de este estilo acercándose siempre a la simpleza en la representación. Trabajó en blanco y negro durante un buen tiempo para tener después una explosión de color, su pintura se hace brillante y alegre, como en El baño de Venus.

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Ernestina González Causse, Sergio Altea Cueto

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En esta tendencia que rechaza el arte burgués y todo lo que tenga que ver con ellos, surge un nuevo estilo que busca la evasión de este mundo academicista e industrial. ¿Qué mejor manera de huir de este mundo que soñar?

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-Procede del ámbito literario (Mallarme)
-Replantea un problema de contenidos
-Conecta con las primeras instancias romanticas de Blake y Fussli

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-Cézanne, Van Gogh y Gauguin

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A finales del siglo XIX y primeros años del XX, un grupo de pintores impresionistas, después del analizar los planteamientos del impresionismo, lo cuestionan, lo critican, e inician una nueva forma personal de pinta, basada en la recuperación del dibujo y en la preocupación por captar no sólo la luz, sino también la expresividad de los personajes y cosas que aparecen en el cuadro. En sus obras, no renuncian a los colores vivos, la pincelada amplia y cargada de pintura, ni a los temas de la vida cotidiana, pero en ellos nos dan una visión más subjetiva del mundo

A este grupo de pintores los denominamos Postimpresionistas.

El término "Postimpresionismo" lo empleó por primera vez en 1910 , el pintor y crítico inglés Roger Fry, en la exposición, de Londres, que tituló "Manet y los postimpresionistas" sobre pintura francesa de finales del siglo XIX.
El postimpresionismo no es propiamente un estilo artístico con unos rasgos técnicos definidos y fácilmente identificables. Se trata, más bien, de un término con el que se designar a un grupo de artistas que lo único que tienen en común son sus inicios impresionistas, que pintan de forma muy personal, y desarrollan nuevas vías de expresión artística, considerándose por ello precursores de algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX: Cézanne de cubismo, Gauguin del movimiento "nabi" , y Van Gogh del fauvismo, expresionismo.

En su etapa impresionista aprendió a observar los objetos del natural y la importancia de la luz. Pero pronto se distancia de este grupo y centra su interés en la recuperación de los volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas, todo esto sin renunciar a los colores intensos, y las sombras coloreadas.

Más que captar el natural, le interesa análisis y la elaboración de la obra en el taller

Rompió las leyes de la perspectiva, aceptadas desde el Renacimiento, combinando diversos puntos de vista en el cuadro, como vemos en este bodegón con manzanas.

"Los jugadores de cartas"

En esta obra tanto las figuras, como la composición en su conjunto, presentan una estructura arquitectónica, compuesta por formas geométricas elementales

El tema de la montaña suministró a Cézanne la oportunidad de hacer visibles las características de su pintura, y que él mismo expone en una carta escrita a Paul Bernard en 1904: "tratar la naturaleza mediante el cilindro, la esfera y el cono, en perspectiva, de tal manera que cada costado de un objeto o un plano se dirija hacia un punto central. La naturaleza para nosotros, hombres, se presenta más en profundidad que en superficie". Es, sin duda, esta concepción de la imagen, la que más participa del gusto cubista, aunque los cuadros de Cézanne permanezcan alejados de lo que luego será el movimiento cubista.

En esta obra titulada " La montaña de Santa Victoria", nos muestra en primer término, un breve camino que se pierde rápidamente en la verde espesura de la vegetación, y al fondo una montaña . Conseguido con la yuxtaposición de colores cálidos y fríos, en pinceladas amplias, que definen manchas geométricas, en las que el paisaje se deja reconocer con claridad.

Los efectos de la luz sobre los colores del paisaje, solo le interesan por su capacidad de crear volúmenes

Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras, e identifica la sensación de plano al igual que en las estampas japonesas

Destaca por el uso expresivo del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrario que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos.

El color lo pune al servicio del significado simbólico o la idea del cuadro, sin someterse a la apariencia cromática de la realidad, en lo que se adelanto al fauvismo del siglo XX
Su obra es referente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas
Tiene dos temas preferentes el " primitivismo" de Bretaña y el mundo exótico de Tahití

Esta obra " La visión después del sermon: Jacob luchando con el ángel" muestra un grupo de mujeres bretonas que tienen una visión, inducida por el sermón que acaban de escuchar.
Es una obra sencilla en el tema y las formas, compuesta por grandes manchas de color intenso perfiladas por un borde negro, en lo que vemos la influencia de la estampa japonesa y la técnica del "cloisonnisme". Los "cloison" son los compartimentos contorneados en negro o azul en los que se aplica el esmalte de color en las piezas de cerámica.
El espacio y los colores arbitrarios refuerzan el mensaje del cuadro

"Calvario bretón"
Representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra

"Mujeres tahitianas"
Esta obra la realizó Gauguin durante 1891, su primer año de estancia en Polinesia. La escena representa a dos jóvenes tahitianas sentadas en la playa. Una de ellas realiza un trabajo artesanal, mientras que la otra tiene una actitud meditabunda.
En esta obra, utiliza la técnica desarrollada en su etapa bretona para superar las limitaciones expresivas del Impresionismo, y transmitir el primitivismo de la escena. Por una parte, aplica gruesas pinceladas de colores planos sobre el lienzo, en áreas delimitadas por el dibujo negro ("cloisonnisme"). Las formas se han depurado y simplificado en consonancia con el mensaje de sencillez y armonía con la naturaleza que nos quiere dar. Por otro lado, Gauguin consigue un efecto decorativo mediante el uso equilibrado del color, que está presente en tonos puros y brillantes.
El mensaje simbólico de la inocencia, lo transmite mediante la florerilla del suelo, y las que llevan las mujeres en el pelo. El uso de flores para simbolizar la inocencia será una constante en su obra.

"¿De dónde venimos...?"
Las preocupaciones vitales de Gauguin tuvieron reflejo en muchas de sus obras, pero en ninguna tanto como en esta. Ya el mismo título compendia la formulación de los grandes enigmas de la existencia humana: "¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?"
Se trata de un lienzo de grandes dimensiones: 139'1 x 374'6 cm. La composición gira en torno a la figura central, que está un poco desplazada hacia la derecha. Se basa en dos triángulos inscritos en las dos mitades del lienzo. En el de la izquierda se incluye el ídolo y dos figuras humanas sentadas en el suelo. En el triángulo de la derecha entran todas las personas del grupo de esa zona del cuadro.

Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció.

Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes, amarillo sobre naranja. Abre las puertas al expresionismo del XX.

"Café de noche. Interior"

En la composición de la escena, destaca el punto de vista muy elevado y en diagonal. Una puerta abierta provoca una mayor sensación de profundidad. La perspectiva está algo distorsionada, subordinada a las necesidades expresivas del artista.
El cuadro es una auténtica sinfonía de uso arbitrario del color a base de pares de complementarios. Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes. Van Gogh se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas. Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito a su hermano Theo que buscaba "crear una atmósfera de horno infernal, de azufre desvaído, para expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho."
En esta escena de interior, la luz proviene únicamente de las lámparas del techo, y de la habitación que se abre en la pared del fondo. En esta atmósfera asfixiante aparecen varios parroquianos juntos en el mismo local, pero en una pesada soledad.

"La habitación de Vincent en Arles"

Esta vez se trata simplemente de su dormitorio; por lo tanto, solamente el color debe hacerlo todo.

Cualquier cosa podía servir a van Gogh como motivo de trabajo. Lo esencial era el tratamiento cromático que se le daba para transmitir el estado de ánimo del pintor.
En el caso de su habitación Vincent transmite un uso expresivo del color: la silla era más oscura, pero la pinta amarilla (su color predilecto en Arles). También sabemos que el suelo era de baldosas rojizas, que se transforman en un color rosa terroso. Las paredes en realidad eran blancas, pero Vincent, para reforzar la viveza del color elige para ellas un azul claro, complementario de los naranjas y amarillos predominantes en los objetos. Los toques de rojo en la manta de la cama y de amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza al conjunto. Al marcar el dibujo en negro, se consigue enfatizar aún mas el uso de los colores llenado los objetos.
La pincelada es tremendamente pastosa. Con frecuencia pintaba con los colores extraidos directamente del tubo, sin mezclas. Por eso gastaba mucha pintura, y cada poco pedía colores a su hemano Theo. Al aplicar el color sigue la veta de la madera, reforzando su presencia.
En cuanto a la composición, la perspectiva y el tamaño relativo de los objetos están deliberadamente distorsionados. Sabemos que las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de 120 grados, por lo que la mesa está paralela a la pared del fondo. Esto también explica que la cama parezca más cercana al fondo en nuestra parte izquierda que en la derecha, dejando sitio para la percha con las ropas.
Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas de objetos (dos almohadas, dos pares de cuadros, dos sillas

"La noche estrellada"

En este cuadro combina dos de los elementos que más le apasionaban durante esta época de su vida: los cipreses y las estrellas. Van Gogh ya había pintado varios nocturnos, con deslumbrantes estrellas.
La composición de este cuadro está marcada por la presencia de los cipreses, que se alzan como dos llamas negras sobre un cielo estrellado con la luna en cuarto menguante al fondo. La línea del horizonte está baja, dando el protagonismo al cielo. La presencia imponente de los cipreses a la izquierda queda equilibrada por la de la luna, a la derecha. Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado
La pincelada sigue siendo pastosa y alargada, pero ha evolucionado hacia grandes espirales y remolinos, que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras.
Se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellad preludió el expresionismo

Es el cronista pictórico de la sociedad de su tiempo, la bohemia y los bajos fondos
Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. . Son característicos sus arabescos y las tintas planas. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

Te puede interesar:

El pintor tiene su museo permanente en la ciudad holandesa de Amsterdan, si no puedes visitarlo te dejo la dirección de su sitio web Es interesante que entres en el apartado: "Vicent van Gogh a vista de pajaro". Buena información de su vida y so obra.

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A finales del siglo XIX y primeros años del XX, un grupo de pintores impresionistas, después del analizar los planteamientos del impresionismo, lo cuestionan, lo critican, e inician una nueva forma personal de pinta, basada en la recuperación del dibujo y en la preocupación por captar no sólo la luz, sino también la expresividad de los personajes y cosas que aparecen en el cuadro.

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-Uso experimental y sugestivo del color
- Tendencia a la expresión a través de la forma y el color

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-Espacio imaginativo, mental, psicológico
-Subjetividad
-Antiracionalidad
-Tradición romántica
-Rechazo a la actividad industrial
-Nostalgia por el mundo idílico
-Abandono de la verosimilitud
-Suspensión de las convenciones
-Uso expresivo de los elementos plásticos

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-Tensión con los impresionistas: si bien no son contrarios, transforman los contenidos
-Tensión con el neoimpresionismo por su espiritualismo

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Dos vertientes:
-Romántica: se oponen Monet y Renoir
-Científica: quiere instituir una ciencia de la pintura.

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-Signac y Seurat

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-Utilización de distintos tonos en sus distintos componentes
-Manchas, colores puros
-El ojo recompone las manchas y forma la imagen
-Yuxtaposición de colores

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- Fundamento científico de la pintura
- Técnica meditada y estudiada: puntillismo
-Despligue decorativo
-El cuadro es una estricta composición de colores

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Dialéctica entre realismo y impresionismo 

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Dialéctica entre realismo y impresionismo 

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(Railway, Manet 1873)

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Color

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Espacio plastico

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-Al igual que en el impresionismo, se abandona por completo la paleta claroscurista
-Utilización de colores saturados
-El contraste de valor determina las formas
-Los colores asumen un valor simbolico
-Usos sugestivo y experimental de los colores

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-Se rompe con la construcción tradicional
-Se implementan nuevos recursos en la construcción espacial
-Se expresa la mirada del artista
-Percepción subjetiva del mundo
-Se rompe la percepción euclidiana
-Se terminan con las concepciones naturalistas
-Se termina con el punto de vista unitario

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Color

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Espacio plastico

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Color

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Espacio plastico

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Tensión con el movimiento simbolista
No se trataba solo de una sensación visual sino se apoyaban en las poéticas, entre ellas de Mallarmé.

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-Elemento constructor del espacio
-Estudio de las sombras coloreadas y colores complementarios
-Abandono del claroscuro, utilización de paleta cromática
-Utilización del color para la iluminación
-Capta luz natural

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Color

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-Nueva manera de representar el espacio, se impone la mancha al contorno
-Referencia óptica a la teoría de Chevreud
-Ligado a la fotografía
-Forma y luz: Representación coloreada sobre red clásica
-Triangulación del espacio: encuadre fotográfico y punto de vista inusual
-Valores táctiles: menor nitidez, fondos indiferenciados
-Plantean contenido y continente, no aislados
-Pinceladas rápidas y entrecortadas
-Composición asimétrica

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Espacio plastico

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Tensión Courbet (realismo integral) y Manet (impresionismo)

Manet aceptaba en parte y con reservas el programa del realismo integral de Courbet, pero se acercaba a literatos y poetas como Baudelaire y Mallarmé

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-Continúan con el esquema tradicional
-Figura de Cubo
-Línea de fuga
-Punto de vista unitario
-Se utilizan líneas de contorno que delimitan las figuras y los valores permanecen dentro de estos límites

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-Utilización de paleta quebrada
-El volumen de las formas se logra a través de un pasaje gradual de luz a sombra a partir del color blanco, gris o negro
-Se produce una desaturación lumínica

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Color

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Espacio plastico

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-No idealiza/ dramatiza
-Solo es real lo que se encuentra ante la percepción
-Realiza un estudio previo de los elementos: por ejemplo, flora, iluminación
-Representación verídica, objetiva e imparcial del mundo real

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El artista consigue crear una imagen que parece y se considera un documento objetivo casi fotógrafo de un acontecimiento real.

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Courbet

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Renovación de temas

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-Superación de lo clásico y romántico.
-Representación de su tiempo.
-Acontecimiento real
-Representación de escenas de la vida cotidiana.
-Protagonistas campesinos y obreros.
-Representación de la realidad sin alteraciones.
-Necesidad de liberarse de conocimientos y formulas preconcebidas a conciencia.
-Alcanzar verdad y sinceridad

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El movimiento se origina en Francia hacia 1880

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Precursor Manet

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"De la REPRESENTACIÓN a la EXPRESIÓN"

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Sucesos anteriores