# data[].attributes.body
Questo spazio rappresenta un punto di riferimento essenziale per gli alunni: il docente mette a disposizione materiali, informazioni, approfondimenti utili allo studio e al superamento delle verifiche, nonché ulteriori approfondimenti e chiavi di lettura degli argomenti affrontati in classe.

All'interno di questo spazio gli alunni possono consegnare compiti assegnati, ricerche, lavori svolti in classe.

# data[].attributes.body
Questo spazio si utilizza nel rispetto della Netiquette, ossia delle regole di un comportamento decoroso online, in una prospettiva di collaborazione, mutuo aiuto e rispetto del prossimo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Hugo Ball on DaDa! Karawane 1916 - Cabaret Voltaire - Zürich - Kurt Schwitters - Tristan Tzara VHS

# data[].attributes.headline
Approfondimento: VIDEO La nascita del Dadaismo

# data[].attributes.subject
Approfondimento: VIDEO La nascita del Dadaismo

# data[].attributes.attachment_link.description
This Portal unites a number of museum collections and archival repositories in order to provide a free online research tool to discover the life and work of Marcel Duchamp. Works on this Portal are covered by copyright laws of the United States, France, or other countries, as applicable.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Versione audio:

Puoi ascoltare il mio podcast su: Apple Podcasts | Google Podcasts | Spotify | RSS | Cos'è?

Tutto ebbe inizio da un gabinetto. Non fu certamente un'origine nobile ma è quanto successe, di fatto, per l'arte contemporanea. Al netto delle facili ironie, durante la stagione delle Avanguardie, agli inizi del Novecento, un artista di genio, e molto, molto intellettuale, decide di stravolgere completamente l'idea stessa di arte, spingendosi dove nemmeno Picasso aveva osato. Si trattava di Marcel Duchamp (1887-1968).
L'esordio cubo-futurista
Duchamp, artista francese, ebbe una formazione prima filosofica che artistica. Debuttò con un travagliato e contestato esordio cubista, ben rappresentato da Nudo che scende una scala, opera che rappresenta una figura femminile mostrata di profilo, sovrapposta e ripetuta molte volte per dare il senso del movimento. Duchamp, come i futuristi, era profondamente interessato ai primi esperimenti cinematografici americani e alla cronofotografia; il fine della sua pittura non era propriamente quello della visione sintetica del Cubismo, di cui egli, peraltro, rifiutò sempre l'ansia di ordine e di armonia; il suo interesse si concentrava, piuttosto, sulla pluralità spazio-temporale delle "istantanee".

Nudo che scende una scala non fu ammesso al Salon des Indépendants perché considerato troppo poco cubista. Duchamp, offeso, decise che non avrebbe più dipinto in vita sua e rifiutò l'intero fenomeno artistico tradizionale, definendolo un'esperienza storica oramai del tutto superata. Nel 1915, allo scoppio della guerra, si trasferì a New York e nel 1916, con Man Ray, diede vita al Dadaismo americano.

Duchamp può essere considerato il padre dell'idea moderna di arte, il primo a credere fermamente che arte sia ciò che l'artista reputa arte e nient'altro. I suoi celebri hanno fatto ciò che nemmeno le opere futuriste erano riuscite a fare: una tabula rasa, sollecitando una riflessione linguistica e formale sull'arte che avrebbe stravolto la stessa identità dell'arte. Il ready-made è un'opera che rompe con tutte le consuetudini del fare artistico tradizionale: è infatti un oggetto 'pronto fatto', già creato, un oggetto qualsiasi, che assume statuto artistico nel momento in cui il suo creatore lo sceglie, lo "decontestualizza" e se ne assume la responsabilità estetica firmandolo. In tal modo, attraverso il ready-made, l'artista sancisce un nuovo principio artistico, molto radicale: il godimento dell'arte non è (più) prerogativa dei sensi ma unicamente dell'intelletto.

Il procedimento fu utilizzato per la prima volta da Duchamp nel 1913 con la sua Ruota di bicicletta, una comune ruota fissata su uno sgabello da cucina; questi due oggetti non hanno assolutamente niente in comune e il loro accostamento è una sfida all'immaginazione del pubblico, alcuni lo considerarono addirittura un'offesa all'intelligenza. Ruota di bicicletta è, propriamente, un tipico esempio di " ready-made rettificato", che implica cioè un intervento dell'autore sull'oggetto. Tuttavia, con un gesto assolutamente gratuito, l'artista può assumere nella sfera dell'arte un qualunque oggetto finito, semplicemente scegliendolo e spostandolo di contesto: è il caso di altre opere di Duchamp come Scolabottiglie del 1914, In advance of the broken arm del 1915 o Fontana del 1917.

Scolabottiglie è davvero un normale scolabottiglie, comprato in un negozio di articoli per la casa. Secondo un aneddoto divertente, l'originale dello Scolabottiglie non esiste più. Fu gettato via per errore dalla sorella di Duchamp mentre questi, nel 1915, si trovava negli Stati Uniti. Ma lo stesso Duchamp lo sostituì al suo ritorno con un altro esemplare. In advance of the broken arm ( Anticipo per il braccio rotto) è invece una normale pala da neve, firmata dall'artista sul manico. La spiegazione del titolo fornita dall'autore è che senza una pala per rimuovere la neve si potrebbe cadere e rompersi un braccio. Una forma di umorismo un po' surreale, tipica dell'ambiente dadaista.

è il più famoso ready-made di Duchamp. Si tratta di un semplice orinatoio di ceramica bianca, acquistato nel 1917 in un negozio di articoli sanitari di New York, che l'artista si limitò a capovolgere e a firmare con l'intenzione di esporlo alla mostra della Society of Independent Artists. Duchamp, che faceva parte del direttivo di questa associazione, scelse di agire in incognito e presentò alla giuria della mostra l'orinatoio firmandolo con lo pseudonimo R. Mutt. La giuria, sconcertata, non fece esporre il pezzo.

Successivamente, l'artista finse di difendere l'ignoto autore dell'opera e scrisse: "Non è importante se Mr. Mutt abbia fatto Fontana con le sue mani o no. Egli l'ha SCELTA. Egli ha preso un articolo ordinario della vita di ogni giorno, lo ha collocato in modo tale che il suo significato d'uso è scomparso sotto il nuovo titolo e il nuovo punto di vista - ha creato un nuovo modo di pensare quell'oggetto".

L'originale di Fontana è andato disperso: dopo la mostra, alcuni facchini lo buttarono nella spazzatura, scambiandolo per un "vero" orinatoio. Duchamp non si scompose: affermò che l'oggetto qualsiasi diventa "oggetto d'arte" nel contesto di una esposizione, per decisione dell'artista; al termine di questa, può essere distrutto. In ogni caso, nel 1964, comprò un altro orinatoio e lo firmò; oggi questa "copia" è valutata intorno ai tre milioni e mezzo di euro.

A Duchamp, che al di là delle sue provocazioni fu artista molto complesso e di profondo spessore, piaceva giocare con i suoni e con le parole, come fece nel 1919 con l'opera Gioconda coi baffi anche nota con l'acronimo L.H.O.O.Q. Disegnando barba e baffi a una riproduzione della Gioconda, Duchamp non volle sfregiare un capolavoro: il suo fu solo uno sberleffo, un atto di protesta dissacratoria contro il concetto sacrale dell'opera d'arte, finalizzato a contestare la venerazione che le viene tributata passivamente dal pubblico. E il titolo, suggerito da Picabia, è un rebus volgare: L.H.O.O.Q., letto in francese tutto d'un fiato, suona come 'lei ha caldo al sedere' ("elle a chaud au cul").

Il rifiuto della tecnica

A chi osservava che tutti sono capaci di comprare un orinatoio, uno scolabottiglie o una pala da neve, Duchamp era solito rispondere che, nel fare arte, non aspirava a essere abile o tecnicamente eccellente alla maniera di Leonardo o di Michelangelo. Egli rivendicava per il suo mestiere competenze del tutto diverse. Per Duchamp, le capacità manuali e operative di un artista avevano un valore solo parziale; egli riteneva che le opere d'arte fossero prima di tutto espressioni del suo pensiero. In particolare, con Fontana aveva voluto far riflettere il pubblico su come tutto sia relativo e tutto dipenda dal contesto in cui si svolge. Per esempio, un orinatoio in un bagno pubblico è una cosa: in un museo, lo stesso orinatoio diventa altro da sé, lo si può perfino spacciare per una fontana.

La componente concettuale

Ancora oggi, le opere di Duchamp lasciano il pubblico disorientato. Difficilmente possono sollecitare gli stessi sentimenti di un quadro o di una scultura tradizionali: nessun colore, nessuna emozione, nessun artificio, nessuna abilità. Lo spettatore rimarrà probabilmente deluso, si allontanerà persino indignato. Ma non si può chiedere a opere d'arte di questo tipo qualcosa che esse non vogliono dare. Duchamp mostra un'assoluta indifferenza per qualunque forma di godimento estetico: il suo lavoro non contempla l'apprezzamento della bellezza sensibile. Alle sue opere bisogna quindi accostarsi con approccio critico, preparandosi a un'esperienza di tipo concettuale.

Duchamp si aprì a qualunque forma di sperimentazione e propose espressioni artistiche completamente nuove, tra cui la performance, con cinquant'anni di anticipo sulla Body Art: si fece tagliare i capelli con una tonsura a forma di stella, simbolo dell'intuizione che è propria del genio, si fece fotografare ricoperto di schiuma.

Si travestì anche da donna, annullando e insieme moltiplicando la propria identità. Duchamp en travesti, rinominato Rrose Sélavy, comparve per la prima volta nel 1921, in una foto scattata dall'amico e collega dadaista Man Ray. Duchamp non era un travestito né un esibizionista. Con la "operazione Rrose Sélavy" scelse di affrontare, quando le sensibilità erano ancora lontanissime dal poterlo accettare, il delicato argomento dell'identità personale, che prescinde da quella sessuale.

Duchamp indossò le vesti di Sélavy "lavorando in presenza e in assenza di identità differenti, intercettando maschile e femminile nei ready-made di se stesso, rinforzando ogni codice con una esplosiva carica di ambiguità". Così facendo, egli mise "in scacco la griglia interpretativa che sistema i due sessi dentro coordinate certe" (A.Di Genova), ponendosi dalla parte dell'ambivalenza di genere.

Ricordiamo che in quegli anni, l'artista incarnava la figura forte, magari "maledetta", dell'uomo virile, affascinante e dalle mille amanti. Duchamp scelse deliberatamente di sovvertire le regole. Travestendosi da donna, e scegliendo uno pseudonimo ebraico, non solo contestò lo stereotipo "artista-mascolinità", ma diede un volto e una voce, lui artista di fama, a certe minoranze e assunse una posizione contro ogni forma di discriminazione.

Infatti, contestualmente realizzò l'opera Belle Haleine, Eau de Voilette, una bottiglia di profumo sulla cui etichetta compare la fotografia di Rrose Sélavy. Ciò a ricordare quanto la figura della donna, la cui immagine doveva sedurre ed attrarre l'universo maschile, venisse di fatto strumentalizzata a fini commerciali. La donna, stigmatizzava Duchamp, era associata alla merce e con essa identificata. Tutto questo, quarant'anni prima della Pop Art.

Da Duchamp all'arte contemporanea

Duchamp, insomma, aprì davvero un varco all'arte contemporanea del secondo Novecento. È impossibile prescindere dalle sue premesse se si vuole davvero comprendere quanto hanno realizzato gli artisti europei e americani tra gli anni Cinquanta e gli anni Settanta, in particolare i minimalisti e i concettuali. Si parla, giustamente, di "rivoluzione" impressionista, espressionista, cubista, futurista. Ognuno di questi movimenti è stato, a suo modo, rivoluzionario; ma nessuno lo è stato come il Dadaismo di Duchamp, l'unico che veramente ebbe l'ardire di fare tabula rasa, l'unico che costituì, per così dire, un "punto e a capo" nella storia dell'arte.

Una testimonianza di Duchamp

Tutto il percorso artistico di Duchamp fu mosso dall'intento di denunciare il fallimento della cultura occidentale e di far riflettere, criticamente, sulla nuova funzione dell'arte. Prima di tutto, con i suoi ready-made, egli contestò apertamente le due principali nozioni su cui si era fondato, per millenni, il giudizio sull'opera d'arte: quello di autenticità e quello di unicità. Sostituendo, di fatto, l'idea all'opera, Duchamp mise irrimediabilmente in crisi la distinzione tra arte e vita. Nel 1961, in occasione di un colloquio organizzato al Museum of Modern Art di New York, nell'ambito della mostra "The Art of Assemblage", Duchamp ricordò questa sua straordinaria esperienza. Le sue parole ci aiutano a comprendere meglio la natura e lo scopo di una scelta destinata a cambiare l'arte del Novecento.

"Nel 1913 ebbi la felice idea di fissare una ruota di bicicletta su uno sgabello da cucina e di guardarla girare. Qualche mese dopo comprai una riproduzione a buon mercato di un paesaggio invernale, di sera, che chiamai Farmacia dopo avervi aggiunto due piccoli tocchi, uno rosso e l'altro giallo, sull'orizzonte. A New York nel 1915 comprai in un emporio una pala da neve su cui scrissi: "In advance of the broken arm" (Anticipo per il braccio rotto). È più o meno in quel periodo che mi venne in mente il termine ready-made per indicare questa forma di manifestazione. C'è un punto che voglio definire molto chiaramente: la scelta di questi ready-made non mi fu mai dettata da un qualche diletto estetico. La scelta era fondata su una reazione d'indifferenza visiva, unita a una totale assenza di buono o cattivo gusto... dunque un'anestesia completa.

Una caratteristica importante: la breve frase che scrivevo sul ready-made. Questa frase non descriveva l'oggetto come avrebbe potuto fare un titolo, ma era destinata a condurre la mente dello spettatore verso altre regioni più verbali. Talvolta vi aggiungevo un particolare grafico di presentazione; in tal caso, per soddisfare la mia simpatia per le allitterazioni, lo chiamavo ready-made aided ( ready-made aiutato). Un'altra volta, volendo sottolineare l'antinomia fondamentale tra l'arte e i ready-made, immaginai un ready-made reciproco (reciprocal ready-made): servirsi di un Rembrandt come tavolo da stiro!

Ben presto mi resi conto del danno che poteva procurare l'offerta indiscriminata di questa forma di espressione, e decisi così di limitare la produzione dei ready-made a un piccolo numero ogni anno. Mi accorsi allora che per lo spettatore, più ancora che per l'artista, l'arte è una droga ad assuefazione e io volevo proteggere i miei ready-made da una simile contaminazione. Un altro aspetto del ready-made è che non ha niente di unico... La replica di un ready-made trasmette lo stesso messaggio; infatti quasi tutti i ready-made esistenti oggi non sono degli originali nel senso proprio del termine.

Un'ultima osservazione per concludere questo discorso da egomaniaco: come i tubetti di pittura utilizzati dall'artista sono prodotti di manifattura e già pronti, dobbiamo concludere che tutte le tele del mondo sono dei ready-made aiutati e dei lavori di assemblaggio".

# data[].attributes.attachment_link.description
Versione audio: Tutto ebbe inizio da un gabinetto. Non fu certamente un'origine nobile ma è quanto successe, di fatto, per l'arte contemporanea. Al netto delle facili ironie, durante la stagione delle Avanguardie, agli inizi del Novecento, un artista di genio, e molto, molto intellettuale, decide di stravolgere completamente l'idea stessa di arte, spingendosi dove nemmeno Picasso aveva osato.

# data[].attributes.body
Aggiungi un post a questa sezione e pubblica IL TUO LAVORO SUL READY MADE

# data[].attributes.attachment_link.title
13.manifesto del dadaismo di Tristan Tzara

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
è da tanto che volevo scriverti; di anno in anno ho rimandato pensando che la cosa si sarebbe risolta ma niente, non c'è nulla da fare: parlare di te e dei tuoi lavori nell'ora di storia dell'arte è una missione suicida!

Tu te la ridi, lo so. Anzi stai proprio a sghignazzare in attesa di quello studente che apre il libro al capitolo Dada, sgrana gli occhi davanti a quel tuo maledetto orinatoio e immancabilmente domanda "Prof. ma questa è arte? Potevo farlo pure io...".

E mentre tu ti stai già sbellicando io puntualmente conto fino a dieci per non sbattermi la testa al muro e comincio a spiegare, per l'ennesima volta, che quel tuo cavolo di orinatoio non solo è arte, ma è un capolavoro!

Pure tu, però... come ti è saltato in mente di fare quella roba là? È geniale, per carità, tu lo sai quanto io vada matta per le tue creazioni... ma non potevi pubblicizzarla un po' meno invece di fare l'esibizionista e mandarla addirittura con falso nome ad una mostra dove facevi il giurato?

Così è finita in tutti i libri di storia dell'arte e mi tocca fare la solita tiritera: " Noooo, lascia che ti spieghi: non devi intendere l'arte nel senso tradizionale, come ricerca di bellezza ed armonia, come copia virtuosistica del reale... quella è roba passata (immagina il mio tono di voce falsamente paziente).

Il Dadaismo nasce nel bel mezzo della prima guerra mondiale, la Grande Guerra. Una strage di proporzioni inaudite, più di 15 milioni di morti, una cosa mai vista prima dal genere umano. In quel contesto non si poteva più fare arte come si era sempre fatta: è come sbafarsi una torta Saint Honoré in un campo di profughi... Insomma, troppo fuori luogo, inopportuna. Forse era finita: l'arte era morta.

E come fare il funerale ad un'arte che non poteva comunicare più nulla di bello e di buono? Era rimasta solo l'ironia, la leggerezza, la provocazione. Per Duchamp, anche se non faceva parte ufficialmente di Dada, l'orinatoio capovolto era questo: distacco, voglia di spiazzare senza prendersi troppo sul serio.

Ma lo sai che quando la mostra fu smontata e l'orinatoio (che comunque non era stato esposto) gettato tra i rifiuti perché confuso con un vero sanitario, Duchamp trovò la cosa divertente? Aveva fatto centro! Nel momento in cui l'oggetto scende dal piedistallo non è più arte e può anche finire in discarica".

Che ne dici come spiegazione, Marcel? Può andar bene?

Qualche alunno, dopo questo discorsetto, capisce lo spirito con cui lavoravi anche perché poi faccio vedere quell'altro scherzetto che hai fatto alla Gioconda (sebbene tu non sia stato il primo...). Altri resteranno sempre con la netta sensazione che io e te li stiamo deliberatamente prendendo per il c..., anzi per il Q.

Lo capisco dal loro sguardo perplesso: la personificazione del dubbio! Poi loro sono anche carini, non vogliono offendermi e durante l'interrogazione ripetono con finta aria convinta che il tuo orinatoio è un momento fondamentale dell'arte del Novecento, ma lo so che non ci credono...

Eppure non posso fare a meno di parlare del tuo gomitolo di spago, del tuo scolabottiglie, (quello che tua sorella gettò nella spazzatura perché era arrugginito)...

... o della tua ruota di bicicletta. Ed è difficile far capire che i giudizi "bello-brutto", "mi piace-non mi piace" non hanno senso con i tuoi ready-made.

Sono cose che hanno un significato solo concettuale. Per il resto sono oggetti che ti sono capitati tra le mani e che hai fatto diventare opere d'arte nel momento in cui le hai scelte.

Allora cosa dire davanti all'orinatoio, anzi alla "Fontana"? (certo che vuoi proprio far venire il disgusto con un titolo così!)

Niente. Io dico ai ragazzi che è un'opera ingiudicabile. È il grado zero dell'arte. Prima era un oggetto d'uso quotidiano, poi, una volta decontestualizzato, diventa altro, diventa "arte".

Immagina la scena: venti studenti, tra ragazzi e ragazze, con le sopracciglia sollevate e gli angoli della bocca rivolti verso il basso come personaggi di Messerschmidt. Hai capito, Marcel, che bel casino?

Per fortuna che subito dopo attacco col Surrealismo e lì i ragazzi ci si ritrovano. Anche se piovono omini con la bombetta o gli orologi si squagliano come burro è tutto più comprensibile, più giudicabile. E poi sono quadri, santo cielo! Non sono oggetti che non puoi neanche chiamare sculture... Allora non me ne volere se ti mando mentalmente a quel paese, tanto sai che ti voglio bene!

un abbraccio forte
Manu

Avvertenza per lettori poco avvezzi all'ironia: io ADORO Duchamp!

# data[].attributes.attachment_link.description
Carissimo Marcel, è da tanto che volevo scriverti; di anno in anno ho rimandato pensando che la cosa si sarebbe risolta ma niente, non c'è nulla da fare: parlare di te e dei tuoi lavori nell'ora di storia dell'arte è una missione suicida!

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Hugo Ball, che con Emmy Hennings e Tristan Tzara ha fondato il Cabaret Voltaire, scrive: " Quando ho fondato il cabaret Voltaire ... sono andato dal Signor Ephraim e gli ho detto 'per cortesia, Signor Ephraim, datemi la vostra sala, desidero fare un cabaret'. Il Signor Ephraim era d'accordo e mi ha dato la sala". Jean Ephraim era il proprietario del locale dove si sarebbe installato il Cabaret Voltaire.
La cultura e le arti trasformate in un programma di "Varietà", questo era il modo di attualizzare il capolavoro di Voltaire Candide, ou l'Optimisme, manifesto acutissimo, divertente e feroce, contro la stupidità del Panglossismo, ossia la tetra illusione di vivere nel migliore dei mondi possibili.
Scrive ancora Hugo Ball, il 15 maggio 1916: " Sono andato dagli amici giornalisti di Zurigo e li ho pregati 'Diffondete alcune notizie. Deve diventare un cabaret internazionale. Vogliamo fare delle belle cose'. Il 5 febbraio abbiamo avuto il Signor Tristan Tzara che ha recitato versi rumeni ... Ho ricevuto molto sostegno e simpatia dal Signor Marcel Słodki, che ha creato il manifesto del Cabaret, dal Signor Hans Arp, che mi ha messo a disposizione alcuni Picasso ... Molto sostegno dai Signori Tristan Tzara, Marcel Janco e Max Oppenheimer, che hanno dato la loro disponibilità ad apparire nel Cabaret ... Il prossimo obbiettivo degli artisti qui riuniti è la pubblicazione di una rivista internazionale. La rivista apparirà a Zurigo e si chiamerà 'DADA' ('Dada') Dada Dada Dada Dada".

IL CABARET VOLTAIRE E DADA

Il Cabaret Voltaire diviene luogo di aggregazione di giovani artisti e intellettuali, in fuga dalla orrenda macelleria della Prima Guerra Mondiale, e culla del Dadaismo. Una delle madri dell'Arte Moderna e Contemporanea (le altre, a nostro modestissimo parere, sono il Futurismo, i Futurismi, de Chirico, il Suprematismo, il Surrealismo). Movimento che non finisce mai di essere citato, e talvolta plagiato, da numerose superstar del Contemporaneo.
In Spiegelgasse suonano musica popolare russa, con balalaike, suonano musica nera, recitano versi di Kandinskij, Werfel, Tzara, Jarry, Cendrars, Wedekind, parlano di Nietzsche, di Sade, di Astrattismo e Dandismo. Organizzano feste e spettacoli teatrali fantasmagorici, provocatori. Senza dubbio alcuno una delle sperimentazioni più radicali, influenti, geniali e insolenti della Europa del Novecento.
Si è molto dibattuto sulla origine del termine "Dada". In realtà è lo stesso Ball a scriverne, il 18 aprile del 1916: " Tzara ci tormenta a proposito della rivista. La mia proposta di metterle come titolo 'Dada' viene accettata ... In rumeno da-da significa 'sì- sì' in francese 'Cavallo a dondolo'. Per i tedeschi è un segno di sciocca ingenuità e di attaccamento, felice di procreare, alla carrozzina dei bambini".
Ball era tedesco, da cui la interpretazione di " dada" come in effetti può essere, una delle prime espressioni del linguaggio infantile, la cosiddetta Lingua Maternale. Arp, nel 1921, attribuisce l'invenzione della parola a Tristan Tzara, ma la paternità rimane incerta, ciò è, appunto, molto dadaista.
Cabaret Voltaire è Apollinaire, Arp, Ball, Cendrars, Hennings, Janco, Marinetti, Jacob, Kandinskij, Modigliani, Picasso, Oppenheimer, Tzara, de Chirico, Klee, Ernst, Liszt, Debussy ... " Quello che noi chiamiamo 'Dada' è un gioco da pazzi uscito dal nulla, dove si trovano intrecciate tutte le questioni superiori; è un gesto da gladiatori; è un gioco con dei rimasugli sbrecciati; è una condanna a morte per la morale e la pienezza dei benpensanti ... [il dadaista] sa che il mondo dei sistemi è andato in frantumi e che il tempo che preme per ricevere un pagamento in contanti ha aperto una svendita di merce avariata ... Dove per il rivendugliolo comincia il terrore e la coscienza sporca, là inizia per il dadaista una sonora risata e una tenera benevolenza. È l'immagine che ci caratterizza. È nell'immagine che noi riusciamo ad afferrare. Di qualsiasi cosa - è notte - teniamo in mano la copia. La parola e l'immagine sono tutt'uno. Il pittore e il poeta sono la stessa cosa. La parola e l'immagine sono in croce " (Hugo Ball, 12 giugno 1916).

Il contenuto prosegue a seguire

IL MANIFESTO DADA

Henry Miller scrive a lungo del Dada (e del Surrealismo) nel suo Tropico del Capricorno, ne è stregato. Afferma che, se avesse conosciuto per tempo gli scritti di Tzara, Cendrars, Aragon, Breton, Ernst, sarebbe letteralmente esploso. E lui, in effetti, è esploso davvero. " Ogni pagina deve esplodere, o con il profondamente serio e pesante, il mulinello il capogiro, il nuovo, l'eterno; con la beffa travolgente, con un entusiasmo per i principi; o con il mondo della tipografia". Miller conosce il suono della Linotype, il suono della tipografia, ci lavora. Il suono delle righe di testo fuse e forgiate da una macchina, che è un capolavoro assoluto della Meccanica, lo definisce " scampanio della scala infernale". Miller conosce la meravigliosa grafica dadaista e la Poesia Visiva del lancio di dadi di Mallarmé (che non abolirà mail il caso). In apertura all'interludio del Tropico del Capricorno è scritto: " Confusione è parola inventata per definire un ordine che non si capisce", il Cabaret Voltaire era puro caos e puro genio.
Il 14 luglio del 1916 (data non casuale) viene lanciato il primo manifesto Dada e Tzara pubblica La Prima Avventura Celeste Del Signor Antipyrine (l'Antipirina, o Fenazone, è un analgesico). Scrive Samuel Rosenstock, origine ebraica, alias Tristan Tzara (Tristan in omaggio al poeta Tristan Corbière, oppure al Tristano di Wagner, mentre Tzara, in rumeno, significa paese, città): " Dada è la nostra intensità: che inasta baionette inoffensive la testa sumatrale del poppante tedesco; Dadà è la vita priva di pantofole e di parallele; pro e contro l'unità e risolutamente contro il futuro; il buonsenso ci dice che i nostri cervelli diventeranno soffici cuscini, che il nostro antidogmatismo è estremista quanto un impiegato e che noi siamo liberi e vociferiamo di libertà. Imperativo rigoroso senza disciplina né morale e sputiamo sull'umanità. Dada non esce dall'ambito delle debolezze europee, sempre di merda si tratta, ma da ora in poi noi vogliamo cagare in colori diversi per decorare il giardino zoologico dell'arte con le bandiere di tutti i consolati ...".
Nel 1917, il Dada è un fenomeno internazionale, tuttavia l'interesse per il Cabaret Voltaire si va spegnendo, il luogo fisico ha avuto una vita inferiore a cinque mesi, ma ha lasciato segni indelebili. Gli artisti si spostano a Parigi e Berlino e nella stessa Zurigo, alla Galerie Dada, in Bahnhofstrasse numero 19.

LA STORIA RECENTE DEL CABARET VOLTAIRE

In anni recenti, il palazzo che ospitò il Cabaret andò sostanzialmente in rovina, a cavallo tra il 2001 e il 2002 un gruppo di artisti, nominatisi Neodadaisti, lo occupò. Per tre mesi vi furono reading, spettacoli, musica, film, feste, mostre. Il palazzo venne restaurato, all'esterno e all'interno, la città reagì con entusiasmo, nel marzo del 2002 la polizia sgomberò l'edificio. Da allora, tuttavia, il Cabaret ha ripreso definitivamente vita, organizza mostre, eventi, letture, vanta una biblioteca Dada e un bookshop.
" Non so se malgrado tutti i nostri sforzi riusciremo a superare Wilde e Baudelaire o se resteremo sempre dei romantici ... Il mio manifesto della prima serata Dada era una appena velata rinuncia agli amici. Anche loro l'hanno sentita così. Ma si è mai visto che il primo manifesto di una iniziativa appena fondata rinneghi l'iniziativa stessa agli occhi dei suoi aderenti? Eppure, è stato così. Quando le cose si sono esaurite io non posso traccheggiare più a lungo. Son fatto così di natura, ogni riflessione contraria porterebbe pochi frutti" (Hugo Ball, 6 agosto 1916).
Ball si dedicherà a tradurre Rimbaud in tedesco, i suoi interessi slitteranno dal Dada e dalla anarchia a una raffinatissima ricerca spirituale e religiosa.
Dice, o avrebbe detto Bernardo di Chartres, secondo Giovanni di Salisbury (1120-80): " Nos esse quasi nanos gigantium humeris insidentes". Noi possiamo vedere bene perché siamo nani, seduti sulle spalle dei giganti.
E, comunque, il Dada non è mai morto e non morirà mai. Dada Dada Dada Dada.

‒ Stefano Piantini

Stefano Piantini (Venezia, 1956). Laureato alla Università Bocconi (1980). Editore Incaricato di Electa SpA, membro del CdA di Electa, Electa Umbria, Electa Napoli, Arnoldo Mondadori Arte, Membro del Comitato Direttivo del Gruppo Elemond (1982-1996) Assistente al Presidente del Touring Club Italiano (1991-1992). Editore Incaricato di Skira Editore SpA, Presidente Skira Paris (1996-2020). Oggi libero professionista.

# data[].attributes.attachment_link.title
La storia del Cabaret Voltaire a Zurigo, la casa dei dadaisti

# data[].attributes.attachment_link.description
Hugo Ball, che con Emmy Hennings e Tristan Tzara ha fondato il Cabaret Voltaire, scrive: " Quando ho fondato il cabaret Voltaire ... sono andato dal Signor Ephraim e gli ho detto 'per cortesia, Signor Ephraim, datemi la vostra sala, desidero fare un cabaret'. Il Signor Ephraim era d'accordo e mi ha dato la sala".

# data[].attributes.body
OGNI GRUPPO PUO' PUBBLICARE QUI IL PROPRIO LAVORO

# data[].attributes.headline
IL FUMETTO ISPIRATO ALLA VITA DI MARCEL DUCHAMP

# data[].attributes.subject
IL FUMETTO ISPIRATO ALLA VITA DI MARCEL DUCHAMP

# data[].attributes.attachment_link.title
Una vita ready-made: il fumetto ispirato alla vita di Marcel Duchamp

# data[].attributes.attachment_link.description
Intervista a Sergio Rossi ed Emanuele Racca, autori del fumetto dedicato alla vita di Marcel Duchamp