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Arte partecipata

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Mare Magnum Nostrum è un progetto di Gea Casolaro, a cura di Leonardo Regano, vincitore dell'ottava edizione di Italian Council, ​programma di promozione dell'arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo
Presentato dalla Direzione Regionale Musei dell'Emilia-Romagna, nel 2021 Mare Magnum Nostrum entrerà a far parte della collezione permanente del Museo Nazionale di Ravenna.

Mare Magnum Nostrum è un progetto di arte partecipativa che si sviluppa attraverso i vari paesi del Mediterraneo grazie alla collaborazione di istituzioni, associazioni e soprattutto del pubblico che invierà le proprie foto della vita quotidiana che si svolge sulle sponde del nostro mare, scattate in qualunque nazione, località, epoca e stagione: foto in cui si veda almeno un pezzetto di Mar Mediterraneo, foto di feste, foto di partenze, foto di tragedie, foto di denuncia, foto di ogni tipo ed epoca. Le foto caricate direttamente dal pubblico sul sito saranno visibili contribuendo così a creare una pluralità di punti di vista sul nostro mare comune.

L'opera è composta da una scenografia immersiva calpestabile rappresentante il bacino del Mediterraneo, che coprirà interamente le pareti dello spazio: alcune delle foto caricate dagli utenti verranno inserite nell'istallazione, nella zona corrispondente al luogo in cui sono state scattate, divenendo così parte integrante dell'opera che di tappa in tappa crescerà arricchendosi di sempre più immagini. Giorno dopo giorno si svilupperà così una cartografia rizomatica di storie di vita che si intrecciano su questo mare da sempre fonte di scambi di civiltà, vero bacino comune che condividiamo e che ci unisce, abolendo il consueto punto di vista contrapposto "noi su questa sponda e loro sull'altra": l'istallazione prevede infatti che lo spettatore si trovi al centro dell' acqua, per vedere il Mediterraneo davvero "come questo enorme lago che si estende da Gibilterra ai Dardanelli, e da Tunisi a Venezia ": non una frontiera tra popoli, ma al contrario, un universo che ci comprende.

Realizzato grazie al sostegno di

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Mare Magnum Nostrum è un progetto di Gea Casolaro, a cura di Leonardo Regano, vincitore dell'ottava edizione di Italian Council, ​programma di promozione dell'arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo Presentato dalla Direzione Regionale Musei dell'Emilia-Romagna, nel 2021 Mare Magnum Nostrum entrerà a far parte della collezione permanente del Museo Nazionale di Ravenna.

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Deem Rosegaarde

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SPACE WASTE LAB by Daan Roosegaarde and ESA is the living lab to upcycle space waste into new sustainable experiences.

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Deem Rosegarde

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Ventimila metri quadri di installazione nelle campagne olandesi. Si intitola Grow ed è l'ultimo progetto firmato dall'artista e designer Daan Roosegaarde, non nuovo a questo tipo di operazioni. In questo caso, il tema centrale è l'agricoltura, una pratica fondamentale per la crescita e il sostentamento umano, che troppo spesso passa inosservata ai più. " Il più delle volte notiamo a malapena le enormi aree della Terra che ci stanno letteralmente nutrendo", spiega il video di presentazione, " Grow sottolinea l'importanza dell'innovazione nel sistema agricolo: come può il light design all'avanguardia aiutare le piante a crescere in modo più sostenibile? Come possiamo rendere il contadino un eroe?"
Una distesa di luci blu e rosse trasforma così i campi in un luogo magico, ma allo stesso tempo l'uso della luce ultravioletta contribuisce ad aumentare la crescita del raccolto, limitando fortemente l'utilizzo di pesticidi. " Grow è un paesaggio da sogno che mostra la bellezza della luce e della sostenibilità. Non come utopia ma come protopia, migliorando passo dopo passo ", ha commentato l'autore.

Artribune è una piattaforma di contenuti e servizi dedicata all'arte e alla cultura contemporanea, nata nel 2011 grazie all'esperienza decennale nel campo dell'editoria, del giornalismo e delle nuove tecnologie.

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Un'installazione illumina le campagne olandesi (e aiuta le piante a crescere)

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Ventimila metri quadri di installazione nelle campagne olandesi. Si intitola Grow ed è l'ultimo progetto firmato dall'artista e designer Daan Roosegaarde , non nuovo a questo tipo di operazioni. In questo caso, il tema centrale è l'agricoltura, una pratica fondamentale per la crescita e il sostentamento umano, che troppo spesso passa inosservata ai più.

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Performance di Elisa Sundas 4A Arti Figurative, coreografia di Giorgia Anselmi (École de Danse Contemporaine de Paris) in prima nazionale al FIND 37"
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risultato del percorso PCTO in collaborazione con Maya Inc per il FIND FESTIVAL 37

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Carlo Rovelli Sette brevi lezioni di fisica

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Carlo Rovelli Sette brevi lezioni di fisica

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Uno spunto per riflettere!

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Calo Rovelli Sette brevi lezioni di fisica

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Giordano Bruno: il cantore della natura infinita

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Giordano Bruno: il cantore della natura infinita

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Dalla crisi della rappresentazione cosmica della natura e del primato antropologico all’estetica del sublime.

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LA CRISI DEL PRIMATO ANTROPOLOGICO

Tra la fine del XVIII e gli inizi del XIX secolo si verifica in Occidente un mutamento radicale dell'ordine figurativo e del paradigma estetico. Riprendendo il titolo di un saggio di Renato Barilli, è in questo periodo che occorre ricercare la vera alba del contemporaneo.
La sorgente di questo cambiamento si sprigiona nel Nord Europa, scorrendo dall'Inghilterra alla Germania, negli ultimi decenni del XVIII secolo.
Cos'è che determina tale cambiamento di rotta? Per rispondere a questa domanda dobbiamo tornare indietro e considerare il nuovo modello cosmologico affermatosi con la rivoluzione scientifico-filosofica avviata da Galilei, Cartesio e Newton. Quest'ultima aveva mandato in frantumi la rappresentazione cosmica di derivazione classica, intendendo per cosmo un universo chiuso, ordinato, armonico. All'interno di quel modello valeva l'idea, di origine protagorea, dell'uomo "misura di tutte le cose", e quella umanistica, veicolata dai testi platonici e neoplatonici, di una perfetta corrispondenza tra uomo (inteso come microcosmo) e universo (inteso come megantropo o macrantropo, cioè come "grande uomo"). In termini estetici, quest'idea si traduceva nell'affermazione che uomo e cosmo partecipano della stessa eterna bellezza, della stessa "divina proporzione", cioè della stessa razionalità; che l'uomo è armonicamente incastonato nel cuore della natura, centro dell'universo e perno del meccanismo perfetto rappresentato dall'ordine cosmico.

Nell'Europa del Seicento, il farsi strada della coscienza dell'infinito manda in frantumi la rappresentazione cosmica (cioè ordinata, armonica e quindi bella) della natura. Il mondo comincia ad estendersi nell'illimitato e non ha più né circonferenza né centro, né ordine né compiutezza. L'uomo perde la sua posizione, è privato della sua stabile dimora nel cosmo, avverte un senso di abbandono e di angoscia e sente la precarietà e l'accidentalità della propria esistenza. Scrive Pascal nei "Pensieri":

Perché, insomma, che cos'è l'uomo nella natura? Un nulla rispetto all'infinito, un tutto rispetto al nulla, qualcosa di mezzo tra il tutto e il nulla. Infinitamente lontano dalla comprensione di questi estremi, il termine delle cose e il loro principio restano per lui invincibilmente celati in un segreto imperscrutabile: egualmente incapace d'intendere il nulla donde è tratto e l'infinito che lo inghiotte.

L'uomo moderno sente la fredda indifferenza del mondo diventato infinitamente grande, da cui si sente inghiottito e nei confronti del quale sperimenta un senso di estraneità e di sospensione.
Cacciato dal centro dell'universo, egli si trova all'improvviso spodestato della sua precedente dignità, sospinto ai margini di un cosmo privo di ordine e di misura, senza più un saldo punto di appoggio, condannato alla solitudine tra gli immensi spazi siderali. La natura, diventatagli estranea, non è più il megantropo che gli corrisponde, lo specchio immutabile del suo microcosmo interiore, compagna con la quale partecipa della stessa divina bellezza. Essa non si rispecchia più allo stesso modo in lui, come lui non si rispecchia in essa.

DAL SUBLIME RETORICO AL SUBLIME NATURALE

Per reagire al disorientamento provato di fronte a una natura che si rivela sempre più anomica e indifferente alle esigenze umane, la civiltà europea della metà del Settecento elabora il sentimento del sublime (secondo l'interpretazione etimologica prevalente, dal latino sublimis, composto da sub-, "sotto", e limen, "soglia", quindi : "ciò che è al limite", "ciò che arriva fino alla soglia più alta"). O, forse, meglio dire lo riscopre. Perché il concetto di sublime era già presente presso gli antichi, nel testo di un anonimo autore (il cosiddetto Pseudo Longino o, appunto, Anonimo del Sublime), redatto probabilmente nel I secolo d. C., di certo poco conosciuto dagli altri autori classici. In esso (noto col titolo di Peri Hypsous), il sublime è sostanzialmente una categoria letteraria e retorica, in quanto fa riferimento a quel sentimento d'orgoglio provato da chi, dinanzi a un testo letterario, avverte in sé come "l'eco di una grandezza d'animo [ megalophrosyne]", che accomuna scrittore e lettore e che li rende entrambi partecipi di una straordinaria esperienza spirituale, tesa a trascendere l'esperienza del quotidiano. Il sentimento del sublime è quell'esperienza esaltante che si verifica quando la parola, quella del grande oratore o dell'eccelso poeta, come un fulmine che illumina il cielo nella notte, squarcia le tenebre della nostra ottusità intellettuale e del nostro torpore emotivo, mettendoci in contatto con l'eterno.
L'essenza della natura umana è una tensione ad elevarsi sopra se stessa, trascendendo la mediocrità e la banalità del quotidiano, e sublime è la parola in grado di risvegliarla e di metterla in contatto con l'eterno.
Se il sublime antico è riferito alla parola, quello moderno è sostanzialmente riferito alla natura. Da categoria letteraria e retorica, nel Settecento il sublime si fa categoria filosofica ed estetica: esso "rappresenta, almeno all'inizio, una delle terapie di assorbimento del colpo inferto dalla rivoluzione copernicana e bruniana alla presunzione dell'uomo di rappresentare il beniamino della creazione, insediato direttamente da Dio al centro dell'universo". (R. Bodei)

Caspar David Friedrich - Donna al tramonto del sole, 1818 - Public Domain via Wikipedia Commons

Se la modernità appare dapprima come un esilio cosmico dell'uomo dal centro dell'universo, una condizione in cui dominano la paura e l'angoscia dinanzi agli spettacoli in cui la natura esibisce la sua smisurata grandezza e la sua devastante potenza, pian piano il sentimento di spaesamento lascia il posto a un atteggiamento di sfida, belligerante e nello stesso tempo malinconico, nei confronti della natura. La debolezza e vulnerabilità fisica dell'uomo viene ora compensata dall'enfasi posta sulla sua superiorità morale e intellettuale.
Scrive Kant nella sua Critica del giudizio (1790):

Sublime è il senso di sgomento che l'uomo prova di fronte alla grandezza della natura sia nell'aspetto pacifico, sia ancor più, nel momento della sua terribile rappresentazione, quando ognuno di noi sente la sua piccolezza, la sua estrema fragilità, la sua finitezza, ma, al tempo stesso, proprio perché cosciente di questo, intuisce l'infinito e si rende conto che l'anima possiede una facoltà superiore alla misura dei sensi.

Sul piano della forza la natura avrà sempre la meglio, ma ora l'uomo ha la consapevolezza di poterla sconfiggere sul piano del pensiero.

Joseph Wright of Derby, Cottage on Fire at Night, 1785-93, Yale Center for British Art - Public Domain via Wikipedia Commons

E così, dopo lo smarrimento iniziale, l'uomo comincia a misurarsi con i luoghi che l'estetica classica aveva da sempre rifuggito, luoghi inospitali, ostili e desolati che evocano la morte, umiliano con la loro vastità, minacciano con la loro potenza, ricordano ad ognuno la propria condizione precaria ed effimera. Si pone al cospetto di ciò che è indistinto e smisurato, senza forma e senza limite, si misura con l'infinito, sperimenta la solitudine assoluta, affronta i rischi delle montagne impervie, dei vasti oceani e dei mari in tempesta, delle foreste impenetrabili e dei ghiacci desolati, dei vulcani in eruzione e degli aridi deserti. E, non senza sorpresa, scopre allora che l'orrore dinanzi a ciò che è immenso e terribile possiede inattese sfumature di piacere.

Joseph Mallord William Turner, A Coast Scene with Fishermen Hauling a Boat Ashore,1803 ca. - Public Domain via Wikipedia Commons

Nel suo A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful, pubblicato nel 1757, Burke espone la prima teoria moderna del Sublime, distinguendolo nettamente dall'idea del bello.
Il bello è un'emozione tranquilla, è godimento non commisto a dolore, un sentimento femmineo che nasce dall'amore, dal piacere della misura e della forma bella dell'oggetto. Lo si rinviene nella grazia di certi corpi umani o animali o nei loci amoeni privi di asperità, popolati da ruscelli e prati in fiore o nelle creazioni artificiali che imitano e addomesticano la natura, come i giardini all'italiana dalle rassicuranti forme geometriche. Il sublime è invece virile, eroico, capace di suscitare emozioni violente, un piacere misto a dolore e sgomento ("delightful horror", orrore dilettevole).

John Martin, Il grande giorno della Sua collera, 1851-53, Londra, Tate Britain - Public Domain via Wikipedia Commons

Il sublime ha la sua radice nei sentimenti di paura e di smarrimento suscitati dall'infinito, dalla dismisura, da "tutto ciò che è terribile o riguarda cose terribili" (per es. il vuoto, l'oscurità, la solitudine, il silenzio, ecc.). Ed è proprio la natura, nei suoi aspetti più terrificanti, la fonte per eccellenza del Sublime perché "produce la più forte emozione che l'animo sia capace di sentire", un'emozione però negativa, non prodotta dalla contemplazione del fatto in sé, ma dalla consapevolezza della distanza insuperabile che separa il soggetto dall'oggetto.

Joseph Wright of Derby, Vesuvius from Portici, (Huntington Library, San Marino, California) - Public Domain via Wikipedia Commons

Mentre l'esperienza del bello seduce e avvicina gli uomini, quella del sublime è violenta e travolgente e si consuma nella solitudine dell'individuo di fronte alle forze della natura.
Per Immanuel Kant "sono sublimi le alte querce e belle le aiuole; la notte è sublime, il giorno è bello". Il Sublime non deriva, come il Bello, dal libero rapporto dialettico tra sensibilità e intelletto, ma dalla tensione conflittuale tra sensibilità e ragione. Si ha pertanto quel sentimento misto di sgomento e di piacere che è determinato sia dall'assolutamente grande e incommensurabile (sublime matematico), sia dallo spettacolo dei grandi sconvolgimenti e fenomeni naturali che rappresentano per l'uomo una minaccia alla sua auto-conservazione e suscitano in lui il senso della sua fragilità e finitezza (sublime dinamico).

Michael Wutky, L'eruzione del Vesuvio, 1779, Vienna, Akademie der Bildenden Künsten - Public Domain via Wikioo.org

LA ROTTURA DEL PARADIGMA CLASSICISTICO

La storia dell'estetica occidentale è qui a una svolta: si spezza il nesso tra arte e bellezza che il Rinascimento e il paradigma classicistico avevano imposto alle epoche successive. L'arte del bello (che rispecchiava la bellezza insita nella natura, fatta di proporzione, misura e compiutezza) lascia dunque il posto a un'arte "brutta", rappresentativa del disordine naturale finalmente svelato, ma soprattutto espressiva dei sentimenti che tale natura suscita nell'animo umano. Se il bello classico è un insieme di qualità oggettive razionalmente e universalmente rinvenibili in quanto rispondenti a delle leggi di misura e di rigore formale, il sublime implica la partecipazione attiva del soggetto, perché riguarda soprattutto le sue emozioni, la sua sfera passionale nonché irrazionale, esperite in una condizione di estrema solitudine. Sono le passioni, gli affetti, le emozioni e i sentimenti che individuano la personalità del singolo ed è proprio all'individuo che guarda la sensibilità del romantico.

Caspar David Friedrich, Il tramonto, 1830-35, Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo - Public Domain via Wikipedia Commons

La natura oggetto dell'estetica romantica è quella orrifica in grado di generare l'esperienza del sublime; è quella che si manifesta negli spettacoli tremendi, quali tempeste, naufragi, valanghe, eruzioni vulcaniche, tramonti infuocati, o nei loci horridi, paesaggi sconfinati, desertici, o aspri e selvaggi (come quello alpino, assai frequentato dai filosofi, dai letterati e dagli artisti dell'epoca). Essi impauriscono e terrorizzano l'uomo, ma esercitano su di lui un potere ipnotico che non lo fa fuggire, anzi lo inchioda a un prolungato piacere di quelle visioni.

Andreas Achenbach, Storm on the sea at the Norwegian coast, 1837, Städel Museum -Public Domain via Wikipedia Commons

L'Ottocento è il secolo nel quale lo spettacolo della natura primeggia come mai era accaduto nelle epoche precedenti, innalzandosi a un livello altissimo di dignità estetica. La sua rappresentazione romantica, connotata da una forte carica emotiva, spesso drammatica e visionaria, costituisce una modalità di sentire la natura bel al di là dei limiti storici del movimento romantico vero e proprio. L'artista legge e interpreta la natura nei suoi aspetti multiformi, soprattutto quelli più misteriosi e terribili, come specchio di tensioni interiori. Il paesaggio non è la rappresentazione fedele di cielo, rocce, piante e fiumi, ma è l'espressione del sentimento e delle emozioni dell'uomo che vive la vertigine del sublime. Se il bello classico rappresentava una qualità oggettiva della realtà naturale che l'arte, in quanto mimesi, doveva riprodurre, il sublime non appartiene alla natura, ma è uno stato d'animo esclusivo dell'uomo. Su questo terreno si attua il passaggio da una visione oggettiva a una visione soggettiva dell'arte e della natura.

Joseph Wright of Derby, Bridge through a Cavern, Moonlight, 1791 - Public Domain via Wikipedia Commons

Nell'arte che si avvia verso la contemporaneità si impone il senso del tragico, cioè il senso dell'impotenza della ragione umana di decifrare e rappresentare un mondo che ha perduto definitivamente le sue regolarità e la sua bellezza antica. E il senso del tragico diventerà man mano la chiave di lettura nel rapporto con la natura nei secoli a venire e caratterizzerà un nuovo modo di concepire l'artista e la sua solitudine creativa.
Se l'opera d'arte è espressione del sentimento soggettivo, ne deriva che l'artista non può continuare a eseguire lavori su commissione, ma diventa libero creatore di un'opera che non risponde a nient'altro che non sia il suo genio creativo. Il genio è colui che, dotato di sensibilità non comuni, libero da regole e convenzioni, quasi ispirato da un demone interiore, riesce a creare un'opera d'arte che, nascendo dal sentimento, parlerà al sentimento, cercando di dar voce ai tumulti dell'anima.

Joseph Mallord William Turner, Il naufragio, 1805, Londra, Tate Britain.

Il tema del naufragio è particolarmente presente nell'estetica romantica, in quanto il mare in tempesta è una potenza incontrollabile e imprevedibile che scatena caos, morte e distruzione e l'essere in balia delle onde è l'immagine più potente della condizione umana di precarietà.
Quello marino è lo spazio dove si proietta in modo totalizzante l'immaginario della catastrofe in quanto luogo eletto dell'ignoto, dell'incommensurabile e del non modificabile dall'intervento dell'uomo.
Inoltre questo tema figurativo permette di esibire al massimo grado una vasta gamma di effetti luministici e cromatici.
Théodore Gudin, chiamato da Luigi Filippo a decorare la Reggia di Versailles, realizzò questo dipinto di grandi dimensioni prendendo spunto, come aveva fatto Géricault per la sua "Zattera di Medusa", dal sensazionalismo destato da un fatto di cronaca.

Jean Antoine Theodore de Gudin, Il sacrificio del capitano Desse, 1829-1831, Bordeaux, Musée des Beaux-Arts - Flickr

Gli artisti romantici del "paesaggismo catastrofico" trovano inoltre spunto nei tragici resoconti riportanti valanghe, bufere di neve e avventurose spedizioni ad alta quota che colpiscono notevolmente l'opinione del pubblico.
Philippe-Jacques de Louthenburg rappresenta una valanga sulle Alpi svizzere dove inserisce dei piccoli personaggi, indifesi e terrorizzati, che cercano di sfuggire al cataclisma che incombe inesorabile.

Philip James de Loutherbourg, Valanga sulle Alpi, 1803, Londra, Tate Britain.

UN NUOVO ANTROPOCENTRISMO

Questa radicale inversione del gusto dal "bello" al "sublime", scrive Remo Bodei, non ha "una rilevanza esclusivamente estetica: implica un nuovo modo di forgiare e consolidare l'individualità grazie alla sfida lanciata alla grandezza e al predominio della natura. Da tale confronto scaturisce un inatteso piacere misto a terrore, che, in maniera ambigua, da un lato rafforza l'idea della superiorità intellettuale e morale dell'uomo sull'intero universo e, dall'altro, contribuisce a fargli scoprire la voluttà di perdersi nel tutto". Il sublime è la sfida alla natura da parte di una umanità che cerca di sanare l'orgoglio ferito e lo spaesamento dovuti alla perdita del centro dell'universo e, in questo modo, esso contribuisce "a ricostruire un nuovo e rafforzato antropocentrismo, che non si contenta più di situare l'uomo in una posizione astronomicamente privilegiata, ma lo nomina sfidante e vincitore della natura nella lotta per la supremazia". (R. Bodei)

Carl Gustav Carus, Pellegrino in una gola, 1820 ca., Berlino, Nationalgalerie - Public Domain via Wikipedia Commons

Fin dal Cinquecento, l'arte sembra percorsa da un'ombra sottile, un sentimento di malinconia dinanzi alla precarietà e alla caducità di tutte le cose. La morte costituisce un elemento onnipresente, ma celato tra le pieghe della bellezza classica. Si pensi al quadro di Holbein "Gli ambasciatori", della National Gallery di Londra, dove, davanti a due giovani floridi e ricchi, ornati d'oro e di pellicce, vediamo una piccola ellisse grigia, un'immagine anamorfica che, vista da una particolare angolazione, ci appare essere un teschio, a significare che la morte, benché invisibile, è sempre presente, persino dove non ci si aspetta che sia.

Hans Holbein il Giovane, Gli ambasciatori, 1533, National Gallery, Londra - Public Domain via Wikipedia Commons

Se osserviamo un altro quadro famoso, " Les bergers d'Arcadie" di Poussin (nella versione del Louvre, del 1638), vediamo alcuni pastori che, immersi in un paesaggio sereno e bucolico, sono intenti a decifrare la scritta "Et in Arcadia ego", il cui senso è "Io, la Morte, sono anche in Arcadia". Per non parlare del sentimento di malinconia che aleggia nelle nature morte, ricche di simboli che rimandano alla vanitas, al sentimento della caducità della vita e della bellezza.
"La morte - che si presenta in forma cifrata dove c'è la bellezza, la ricchezza, la salute o in modo da essere difficilmente interpretata da ignoranti pastori nei loci amoeni - appare invece a volto scoperto nei luoghi del sublime." (R. Bodei) Si mostra in tutta la sua terrificante potenza nelle scene di naufragi, valanghe ed eruzioni vulcaniche, offre il gelido sembiante di un desolato rudere nel misterioso chiarore lunare, ci proietta al cospetto di paesaggi aspri e rocciosi che ci pongono sull'orlo dell'abisso.

Joseph Mallord William Turner, The Devil's Bridge, St Gothard c.1803-4, Kunsthaus Zürich - Public Domain via Wikipedia Commons

Finalmente, nel Settecento, i loci horridi escono dal loro millenario isolamento e diventano soggetto privilegiato dell'arte e dell'estetica. E anche se la malinconia non scompare totalmente dal sentimento del sublime, rimane tuttavia sotto traccia. Ciò che caratterizza l'esperienza del sublime è l'amarezza dello slancio inappagato, il desiderio mai pienamente soddisfatto di infinito, la spinta dell'immaginazione a voler andare sempre al di là dei limiti della percezione, oltre quello che vede e che sente, oltre la "siepe" e "l'ermo colle" del nostro poeta di Recanati.

Caspar David Friedrich, Felsenriff am Meeresstrand, 1824, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe - Public Domain via Wikipedia Commons

Questo è appunto il sublime: l'impossibilità della rappresentazione di idee come quella di infinito, perché intrinsecamente irrappresentabile, irriducibile a qualsiasi immagine sensibile. Si può definire il sublime solo in termini negativi, come assenza: sublime è la notte perché priva di luce; il silenzio perché privo di suono; il vuoto perché privo di materia; l'infinito perché privo di limiti e, soprattutto, la morte, l'oggetto più sublime, in quanto privazione di tutto. Con l'esperienza del sublime, l'uomo sperimenta la propria piccolezza e la vulnerabilità del proprio corpo, la consapevolezza che dovrà soffrire e morire, ma la sfida ingaggiata, sebbene si concluda in un "dolce naufragio" che lo riconduce e lo dissolve nella totalità del tutto, in realtà lo fortifica e ne alimenta l'autostima. Il confronto con la natura, che lo umilia con la sua immensa grandezza o minaccia di distruggerlo con la sua smisurata potenza, non solo lo ha reso più consapevole dei propri limiti, ma anche della propria capacità di oltrepassarli. Per questo il motivo dominante della poetica romantica del sublime è una tensione costante verso l'elevazione e l'espansione dell'anima ( enlargement of the soul), perché l'immaginazione produce incessantemente degli ostacoli che lo slancio interiore anela a oltrepassare.

Caspar David Friedrich, Morgen im Riesengebirge, 1810-11,Alte Nationalgalerie - Public Domain via Wikipedia Commons

FONTI BIBLIOGRAFICHE

Renato Barilli, L'alba del contemporaneo. L'arte europea da Füssli a Delacroix, Feltrinelli 1996.
Remo Bodei, Paesaggi sublimi, Bompiani 2008.
Giovanna Pinna, Il sublime romantico. Storia di un concetto sommerso, Aesthetica Preprint, 2007.

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L'uomo e la natura - L'ESTETICA DEL SUBLIME

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LA CRISI DEL PRIMATO ANTROPOLOGICO Tra la fine del XVIII e gli inizi del XIX secolo si verifica in Occidente un mutamento radicale dell'ordine figurativo e del paradigma estetico. Riprendendo il titolo di un saggio di Renato Barilli, è in questo periodo che occorre ricercare la vera alba del contemporaneo.

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NASA | A Year in the Life of Earth's CO2

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Temperature Anomalies by Country 1880-2017

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Global temperature anomalies from 1880 to 2018

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Il filosofo Ferraris presenta la complessità del concetto di Natura

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La puntata di Zettel è dedicata al concetto di natura. Dalla fine del Settecento, grazie al pensiero di auctoritates come Rousseau, si diffonde nell'immaginario collettivo europeo una nuova idea di natura intesa come stato primigenio, originario, puro dell'uomo messo a confronto con il meccanicismo della vita artificiale. La discussione di Maurizio Ferraris parte da un quesito decisamente complesso: lo stato di natura è davvero migliore dello stato artificiale, secondario, costruito dall'uomo nel corso dei secoli? Come si spiega allora l'episodica epifania di una natura matrigna, devastatrice e figlicida?

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La puntata di Zettel è dedicata al concetto di natura. Dalla fine del Settecento, grazie al pensiero di auctoritates come Rousseau, si diffonde nell'immaginario collettivo europeo una nuova idea di natura intesa come stato primigenio, originario, puro dell'uomo messo a confronto con il meccanicismo della vita artificiale.

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Uno schema comparativo

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L'universo fisico considerato essere vivente dotato di organi, movimento e anima.

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A. Kircher Mundus subterraneus, 1682

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40 artisti tra arte e natura - Foto - Style

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Il Terzo Giorno, a Parma dal 20 aprile al 1 luglio, è un racconto per immagini e opere di artisti che conduce alla conoscenza e al godimento della natura.

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Still LIfe 2014

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STILL LIFE (2014) / 2015-2016 performances / trailer

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STILL LIFE
by DIMITRIS PAPAIOANNOU

created at and produced by the
ONASSIS CULTURAL CENTRE — ATHENS
in 2014

tour information
http://dimitrispapaioannou.com/en/calendar

touring with
PROKOPIS AGATHOKLEOUS, DROSSOS SKOTIS,
MICHAEL THEOPHANOUS, SAVVAS BALTZIS,
KALLIOPI SIMOU, PAVLINA ANDRIOPOULOU
and
DIMITRIS PAPAIOANNOU

visual concept—direction—costume & lighting design
DIMITRIS PAPAIOANNOU
sets designed in collaboration with
DIMITRIS THEODOROPOULOS & SOFIA DONA
costumes designed in collaboration with
VASSILIA ROZANA
sound composition
GIWRGOS POULIOS
sculpture design—set painting
NECTARIOS DIONYSATOS
assistant director—head of production
TINA PAPANIKOLAOU
technical director—production manager
GEORGIOS BAMBANARAS

2015-2016 tour produced by 2WORKS
with the support of the ONASSIS CULTURAL CENTRE — ATHENS

STILL LIFE (2014) / 2015-2016 performances / trailer
footage by STEFANOS SITARAS
edited by DIMITRIS PAPAIOANNOU

http://dimitrispapaioannou.com
http://birthplace2004.com
http://cavafy13.com

http://vimeo.com/papaioannou
http://fb.com/papaioannou.page
http://twitter.com/papaioannou_d

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Cosa hanno in comune artisti come Blu, Banksy e Pejac? La loro arte a suon di bombolette spray è capace di veicolare messaggi ben precisi, sollecitando non pochi spunti di riflessione sui danni causati dall'uomo all'ambiente.
Ecco dieci murales che raccontano questo, dal riscaldamento globale alla cementificazione selvaggia dei luoghi in cui viviamo.

"Mi ricordo quando era tutta campagna" di Banksy

Un altro manifesto contro la cementificazione selvaggia. Chi è l'inglese Banksy? Nonostante la fama globale e le quotazioni che hanno raggiunto le sue opere urbane, un fitto mistero avvolge l'identità dell'artista.

"Non credo nel global warming" di Banksy

Colore rosso acceso per illuminare una frase che corre a filo d'acqua lungo il Regent's Canal a Camden, nel nord di Londra. L'artista l'ha scelta per protestare a fronte del fallimento della conferenza sul clima di Copenaghen (2009).

"Spirale della storia della terra" di Blu

Un'apocalittica spirale colorata che si sviluppa dal basso verso l'alto, per scoprire la storia degli esseri viventi, dai primordi alla civiltà contemporanea. È il ciclo della vita sulla terra impresso sulla facciata di un edificio popolare di Ponte Mammolo, in zona Casal de' Pazzi (Roma).

"Sete insaziabile" di Blu

C'è un manager che indossa una corona adornata con i loghi delle imprese petrolifere più famose: tiene il pianeta tra le mani e ne sorseggia il succo con una cannuccia. Il graffito è comparso sulla facciata di un palazzo di Lisbona, all'indomani del disastro della marea nera nel Golfo del Messico (2015).

"Appetite for Destruction" di Blu

Guerra alla cementificazione selvaggia: un uomo con denti a forma di palazzi che divora alberi impresso sulla facciata di un palazzo di Belgrado.

"Ghiaccio bollente" di Eduardo Kobra

Pennelli, aerografo e spray: il brasiliano Eduardo Kobra è considerato un mostro sacro dei murales e, in questo caso, affronta il problema del riscaldamento globale.

"Là dove c'era un fiore", di Natalia Rak

Classe 1986, l'emergente Natalia Rak è diventata famosa per la sua bambina dalle treccine rosse (finta) che innaffia in punta di piedi un albero (vero). Il graffito colora un edificio popolare di Bialystok, in Polonia.

"Uomini mangia-alberi" di Nemos

Un'altra denuncia sociale in difesa del verde. L'italiano Nemos, oltre a dedicarsi alla street art, realizza opere con la carta.

"Animali in trappola" di ROA

ROA sta per Raises Awareness of Environment Issues, ovvero la traduzione inglese di "elevare la consapevolezza sull'ambiente". L'opera dello street artist belga dà voce alla sofferenza del mondo animale causata dall'uomo.

"Pianeta al capolinea" di Pejac

L'arte diventa un mezzo per denunciare i mutamenti climatici. Lo spagnolo Pejac ha studiato alle Belle Arti a Milano e ha esposto in varie gallerie, per poi dedicarsi alla street art.

®Eco_Design WebMagazine

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La street art per l'ambiente: le opere di strada più iconiche "| Anter"

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Cosa hanno in comune artisti come Blu, Banksy e Pejac? La loro arte a suon di bombolette spray è capace di veicolare messaggi ben precisi, sollecitando non pochi spunti di riflessione sui danni causati dall'uomo all'ambiente. Ecco dieci murales che raccontano questo, dal riscaldamento globale alla cementificazione selvaggia dei luoghi in cui viviamo.

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Grotta di Altamira

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Arte e natura - Fuori quadro del 28/06/2015

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La natura come luogo d'ispirazione dell'arte, materia dell'opera e anche territorio minacciato. Gli artisti contemporanei segnalano nuove emergenze e riportano l'ambiente al centro della loro ricerca. L'arte ha sempre nella sua storia rappresentato la natura, le pitture rupestri ne sono l'esempio più lampante. Poi progressivamente la natura è diventata il teatro visivo entro cui collocare l'uomo.

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Ambrogio Lorenzetti: Effetto del buon governo in campagna

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Ambrogio Lorenzetti: Effetto del buon governo in campagna

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cestino di frutta

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autore e interprete:  Iván Benito

“Cerco. Corro. Salto. Mi nascondo.” La natura si trova in una lotta costante per la sopravvivenza. La natura muta nelle sue caratteristiche se l’ambiente non riesce a  sostenere tutti i membri di una popolazione in crescita. Pertanto, i membri della popolazione meno adatti alla sopravvivenza avranno più probabilità di morire. Le specie sono soggette a una grande quantità di cambiamenti dei quali permangono solo quelli utili al contesto nel quale i cambiamenti stessi si verificano: dare origine ad una nuova specie. Ciò che ci mantiene in vita è la capacità di adattamento all’ambiente.  L a teoria dell’evoluzione e l’origine della specie come punto di partenza del nostro lavoro.

durata 12'

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Il mare di ghiaccio

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Tempesta di neve

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ponte giardino Giverny

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campo di grano con corvi

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Three Girls in a Wood

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Giuseppe Penone

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Spiral Jetty

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Pinuccio Sciola

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«The rose (IV)» 2008

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uomini mangia alberi

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Nimbus

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Pinuccio Sciola, "Pietra sonora"

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Jeff Koons, "Puppy"

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Squalo

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Giuseppe Penone