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Sor Juana Inés de la Cruz fue una erudita autodidacta, filósofa, estudiante de la escuela del pensamiento, compositora y poeta de la escuela Barroca. Además, fue una monja de la orden de San Jerónimo de Nueva España, a quien se le conoció comúnmente bajo el apodo de «Fénix de América» o simplemente《Fénix Mexicas》es una de las primeras personas que apoyó los derechos de la mujer, no solo en América, sino en la sociedad mundial de la época.

Primeros años

Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana nació el 12 de noviembre de 1651 en San Miguel Nepantla, México . Sus padres, el capitán español Pedro Manuel de Asbaje y la mujer criolla Isabel Ramírez, no estaban casados. Su padre no se involucró en su vida, ni en su crianza. La lectura era un acto prohibido para las mujeres en la época, así que tuvo que educarse prácticamente ella misma.

A los tres años de edad, ya sabía hablar y escribir en latín. A los ocho años, ya era capaz de componer poemas.

Vida religiosa

Juana Inés siempre demostró un gran desinterés en la vida matrimonial. La vida en el convento significó para Sor Juana una vivienda estable, con un apartamento fijo donde vivir. En su reclusión religiosa, Sor Juana logró tener una de las más grandes colecciones de libros en toda América. De hecho, sus relaciones con los gobernantes españoles permitieron a Sor Juana mantener un estado de libertad muy abierto para la época.

Poesía

Escribió poseía por encargo y para festivales que influenciaron ampliamente la cultura novohispana de la época. Utilizó con facilidad casi todos los modelos poéticos disponibles en la época, como los sonetos y los romances en forma de balada que fueron tan populares en la época colonial.

Críticas del Obispo de Puebla

El texto fue publicado en 1890 para criticar la falta de actividad eclesiástica que llevaba a cabo Sor Juana, pero el mismo obispo reconoció que las obras de la mujer eran válidas y certeras. La defensa que escribió Sor Juana en respuesta al obispo fue una de las demostraciones más notables de la defensa de los derechos de la mujer en la América colonial. Sor Juana dijo al obispo, a través de una carta, que las mujeres deberían tener la capacidad de enseñar a otras mujeres con plena libertad.

Abandono de la escritura

Las críticas del obispo fueron seguidas por otras reprimendas de oficiales españoles. En 1963, dejó de escribir públicamente para evitar cualquier tipo de castigo que pudiera recaer en la monja. Sor Juana esperaba que el gobierno le impusiera algún tipo de censura, por lo que decidió dejar un poco de lado la literatura. Sin embargo, nunca se encontró ninguna evidencia de que la monja dejara de escribir definitivamente.

Algunas de sus obras se mantuvieron con el tiempo, gracias a la ayuda de la virreina de Nueva España, quien las conservó incluso después de su muerte.

En 1695, una plaga atacó una zona de México. Muchas de las monjas cayeron enfermas, por lo que Sor Juana se dedicó a ayudarlas en su recuperación. Durante el tiempo en que suministró asistencia al resto de las hermanas del convento, contrajo la enfermedad. Sor Juana falleció el 17 de abril de 1695 a causa de esta enfermedad.

Legado

Es reconocida como la autora más brillante de la época colonial americana y los escritos de su autoría que se mantienen el día de hoy siguen siendo leídos en la actualidad.

Influencia

La autoría poética de Sor Juana se vio influenciada por varios autores de renombre de la época. El estilo del período barroco español se ve reflejado en todas sus obras. Sin embargo, más allá de la naturaleza barroca de su poesía, a ninguna de las obras de Sor Juana le falta la lógica que las caracteriza.

Características de sus obras

Esto se ve recalcado en muchas de sus obras, tales como «Hombres Necios», en la que acusa a los hombres de la época de un comportamiento irracional en lo que respecta a su modo de tratar a las mujeres.

Amor es más laberinto

La razón por la cual Sor Juana decidió contar una historia poética basada en Teseo, es porque ella veía al héroe griego como la mejor representación de un héroe barroco.

Empeños de una casa

Además, es una de las obras que mejor expresa el carácter de los derechos de la mujer para la época.

Es considerado una de sus obras que más profundamente se relaciona con la filosofía. Está contado, como muchas de sus obras, desde su propia perspectiva . El recorrido épico del alma en el mundo de los sueños culmina con una batalla entre los ejércitos del día y la noche, antes de que el alma regrese al cuerpo y la mujer despierte.

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El Barroco fue un período cultural que abarcó desde la segunda mitad del siglo XVI hasta la primera mitad del siglo XVIII. Se difundió por toda Europa y América Latina, así como por otras regiones colonizadas por los europeos.

El barroco contrastó con el Renacimiento por expresar una sensibilidad pesimista, desengañada, crítica y compleja. Esto se debe a que literatura y el arte barrocos representan una época inquietante desde el punto de vista psicológico, cultural y social, además de político y económico.

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Amberes, 1599-Londres, 1641) Pintor flamenco. En el panorama del siglo XVII flamenco, Van Dyck es el pintor más destacado después de Rubens, con quien no rivalizó porque ambos artistas se movieron en campos distintos: mientras el último se centró sobre todo en la pintura religiosa y mitológica (aunque cultivó todos los géneros), Van Dyck se especializó en el retrato, y por sus retratos se le recuerda, a pesar de ser también autor de otro tipo de obras.
Se formó en su ciudad natal, en el taller de Hendrick van Balen, y trabajó por su cuenta algunos años, antes de entrar en el estudio de Rubens como colaborador en 1618

Pese a ser ya un artista formado, el estilo de Rubens ejerció en él profunda influencia, como se advierte sobre todo en algunas obras de los primeros años, que guardan un gran paralelismo con algunas realizaciones de aquél, en particular retratos.

Después de una breve estancia en Londres en 1620, se trasladó a Italia en 1621 y se estableció en Nápoles, aunque visitó los principales centros artísticos del país. La estancia en Italia influyó en la evolución de su estilo, que se hizo menos barroco, de composición más clasicista. Gozan de merecida fama los numerosos retratos que realizó de los aristócratas genoveses, a los que muestra como hombres orgullosos y seguros de sí mismos, a veces en interiores y a veces sobre fondos de paisaje. De su estancia en Italia se conserva también un interesante álbum de esbozos, que recoge sus impresiones del país.

En 1628 regresó a Amberes y cuatro años más tarde se trasladó a Londres, donde desempeñó hasta su muerte el cargo de pintor de Carlos I. Más de cuatrocientos retratos de la monarquía y la aristocracia londinense dan pruebas de su buen hacer de aquellos años. Aunque menos conocidos, son interesantes así mismo sus paisajes y acuarelas de esa época...
Su influencia fue profunda y duradera en Inglaterra, y se extendió también a muchos otros países europeos.
Cuidadoso en las composiciones, estudiaba con tiento las actividades de sus modelos y la forma de relacionarlos. El fuego de Rubens no existe aquí, pero estas obras resultaban tan armónicas y agradables que, difundidas en grabados, se copiaron casi tanto como las de Rafael.

Van Dyck. Piedad, 1618-1620. Museo del Prado
Van Dyck. Retrato de Geronima Spínola, hacia 1624
Van Dyck. Carlos I de Inglaterra, hacia 1635. Museo del Louvre son las principales

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Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571
Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos
De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.

Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.

La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos.

A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran economía de medios.

En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico dejaba paso a una gran serenidad. Aunque no dejó discípulos directos, su obra inspiró el naturalismo de José de Ribera y Georges de la Tour, entre otros, y, ya en siglo XIX, atrajo la atención de pintores como Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne; actualmente se le considera una de las figuras clave en el desarrollo histórico de la pintura europea.

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Félix Lope de Vega y Carpio, Madrid, 1562 Escritor español. Procedente de una familia humilde, la vida de Lope de Vega fue sumamente agitada y repleta de lances amorosos. Estudió en los jesuitas de Madrid (1574) y cursó estudios universitarios en Alcalá (1576)

Estuvo  al menos, en dos expediciones militares: una fue la que conquistó la isla Terceira en las Azores (1583), al mando de don Álvaro de Bazán, y la otra, en la Armada Invencible. Fue secretario de varios personajes importantes, como el marqués de Malpica o el duque de Alba, y a partir de 1605 estuvo al servicio del duque de Sessa, relación sustentada en una amistad mutua.
Lope se casó dos veces: con Isabel de Urbina (llamada Belisa en sus versos), con la que contrajo matrimonio por poderes tras haberla raptado antes de salir desterrado de Madrid; y con Juana de Guardo en 1598. Aparte de estos dos matrimonios, su vida amorosa fue muy intensa, ya que mantuvo relaciones con numerosas mujeres, incluso después de haber sido ordenado sacerdote

La obra y la biografía de Lope de Vega presentan una gran trabazón, y ambas fueron de una exuberancia casi anormal. Como otros escritores de su tiempo, cultivó todos los géneros literarios.

La primera novela que escribió, La Arcadia (1598), es una obra pastoril en la que incluyó numerosos poemas. En Los pastores de Belén (1612), otra novela pastoril pero «a lo divino», incluyó, de nuevo, numerosos poemas sacros. Entre estas dos apareció la novela bizantina El peregrino en su patria (1604), que incluye cuatro autos sacramentales. La Filomena y La Circe contienen cuatro novelas cortas de tipo italianizante, dedicadas a Marta de Nevares
A la tradición de La Celestina, la comedia humanística en lengua vulgar, se adscribe La Dorotea, donde narra sus frustrados amores juveniles con Elena Osorio.

Su obra poética se sirvió de todas las formas posibles; le atrajo por igual la lírica popular y la culterana de Luis de Góngora. Por un lado están los poemas extensos y unitarios, de tono narrativo y asunto a menudo épico o mitológico, como por ejemplo La Dragontea (1598).

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Alcalá de Henares, España, 1547
vivió una infancia marcada por los acuciantes problemas económicos de su familia, que en 1551 se trasladó a Valladolid, a la sazón sede de la corte, en busca de mejor fortuna. Allí inició el joven Miguel sus estudios, probablemente en un colegio de jesuitas
La inestabilidad familiar y los vaivenes azarosos de su padre (que en Valladolid fue encarcelado por deudas) determinaron que la formación intelectual de Miguel de Cervantes, aunque extensa, Aun así, parece probable que frecuentara las universidades de Alcalá de Henares y Salamanca, puesto que en sus textos aparecen copiosas descripciones de la picaresca estudiantil de la época.

En 1569 salió de España, probablemente a causa de algún problema con la justicia, y se instaló en Roma, donde ingresó en la milicia, en la compañía de don Diego de Urbina, con la que participó en la batalla de Lepanto (1571). En este combate naval contra los turcos fue herido de un arcabuzazo en la mano izquierda, que le quedó anquilosada.

Cuando regresaba de vuelta a España tras varios años de vida de guarnición en Cerdeña, Lombardía, Nápoles y Sicilia (donde había adquirido un gran conocimiento de la literatura italiana), la nave en que viajaba fue abordada por piratas turcos (1575), que lo apresaron y vendieron como esclavo,

Ya en España, tras once años de ausencia, encontró a su familia en una situación aún más penosa, por lo que se dedicó a realizar encargos para la corte durante unos años. En 1584 casó con Catalina Salazar de Palacios, y al año siguiente se publicó su novela pastoril La Galatea.
La primera parte de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha apareció en 1605; el éxito de este libro fue inmediato y considerable, pero no le sirvió para salir de la miseria.

Don Quijote de la Mancha, obra cumbre de la literatura universal. La inmensa fama de este libro inmortal, que parte de la parodia del género caballeresco para trazar un maravilloso retrato de los ideales y prosaísmos que cohabitan en el espíritu humano, ha hecho olvidar la existencia siempre precaria y azarosa del autor, al que ni siquiera sacó de la estrechez el fulgurante éxito del Quijote, compuesto en los últimos años de su vida.

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Secularización de la sociedad

Con el renacimiento, los sectores civiles empezaron a competir con el templo, y ganaron predominación política, económica, cultural y artística.

Antropocentrismo

Esta ideología ha sido el discurso ideológico del renacimiento, y ha sido una contestación al teocentrismo del lapso medieval.

Racionalismo

El motivo podría ser para los hombres del renacimiento un instrumento para el razonamiento que les permitiría revelar el planeta que el oscurantismo medieval mantenía escondo.

Desarrollo del pensamiento científico

De esta forma las cosas, los renacentistas estaban convencidos de que todo podría ser explicado por medio de la ciencia.

Grandes producciones

Este renovado interés por la ciencia se observó además fortalecido por varias producciones como la imprenta de tipos móviles, que facilitó la circulación de los libros, incluida la Biblia, que hasta el momento era reproducida manualmente por los monjes copistas.

Individualismo

El renacimiento permitió que apareciera una concepción individualista, en tanto iniciativa de autoconcepción, autovaloración, autocalificación y autodistinción de las personas.

Gran desarrollo de las artes y la literatura

A lo largo de este lapso, las artes hicieron un gran despliegue tanto en técnicas y géneros como en temas que abordar.

En artes plásticas, apareció la pintura al óleo, que permitió liberar a la pintura de los los murales.

Aparición del mecenazgo

Por el otro, veían en el arte una forma de ofrecer gloria a Dios, brindar un servicio a la urbe y darse gloria a sí mismos.

Esto contrataba con el lapso histórico anterior, donde la riqueza se relacionaba con la tenencia de la tierra.

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(Venecia, Italia, h. 1430 - 1516) Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.
nació en el seno de una familia de pintores; su padre, Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia.

Las primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, de quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en Oración del huerto de los olivos, y a quien a su vez enseñó la luz de la escuela veneciana.

Bellini era por entonces un gran paisajista, virtud que transmitió años después a los discípulos de su taller. Hacia mediados de la década de 1470 pintó el famoso políptico dedicado al dominico español San Vicente Ferrer, en la iglesia de los Santos Juan y Pablo de Venecia. En esos años murió su padre, cuyo taller dirigió desde entonces Giovanni.

De sus obras el más brillante astro de la pintura veneciana del siglo XV es Giovanni Bellini, cuya evolución artística se caracterizó por un continuo renovarse debido a las diversas experiencias artísticas que su permeable personalidad fue asimilando en el curso de una vida bastante dilatada, en la que se mantuvo permanentemente activo

De esta etapa inicial, que se prolonga hasta 1480, de manifiesto espíritu mantegnesco pero suavizado por unos contornos de dibujo más flexible y un mesurado tratamiento de la perspectiva, a los que Bellini añade unas exquisitas figuras que con sus miradas y actitudes aportan una gracia melancólica y una sensibilidad expresiva que será contribución fundamental de su arte.

Estos rasgos se perpetúan en el políptico de San Vicente Ferrer de la iglesia veneciana de Santi Giovanni e Paolo, donde además se advierte un eco de la amplitud espacial de Piero della Francesca; en el Cristo bendiciendo (Museo del Louvre, París), con un rostro que desprende humanidad y nobleza; y por último en la innovadora Piedad (Pinacoteca de Brera, Milán), realizada hacia 1470,

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Tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare. Según el dramaturgo Ben Jonson, coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por las que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política. Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain's Men, más tarde conocida como King's Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars.

La obra de Shakespeare

De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia y los Sonetos , de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglosajona. Con todo, fue su actividad como dramaturgo lo que dio fama a Shakespeare en la época. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. Tras unas primeras tentativas, en las que se transparenta la influencia de Christopher Marlowe, antes de 1600 aparecieron la mayoría de sus «comedias alegres» y algunos de sus dramas basados en la historia de Inglaterra.

Otro gran genio de la historia de la literatura universal, Miguel de Cervantes, falleció en la misma fecha del actual calendario gregoriano, ya adoptado por entonces en España.

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(Raffaello Santi, Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la perspectiva, la obra de Rafael Sanzio constituye, junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarrotti, una de las más excelsas realizaciones de los ideales estéticos del Renacimiento.

Su padre, que fue el pintor, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros socio o colaborador.
Desde 1504 hasta 1508 trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen María y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales

Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación

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Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Domenico Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médici, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas; en este sentido superó a los otros dos grandes maestros del Cinquecento: Rafael Sanzio, centrado casi exclusivamente en la pintura, y Leonardo da Vinci, tan polifacético y excelso como él pero parco en realizaciones efectivas. Sus coetáneos vieron en las creaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo.
En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David
En 1505 Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.
En 1516 regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel.

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Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estado como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa.

Consciente del talento de su hijo, su padre le permitió ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio. A lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, Leonardo aprendió pintura, escultura y técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pollaiuolo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de belleza en obras de turbadora sugestión y delicada poesía.

Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los grandes maestros del Cinquecento, y, pese a la parquedad de su obra, la historia de la pintura lo cuenta entre sus mayores genios. Por los demás, es posible que de la poderosa fascinación que suscitan sus obras maestras (con La Gioconda a la cabeza)

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Uno de los más famosos teólogos de la Edad Media, conocido por su erudición como “Doctor Scholasticus”. Fue educado en la abadía de Bee, bajo la dirección de San Anselmo de Canterbury, quien lo familiarizó con la nueva teología escolástica. Desde 1076 y durante un tiempo enseñó exitosamente en París, y cooperó con William de Champeaux en el establecimiento de una universidad allí.
Regresó a Laon alrededor de fines del siglo XI y fundó una escuela teológica que se hizo tan famosa que Pedro Abelardo, entonces de treinta años de edad y el cual enseñaba filosofía en París, se marchó a Laon a estudiar teología con él.
Murió el 15 de julio de 1117
La principal obra de Anselmo es su "Glossa, la Vulgata completa (Amberes, 1634); la otra es “Glossa ordinaria” de Walafrido Strabo. Un comentario seguido y literal de la Sagrada Escritura que fue impreso en Amberes en 1634 y es una de las dos principales obras exegéticas de la Edad Media  ambas formaron en la Edad Media un solo texto fundamental para la exégesis posterior;
Entre sus contribuciones filosóficas está una teoría de la jerarquía de las facultades -sensibilidad, razón, intuición- y una doctrina de la visión de Dios y de la vuelta del universo a Dios fuertemente influida por Juan Escoto Erígena.

Las Sentencias  son un esfuerzo por sistematizar la Teología siguiendo un esquema, inspirado en Escoto Eriúgena (vuelta del universo a Dios): Dios creador y su obra, caída de los ángeles y del hombre (pecado original), necesidad de la Encarnación, Redención y Sacramentos. Los temas más difíciles de la Trinidad, unión hipostática, transustanciación, algunos sacramentos
Éste profundiza en los temas relacionados con la creación y el pecado original, naturaleza del alma, libertad, jerarquía de las facultades humanas (sensibilidad, razón, intuición), virtudes teologales y visión de Dios. El método de A. se basa en la autoridad de la Iglesia y de los Padres, cuyos textos son los que trata de ordenar y sistematizar, más en la línea de lo que hoy se llamaría Teología positiva y de los antidialécticos

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Filosofo medieval, teólogo y escritor místico, nació en 1096 en la mansión de Hartingham, Sajonia; murió el 11 de marzo de 1141.
Fue en el monasterio de San Pancracio en Hamerleve, cerca de Halberstad, donde Hugo recibió su educación. A pesar de la oposición de sus padres, tomó el hábito de los canónigos regulares de San Agustín en Hamerleve. Antes de terminar el noviciado, la inestable situación del país llevó a su tío a aconsejarle que se trasladara a la Abadía de San Víctor en París llegó alrededor de 1115.
Hugo fue elegido para sucederle como director de la Escuela de San Víctor y bajo su dirección alcanzó un brillante éxito. A veces se le llama a Hugo alter Augustinus, por su familiaridad con las obras del gran Padre de la iglesia.
Sus  obras cubren todos los temas de las artes y ciencias sagradas que se enseñaban en su tiempo. Hasta finales del siglo XIX muchos historiadores de filosofía lo degradaban como un místico de mente estrecha y sin contacto con el mundo del pensamiento y del estudio, que obstaculizaba en lugar de ayudar al progreso científico, y cuyos simbolismos fantásticos confundían a las generaciones siguientes

Sus enseñanzas fueron uno de los fundamentos de la teología escolástica y su influencia ha afectado todo el desarrollo del escolasticismo, porque fue el primero que, después de sintetizar los tesoros dogmáticos de la era patrística, los sistematizó y formó en un cuerpo de doctrina completo y coherente, lo cual fue obra de un genio

Su gran mérito como cabeza de la escuela de San Víctor fue que, cuando la heterodoxia y la temeridad doctrinal de Pedro Abelardo pusieron en peligro el nuevo método que se estaba aplicando al estudio de la teología, Hugo y sus seguidores, por su prudente moderación y su impecable ortodoxia, dieron seguridad a los alarmados creyentes y aclimataron el nuevo método científico en las escuelas católicas.

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Escritor, estadista y monje romano, nació hacia 490 y murió hacia 583. Su nombre completo era Flavio Magno Aurelio Casiodoro Senador, éste último, un sobrenombre. Aunque era de ascendencia siria, su familia había sido por más de tres generaciones una de las más importantes de Bruttium (sur de Italia).
Casiodoro, nació en la finca paterna de Scyllaceum (Squillace) y en 490 o un poco antes hizo su primera aparición como consejero del prefecto pretoriano cerca del año 501
Teodorico atrajo la atención de este príncipe y entre 507 y 511 nombró a Casiodoro cuestor (N. del T. Cuestor era un magistrado que en la ciudad y en los ejércitos tenía funciones de carácter fiscal principalmente). Teodorico prescindió de la regla que prohibía a un magistrado de aquel tiempo gobernar su propia provincia a favor del padre de Casiodoro y una segunda vez cuando Casiodoro fue nombrado corrector, es decir, gobernador de Lucania y Bruttium. Fue cónsul en el 514 y ministro en 526 cuando Teodorico murió.
Los escritos de Casiodoro se pueden clasificar según las dos grandes divisiones de su vida, es decir su carrera pública y su retiro religioso. Mientras estaba en lo público su obra trata de política y asuntos públicos.
fragmentos de dos de sus panegíricos que, según una antigua tradición entre los funcionarios romanos, dedicó a los reyes y reinas góticos. Uno estaba dirigido a Eutarico, el yerno de Teodorico (518 ó 519), el otro fue pronunciado en Rávena en la ocasión del matrimonio de Witiges y Mateswinta (536). Una gran riqueza de ejemplos sacados de la historia romana e ilustraciones de la mitología
En 519 Casiodoro publicó una crónica dedicada a Eutarico, el cónsul del año. Ésta es en sustancia una lista de cónsules, precedida por una tabla de reyes de Asiria, Lacio y Roma, acompañada de unas pocas notas.

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York, Inglaterra, h. 730 - Tours, Francia, 804) Sabio clérigo de origen inglés, inspirador del llamado «renacimiento carolingio». Profesor de la escuela abacial de York desde el 766, Alcuino de York fue presentado a Carlomagno en el 781 en Pavía, como resultado de una misión encargada por el papa.
Visitó Roma en el año 781 y a si vuelta conoció a Carlomagno, el cual, después de haber dominado la mayor parte de Europa occidental, tenía también sus aspiraciones culturales.
El mismo emperador aprendió a leer bajo las enseñanzas de Alcuino, aunque el escribir quedó fuera de su alcance. Alcuino fue nombrado abad de Tours donde estableció una escuela.
Se convirtió en consejero del que sería emperador y trasladó sus enseñanzas a la corte de Aquisgrán, capital del reino carolingio. Allí fundó la Academia Palatina, a la que asistían altos dignatarios palaciegos y el mismo Carlomagno para recibir clases de retórica y dialéctica, y la Escuela Palatina, dirigida a los jóvenes más dotados del Imperio

En su entorno y el establecimiento en las sedes abaciales y episcopales de escuelas en que se aplicaba su programa didáctico (con la gramática, la geometría, la aritmética y la música como materias medulares) le convirtieron en el guía cultural de la monarquía franca.

Además de su labor como planificador educativo, Alcuino de York preparó tratados de gramática, retórica, dialéctica, música y aritmética, compuso algunas obras literarias.

En el año 796 se retiró a la abadía de San Martín de Tours, en donde reunió una importante biblioteca

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Colono, 496 a. C. - Atenas, 406 a. C.)
Poeta trágico griego; de su  producción, se conservan en la actualidad, aparte de algunos fragmentos, tan sólo siete tragedias completas: Antígona, Edipo Rey, Áyax, Las Traquinias, Filoctetes, Edipo en Colona y Electra. A Sófocles le gustaba la introducción de un tercer personaje en la escena, lo que daba mayor juego al diálogo, y el hecho de complejidad psicológica al héroe de la obra. Temáticamente, el teatro de Sófocles recurre a los ciclos heroicos, como reflejo de la tradicional vinculación entre el teatro y sus orígenes religiosos. De hecho, del total de 33 tragedias conservadas pertenecientes al siglo V a. C., nada menos que 24 se centran en cuatro grandes ciclos de personajes mitológicos (el de Troya, el de Tebas, el de Micenas y el del argivo Heracles).
entre los estudiosos de la obra de Sófocles afirmar que en buena medida su teatro es un teatro de caracteres. De hecho, el título de todas las tragedias conservadas (salvo Las traquinias) se corresponde con los nombre de los protagonistas correspondientes. Cada una de estas figuras emerge como un auténtico coloso y arquetipo humano.
Uno de sus maestros fue Lampro, que lo instruyó en la danza y le enseñó a tocar la lira. A los 16 años estaba al frente del coro que celebró con un peán la victoria de la batalla de Salamina, en la que también participó Esquilo como combatiente y que se libró en el año 480 a. C., el mismo en que nació Eurípides.
Fue también teórico, escribió un tratado, Sobre el coro, que se ha perdido. Se le atribuye el aumento de dos a tres del número de actores. Aumentó el número de coreutas de doce a quince, introdujo la escenografía y fundó el llamado "Tíaso de las musas", donde se rendía culto a las musas y se hablaba de arte.
También desempeñó funciones religiosas: fue sacerdote de un dios local de la salud llamado Halón y en el año 420 a. C. participó en el acto en el que los atenienses adoptaron el culto a Asclepio.

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Aristóteles nació en el año 384 A.C. en Estagira. Al morir su padre, fue enviado a Atenas para ingresar en la Academia de Platón
En 347, al morir Platón, Aristóteles decidió abandonar Atenas y se estableció primero en Asos, luego en Mitilene. Acompañado por su familia y discípulos, aquellos años le sirvieron para confeccionar su propia filosofía y consagrarse a estudios de corte empírico.
Sobre el 336/35 Aristóteles retornó a Atenas para fundar su propia escuela, el Liceo. Aquella institución de enseñanza, gratuita y pública, se contrapuso a la Academia platónica
Al morir Alejandro Magno en el 323, se produjo en Atenas una violenta reacción , que perjudicó también al Estagirita. Acusado de impiedad, huyó de aquella ciudad, falleciendo al año siguiente en Calcis.
Las obras aristotélicas se han dividido en dos tipos: exotéricas y esotéricas.
Del primer conjunto apenas conservamos fragmentos y algunos títulos, siendo compuestas casi todas en forma de diálogo para destinarse a su publicación fuera del Liceo.
Del segundo grupo, en cambio, se ha legado una parte sustancial, al tratarse de aquellos textos utilizados por Aristóteles como apuntes de clase o notas de conferencias dentro del Liceo, siendo su temática tan diversa como extensa: lógica, metafísica, ética, física, retórica, etc.
Según la arquitectónica aristotélica, viene a ser la ciencia entre las ciencias por cuanto estudia las causas y los principios supremos de todas las cosas.
Esta aspiración de máxima universalidad la convierte en la expresión más nítida de lo que es la sabiduría

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(Siglo VIII a.C.) Poeta griego al que se atribuye la autoría de la Ilíada y la Odisea, los dos grandes poemas épicos de la antigua Grecia.
Su obras como la iconografía grecorromana ha consagrado el noble rostro barbado de un anciano ciego como el de Homero.
La perfección y la calidad de la Ilíada y la Odisea, considerados obras maestras de la literatura occidental, sólo se explica por la existencia de toda una tradición previa sobre la Guerra de Troya que aedos y rapsodas fueron elaborando y refinando durante siglos y que culmina en los grandiosos poemas homéricos.
Esta es la forma  que ha atribuido la tradición al poeta que escribió la Ilíada y la Odisea, los dos poemas épicos con que se inaugura la literatura griega y la occidental y cuyo vigor de expresión  y narrativo permanece fresco desde hace miles de años.
La naturaleza oral del estilo de la Ilíada y la Odisea es épica . Este pensamiento se realiza a base de la repetición cada cierto tiempo de unas determinadas fórmulas ("la Aurora de dedos rosados", "Aquiles, el de los pies ligeros, esta es la naturalidad que representa
En sus poemas, Homero no trazó una historia completa de la Guerra de Troya, lo que el hizo fue que escogió dos episodios de la leyenda troyana para recrearlos. Así, en la Ilíada se narra el último año de la Guerra de Troya, aunque el episodio central sea la disputa entre dos héroes griegos: Aquiles y Agamenón.
Admirado, imitado y citado por todos los poetas, filósofos y artistas griegos que le siguieron porque
Sus obras transmitían conocimientos y enseñanzas relativas a variados aspectos (estratégicos y militares; los astros y el firmamento; cuestiones morales y comportamientos de los seres humanos; las relaciones de los dioses con los hombres) y dieron la forma considerada canónica de la genealogía de los héroes y dioses griegos. Por todo ello sirvió de referencia cultural y religiosa para las generaciones posteriores.

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Atenas, 427 - 347 a. C.) Filósofo griego. Junto con su maestro Sócrates y su discípulo Aristóteles, Platón es la figura central de los tres grandes pensadores en que se asienta toda la tradición filosófica europea.
es innegable que la obra de Platón, radicalmente novedosa en su elaboración lógica y literaria, estableció una serie de constantes y problemas que marcaron el pensamiento occidental más allá de su influencia inmediata, que se dejaría sentir tanto entre los paganos (el neoplatonismo de Plotino) como en la teología cristiana, fundamentada en gran medida por San Agustín sobre la filosofía platónica.
Nacido en el seno de una familia aristocrática, Platón abandonó su inicial vocación política y sus aficiones literarias por la filosofía, atraído por Sócrates.
Tras la condena a muerte de Sócrates (399 a. C.), huyó de Atenas y se apartó completamente de la vida pública; no obstante, los temas políticos ocuparon siempre un lugar central en su pensamiento; a diferencia de Sócrates, que no dejó obra escrita, los trabajos de Platón se han conservado casi completos. La mayor parte están escritos en forma dialogada; de hecho, Platón fue el primer autor que utilizó el diálogo para exponer un pensamiento filosófico

Una característica del estilo platónico que revela una admirable conjunción entre pensamiento y expresión es su empleo del mito para hacer más evidente el pensamiento filosófico. Sin duda el más célebre de ellos es el mito de la caverna utilizado en La República
El conjunto de la obra de Platón, cuya producción abarcó más de cincuenta años, ha permitido formular un juicio bastante seguro sobre la evolución de su pensamiento. De las obras de juventud consagradas a las investigaciones morales (siguiendo el método socrático) o a la defensa de la memoria de Sócrates, pasó Platón a desarrollar sus ideas filosóficas y políticas en los diálogos constructivos o sistemáticos, y luego a revisar y completar sus propias teorías en las difíciles obras de su etapa final.