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Mandala Indiana | Andrei Rosa e Sarah Machado 

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Mandala Indiana | Andrei Rosa e Sarah Machado 

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A mandala é, originalmente, um círculo que contém em seu interior desenhos de formas geométricas, figuras humanas e cores variadas. São encontradas em religiões como o budismo e o hinduísmo, bem como na cultura de tribos indígenas norte-americanas como os Sioux.

A palavra mandala significa círculo em sânscrito e é considerada como um símbolo de cura e espiritualidade. Para os hinduístas e budistas, a mandala ajuda na concentração da prática meditativa e é comum encontrá-la nos templos dessa religião.

Benefícios da Mandala:

Os benefícios de fazer e pintar uma mandala são muitos. Aquele que a confecciona fica concentrado numa tarefa específica e assim pode canalizar sua atenção.

Dessa forma, entra num estado de concentração comparável ao transe místico. Igualmente, o mesmo tipo de foco que acontece com os atletas e músicos quando estão empenhando suas funções.

Além disso, o autor exercita sua criatividade e seu poder de decisão ao lidar com a escolha de cores e padrões geométricos distintos.

Desta maneira, a mandala vem sendo utilizada para tratamentos em patologias como déficit de atenção, depressão, estresse e como terapia ocupacional.|

Benefícios terapêuticos:

Podem ajudar a aliviar o estresse

Podem promover uma sensação de paz e equilíbrio

Podem ser uma ferramenta poderosa para indivíduos que buscam explorar suas emoções

Podem promover a autoexpressão e o autoconhecimento

O ponto central da mandala é considerado sua essência. A partir dele, interconectam-se diferentes elementos gráficos, que dependem da região central. A combinação de diferentes formas geométricas dentro do círculo que forma a mandala causa a sensação de movimentação, tanto do centro para as bordas quanto destas para o centro.

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o origami consiste na arte da dobradura do papel para a formação de pequenas esculturas. Acredita-se que o origami surgiu logo após a criação do papel no oriente, por volta de 105 d. C.

O origami passou inclusive a ser utilizado como parte de rituaus xintoístas, e eles representavam em sua maioria elementos da natureza, como animais e plantas. Como forma de respeito exigida pela religião, o papel do origami não podia ser cortado ou colado

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Dancheong é uma técnica de pintura e decoração coreana que se aplica em edifícios como palácios, templos e casas tradicionais. É uma tradição que remonta a séculos e é caracterizada por cores vibrantes e padrões complexos.

Princípios

Baseia-se na teoria dos Cinco Elementos e no yin e yang;

As cores e padrões do Dancheong não são aleatórios. Elas indicam a importância do edifício ou a hierarquia social. Palácios e templos reais usam esquemas de cores diferentes dos templos comuns ou edifícios públicos;

Os tons utilizados eram azul, vermelho, amarelo, branco e preto. Colocados de acordo com os princípios do yin e yang;

Os padrões incluem animais como dragões, tigres, pássaros e tartarugas negras, bem como, flores como o lótus, a romã, a peônia e o crisântemo.

Alunos: Carolina Anselmini Muller e Pedro Dariff

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únicas

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Kalamkari - manifestação artística indiana - Ketlin Bach

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Kalamkari - manifestação artística indiana - Ketlin Bach

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Kalamkari é uma técnica tradicional feita em pintura e impressão em tecido, marcado com cores naturais e estampas complexas.

"Antigamente, artistas mudavam-se das aldeias para contar aos moradores as histórias tradicionais da mitologia hindu. Ilustravam seus relatos usando telas pintadas no local com tintas extraídas de plantas. Artes como essas, hoje reconhecidas como painéis de Kalamkari são encontrados nos templos hindus e representam os episódios da mitologia tradicional do país."

Nesta arte se utiliza cores terrosas como o índigo, mostarda, ferrugem, preto e verde, podendo ter padrões florais, formas de animais e os desenhos mehrab.

https://followthecolours.com.br/kalamkari/ link para maiores informações.

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A caligrafia chinesa, ou 书法 (shū fǎ) em chinês, é uma expressão artística e visual que envolve a escrita dos caracteres chineses. Sua história é milenar e seus primeiros registros foram encontrados em ossos de oráculo e conchas de tartaruga, sistema de escrita chamado de 甲骨文 (jiǎ gǔ wén) em chinês, durante a Dinastia Shang (1600-1046 a.C.).

Desde a antiguidade, diferentes estilos foram desenvolvidos, cada um com características únicas:

O estilo selo, um dos mais antigos, tem formas arredondadas e uniformes, enquanto o estilo oficial introduziu traços mais retos e estruturados, tornando a escrita mais legível.

O estilo regular é o mais padronizado e utilizado amplamente, sendo a base do ensino escolar.

Já o estilo semi-cursivo traz mais fluidez e velocidade, sendo usado para escrita cotidiana, e o cursivo, com traços soltos e dinâmicos, exige grande habilidade e compreensão da forma dos caracteres.

Praticar a caligrafia chinesa é uma atividade que exige paciência e disciplina, sendo comparada à meditação. Além de sua importância histórica, ela também influenciou outras culturas e sistemas de escrita no leste asiático, mantendo-se viva até hoje como uma arte respeitada e apreciada.

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Período Muromachi- Japão. Andressa Camili Livinalli e Hewilin Débora Delasari Joner

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Período Muromachi- Japão. Andressa Camili Livinalli e Hewilin Débora Delasari Joner

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A arte Muromachi no Japão foi profundamente influenciada pelo budismo zen e pela cultura chinesa especialmente pela cultura Song. Sua arte enfatizava a contemplação pela natureza e suas paisagens.

Esse período marcou o florescimento da pintura a tinta (Sumi-e), da cerâmica refinada e da arquitetura de jardins secos (karesansui).

A arte Sumi-e era manifestada através de pinceladas criando paisagens monocromáticas, focando na simplicidade e na harmonia.

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DESENHO COREANO - Brenda Soares e Poliana Gonzatti

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DESENHO COREANO - Brenda Soares e Poliana Gonzatti

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A arte do desenho coreano é uma forma de expressão artística que combina técnicas tradicionais coreanas com influências modernas.

História

O desenho coreano tem uma longa história que remonta à época da dinastia Goryeo (918-1392). Durante esse período, os artistas coreanos desenvolveram técnicas de desenho e pintura que foram influenciadas pela arte chinesa e budista.

1. A arte do desenho coreano é caracterizada pelo uso de linhas e contornos precisos e delicados;

2. ⁠frequentemente incorpora elementos da natureza, como flores, árvores e animais;

3.usa cores vibrantes e saturadas, especialmente vermelho, azul e amarelo;

4. é influenciada pela cultura e história coreana, incluindo a mitologia, a religião e a literatura.

Técnicas

1. Desenho a mão (usando instrumentos como pincéis, canetas e lápis);

2. Uso de papel (O papel é um material comum usado na arte do desenho coreano, especialmente o papel de arroz);

3. Técnicas de sombreamento (frequentemente usa técnicas de sombreamento para criar profundidade e volume).

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Arte, desenho e pintura - Japão. Amanda Torres

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Arte, desenho e pintura - Japão. Amanda Torres

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A arte oriental japonesa no campo do desenho e da pintura tem uma tradição rica, marcada por influências filosóficas, espirituais e estéticas únicas. Ao longo dos séculos, o Japão desenvolveu diversos estilos e técnicas que refletem sua cultura e história. A arte japonesa foi profundamente influenciada pelo budismo, xintoísmo e confucionismo. A estética japonesa valoriza o equilíbrio, a simplicidade (Wabi-sabi), a harmonia com a natureza e a espiritualidade. O conceito de Ma (間), que enfatiza o uso do espaço vazio, é um elemento essencial na composição artística japonesa.

2. Principais Estilos e Técnicas

Sumi-e (墨絵): Pintura monocromática com tinta nanquim, originada na China e aprimorada no Japão. Enfatiza pinceladas expressivas e a captura da essência do tema com poucos traços. Geralmente, retrata paisagens, bambus, carpas, pássaros e flores.

Ukiyo-e (浮世絵): Pinturas e gravuras em madeira populares no período Edo (1603-1868). O nome significa "imagens do mundo flutuante", e o estilo retratava paisagens, cortesãs, samurais, atores de Kabuki e cenas do cotidiano. Artistas como Hokusai (autor de A Grande Onda de Kanagawa) e Hiroshige foram grandes mestres do Ukiyo-e.

Yamato-e (大和絵): Estilo clássico japonês de pintura, surgido no período Heian (794-1185), caracterizado por cores vibrantes, uso de ouro e representações narrativas. Era muito utilizado em pergaminhos ilustrados (emakimono).

Nihonga (日本画): Pintura tradicional japonesa do período moderno, que mantém as técnicas e materiais clássicos, como tinta mineral, papel de arroz e seda, mas incorpora influências ocidentais.

Shodo (書道): Arte da caligrafia japonesa, onde os caracteres kanji são escritos com pincel e tinta. A fluidez e a expressividade dos traços são tão valorizadas quanto na pintura.

3. Materiais e Técnicas Tradicionais

Os artistas japoneses utilizam materiais específicos, como:

Washi (和紙) – Papel artesanal japonês, muito usado para pintura e caligrafia.

Fude (筆) – Pincéis de diferentes tamanhos e formatos, feitos com pelos de animais.

Sumi (墨) – Tinta preta à base de carvão, usada no sumi-e e no shodo.

Pigmentos Minerais – No Nihonga, os artistas usam pigmentos extraídos de minerais moídos, como lápis-lazúli e malaquita.

A arte japonesa influenciou fortemente a arte ocidental, especialmente o movimento impressionista e pós-impressionista. Artistas como Van Gogh e Monet foram inspirados pelo Ukiyo-e. O estilo minimalista e a ênfase no vazio também influenciaram o design gráfico, a animação (mangá e anime) e até a tatuagem japonesa (irezumi).

A influência dessa arte persiste até hoje, inspirando artistas do mundo todo.

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Focando especificamente em uma arte só, Bharata natyam, originada nos templos de Tamil Nadu, no sul da Índia, é um dos estilos de dança mais conhecidos entre os indianos. Esta dança clássica combina percussão intensa e um compasso suave dos pés, utilizando gestos das mãos (mudras) e expressões faciais para contar histórias da mitologia.

É a forma mais popular da dança clássica indiana e é reconhecida globalmente como um importante símbolo da cultura indiana. Sua conexão com os templos e a arte das devadasis reflete a introspecção da cultura hindu.

Dupla: Maria Eduarda Matte Zan e Michael Gradaschi dos Santos.

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É um tipo de gravura japonesa. Uma das suas características marcantes é o processo de impressão. Para fazer Moku hanga, os artistas gravam o seu desenho na madeira com goivas chamadas kentos. Após a tintagem, a matriz é impressa com um baren. Esta forma de impressão manual oferece uma vasta gama de texturas que são muito difíceis de conseguir com outras técnicas. A principal diferença entre o moku hanga e a xilogravura ocidental é a pintura utilizada, pois a ocidental utiliza tinta a base de óleo, diferente da Moku Hanga, que aplica tinta a base de agua. Este método permite uma vasta gama de cores intensas, esmaltes e transparências.

https://totenart.pt/blog/noticias/moku-hanga-xilografia-japonesa/

Alunas: Eduarda Berndt e Mayara Wommer

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Caligrafia Japonesa! - Carlos Eduardo e Giovana Mathias

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Caligrafia Japonesa! - Carlos Eduardo e Giovana Mathias

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Também conhecida como Shodō, a caligrafia japonesa é uma arte milenar que se originou na China e foi introduzida no Japão no século VI d.C. Era praticado não apenas pelos estudiosos e nobres, mas também por monjes zen budistas, que viam na caligrafia uma forma de meditação e disciplina espiritual. A escrita caligráfica de alta qualidade era vista como um reflexo do caráter e da alma do escritor. Com o passar dos séculos, a caligrafia foi se transformando de uma prática funcional para uma forma de arte. Durante o período Kamakura (1185–1333) e Muromachi (1336–1573), o shodo se tornou um dos pilares da cultura japonesa.

Ao longo do tempo, diversos outros estilos de caligrafia foram desenvolvidos no Japão, cada um com sua própria ênfase e características:

Kaisho (楷書): Estilo mais formal e legível, usado para a escrita regular.

Gyosho (行書): Um estilo cursivo mais fluido e rápido, mas ainda legível.

Sosho (草書): O estilo cursivo mais livre e abstrato, mais artístico e expressivo.

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Caligrafia Japonesa aplicada em Design de caneca

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Caligrafia Japonesa aplicada em Design de caneca

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Design feito por Giovana Mathias da Silva

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O conceito da arte coreana ao longo dos tempos tem sido naturalista, uma característica visível desde o período dos Três Reinos ( c. 57 A.C. –668 D.C. ).

O minhwa refere-se às pinturas populares coreanas que apresentam temas do cotidiano, símbolos de boa sorte e elementos da natureza. Essas obras eram utilizadas para decorar casas e celebrar ocasiões especiais, refletindo as crenças e esperanças do povo coreano.

Teve origem na Dinastia Joseon e possui grande representações xamânicas, temas budistas, corpos celestes e constelações. As suas pinturas eram coloridas, utilizando de cores pretas, amarelas, vermelho escuro, verde e roxo.

Habitualmente, as pinturas eram feitas com Boon chae, uma tinta mineral, misturada em Agyo, uma gelatina incolor de couro de burro. Então, aplicavam essa mistura no Hanji, um papel feito a partir de fibras de amoreiras.

Alunas: Maria Eduarda de Sousa Neto e Yasmin Bazzo Polis

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As mandalas indianas, são formas de artes para representar o universo, a espiritualidade e a busca por equilíbrio. Feitas a partir de forma geométricas, com simetria, tem formato circular para representar o ciclo da vida e a conexões entre todas as coisas. Usadas em rituais e meditações para contribuir com a paz interior.

As cores trazem significados profundos à essa arte, como por exemplo, o vermelho pode representar energia e força vital, o azul pode representar serenidade, e o amarelo pode estar ligado ao despertar espiritual. Nessa crença, cada cor contribui para uma força energética.

Link da apresentação da marca: https://preview.canva.site/e65f531b-a1bc-4640-8cac-818f2dd9b62e/samadhivibes.com/

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Existem algumas técnicas artísticas nascidas no Japão que são próprias e seculares. O origami é a arte japonesa de dobrar o papel criando uma peça decorativa.Os primeiros registros de origami datam do Período Heian (794-1185) A palavra "origami" vem de "oru" (dobrar) e "kami" (papel). A arte do origami foi ensinada às crianças por muitas gerações, sendo passada de pais para filhos.O sapo (kaeru) representa o amor e a fertilidade,e a tartaruga é tida como símbolo da longevidade O origami de pássaro (tsuru) é tido na tradição japonesa como um símbolo de sorte, longevidade e saúde.

Ana Carolina Franceschi

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arte do shodo evoluiu principalmente nos templos e tem sido muito influenciada pelo budismo japonês.

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arte do shodo evoluiu principalmente nos templos e tem sido muito influenciada pelo budismo japonês.

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Shodo é a arte japonesa da caligrafia criada com um pincel. É altamente estilizada e muitas vezes quase ilegível.Os trabalhos do shodo frequentemente se parecem com uma pintura de paisagem. A maioria dos japoneses estudaram-na e têm uma apreciação especial por este tipo de arte Nome: Adriana Sabrina dos Santos

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A Arte Do Nanquim Chinês- Juany De Morais Dos Santos, Gabriel Victor Peruzzo

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A Arte Do Nanquim Chinês- Juany De Morais Dos Santos, Gabriel Victor Peruzzo

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Características

A pequena historieta de Zhang Sengyou 张僧繇, famoso pintor do período Liang 梁(502-587 EC), e tomada aqui como exemplo, nos revela o aspecto evocador da arte chinesa:  a  capacidade  de  ‘trazer  a  vida’  um  objeto  material  pela  manifestação  de  seu  ‘princípio vital’.

A  pintura,  assim  como  a  escrita,  serviam  ao  propósito  de  conectar  ideias  e imagens,  como  descreve  uma  outra  passagem  do  pensador  Hanfeizi  韓非子  (475-221)

A  relação  do  ato  de  desenhar/pintar  para  os  chineses constituía a técnica de expressão do subjetivo

Influência espiritual

A escrita chinesa surgiu para dialogar com os espíritos

A cor preta no nanquim pode ter múltiplos significados simbólicos. No contexto espiritual, o preto muitas vezes está associado ao mistério, à introspecção e ao infinito. Para muitas tradições espirituais, a cor preta pode representar o vazio, o inconsciente ou o potencial de tudo antes de se manifestar.

Dinastia Tang e o nanquim

Nanquim também foi um importante estilo de arte chinês. Ele surgiu no século IX e foi o padrão artístico do país até o século XVII. Ele se difundiu na Europa no século seguinte até finalmente chegar na América do Sul no século XX.

Eles datam ainda de 2 mil a.c., com registros dela em manuscritos da época. Posteriormente ela também chegou ao Japão, onde sua versão mais barata chamada “sumi” se popularizou mais.

Poemas

Zhang  Sengyou  pintara  quatro  dragões  numa  parede.  Nada  faltava  aos

dragões: possuíam oitenta e uma vértebras, divididas

em nove séries de nove,

número  este  altamente  benéfico.  Ostentavam  também  longos  bigodes  de

fogo de cada lado das faces e, no alto da cabeça, os cornos, sem o qual não

poderiam   voar   pelos   céus.   Mas   o   pintor   não   lhes   pusera   os   olhos.

Perguntaram

-lhe o moti

vo de tal omissão. Disse ele, suspirando:

- Já que o desejais...

Tomando  um  pincel,  traçou  os  olhos  dos  dragões,  que  logo  eriçaram  seus

cornos, saltaram da parede, franquearam a janela e desapareceram no céu.

(apud Bueno, 2011, p.15)

Do  mesmo  modo,  os  artistas  das  tumbas pressupunham, assim, que suas decorações, objetos e estátuas manifestavam espíritos evocados, que voltariam para o mundo espiritual sob a guarda do dono da tumba após seu sacrifício ritual. Ao menos, era o que eles esperavam.

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O conceito de Yin-Yang é essencial na filosofia chinesa, particularmente no Taoísmo, simbolizando a dualidade e a harmonia dos opostos no cosmos. Ele representa a interconexão entre forças opostas, evidenciando que nada existe de maneira autônoma ou absoluta. Os princípios Yin e Yang não são opostos que se neutralizam, mas sim complementares. Para existir, cada um necessita do outro. O Yin pode se transformar em Yang e vice-versa, mostrando que tudo na vida está em constante mudança. Yin - Energia passiva, feminina e Yang – Energia ativa, masculina.

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Arte Coreana (Minhwa) - Dora Chittó Adeodato e Lucas Zanin 

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Arte Coreana (Minhwa) - Dora Chittó Adeodato e Lucas Zanin 

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A pintura coreana tem registros iniciais nas tumbas da Manchúria, destacando temas religiosos e naturais. Durante a dinastia Joseon (1392–1897), surgiu o Minhwa, um estilo de arte popular produzido por artistas anônimos, caracterizado por representações do folclore, símbolos de boa sorte e cenas do cotidiano. No século XVIII, houve uma ampliação desse enfoque, com artistas incorporando paisagens e retratos da vida diária em suas obras.

Pintura Coreana

Primeiros registros: pinturas nas tumbas da Manchúria, com temas religiosos e naturais.

Minhwa (dinastia Joseon, 1392–1897):

Arte popular feita por artistas anônimos.

Representava folclore, símbolos de boa sorte e cenas do cotidiano.

No século XVIII, artistas ampliaram os temas, incluindo paisagens e a vida diária.

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O chá, ou chai, é uma bebida muito presente na cultura indiana, sendo parte de rituais, festivais e celebrações

o chá ou chai, representa uma parte muito importante da cultura indiana, com uma enorme variedades de tipos, cores e sabores, essa tradição é levada muito a sério de geração em geração

No vibrante mundo do chá indiano, a embalagem desempe-nha um papel crucial na captura da verdadeira essência dessa tradição.

A cultura indiana é repleta de cores, formas, além de simbolismos e profundos significados,

tendo como resultado artes coloridas, que transmitem alegria e vida, tanto para o material gráfico como para o digital.

Alguns elementos utilizados para compor o design das embalagens e rótulos, são: cores vibrantes, paisley, vestimentas e adornos, animais, hena, arquitetura, flores e fontes que são inspirados nas caligrafias mais comuns do país.

São vários os tipos de chá encontrados na Índia, cada um com seu próprio caráter distinto e herança lindamente capturados por meio de designs de embalagens bem pensados e culturalmente inspirados.

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A palavra mandala significa círculo em sânscrito, contém em seu interior formas geométricas, figuras humanas e cores variadas.

Estudos indicam que as primeiras mandalas surgiram por volta do século VIII na Índia.

É considerada um símbolo de cura e espiritualidade, usadas para meditação, concentração e contemplação.

As cores da mandala possuem grande influência na energia do ambiente, pode mudar a percepção da emoção de cada indivíduo.

São encontradas em Religiões como Budismo e Hinduísmo.

As mandalas podem ser feitas de materiais como madeira, areia e tinta.

As de areia são tradição de monges tibetanos feitas no chão.

As de madeira são tradição do budismo, representam a morada de divindades sagradas.

As de tinta são tradição dos hindus, que utilizam cores vivas, pois elas representam chakras do corpo humano.

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Mandala significa centro, circunferência ou ainda cubo mágico símbolo que nas mais diversas culturas é reconhecida como elemento que sintetiza a totalidade da vida, integração e harmonia.

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Podemos compreender a arte indiana no contexto de suas pretensões e necessidades ideológicas, o que consiste em não separar a arte de seu criador e o tempo deve ser entendido como uma matriz da eternidade, assim a arte indiana se divide em três elementos distintos, os sentidos as emoções e o espírito.

Na índia as mandalas tântricas são comuns e costumam conter representações de outras figuras como a de objetos e seres. Elas são utilizadas como instrumento de meditação bem como são pintadas no chão para a realização de rituais de iniciação.

No budismo tibetano, a mandala é compreendida enquanto uma imagem produzida pela mente. Ela é criada por um Iama, por meio da imaginação. Para os budistas tibetanos, nenhuma mandala é igual à outra, sendo cada uma individual.

O surgimento da mandala na perspectiva budista está associado a experiências de introspecção. Com isso, as mandalas são utilizadas em processos de meditação e concentração.

As mandalas no budismo tibetano representam a realidade interior do ser humano. São instrumentos do desenvolvimento psicológico, com a finalidade de avançar na consciência espiritual.

Mandala no budismo tântrico

No budismo tântrico, as mandalas compõem um ritual junto a outros elementos. Nesse processo, a pessoa (aprendiz) realiza gestos simbólicos com as mãos (mudras), recita palavras sagradas (mantras) e concentra nas imagens de círculos e símbolos de divindades do panteão budista tântrico (mandalas).

A intenção nesse ritual é a ativação do surgimento de forças que estão adormecidas, mas são poderosas. Elas estão imersas no inconsciente humano. E as mandalas servem como ferramenta essencial no desencadeamento dessas percepções.

Mandala na psicologia

A mandala na psicologia, de acordo com a teoria junguiana, é um círculo mágico, um símbolo do centro, do self, indicando uma totalidade psíquica.

O suíço Carl Gustav Jung criou a psicologia analítica. Essa área apresentou contribuições significativas para compreender as mandalas em relação à mente humana.

Mandala na educação

A mandala pode ser utilizada como recurso didático no processo de ensino e aprendizagem no campo educacional, principalmente ao longo da educação infantil. Nesse sentido, ela pode ser apresentada aos estudantes, contextualizada e utilizada como forma de produção artística.

Para alguns autores, as mandalas são consideradas ferramentas potencializadoras na educação. Elas podem ser trabalhadas de diferentes formas: enquanto produção de desenhos envolvendo a capacidade criativa; na formação dos círculos com base na configuração dos corpos enquanto prática corporal; e na contextualização histórica e cultural da mandala ao longo do tempo.

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Arte na Índia Antiga
Famosa pela escultura e cerâmica, a arte na índia é muito rica em símbolos religiosos e sempre esteve ligada a espiritualidade refletindo crenças, como hinduísmo, budismo e jainismo. É caracterizada por ser exuberante e detalhada, com forte uso de cores, formas e figuras humanas. Outros elementos também frequentemente presentes na arte indiana são o simbolismo, onde cada elemento nas obras possui um significado, geralmente religioso ou filosófico. Outra característica é o estilo sensual, representado principalmente nas esculturas refletindo a vida espiritual e relação com as divindades.

Agora sobre a arquitetura indiana, possui muitos templos, stupas e chatyas, seus principais marcos são os templos hindus, projetados para serem morados por deuses, possuem detalhes elaborados com imagens de divindades e cenas mitológicas, as stupas, construídas inicialmente pelos budistas, são estruturas monumentais que guardam relíquias sagradas, um exemplo é a stupa sanchi e temos também os chaityas, cavernas esculpidas na rocha, onde se realizavam e realizam-se meditações e adoração. Temos também a arquitetura indo-islâmica, que começou após a invasão muçulmana, mesclando elementos da arquitetura hindu com a islâmica, um principal exemplo disso é o Taj Mahal, mausoléu construído em memória a esposa do imperador Shah Jaham, Mumtaz Mahal.

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HISTÓRIA DA PINTURA COREANA

A história da pintura coreana, estende-se do início dos murais pintados nas paredes dos túmulos durante o quarto século, e continua presente nas obras de um grande número de artistas coreanos que mantém estilos e formas da arte tradicionais, além de agregar conceitos modernos.

Assim como hoje, onde pintores de diversos países buscam estudar no exterior para aprender outros estilos e suas tradições, os primeiros pintores coreanos viajavam para estudar as obras daqueles que eram considerados os grandes mestres.

No século IV, a China foi considerada, tanto por si só, como também por muitos países asiáticos sob sua influência, o centro do universo. Como tal, muitos pintores coreanos foram enviados para o país para aprender estilos de pintura chinesa moderna. O que eles aprenderam, influenciou não só as pinturas da Coreia, mas também do Japão.

Entre o período de três reinos na Coreia, cada qual adquiriu seu próprio estilo de pintura original, influenciado de acordo com a região geográfica na China com a qual o reino possuía relações. A história dá arte coreana começa se estendendo quando eles faziam pinturas paredes dos túmulos, no quarto século.

Isso não significa que eles pararam pois os pintores continuam com suas pinturas clássicas, além dá arte moderna. Percebemos que vários pintores de diversos países buscam pintar artes de suas culturas. Já os pintores antigos coreanos, buscavam viajar e ir atrás de grandes mestres mundiais.

Antigamente, no século IV, e até os dias de hoje, a arte chinesa é considerada uma das mais influentes do mundo! Então vários coreanos foram mandados a China para aprender mais sobre a arte.

Na época dos três reinos na Coréia, cada um começou seu jeito de pintura, tanto na Coréia, tanto na China.

A arte era influenciada pela região de cada país.

Tipos de pintura coreana

Categorizar o grande número de estilos de pintura coreana acabou por se tornar uma tarefa difícil por conta das diversas influências, mesmo onde de um período para outro houvesse características mais predominantes.

Destaca-se a produção da Era Joseon, que com sua rica variedade de estilos permanece influente até hoje nas obras contemporâneas. Esta se dividiu em cinco categorias: Pinturas de Paisagem, Gênero, Minhwa, as Quatro plantas graciosas que representavam as quatro estações, e Retratos.

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Contextualizando a Dinastia Qin, que ocorreu entre 221 e 206 a.C.

Qin Shihuang, o primeiro imperador da época, uniu a China sob a sua dinastia e através da instensa política militarista, alargou fronteiras ao sul e ao norte e iniciou a construção da Primeira Grande Muralha, pois os reinos que ocupavam o país estavam tão preocupados com a ameaça de seus vizinhos quanto com invasões ou ataques de povos bárbaros. Essa decisão formou grande parte do território Chinês conhecido atualmente. Outra prática que marcou o período foi o controle e perseguição às demais escolas de pensamento filosófico e religioso, principalmente a confucionista.

A arte e pintura nesse período

Apesar da busca intensa de Qin para padronizar vários aspectos da vida cotidiana, como pesos, medidas, cunhagem e sistema de escrita, a arte feita em esculturas, vasos e outras peças de terracota possuíam uma pintura bem desenvolvida, mais fluida. Achados arqueológicos provaram que usavam-se as cores verde, amarela, vermelha viva e escura, azul e preto, os fragmentos das pinturas encontradas mostravam cenários de caça, carvalho, paisagens e personagem e eram consideradas obras de alto valor artístico.

Aluna: Larissa Folmer

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A arte indiana é rica e diversificada, refletindo a vasta cultura e história do país. Ela abrange várias formas, incluindo pintura, escultura, arquitetura, dança e música, cada uma com suas próprias tradições e estilos regionais. Desde as antigas pinturas rupestres até as intricadas obras de arte contemporâneas, a arte indiana é um testemunho da criatividade e espiritualidade do povo indiano.

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Shan Shui – A Arte das Montanhas e Águas

O Shan Shui (山水), que significa “montanha e água”, é um dos estilos mais marcantes da pintura tradicional chinesa. Surgiu na dinastia Tang (618–907 d.C.) e se popularizou na dinastia Song (960–1279 d.C.), sendo mais do que uma simples representação de paisagens – ele reflete a relação espiritual entre o ser humano e a natureza.

Diferente da pintura ocidental, que foca no realismo e na perspectiva linear, o Shan Shui usa pinceladas suaves e tinta preta para criar um efeito quase etéreo, com montanhas imponentes, rios sinuosos e névoa delicada. A composição é assimétrica, guiando o olhar pelo fluxo natural da paisagem. Pequenas figuras humanas ou templos podem aparecer, mas sempre em escala reduzida, destacando a grandiosidade da natureza.

Esse estilo é profundamente influenciado pelo Taoísmo, que valoriza a harmonia entre o homem e o ambiente ao seu redor. O Budismo e o Confucionismo também deixaram sua marca, trazendo uma visão contemplativa e equilibrada. Artistas como Fan Kuan e Guo Xi ajudaram a consolidar o estilo, criando pinturas que ainda hoje inspiram designers, ilustradores e artistas digitais.

Mais do que uma técnica, o Shan Shui é uma forma de sentir e interpretar o mundo, convidando à reflexão e à conexão com a natureza. Mesmo com novas tecnologias, sua estética e filosofia continuam vivas na arte contemporânea.

Se precisar de mais detalhes ou referências visuais, me avise!

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SHODO, (caligrafia japonesa) aplicada em um design de uma ecobag

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SHODO, (caligrafia japonesa) aplicada em um design de uma ecobag

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Design feito para produto por ( Carlos Eduardo Cabral dos Reis )

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Mandalas (Cultura Indiana) - Andreia Naíse Gassen

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Mandalas (Cultura Indiana) - Andreia Naíse Gassen

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O surgimento das primeiras mandalas ocorreu a partir do século VIII, na Índia. No continente asiático, mais precisamente no Tibete, esse tipo de pintura era muito usado.

A mandala é um termo sânscrito, que significa círculo. Apesar de possuir a forma geométrica de círculo, elas podem também apresentar outros formatos, como triângulos ou quadrados, desde que mantidas dentro do círculo.

É considerada como símbolo de integração e harmonia, proporcionando o autoconhecimento, causando o equilíbrio emocional e paz interior.

As cores das mandalas possuem grande influência na energia transmitida no ambiente, exemplos de algumas cores:

‌Rosa: favorece o amor e protege o trabalho;

‌Laranja: melhora o ânimo;

‌Vermelho: Coragem e energia;

‌Preto: ambiente mais formal;

‌Azul: calma e equilíbrio;

‌Amarelo: intelecto e razão;

‌Branco: equilíbrio interior;

‌Verde: esperança;

As mandalas podem ser feitas a partir de diferentes materiais, como a areia (tradição dos monges e tibetanos), madeira (tradição budista), tinta (muito comum na cultura hindu, representavam os chakras do corpo humano).

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A arte japonesa é vasta e diversificada, abrangendo desde pinturas e esculturas tradicionais até mangás e animes contemporâneos. Algumas das principais formas de arte do Japão incluem:

Pintura e Caligrafia

Ukiyo-e: Estampas em madeira do período Edo, como as obras de Hokusai e Hiroshige.

Sumi-e: Pintura monocromática com tinta preta, influenciada pelo zen-budismo.

Caligrafia (Shodō): Arte de escrever caracteres japoneses com pincel e tinta

Escultura

Budas de madeira ou bronze, como o Grande Buda de Nara.

Netsuke: pequenas esculturas usadas como ornamentos em quimonos.

Artesanato Tradicional

Cerâmica: Como a porcelana Arita e os vasos raku.

Origami: Dobradura de papel sem cortes.

Laca Urushi: Objetos envernizados com uma resina especial.

Arquitetura

Templos budistas e santuários xintoístas, como o Templo Kinkaku-ji (Pavilhão Dourado).

Castelos como Himeji e casas tradicionais de madeira (machiya).

Teatro e Entretenimento

Kabuki: Teatro clássico com maquiagem elaborada.

Noh: Teatro mais minimalista e simbólico.

Bunraku: Teatro de bonecos tradicional.

Cultura Pop

Mangá: Histórias em quadrinhos japonesas.

Anime: Animação japonesa com diversos estilos e gêneros.

Videogames: Empresas como Nintendo e Sony têm grande influência na cultura global.

O origami é a arte japonesa de dobrar papel sem cortes ou colagens para criar figuras e formas variadas. A palavra vem do japonês "ori" (dobrar) e "kami" (papel). Embora a origem do origami remonte à China, foi no Japão que ele se desenvolveu como uma prática artística e cultural.

História e Evolução

No início, o origami era usado em rituais religiosos e cerimônias, pois o papel era um material raro e valioso.

No período Edo (1603-1868), tornou-se uma prática popular, com modelos mais elaborados.

O mestre Akira Yoshizawa (1911-2005) revolucionou a arte do origami, criando novos métodos e sistemas de notação de dobras.

Tipos de Origami

Origami tradicional – Figuras simples como o tsuru (grou) e a rã.

Origami modular – Múltiplas peças dobradas e encaixadas, como os kusudamas.

Origami de ação – Modelos que se movem, como sapos que pulam.

Origami tessellation – Padrões geométricos repetidos.

Origami úmido (wet folding) – Técnica moderna para criar formas mais suaves e realistas.

O Tsuru e o Simbolismo

O tsuru, ou grou de papel, é o símbolo mais famoso do origami. Diz-se que dobrar mil tsurus traz boa sorte e longevidade. A história de Sadako Sasaki, uma menina que tentou dobrar mil tsurus enquanto lutava contra os efeitos da bomba de Hiroshima, tornou-se um símbolo mundial da paz.

Aluna:Daiana Ramos

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A cultura chinesa é uma das mais antigas e ricas do mundo, com uma história surpreendente que se estende por milhares de anos. É conhecida por suas tradições em filosofia, arte, literatura, e também pelas suas roupas, especialmente os vestuários de seda.

A seda foi inventada por volta de 3000 a.C. e rapidamente se tornou um símbolo de luxo, especialmente entre a nobreza. É feita a partir do fio produzido pelos casulos dos bichos-da-seda. O processo de produção era secreto na China por muitos séculos, o que fazia com que a seda fosse um bem precioso e altamente valorizado. O vestuário de seda tradicional chinês inclui roupas como o qipao (ou cheongsam), que é um vestido justo, de gola alta e que se tornou popular na dinastia Qing. O hanfu é outro tipo tradicional de vestuário, caracterizado por longas túnicas e mangas largas, que reflete as roupas usadas nas dinastias mais antigas.

As roupas de seda muitas vezes eram adornadas com bordados e padrões que carregavam significados simbólicos, como dragões (que simbolizavam poder), flores de lótus ( que simbolizavam pureza) ou padrões geométricos representando a harmonia do universo. A cor também tem um papel importante; por exemplo, o vermelho é associado à boa sorte e felicidade, enquanto o amarelo era tradicionalmente reservado para o imperador.

A chamada Rota da Seda foi uma rede de rotas comerciais antigas que conectava a China ao Mundo Ocidental, passando por Ásia Central, Índia, Pérsia e chegando à Europa. Ela foi estabelecida por volta de 130 a.C. durante a dinastia Han da China e funcionou até o século XIV d.C.

A Rota da Seda perdeu importância após o século XV devido a invasões, conflitos e o surgimento de novas rotas marítimas. Hoje, ela é lembrada como um símbolo de troca cultural e comércio global.

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Origami e Ikebana - Japão / Maria Eduarda Copatti e Eduarda Rodrigues.

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Origami e Ikebana - Japão / Maria Eduarda Copatti e Eduarda Rodrigues.

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Origami

O origami é uma arte japonesa que consiste em fazer dobraduras de papel, formando assim pequenas esculturas, tradicionalmente, as figuras representadas são elementos da natureza, como animais e plantas, sendo que cada um tem um significado específico, como, por exemplo, o tsuru (cegonha) simboliza a felicidade, boa sorte e saúde. Etimologicamente, a origem da palavra advém das junções dos termos em japonês ori, "dobrar", e kami, "papel”. Não há data certa para o seu surgimento, mas historiadores acreditam que tenha surgido após a invenção do papel, quando o mesmo foi introduzido no Japão por volta do século VII. Os japoneses passaram a praticar o origami e a desenvolvê-lo, o incluindo como elemento de rituais xintoístas. Nessa época, os papéis não podiam ser colados ou recortados, pois era entendido que somente mantendo-os inteiros poderiam homenagear e honrar as forças divinas das árvores que os originaram. Mas, posteriormente, surgiram outros métodos menos rígidos, que permitiam o recorte e a colagem das dobraduras. Até metade do século XIX, a arte das dobraduras era restrita aos adultos pelo alto custo do papel, porém, em 1876, o origami passou a ser ensinado nas escolas, fazendo parte da educação dos japoneses. Apesar da técnica ter sido criada no Japão, ela foi aperfeiçoada e propagada pelo mundo inteiro, e é uma forma de expressão artística que pode ser terapêutica, lúdica e contribuir para o desenvolvimento pessoal.

Ikebana

Ikebana é a palavra no Japonesa para arranjo de flor.

O arranjo é constituído por galhos comuns, mas, se estes estão dispostos numa linha fluente. Não importa o quão bela posso estar, a perfeição linear está no naturalismo, na compreensão do crescimento natural do material empregado e um amor pela natureza em todas as suas fases.

Há 13 anos antes o Ikebana, simbolizava alguns conceitos filosóficos do Budismo. Com o passar do tempo, na niponização completa do arranjo floral e na sua adaptação do povo japonês, muito da conotação religiosa desapareceu, enfatizando-se o ensino do naturalismo.

O simbolismo do passar do tempo tem importância no arranjo floral japonês e é evidente ao olhar penetrante. Nenhum arranjo seria aceitável se não seguir, de algum modo, o tempo e a estação bem como o crescimento contínuo do material empregado.

Exemplos:

Material:

Passado: flores integralmente desabrochadas, vagens ou folhas secas.

Presente: flores semi-desabrochadas ou folhas perfeitas.

Futuro: botões de flores, representando o crescimento do futuro.

Tipo de arranjos:

Primavera: arranjo vital com curvas vigorosas.

Verão : arranjos em expansão e completo.

Outono: arranjos esparso e delgado.

Inverno: arranjos dormentes e algo melancólicos.

Intimamente aliada ao simbolismo no arranjo floral é a associação de certas formas florais com a tradição da literatura e costumes. Cada feriado nacional possui seu arranjo prescrito e até mesmo as celebrações mais familiares não são completas sem o seu arranjo apropriado.

Geralmente qualquer arranjo floral japonês é composto de três grupos triangulares de flores ou ramos. Um grupo erecto central; um grupo intermediário que parte, em direção inclinada, de estrutura erecta; e um grupo em triângulo invertido que parte, em direção inclinada, do grupo central, no lado oposto ao do intermediário.

Raramente os japoneses fazem um arranjo floral desprovido de sua folhagem natural.

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Um quadro com elementos orgânicos, que evidencia a passagem do tempo.

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Wabi-Sabi: A arte japonesa de encontrar a beleza nas imperfeições

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Wabi-Sabi: A arte japonesa de encontrar a beleza nas imperfeições

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Este conceito japonês nos encoraja a apreciar que nada é perfeito ou permanente. É uma maneira encontrar força e beleza no processo de cura e reparo dos desafios diários e da vida.

Na decoração, se baseia na beleza do transitório e no uso de formas orgânicas para aproximar os moradores de algo mais primitivo e acolhedor.

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Não é apenas uma forma artística, mas também a maneira de compreender e vivenciar o mundo. Essas práticas expressam um modo de viver baseado no apreço pela simplicidade e no prazer estético, onde momentos cotidianos se tornam fontes de beleza e inspiração. Ao enfatizar a importância das cores, formas e impressões da natureza, o texto sugere que a arte do Extremo Oriente busca mais do que a perfeição técnica; ela busca uma maneira de transformar o ordinário em extraordinário.

A "frase criativa" que surge de cada peça ou composição, portanto, é uma forma de resgatar a magia do cotidiano, transcendendo os limites do pensamento convencional e permitindo que a imaginação floresça dentro de espaços restritos, como as pequenas formas e arranjos dessas artes. A beleza se revela tanto no processo criativo quanto no resultado final, criando um ciclo de descobertas estéticas e espirituais.

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O judô no Japão é mais do que um esporte, é uma tradição que ensina disciplina, respeito e autocontrole. Criado por Jigoro Kano em 1882, ele evoluiu do jiu-jitsu para ser um método de educação física e filosofia de vida.

O Kodokan, fundado por Kano, é o centro principal do judô e mantém suas tradições vivas. No Japão, o judô é ensinado nas escolas, praticado por policiais e militares, e valorizado em competições como o All Japan Judo Championship.

Mais do que lutar, o judô ensina a usar a força do oponente, a crescer junto com os outros e a equilibrar mente, corpo e técnica.

A cultura japonesa mistura tradição e modernidade, valorizando respeito, disciplina e harmonia.

Principais aspectos:

- Tradições: Respeito, reverências e tirar os sapatos antes de entrar em casa.

- Artes marciais: Judô, karatê e sumô são populares.

- Gastronomia: Sushi, ramen e chá verde são símbolos da culinária.

- Religião: Xintoísmo e budismo influenciam templos e festivais.

- Festivais: Hanami (flores de cerejeira) e Tanabata (estrelas).

- Tecnologia e tradição: O Japão inova, mas preserva templos e quimonos.

- Entretenimento: Mangás, animes e videogames fazem sucesso mundial.

O Japão equilibra passado e futuro, tornando sua cultura única e fascinante.

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O chá, ou chai, é uma bebida muito presente na cultura indiana, sendo parte de rituais, festivais e celebrações

o chá ou chai, representa uma parte muito importante da cultura indiana, com uma enorme variedades de tipos, cores e sabores, essa tradição é levada muito a sério de geração em geração

No vibrante mundo do chá indiano, a embalagem desempe-nha um papel crucial na captura da verdadeira essência dessa tradição.

A cultura indiana é repleta de cores, formas, além de simbolismos e profundos significados,

tendo como resultado artes coloridas, que transmitem alegria e vida, tanto para o material gráfico como para o digital.

Alguns elementos utilizados para compor o design das embalagens e rótulos, são: cores vibrantes, paisley, vestimentas e adornos, animais, hena, arquitetura, flores e fontes que são inspirados nas caligrafias mais comuns do país.

São vários os tipos de chá encontradas na Índia, cada um com seu próprio caráter distinto e herança lindamente capturados por meio de designs de embalagens bem pensados e culturalmente inspirados.