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Il dipinto appartiene ad una serie composta da sette opere. Tutti i dipinti raffigurano un mazzo di girasoli all’interno di un vaso. Le opere furono realizzate per decorare la camera che Van Gogh aveva preparato per il suo amico Gauguin.Sopra ad un piano è poggiato il vaso contenente i girasoli. I fiori sono disposti in modo casuale e formano un grande mazzo che riempie tutto il dipinto.Il vaso riporta, come fosse una dedica, il nome Vincent.

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Fu realizzato da Van Gogh poco dopo essere tornato a casa dall’ospedale nel quale era ricoverato. L’artista ritrasse più volte se stesso con la benda in seguito all’atto di autolesionismo. La stampa giapponese appuntata sul muro è di Sato Torakiyo. Van Gogh per poterla riprodurre a destra del volto spostò le figure e la sagoma del Monte fuji verso destra. L’artista amava molto la pittura giapponese e in alcuni suoi dipinti compaiono figure che ricordano lo stile delle stampe orientali.Lo stile post-impressionista di Van Gogh consiste nel recupero dei contorni delle figure.

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L’artista chiarì il significato dell’opera in una lettera:intenzione di Van Gogh era quella di evocare il lavoro manuale con il quale i contadini si procuravano onestamente ogni giorno il cibo. Volle conoscere da vicino la realtà dei poveri e cercò di spiegare la grande differenza di vita tra i benestanti e quella scoperta tra i contadini. Infine, Van Gogh dipinse I mangiatori di patate per spingere il pubblico a solidarizzare con loro.

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Van Gogh nelle sue opere dipinge le figure solidamente definite da contorni. La sua pittura rappresenta così, il superamento dall’estetica impressionista. Dipinse Campo di grano con corvi con uno stile veloce. Il grano si piega sotto l’effetto del vento e crea delle onde riprodotte con pennellate dense di colore e inclinate verso destra. La superficie del grano, invece, è dipinta con segni orizzontali più brevi. Le tre stradine sono costruite con le pennellate che seguono la loro direzione come anche l’erba che cresce sul bordo. Il cielo, inoltre, è animato da segni neri che si sovrappongono a quelli blu scuro. Alcuni tratti più chiari, invece, segnano le circolarità delle nubi. I corvi, infine, sono delineati da semplici pennellate che descrivono il corpo e le ali degli uccelli.

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Gli oggetti e i mobili della Camera sono definiti da linee di contorno molto nette e scure. Come nei suoi paesaggi, l'artista, anche nella sua stanza utilizza il colore in modo psicologico. Il colore spremuto direttamente sulla tela steso  con le dita o con il pennello trasmette una maggiore forza emotiva. Questa tecnica si apprezza negli ultimi lavori come ad esempio La Chiesa di Auvers-sur-Oise.

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Van Gogh ha utilizzato brevi pennellate la cui  direzione segue la forma delle figure. Nei tetti le linee sono oblique, i cespugli e gli alberi lontani sono rappresentati con pennellate curve. Le montagne, invece, sono modellate con linee ondulate.Il cielo, infine, è animato da vortici di nubi e vento che creano aloni luminosi intorno alle luci delle stelle e della luna. La sua pittura, con l’approssimarsi della crisi finale, diventa progressivamente più tormentata.

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Questo autoritratto di Gauguin presenta uno stile molto simile alle sue opere realizzate durante il soggiorno a Tahiti. Le forme sono definite da una linea di contorno riempita con capiture di colore bidimensionale. Questa caratteristica è molto evidente nel cappello e nella giacca sui quali si osservano poche variazioni di tono. Il viso, invece, presenta un maggiore contrasto, dal chiaro allo scuro, che permette di costruire il volume anatomico. L'artista, con questo autoritratto si propose come un artista selvaggio. Infatti anche la sua pittura, dalla pennellata esposta, e la superficie ruvida e grossolana della tela trasmettono un’estetica di primitività cercata dal pittore.

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La donna tahitiana impersona la Vergine e il Figlio che porta sulle spalle ricorda Gesù Bambino. Anche la presenza dell’angelo di sinistra guida l’interpretazione verso un significato cristiano.I colori anche se non usati in modo realistico tendono a suggerire in modo fedele le tonalità del paesaggio. Le scelte cromatiche di Gauguin furono determinate della volontà di usare un colore espressivo e non descrittivo. Questa scelta ispirerà il gruppo di artisti chiamati Fauves (belve).

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Gauguin dopo le sue esperienze da autodidatta vicine alla pittura di Corot e dei maestri impressionisti creò un linguaggio essenziale. Elaborò una pittura semplice, priva di costrutti complessi quali la prospettiva geometrica e il chiaroscuro, per esprimere una poetica primitiva.

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E' una tecnica pittorica che consiste nello stendere i colori sul dipinto in vaste campiture omogenee racchiudendoli entro i limiti di contorni netti.

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Il dipinto di Paul Gauguin ritrae Marie-Angélique Satre, l’albergatrice di Pont-Aven presso la quale l’artista soggiornava.Il linguaggio figurativo utilizzato dall'artista deriva dalla tecnica definita Cloisonnisme.Una linea di contorno marcata, sinuosa ed essenziale circonda le forme e ne chiarisce i dettagli. Le figure si rivelano grazie a contrasti di toni, di luminosità e delle linee di contorno. Questo linguaggio semplice ed immediato secondo Gauguin era adeguato a descrivere la forza primitiva della natura e le manifestazioni della religiosità tradizionale dei contadini bretoni. Inoltre nel dipinto si ritrova il suo gusto per assemblare figure di diversa provenienza culturale ed etnica.

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A Tahiti il cavallo è considerato un animale sacro, il simbolo del passaggio dell'animo umano dalla vita alla morte mentre il bianco è ritenuto il colore del culto divino. Il dipinto raffigura un possente cavallo bianco mentre si abbevera ad un ruscello.Due sagome nude cavalcano a pelo sullo sfondo, mentre un albero tipico del luogo arricchisce la scena con fiori di diverso genere.Ragazze prive di veli,animali liberi e selvaggi sono il cuore di un paesaggio idialliaco: non si capisce se abbia voluto rappresentare l'Eden o l'Aldilà. A questa scena simbolica si contrappone il realismo del gesto del cavallo che, dopo essersi dissetato, si strofina il muso su una gamba: questo fa comprendere che l'artista dovesse aver osservato con molta cura ed attenzione quegli animali. La libertà del cavallo non sellato, in un mondo privo di recinzioni, ha un che di magico che si vuole contrapporre alla realtà Parigina che al pittore è sempre stata stretta.

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Con il giallo che colora il corpo di Cristo, l'artista volle, forse, simboleggiare il dolore umano. Sicuramente l’artista utilizzò più volte la figura di Cristo con il quale si immedesimava per esprimere la propria sofferenza esistenziale. Inoltre il giallo è lo stesso colore utilizzato per descrivere i campi di grano,il cui ciclo di crescita era paragonato al ciclo religioso della vita di un cristiano. Cristo partecipa quindi tramite questo riferimento cromatico alla vita quotidiana dei contadini. Inoltre considerando la componente spirituale e simbolica di molti suoi dipinti,Gauguin è indicato come pittore simbolista.

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L'artista a partire dalla metà degli anni ’70 dell’Ottocento iniziò ad utilizzare una pennellata direzionale. Infatti si nota che il prato sul quale sono disposte le persone è costruito con pennellate accostate orientate obliquamente verso l’alto a destra. Anche gli alberi sono stati realizzati con la stessa tecnica e utilizzò chiazze di colore che rappresentano la luce del sole.

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Il cesto di frutta interpreta efficacemente la poetica dell'artista. Infatti la scena é la ricostruzione mentale del reale costruita secondo lo stile dell’artista. Gli oggetti sono modellati come se si trattasse di sculture e i colori sono brillanti e innaturali. Queste caratteristiche conferiscono così al dipinto una solidità reale e una concretezza che é data dalla materia pittorica e dalla solidità dei volumi.

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Gli oggetti e i frutti della natura morta diventano forme geometriche semplici. Per Cézanne il realismo stava nel ricostruire il reale attraverso la composizione delle forme sulla superficie bidimensionale del dipinto. Sosteneva che un dipinto deve presentare un equilibrio armonico progettato dall’artista e quindi non può essere imitazione della natura.L’arte è quindi una realtà parallela alla natura.

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Nei dipinti di Cézanne, le forme delle case e della natura sono soggetti semplici ma comunque si nota una nascente attenzione verso una precisa definizione dei volumi. Infatti, questi sono evidenziati attraverso l’uso del colore. Soprattutto nelle abitazioni, si nota un primo tentativo di semplificare le forme. Sopravvive, però, una intenzione realistica, di descrivere dettagli e figure.

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Cézanne costruì le figure della scena utilizzando una semplificazione geometrica. Il cappello, le braccia, il busto del giocatore di sinistra sono ridotti a forme cilindriche. Il tavolino invece viene semplificato e reso come un parallelepipedo. Anche i rapporti tra gli arti sono trasformati in schemi geometrici. Le braccia flesse dei giocatori infatti sono articolate a formare dei triangoli. L’interesse principale di Paul Cézanne fu l’analisi delle forme reali e la loro descrizione mediante semplificazione. Non si interessò alla narrazione di un evento o all’espressione di uno stato d’animo ma le sue ricerche influenzeranno in modo determinante la nascita del Cubismo.

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Alcuni critici fanno notare la difficoltà che Paul Cézanne ebbe nel rappresentare il corpo femminile. Le figure delle bagnanti, infatti sembrano sgraziate è un po’ goffe. Probabilmente l’artista fece ricorso anche a ricordi di figure femminili appartenenti alla tradizione pittorica. Paul Cézanne replicò più volte il soggetto di bagnanti nella sua carriera pittorica e dimostrò quindi di essere interessato al nudo, in particolare quello femminile.

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E' una tendenza sviluppatasi nell’ambiente artistico in Francia sulla fine dell’Ottocento. Gli artisti post-impressionisti sperimentarono un uso più libero degli elementi del linguaggio artistico quali il colore, la forma e quindi il disegno. Abbandonarono la rappresentazione obbiettiva dell’impressione retinica elaborando invece figure e forme secondo un codice figurativo personale.