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El arte griego es conocido por su búsqueda de la perfección y la belleza idealizada, así como por su énfasis en la proporción y el equilibrio. Desarrollado entre los siglos VIII y IV a.C., abarca varias etapas, incluyendo el período Arcaico, Clásico y Helenístico. La escultura, la arquitectura y la cerámica son algunas de las formas más destacadas de expresión artística en la antigua Grecia. Los templos, como el Partenón, y las esculturas, como la Venus de Milo y el Discóbolo, reflejan el ideal griego de armonía y perfección.

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La cultura griega, cuna de varias ciencias como la filosofía, la historia, la medicina y otros saberes en el ámbito occidental fue la primera civilización con un carácter antropocéntrico. Se considera como una de las etapas en la historia del arte y de la humanidad de mayor creatividad cuyo legado ha sido referencia continua para muchos períodos de la historia. Los orígenes del arte griego se remonta por un lado, a la cultura minoica, cuya cerámica y pintura tienen un marcado naturalismo y, por otro lado, a la cultura micénica desde donde probablemente proceda el templo griego pues su estructura parte del megarón, espacio que pertenece al palacio y es de forma rectangular, lo rodean cuatro columnas y le antecede un pórtico con dos columnas, un patio y el propíleo.

También destaca la arquitectura funeraria de cámaras rectangulares o circulares a la cual se accede a través de un corredor cubierto con falsa cúpula (Tumba de Agamenón). Por los hallazgos encontrados en las tumbas se afirma la calidad y gran manejo de la orfebrería y la escultura. Con todo, el arte griego se ve parcialmente influido por las culturas precedentes, pero solo en parte pues en todas las manifestaciones impone nuevos modos creativos.

Transita posteriormente por un período prolongado que se denominó Edad oscura. Fue provocado por el decaimiento del sistema económico y las migraciones de población. Esta etapa pone fin a la cultura micénica y hacia el s.VIII da paso al período arcaico griego.

Cronología del arte griego

El arte de Creta minoica, de carácter uniforme, se desarrolla hasta el 2000 a. C. Se divide en período prepalacial y pospalacial. El patio central es el eje desde donde se organizan las estancias de los palacios minoicos construidos en las cimas de las colinas formando ciudades-estados. También, la cultura minoica desarrolló la arquitectura funeraria y religiosa así como la pintura.

El arte micénico se desarrolla en el período Heládico Reciente (1600-1250 a.C.). Incluye a Creta, a Grecia Continental y a las islas Cícladas.

Edad oscura (s. XIII- s. VIII a.C.). En arquitectura se atisban los inicios de la construcción de los templos, pero solo se definirá entre el siglo VIII y VII a.C. Además, desaparecen la gran mayoría de las esculturas lo que origina la aparición de nuevos modelos base de la escultura griega. Solo se trabajó la cerámica y las pequeñas estatuillas.

Estilo geométrico (s. IX- s. VIII a.C.). La cerámica es lo que más abunda dentro del estilo que se caracteriza por su forma y diseño geométricos.

Estilo Orientalizante (finales del s. VIII - VII a.C.). Emplea decoraciones zoomorfas y vegetales reinterpretadas del mundo iconográfico egipcio y mesopotámico, de ahí su denominación.

El Estilo Protoático precede a la etapa arcaica de los vasos atenienses. A partir de él sucederán transformaciones desde el punto de vista formal y ornamental para la realización de las vasijas. Se caracterizará por plasmar los temas mitológicos y leyendas griegas con influencia oriental menos marcada.

Período arcaico (s.VII - s.Va.C.), Período clásico (s.V a.C.- s.IVa.C.), Período helenístico (s.III a.C. - s.I a.C.)

Arte griego

El arte griego se extendió por España, Francia, las costas de Asia Menor y el Mar Negro, el norte de Italia y África. Se fundamenta en una estructura sociocultural antropocéntrica y en la fortaleza de las polis griegas (ciudades-estados) que tiene un marcado interés por la construcción de templos en zonas sagradas de la ciudad (acrópolis) en cuyo rededor ubican los edificios urbanos y públicos.

Las prácticas religiosas se basan en la relación de la colectividad con los dioses por ello se levanta la casa de Dios (el templo), que están hechos por y para el hombre.

Es importante destacar que en la cultura griega tanto las esculturas como los edificios arquitectónicos fueron policromados.
La memoria del arte griego
La inexistencia de originales del arte griego ha implicado para la historiografía un quebradero de cabeza a la hora de relatar, datar, caracterizar y conocer la praxis del arte griego. En este sentido, gracias a las copias e información que hiciera el arte romano del griego es que es posible el conocimiento de las obras de arte griego.

La cerámica fue la manifestación mediante la cual se extraen las referencias de la pintura junto a los escritos de Plinio y otros autores. Por ejemplo, la información que se tiene de la pintura del siglo IV a.C. proviene mayoritariamente de las copias romanas realizadas. Sin embargo, hacia la etapa helenística será el mosaico que se desplegó por todas las zonas helenizadas las que aporten importante testimonio de lo que fue la pintura del período.

La escultura corrió con algo de más suerte y se han podido encontrar algunos ejemplares originales como el Altar de Zeus. No obstante, pocos son los ejemplares que se conservan y las copias romanas son el referente más cercano.

La mayoría de las obras arquitectónicas están devastadas algunas por la diversidad de usos, otras por la destrucción humana y también por el paso de fenómenos naturales o simplemente por su antigüedad. En pie quedan algunos templos como el Partenón en la Acrópolis de Atenas.

Arte griego arcaico (s. VII - s. V a.C.)

En el período arcaico se caracteriza por la expansión de las ciudades-estados (polis), la construcción de grandes obras públicas bajo el auspicio de los gobiernos tiránicos como una vía de legitimarse y emular con otras ciudades.

Arquitectura

La configuración de los elementos arquitectónicos establecen el canon que rige la construcción de los templos: los órdenes dórico, jónico y corintio. Los tres se componen de pedestal y columnata (elementos sustentantes), entablamento y cubierta (elementos sustentados).

El orden dórico es el más antiguo data del siglo VII y donde más se observa es en la Grecia continental y en la Magna Grecia (colonias griegas). Está estructurado mediante el pedestal (formado por tres escalones) que sustenta a la columna (formada por el fuste con acanaladuras de ángulos vivos y encima el capitel). Le sigue el entablamento compuesto por el arquitrabe, el friso y la cornisa. Lo remata una cubierta (tejado a dos aguas, generalmente, llamado frontón).

El orden jónico es más decorativo, estilizado y vistoso, propio de las islas griegas de la zona oriental. Presenta basa circular que se encuentra entre el pedestal y la columna cuyo fuste tiene acanaladuras de ángulos matados y rematado por un capitel decorado con dos volutas. El arquitrabe del entablamento es liso y dividido por tres bandas horizontales en aumento. El friso continuo puede llevar o no decoración y el frontón es idéntico al orden dórico.

El orden corintio es una variante del jónico pero más decorado. Surge hacia finales del s. Va.C. Fue el elemento arquitectónico más usado por los romanos. Se diferencia del jónico en que su fuste es más alargado y la ornamentación la configuran dos filas de hojas de acanto rematadas por cuatro volutas en los ángulos (caulículos). El friso liso y corrido en el entablamento suele decorarse con motivos de guirnaldas y bucráneos.

Templos

En el arte griego los templos cumplían una función religiosa, son muy característico en la arquitectura griega. Están construidos a partir de sillares de piedra regulares que sustituyen el adobe y la madera. Los órdenes constructivos son parte fundamental del edificio.

Los templos fueron construidos para venerar a la divinidad o dios por medio de su escultura. De esta manera, los ritos griegos son celebrados en el exterior lo que explica el modo efectista del espacio arquitectónico en sus lados externos.

El recinto, generalmente, es de planta rectangular compuesto por el pronaos (pórtico que precede al santuario), el naos o cella (santuario o estancia de la estatua de la deidad) y el opistodomos. El pronaos y el naos están comunicados mientras que el opistodomos (estancia que se añade posteriormente) es un área que se ubica detrás del naos y cumplía el objetivo de almacenaje.

Se establecen tipos básicos de templos de acuerdo al número y posición de las columnas. La denominación según la posición de las columnas es: in antis (si solo tiene dos columnas que enmarcan las antas -pilastras), próstilo (cuatro columnas antes del pronaos), anfipróstilo (las columnas se encuentran en fachada y la parte posterior del templo), períptero (presenta columnas por los cuatro lados), pseudoperíptero (columnas adosadas en las fachadas laterales), díptero (columnata doble por los cuatro lados), pseudodíptero (ocho columnas en fachada, ocho en la parte trasera y 13 columnas por cada lateral) y tholos o monóptero (templo de planta circular y varias columnas).

En cuanto al número de soporte se denomina dístilo (dos columnas), tetrástilo (cuatro columnas), hexástilo (seis columnas), octástilo (ocho columnas), decástilo (diez columnas) y dodecástilo (doce columnas).

A partir de las características estructurales de los de templos se edifican en la Grecia continental, templos dóricos en piedra local como el Templo de Hera en Olimpia (600 a.C.), Templo de Artemis en Corfú, Templo de Apolo en Delfos (hexástilo), Viejo templo de Atenea en Atenas que presentará también elementos jónicos. Otros edificios sagrados se encuentran en la Magna Grecia donde se sustituye el opistódomo por una habitación comunicada con la cella y la fachada principal destaca sobre la posterior: Templo C de la Acrópolis de Selinunte, uno de los más antiguos y grandes que se conservan.

Hacia el s. VI a.C. inicia la construcción de templos jónicos, hechos en mármol y a la cella le rodea un doble pórtico columnado (perístasis). Hay que destacar la monumentalidad arquitectónica de los edificios sagrados, influencia oriental. Destacan así el templo Heraion de Samos, el Artemision de Éfeso (díptero) de gran tamaño o el Templo de Apolo en Dídyma.

Escultura

La escultura evolucionó de las formas orientalizantes hacia la creación de un estilo particular y de gran trascendencia para el arte escultórico de los siglos posteriores. Sus inicios se remonta hacia la segunda mitad del siglo VII a.C. con la escultura exenta, los denominados kouros y kore, generalmente de grandes dimensiones, originadas en sus inicios en Naxos, isla donde abunda el mármol. Fueron realizadas también en Atenas, Paros y en Naucratis. Los kouroi y korai (plural de kouros y kore) son la representación joven masculina o femenina. Las kore son identificables por su gracia, policromía del atuendo de numerosos pliegues, el movimiento del brazo, los objetos que carga a modo de ofrenda, estaban ricamente adornadas con joyas y tenían largas trenzas. Mucho después se las esculpe algo desnudas, mientras que los Kouros se representaban totalmente desnudos y sus rasgos anatómicos simulan a los de un atleta.

El material empleado para su ejecución era la piedra o el mármol. Generalmente se ubicaban al aire libre, algunos llevaban la firma del artista o el nombre del donante. La función que cumplían está aun en debate. Hay varias hipótesis acerca del tema: algunos historiadores piensan que las korai fueron ofrendas votivas para santuarios. Por su parte, el significado de la representación de los kouros también es controvertida, hay quienes afirman que tienen un carácter funerario al rememorar a un atleta joven fallecido o que era la representación de los atletas jóvenes que participaban en los juegos olímpicos o que cumplen una función religiosa al representar a alguna divinidad como el dios Apolo.

El escultor griego se interesó siempre en la búsqueda del ideal de belleza mediante la proporción y la simetría. Desde estos primeros tiempos demuestra tal preocupación. Las estatuas son figuras bloques de carácter cúbico con un solo punto de vista, el frontal. Son esculturas rígidas, con los brazos caídos pegados al cuerpo y puños cerrados, concebidas de pie, con la cabeza erguida, una pierna adelantada, ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellera riza. Desde el punto de vista formal se relaciona con la escultura egipcia pues la influencia se adquiere a través de las actividades comerciales entre las culturas de estas dos civilizaciones.

Evolución de la estatuaria arcaica

El desarrollo de la escultura fue enriqueciéndose gracias al interés del artista por lograr una mayor naturalidad en la representación de los cuerpos desnudos. Habrá, por tanto, una marcada diferencia entre un kouros o una koré del siglo VII (Kouros de Sunion o Dama de Auxerre) con respecto a otros del siglo VI ( Kouros de Melos)así como del siglo V (Kore de Eutidyco). El cambio estriba en la pérdida de la rigidez para dar paso al movimiento mediante un brazo adelantado o doblado en el caso de los kouros (Kuros de Aristódico) mientras que en las esculturas femeninas se incorpora el atuendo jónico, hay un gran tratamiento de los ropajes (Hera de Samos o en la Kore 675) la expresión facial, el matiz del cabello (Kore del Peplo, año 530 a.C.); también se puede ver en el desplazamiento del torso al doblar una pierna que hace la posición más natural. De esta manera, las formas se vuelven algo curvas y habrá más de un foco visual. El tratamiento de los rostros se suaviza, la sonrisa arcaica se torna más humana.

El relieve escultórico

La escultura exenta también tomó lugar en los extremos y la zona más elevada del frontón, sin embargo, son los relieves arquitectónicos los que predominen. Estos decoran los frontones, frisos y metopas de los templos. Fue importante para la evolución de la plástica griega.

El camino hacia la realización de los relieves fue evolutivo. Primero se realizaron placas de cerámica ornamentadas, posteriormente, se introdujo la piedra y se fue acoplando progresivamente lo esculpido al espacio triangular del frontón.

Con él aparece la narración y es que a partir de su representación se describen las historias mitológicas o heroicas Hekatompedon ateniense o las escenas del Tesoro de los Sifnios de un templo jónico del s. VI a.C., también temáticas bélicas.

Las estelas funerarias es otra manifestación dentro de la escultura que se desarrolló en la época arcaica. Sirvió para señalizar las tumbas aristocráticas. Estuvieron hechas de piedra aunque alguna fue realizada en madera. Además de una clara función funeraria también servía como recordatorio del difunto. Hacia finales del s. VI a.C. se simplifican al punto de ser una losa con la talla del difunto. Se usan dos tipos de decoración la zoomorfa y la antropomorfa, Estela de Aristión.

La cerámica

La cerámica pasa por una primera fase denominada estilo miniaturista corintio desarrollado entre los siglos VIII y VI a.C. en Corinto. Pronto se impone el estilo ateniense por la destacada perfección de las vasijas que, usualmente, llevaban la firma del autor. La cerámica fue relegada como arte menor en el primer cuarto del siglo V a.C. tras imponerse la técnica de la pintura mural, sin embargo, fue en ella donde se determinaron los nuevos cambios estilísticos.

Los objetos cerámicos arcaicos generalmente tienen una decoración basado en los colores rojo y negro, donde hay un estilo en el que las figuras son perfiladas y barnizadas en negro sobre el fondo rojo (Vaso François, crátera hacia el 570 a.C.; Crátera con Aquiles recibiendo las armas de Eufronios) y otro estilo donde las figuras son de color rojo sobre fondo negro (el kýlix-crátera Retirando a Sarpedón del campo de batalla), aunque en ocasiones se utilizará el púrpura y el blanco. Prima el dibujo sobre el pigmento y el tema principal es el antropomorfo relacionado con las leyendas heroicas, mitológicas y de la cotidianidad. La composición es una combinación del dibujo de figuras de frente y de perfil. Estos objetos cumplían por una parte, una función funeraria y religiosa y, por otra parte, una función utilitaria, de uso cotidiano en dependencia del objetivo final. sus formas o tipos son diversos, por mencionar: el alabastron, el ánfora, la crátera, el lécito, la hidria, el aríbalo, el kilix, el skyfos, el kántaros, lebès y muchos otros.

Entre los pintores que destacan en este trabajo de la cerámica se encuentra como el primer pintor griego a Sófilos. De la técnica de figuras negras sobre fondo rojo son el pintor y alfarero Exequias que trabajó hacia la segunda mitad del s. VI a.C. (ánfora con Aquiles y Áyax jugando); el pintor de Londres o el pintor de Amasis introdujo las asas de sección cuadrada, novedad para el momento. Entre el 530-500 a.C. se trabaja con vasos de fondo blanco pero será la técnica de figuras rojas sobre fondo negro la que se consolida y que posteriormente durante el siglo V a.C. seguirá desarrollándose. De la primera etapa encontramos a Eufronios da un tratamiento monumental a sus representaciones y Euthymides, que como el anterior, innova en el escorzo y la perspectiva de los cuerpos (Ánfora de Munich).

Arte griego clásico (V-IV a.C.)

Se divide en los siguientes periodos:

500-490 a.C. Periodo de transición del arte arcaico al arte clásico

480-450 a.C. Periodo clásico, 1ª etapa (se desarrolla el Estilo severo)

450-420 a.C. Periodo clásico pleno

Período clásico tardío (s. IV a.C)

Tras la etapa de las guerras médicas, Grecia y sobre todo Atenas salen fortalecidas lo que propicia una periodo lleno de esplendor, sobre todo en el siglo V a.C. también llamado la Atenas de Pericles. En este sentido, será un momento de esplendor desde el punto de vista constructivo donde Atenas, bajo el gobierno del estratega Pericles, servirá como modelo paradigmático de la arquitectura clásica gracias a la política constructiva que el gobierno fomenta.

Arquitectura

Los templos

De la etapa de transición se encuentran el templo de Aphaia, en Egina y el templo de Zeus, en Olimpia.

El responsable de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas en la segunda mitad del siglo fue el escultor y arquitecto Fidias. En estos momentos, los templos serán construidos en mármol. En el año 448 a.C. se inicia la construcción del Partenón, obra de Fidias, Ictinos y Calícrates. Culmina en el 438 a.C. Es un recinto concebido para adorar a la diosa Atenea a través del culto a la estatua Atenea Parthenos.

El edificio no se relaciona con los demás edificios de la Acrópolis. Es dórico, octástilo, períptero y tiene doble pórtico hexástilo y es de gran dimensión. Está hecho con mármol, la cella está dividida en dos espacios desiguales y la estatua está flanqueada por una doble columnata. Además, posee elementos jónicos. Por su particular sentido espacial,hay una búsqueda de la armonía entre las proporciones del interior y el exterior, de la simetría y el equilibrio mediante la éntasis que significa tensión (efecto óptico que se aplica a los templos para corregir los errores de la percepción visual humana). Para ello se abomba el estilóbato, ligera curvatura de las columnas hacia adentro, aumento del grosor de las columnas laterales respecto a las centrales y el entablamento está ligeramente hacia delante.

Otras construcciones importantes fueron realizadas en la Acrópolis como la entrada monumental con columnas que da acceso a un recinto (los Propíleos). Hecho por Mnesiklés, lo erigió en mármol, combina los órdenes arquitectónicos, cuida el sistema de proporciones y el efecto óptico; el Erection también de Mnesiklés, edificio jónico que destaca por su particularidad constructiva por su carácter asimétrico y falta de axialidad, donde priman los elementos constructivos y decorativos. Y el templo jónico de Atenea Niké que se ubica junto a los Propíleos. Es un edificio tetrástilo y anfipróstilo, de una sola nave sin pronaos que ostenta de un vasto programa iconográfico en relieve y alberga la estatua de la diosa que se salvó del Prepartenón tras el tratado de paz con los persas en 449 a.C.

Arquitectura doméstica

La arquitectura doméstica era de estructura sencilla y fueron hechas con materiales pobres. Irán evolucionando desde el megarón prehelénico hasta alcanzar hacia el siglo V a.C. un nivel superior basado en el confort y la funcionalidad.

Arquitectura defensiva

Los sistemas de defensa emulan los micénicos. Cada ciudad tiene su propia estructura de defensa que incluyen puertas, bastiones y una acrópolis.

Arquitectura funeraria

La construcción de edificios funerarios para la clase adinerada destaca por su monumentalidad a partir del siglo IV a.C. Son característicos la ornamentación mediante los altorrelieves y bajorrelieves, esculturas de bulto redondo y las aplicación de los órdenes constructivos.

El Monumento a las Nereidas de Janto fue construido entre el 410-400 a.C. y pertenece a un príncipe licio desconocido. Es un templete jónico tetrástilo que presenta decoración en relieve en su basamento, los frontones también decorados y en el pórtico descansan esculturas (las nereidas) que fueron ubicadas entre las columnas.

Otro importante edificio sepulcral, construido a mediados del siglo IV es el Mausoleo de Halicarnaso, considerado una de las siete maravillas del mundo antiguo, desaparecido y del que solo se conoce por referencias.

Escultura

La evolución de la escultura fue progresiva. El escultor griego siempre se interesó por establecer el canon de la figura humana. En estos momentos habrá la intención de conseguir el realismo. Los primeros intentos de contraposto (representación corporal donde el peso recae sobre la pierna recta) se pueden observar en el Efebo de Kritios (h. 480 a.C.)o en su Grupo de los Tiranicidas. Sin embargo, y en términos generales, prima la frialdad y la idealización en las figuras, la quietud y la forma cerrada de las obras clásicas.

Del Estilo Severo, primer período clásico, hay que destacar su carácter sobrio y plástico, aunque todavía perviven las formas arcaicas en el tratamiento de los ropajes y en la anatomía de los cuerpos. El bronce es el material que usaron para la realización de las esculturas. Hacia la segunda mitad del siglo V a.C. El Auriga de Delfos y el Poseidón de Artemision con fecha de construcción entre el 470-460 a.C. son las grandes obras ejecutadas. Ya se nota en ellas más proximidad al ideal de belleza dado por la imitación de la realidad en la expresión de la cabeza y la perfección de los pies del primero mientras que de la segunda obra destaca el movimiento y el modelaje de la musculatura.

La obra que según la historiografía es la más importante del Estilo Severo se encuentra en la escultura arquitectónica, tanto en imágenes exentas como en relieve, del templo de Zeus. El creador es un artista anónimo que ilustró tres relatos mitológicos.

En los albores del pleno clasicismo se encuentra el Discóbolo de Mirón, obra de gran perfección y belleza lograda mediante las proporción de todas las partes del cuerpo, la representación del movimiento y el tratamiento del rostro.

Las principales características que definen el período clásico pleno o clasicismo son el reflejo de los sentimientos de las imágenes, la perfección del modelado y la expresión calmada en el rostro, el virtuosismo del ropaje, el cuidado de los detalles, un nuevo modo de concebir el contraposto y el canon de proporciones lo que denota el abandono total de las formas arcaicas.

Fidias, creador de un estilo y escuela, fue el escultor más importante del periodo clásico griego. A él se atribuye las esculturas exentas de Atenea Prómakhos, Atenea Lemnia y Atenea Parthenos. También de colosal tamaño -que se conoce a través referencias y reproducciones en monedas- es la obra Zeus entronizado de Olimpia, hecho con la técnica criselefantina (de o compuesto de oro y marfil). Además, realizó la Amazona herida, escultura que destaca por su gran realismo que el autor logra a través del tratamiento del ropaje y las Korai del Pórtico de las Cariátides bajo la influencia del estilo del maestro.

Policleto de Argos, Kresilas (Estatua de Pericles), Paionio de Mende (Niké) y Kallimachos son los otros maestros significativos del clasicismo griego. Al igual que con las obras de Fidias, de Policleto tampoco se conservan los originales, sin embargo su aporte a la escultura clásica griega estriba en introducir un nuevo ritmo al contraposto y crear un canon del cuerpo masculino en desnudez. De su autoría son el Doríforo (h. 450-440) donde plasma el ideal de belleza mediante el equilibrio dado por las proporciones, el Diadúmeno o la Amazona herida, obra que presentó al concurso de Artemisa en Éfeso junto a Kresilas y Fidias. De Kallimachos es una de las estatuas más importantes del arte antiguo por la estilización lograda en todo el conjunto escultórico, Afrodita de Frejus.

El relieve escultórico

El desarrollo del relieve en el tiempo pudo resolver la desproporción de las figuras aplicadas al frontón. Para ello se opta por la incorporación de personajes en forma de serpiente o figuras de rodilla o tumbadas mientras que al centro del frontón se ubican las figuras de pie, de esta manera no se ve afectada la escala con un claro ejemplo del siglo V a.C. con las esculturas del Templo de Afaia en Egina.

El altorrelieve ornamenta tanto los frontones y metopas mientras que en los frisos son los bajorrelieves los utilizados. En el Partenón, Fideas desarrolló con gran destreza mediante dinámicas composiciones y un riguroso cuidado de las proporciones estos conjuntos escultóricos donde predomina el movimiento y la perfecta anatomía de las estatuas, el exquisito tratamiento de las telas y la aplicación de la técnica de paños mojados que hace visible las formas y el movimiento del cuerpo. Estas características se pueden observar en el Nacimiento de Atenea en el frontón oriental o en el frontón occidental con la escena de la lucha entre Atenea y Poseidón por Ática en el que la composición fue concebida en V donde se combinan perfectamente las alturas y proporciones de las figuras representadas.

El relieve de carácter funerario

Las estelas funerarias son la representación del Estilo Bello (h.425 a.C.) que hubo de surgir tras la influencia del estilo del Partenón y que se caracteriza por el empleo de una refinada técnica que logra obras de gran belleza y elegancia en la que ya se va dominando el espacio: estela de Eleusis, Estela de Egina, Estela de Hegeso.

Pintura

La pintura griega es la gran desconocida de las manifestaciones que se realizaron en la antigua Grecia. Predominan los testimonios escritos y, se conoce algo más de ella, mediante la cerámica, de ahí la importancia que adquiere su estudio.

Se afirma que la pintura griega alcanzó un nivel muy alto pues logran crear un espacio pictórico simple y bello, representan figuras idealizadas y transmiten las emociones en los rostros de las figuras y el movimiento de las mismas. La temática trabajada fue la mitológica. Los pintores conocidos de la primera mitad del s. V son Polignoto (decoró murales en pórticos y edificios públicos) y Mikón. También destacaron Zeuxis y Parrasio.

Hacia la segunda mitad del siglo la pintura de caballete es la que predomina y destaca por el conocimiento de la perspectiva de los autores así como del claroscuro.

De ejemplo se encuentran los frescos de La tumba del zambullidor de Paestum como las únicas pinturas, quizás, que hayan sobrevivido.

Cerámica

Entre el 500 a.C. y el 475 a.C. se desarrolla la cerámica ática de figuras rojas en su primera fase. Continúa la temática mitológica y se mantiene la técnica de realización del anterior periodo. Los pintores Kleofrades (Ménade en éxtasis), el Pintor de Berlín y el Pintor de Brygos son los que sobresalen. Las formas predominante en los vasos de fondo blanco son los lékytos y las copas (Copa de Delfos)

Entre los años 475 a.C. y el 450 a.C. las imágenes comienzan a distribuirse por toda la superficie y destacan las representaciones con una tímida perspectiva y escorzo. Los vasos más significativos son los decorados con figuras rojas, siendo la crátera la más usada y los vasos de fondo blanco que sobresalen por su elegancia: Muerte de Acteón a manos de Ártemis del Pintor de Pan, Asamblea de los Argonautas del Pintor de las Nióbides.

A partir del año 450 a.C. aproximadamente confluyen dos tendencias, la del estilo clásico cuyo máximo exponente será el Pintor de Aquiles y el estilo basado en dibujo y el color con el Pintor de Sotades y el Pintor de Phiale.

En el 425 a.C. se impone el Estilo Bello y se crearán muchos lekytos con escenas trágicas donde la figura humana será el tema principal. A mencionar, Crátera de volutas del Pintor de Prónomos o la Señora con su sirvienta del Pintor de Aquiles.

Prehelenismo

El siglo IV a.C. fue un período de crisis en la Grecia antigua provocado por la derrota de Atenas frente a Esparta en la guerra del Peloponeso ocurrida entre las últimas décadas del siglo V y los primeros años del siglo IV a.C. Ello ocasionó la fragmentación de la cultura, de la religión, de los territorios y, por tanto, hay una transformación en la mentalidad y en la confianza de la sociedad hacia la polis. Esta decadencia termina con la plenitud del siglo V griego y no será hasta la llegada del monarca Filipo de Macedonia que la crisis originada se resuelva con la unidad de la Grecia continental.

Los cambios acaecidos repercutieron en el arte del siglo IV, práctica artística vital para entender la ruptura del equilibrio sereno característico del pleno clasicismo del siglo anterior.

Escultura

Este arte contiene fórmulas que luego en el helenismo se desarrollará con más fuerza. Ahora prima lo individual. Hay un marcado carácter expresivo que transmite distintas emociones: el patetismo, el drama, la pasión, la melancolía, en fin, se logra expresar la actitud psicológica. Habrá un interés por el erotismo femenino, en conseguir rostros más humanos de las divinidades representadas. Se prefieren los temas relacionados con Dionisos y Afrodita porque el carácter psicológico que encierran.

Destacan los escultores Praxíteles con un estilo delicado por lo femenil de sus obras (Apolo Sauróctono); Timoteo resalta el erostismo y la sensualidad femeninas (Leda con el cisne); Escopas traslada a sus obras la tragedia de los personajes que se refuerza en el modo en que trabaja el movimiento de las figuras como en Ménade danzante y Lisipo de Sición, escultor oficial de Alejandro Magno, que influyó en la práctica escultórica del momento y se considera por su evolución gradual hacia creaciones más realistas el escultor que marcó la transición hacia el arte helenístico. Con Apoxiomenos logra romper el punto de visión frontal al diseñar sus brazos hacia delante y que marca un nuevo canon del cuerpo masculino.

El género del retrato

Esta etapa es muy importante pues se da inicio al retrato por ese culto a la personalidad. Los retratos será de cuerpo entero siempre. La figura de Alejandro Magno fue decisiva para el retrato de la época. Se convirtió en un arquetipo de gobernante héroe ideal, sobre todo tras su desaparición. Esto influye en la mayoría de los reyes helenísticos al adoptar la iconografía alejandrina de cara a sus súbditos. Por tanto, se crea un tipo de canon de gobernante héroe en el retrato que transmite las virtudes y el carácter personal del gobernante.

Se encuentran varios modelos de representación como en los que prima la naturalidad sobre el temperamento (Sátyros del escultor Silanion), o viceversa como en los retratos de Alejandro Magno realizado por Lisipo.

Escultura fúnebre

Los pequeños cambios en los relieves funerarios aparecen a mediados de siglo donde el volumen y la profundidad son mayores que en los ejemplos de la etapa anterior. Las escenas se enmarcan entre dos pilastras y un frontón. Son creaciones de gran belleza y naturalidad, Estela de Dexileos.

Pintura

Se conoce por las referencias romanas que los pintores del siglo ya empleaban sus conocimientos sobre la perspectiva y la iluminación, además, la pintura destaca por el modelado, el color, el efecto teatral y la recreación del paisaje en sus representaciones (Tumba de Filipo II). Los pintores significativos provienen de las diferente escuelas locales. Nicias de Atenas (Andrómeda y Perseo) fue un artista de la escuela ática que al igual que la escuela de Sición emplearon la técnica de la encáustica. Apeles de Colofón, el pintor oficial de Alejandro Magno, es el pintor con más fama e importancia de este periodo y del que se cree que inició el retrato ecuestre.

Cerámica

Los temas del mundo femenino y la naturaleza son las temáticas representadas para la cerámica ática del siglo IV que continúa con las fórmulas de producción anteriores. La cerámica de Magna Grecia se pondrá al frente lo que desplaza las producciones áticas. Seguirá la búsqueda de las formas proporcionales, simétricas y bien articuladas.

Arte helenístico (s.III a.C. - s.I a.C.)

Este periodo comprendió un extenso marco temporal y a varios territorios además de Grecia como Egipto, Persia, Mesopotamia y la India. Por su universalidad, extensión temporal y geográfica la historiografía ha decidido llamarlo helenismo o helenístico.

Coincide con la fragmentación del imperio creado por Alejandro Magno tras su muerte y la caída frente a Roma. Supuso la helenización del occidente del Mediterráneo y la orientalización de la civilización y cultura griega.

La figura de Alejandro Magno y su desaparición fue decisiva para el arte helenístico pues se generan nuevas ciudades por la división del imperio. Las capitales de los nuevos estados se convierten en importantes centro artísticos como en el caso de Alejandría o Pérgamo, ciudades que cobraron una riqueza artística impresionante.

En este sentido, se inicia un entrecruzamiento de culturas de los territorios conquistados con la cultura griega lo que resulta un modelo cosmopolita. Este proceso afecta al arte griego que desde el carácter unitario anterior se distingue por su heterogeneidad, universalidad y se convierte en el lenguaje plástico por excelencia.

Desde el punto de vista estilístico es un período complejo, donde se hace difícil caracterizar a las obras se fragmenta la unidad cultural griega junto al fenómeno de sincretización de sus prácticas artísticas con la tradición de cada ciudad que provoca una producción local peculiar. La historiografía ha comparado a algunas fases del arte helenístico con el estilo barroco y también con el rococó. No obstante, está el caso en que el arte griego clásico será un referente a imitar para los creadores que estuvieron interesados en recuperar los temas, los mitos y las formas del clasicismo griego.

Urbanismo

La complejidad que adquieren las ciudades nuevas que se erigen o remodelan en el siglo IV dio lugar a que las actividades administrativas se ubiquen en el ágora (plaza de las ciudades-estados que estaban rodeadas de edificios públicos) en tanto que las recreativas se encuentran en las afueras de la ciudad. Las casas se organizan en manzanas rectangulares.

Es característico de la época helenística que las ciudades más fastuosas se encuentren fuera del territorio griego, es el caso de Alejandría que destaca por su grandiosidad urbanística o Pérgamo que basa su estructura urbanística en la imagen escenográfica de sus construcciones y la decoración al modo oriental.

Arquitectura

Como característica fundamental se encuentra el carácter decorativo en las construcciones. Del templo y la arquitectura funeraria prima la monumentalidad mientras que los edificios domésticos comprenden estructuras más complejas. Será costumbre arquitectónica combinar en el piso inferior el orden dórico y en el superior, el jónico. Aparecen con las nuevas ciudades, nuevas tipologías muy en consonancia con el entorno natural que las rodea, aunque esto no es privativo de la época.

Los templos

Se cuida el ornamento sobre una estructura de grandes dimensiones que supera a la del s. IV a. C. El orden arquitectónico jónico es preferido al dórico en las partes significativas del edificio como la fachada principal que destaca, además, por las dimensiones del pronaos. Poco a poco se irá introduciendo el orden corintio. De este momento son el templo Apolo en Dídima, que nunca se finalizó, el templo de Zeus Olímpico tras la reanudación de las obras bajo el arquitecto romano Cosutio por mandato de Antíoco IV en el año 175 a.C. -primer templo conocido en usar columnas corintias de grandes dimensiones- y el edificio Altar de Zeus de Pérgamo, obra constructiva paradigmática de la etapa helenística en la cual se combina equilibrio y sencillez junto a la rica ornamentación del exterior.

Será característico de esta etapa la introducción del naiskos (templo tetrástilo) y la conjunción de varios espacios.

Los santuarios

Los santuarios son edificios enclavados en parajes naturales de difícil acceso y estaban separados de las construcciones civiles. Destacan los santuarios de las ciudades de Epidauro, Pérgamo y Delfos. En el santuario coexisten el templo, los tesoros y los tholoi.

Los tesoros son pequeños edificios donde ubican las ofrendas, generalmente de estructura rectangular con pórtico in antis, eran de orden jónico o dórico y estaban bien decorados. Los tholoi, que destacan por su espacio interno, son edificios religiosos de planta circular que quizás cumplían una función de culto a los héroes divinizados.

Ya en el siglo V y IV a.C. se erigen estas tipologías como el tesoro de los Sifnios o el tholos del santuario de Atenea Marmaria en Delfos, sin embargo, de la etapa helenística destaca el Santuario de Asclepio en Epidauro construido hacia el 360 a.C. cuya decoración emula al Erecteion. Como ejemplo de tholos se encuentra El Philippeion de Olimpia edificio en el que los órdenes jónico y corintio son combinados.

La arquitectura pública

Si importantes son los templos para honrar a las divinidades también lo son las edificaciones públicas imprescindibles para la vida del ciudadano como las plazas (ágoras), los mercados (stoas), las bibliotecas, escuelas, estadios, los pequeños monumentos públicos con esculturas como la Linterna de Lisícrates, los teatros, entre otros.

la stoa, edificio de estructura rectangular y alargada con pórtico en uno de sus lados (Stoa de Atalo II de Atenas).

el teatro al aire libre, muy importante para la ciudad, era el espacio para las representaciones religiosas y corales. Constituido por la orchestra de forma circular, detrás de esta la skene tuvo dos funciones, vestuario de los actores para luego ser escenario, el théatron o koilon (grada semicircular empinada), el proskenion unificado delante de la orchestra y se decora con columnas exentas o pilares adosados, (teatro de Epidauro, teatro de Pérgamo, teatro de Priene).

el gimnasio de estructura rectangular rodeado de pórticos columnados también es símbolo cultural griego como el teatro. El edificio, al aire libre, alberga varias dependencias como baños, biblioteca, entre otras.

el bouleuterion, sala cuadrada con filas de asientos y altar central, estaba destinado a las reuniones de los consejo de ciudadanos, (bouleuterion de Mileto).

La arquitectura doméstica

Durante el helenismo la casa presenta una estructura más compleja: contiene un vestíbulo que da acceso al peristilo desde donde se organizan las habitaciones públicas, pues en el piso superior se ubican las privadas. Las estancias se decoran con mosaicos al igual que los patios porticados.

Escultura

Las características de la escultura helenística son diversas teniendo en cuenta la extensión cronológica y geográfica además de la convivencia de diferentes culturas. Ya en el siglo IV se viene desarrollando fórmulas que se consolidan ya en esta etapa. Atendiendo a la generalidad, se prefiere el carácter individual lo que determina que la fuerza que cobra el retrato. De ahí el intento de representar las pasiones, las emociones (Demóstenes de Polieucto). Esto perseguía, además, un propósito propagandístico hacia las figuras de los gobernantes para perpetuarse debido a la inestabilidad política.

Será fundamental el carácter agitado que cobran las figuras, el movimiento brusco, las contorsiones, las composiciones enrevesadas y abiertas, el tenue desequilibrio, el tratamiento antinatural de los ropajes, el uso de luces y sombras que provoca el dramatismo de la obra pero también la búsqueda de realismo que se justifica mediante los temas cotidianos, costumbristas.

Estos aspectos serán comunes para las distintas escuelas escultóricas del período en Pérgamo (Asia Menor), Alejandría y Rodas (próximo a Asia Menor). Por lo tanto, se pierde el protagonismo del artista a favor de la importancia del grupo de creadores de una escuela.

Escuela de Pérgamo

Pérgamo es uno de los centros culturales y artísticos con más auge durante los reinados de Atalo I y Eumenes II, hijo del primero. La escuela de escultura fue lo que más trascendió. En una primera etapa se crean obras en bronce realizadas por Epígono de las cuales solo se conservan obras en piedra y son copias romanas, Galo moribundo, obra con un gran efecto dramático u otra como Galo Ludovisi. Sin embargo, la producción más significativa es el Altar de Zeus, de autor desconocido, realizado bajo el reinado de Eumenes II quien hubo de emprender un amplio programa constructivo. Es la única obra original helenística en mármol que ha llegado a nuestros días, y en ella se exaltan las características barroca-helenísticas y teatrales por el modulado del ropaje antianatómico y el dramatismo de los rostros.

Escuela de Rodas

Destaca por el número elevado de excelentes obras escultóricas realizadas para sus edificios y por la creación de retratos realistas de ciudadanos comunes destinados a los santuarios.

De ese estilo barroco-helenístico es la Victoria de Samotracia muy relacionada con la teatralidad y los aspectos efectistas. El Laocoonte y sus dos hijos, obra que se atribuye a Rodas pero de lo que aun se tiene dudas. En ella el abigarramiento de los cuerpos, el efectismo, el drama, el movimiento y la composición abierta son los aspectos que destacan y la particularizan.

Escuela de Alejandría

Es la que mejor representa el realismo en la escultura evidentes en los retratos de los monarcas ptolemaicos y sus esposa, en obras como Danzarina Baker u otras relacionadas con el mundo natural como la alegoría del Nilo.
El retrato: su consolidación en las escuelas escultóricas
Hacia mediados del siglo III a.C. el retrato será desarrollado en las escuelas escultóricas y muy valorado y demandado sobre todo por el sector privado. Lo más importante fue plasmar el carácter realista en las obras. Para ello se valen de la psicología, la fisonomía y la cualidad moral de la persona.

Destacan por su marcado patetismo la Vieja borracha o por el modelado anatómico y el dramatismo del rostro el Boxeador de las termas así como la búsqueda del realismo en el retrato del político Demóstenes.

Otras esculturas

Hacia mediados del siglo II en Atenas se comienzan a realizar numerosas esculturas por la gran demanda que los romanos hicieron de la escultura de las época anteriores. Los escultores áticos recrean este tipo de obras como la Venus de Milo, la más famosa de las Afroditas desnudas, el Niño de la espina del siglo I a.C. o el Jinete niño de Artemisión. Las obras son de difícil datación.

Hubo una producción de figurillas de terracota que fueron encontradas en el cementerio de Tanagra. Las tanagrinas representan a mujeres jóvenes sentadas o de pie con una vestimenta sofisticada y a las cuales se les adornaba con distintos accesorios. Se cree que estas proviene de la producción de figuras en Atenas hacia el siglo IV a.C. y que fueron imitadas posteriormente en Tanagra.

Pintura

La pintura al final del periodo se distingue por la preponderancia de la pincelada, el uso de la luz, el color y las transparencias. La temática preferida serán los bodegones, las escenas callejeras y los paisajes, en fin, una recreación de temas costumbristas.

Algunos pintores seguirán la tradición desarrollada en el siglo IV mientras que otros sobresalen por su carácter innovador como el pintor Teón de Samos (Aquiles y Esciro).

Mosaicos

Hubo una gran producción de mosaicos teselados en esta etapa, actividad que ya se había hecho universal. El grupo más antiguo e importante pertenece a la ciudad de Pompeya con fecha de datación entre el 200 y 80 a.C. en la Casa del Fauno. Es un conjunto variado de mosaicos que recrean temáticas relacionadas con asuntos banales como la comida, la diversión y otros de carácter político o cultural como el teatro. La creación paradigmática lo constituye el mosaico de Alejandro Magno.

También destaca el mosaico Músico callejeros de Dioscúrides de Samos. Pérgamo gozó de la decoración de este tipo de mosaicos como se puede ver en el Emblema con palomas en Tívoli del mosaísta Soso de Pérgamo autor de otra obra famosa La casa sin barrer.

Cerámica

Los vasos cerámicos estarán decorados con figuras estilizadas y expresivas. Presentan un gran acabado y es muy variada. Se irá perdiendo paulatinamente la técnica de la pintura para dar paso a la decoración en relieve.

También desaparecen los vasos de figuras rojas de los áticos que crearán ejemplares barnizados de pigmento negro y sin decoración. En Apulia hay variedad de composiciones y tipos donde destaca la ornamentación de las vasijas. Algunas tuvieron una función fúnebre.

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El arte griego | Historia, características, artistas y obras

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La etapa del arte griego Se considera como una de las etapas en la historia del arte y de la humanidad de mayor creatividad.

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Bronzino, An Allegory with Venus and Cupid

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El arte romano, que floreció entre el siglo I a.C. y el siglo IV d.C., es una amalgama de influencias griegas y etruscas adaptadas a las necesidades y valores romanos. Se caracteriza por su funcionalidad, monumentalidad y realismo. La arquitectura romana, con sus innovaciones como el arco, la bóveda y el hormigón, dio lugar a estructuras icónicas como el Coliseo y el Panteón. La escultura y el mosaico también son formas artísticas prominentes que reflejan la vida cotidiana, los logros militares y los retratos realistas de figuras importantes.

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El arte romano propiamente dicho se estudia a partir del siglo III a.C. que corresponde con la etapa republicana. La transformación de Roma como capital sucede bajo el primer imperio iniciado por César Augusto hacia el I a.C. Bajo su mandato da inicio a un período de paz tras las continuas guerras internas y la consolidación de un lenguaje artístico que hubo de influir en las culturas posteriores. Con un carácter centralizado, el imperio se extendió en un proceso de romanización por todos los territorios ocupados que hubo de prolongarse cerca de cuatro siglos. La sociedad romana estaba dividida, jerárquicamente, en patricios, plebeyos y esclavos. Pensaban que las divinidades eran las que regían la vida de los humanos del mismo modo que creen en el carácter y poder divino del emperador.

El arte romano está afectado por el arte etrusco y el arte griego. De los etruscos tomaron la disposición urbanística, los elementos constructivos (el arco, la bóveda), la estructura interna de los templos, el realismo de las imágenes; de los griegos, el idealismo de las figuras, los órdenes constructivos, las tipologías como el teatro, algunos elementos estructurales y de concepto del templo; sin embargo, todo es asimilado y reinterpretado bajo una base pragmática, natural y realista hacia las nuevas aportaciones que resultan de lo constructivo, lo escultórico y lo pictórico.

Arquitectura

La ciudad romana será la embajadora del arte al mostrar las glorias y grandezas del poder a través de sus edificaciones, monumentos, pinturas, estatuas y organización urbana. Los conocimientos de ingeniería y construcción fueron decisivos para el desarrollo de la arquitectura que se convirtió en lo más relevante del arte antiguo romano. Las obras cumplían las necesidades de orden civil, político y religioso de la sociedad. La arquitectura destaca por su monumentalidad, por el uso de materiales como la piedra en forma de mampostería y de sillería, el ladrillo que a veces se alterna con capas de piedra y le proporciona cromatismo al edificio; el mármol, solo como cubrimiento de los materiales pobres utilizados en edificaciones importantes y el hormigón romano o argamasa que posibilita la solidez, el sistema abovedado, moldear fácilmente el espacio interior (adquiere relevancia) y permite edificar de forma rápida.

Las nuevas técnicas de construcción empleadas por los romanos proveen a la arquitectura de una estética original, cuya solidez se fundamenta en el grosor de sus muros que son el sostén de los sistemas abovedados, por tanto, se emplea el arco de medio punto y la bóveda de medio cañón así como la cúpula de curvatura uniforme (al parecer emplearon alguna vez rudimentarias bóvedas de aristas y de crucería); además, toman prestados los órdenes clásicos para disponerlos como ornamento del exterior y añaden otros que serán la reinterpretación de aquellos pero combinados: los órdenes toscano y el compuesto. Los romanos desarrollaron una gran variedad de tipologías civiles y religiosas. Algunas de estas serán propiamente romanas. Las públicas la constituyen los acueductos, calzadas, puentes y termas; de carácter lúdico están los teatros, los anfiteatros y los circos mientras que en lo civil encontramos las basílicas; los templos pertenecen al plano religioso y las viviendas al doméstico.

De invención romana es el acueducto edificado a partir de arcos de medio puntos y gruesos pilares que abastece de agua a la ciudad. Es una construcción ligeramente inclinada para que el líquido desde el manantial, río o embalse viaje sin problemas por las tuberías que lo transportan hacia la urbe.

Las calzadas y puentes, son unas de las construcciones más relevantes que construyen tras la necesidad de desplazamiento, control, defensa y comunicación por todo el territorio romano. La estructura de la calzada era sólida gracias al uso del hormigón romano, estas requieren de puentes para poder atravesar montañas y pasar ríos. Los puentes se construyen de manera similar a los acueductos: se alza mediante arcos de piedra entre pilares gruesos. Es una construcción que requiere de la ingeniería para poder realizarla.

Las termas, de origen romano, son creadas para el aseo y el esparcimiento. Concebidas como un acto social, se edifican de gran tamaño, con estructuras abovedadas; constan de varias estancias de acuerdo a las fases del baño romano, con espacios para el masaje, la sauna, el vestuario, la zona de ejercicios, el jardín, la piscina y, en algunos casos, hasta la biblioteca.

A diferencia del teatro griego, el romano se levanta en el interior de la ciudad y en superficie llana; la cávea y orchestra (ahora más pequeña) son semicirculares. La escena es ubicada sobre un zócalo; las gradas divididas en anillos según el estrato social, se alzan mediante los elementos sustentantes como las bóvedas de medio cañón y los arcos de medio punto por donde el público sale y entra. La fachada muestra arcos semicirculares y una alternancia de órdenes clásicos.

El anfiteatro, netamente romano, está concebido para la lucha entre animales y gladiador o un grupo de este. Es un edificio cerrado que contiene dos espacios interiores, la arena y la gradería. Debajo del área de la arena se ubican dos corredores, para el gladiador y el animal, los almacenes y la enfermería. Por su parte, la grada tiene igual estructura que el teatro.

Los circos hechos para las carreras de carros tirados por caballos y dirigidos por esclavos la mayoría de las veces, se componen de galería y pista en cuyo centro de la misma se dispone la espina -muro pequeño rematado en sus extremos con obeliscos y estatuas para indicar la meta-, con el objetivo de marcar la distancia a recorrer para todos los competidores.

La basílica, de carácter multifuncional, toma un lugar preferente dentro del foro. La entrada se realiza a través de un pórtico por uno de los extremos de la planta rectangular de tres naves siendo la central más amplia y alta -con aberturas para iluminar el espacio-; las filas de columnas dispuestas en los laterales de la nave central la separan de las laterales. El ábside de forma semicircular está ubicado al otro extremo de la sala donde se encuentra el estrado del tribunal y del magistrado. Esta tipología sufre varias modificaciones a lo largo de la arquitectura romana.

El templo, muy similar al griego excepto por la ubicación de la escalinata en unos de sus lados menores, el podium elevado, el pórtico profundo con columnas y el tamaño mayor de la cella. La planta circular con cúpula será novedad añadida posteriormente.

Los domus son viviendas unifamiliares construidas con un gran sentido práctico. De planta rectangular, contiene un patio central con abertura pequeña en el techo y rodeado de habitaciones (dormitorios, sala y comedor), jardín con pórtico de columnas en sus cuatro lados. Las viviendas lucían pinturas murales y suelos con mosaicos, al parecer solo en aquella de familias adineradas, (mansión de Marco Lucrecio Frontón).

Escultura del arte romano

La escultura romana se nutre, más en sus inicios, del influjo del arte griego de manera muy directa pues son los artistas helenos los creadores de buena parte de las obras escultóricas y arquitectónicas del período republicano: además, los romanos trasladaron una cantidad importante de obras griegas. También, el realismo de los etruscos favoreció posteriormente al arte romano al tiempo que la propia cultura sedimenta este modo realista de representación debido al culto a los antepasados que requiere hacer una imagen exacta al difunto. Por tanto, una de las características principales de toda la escultura romana será el realismo.

Al unificar las dos tendencias opuestas, realismo e idealismo, conformó un arte con rasgos identitarios puramente romanos. En la etapa republicana aparecen obras con un marcado aire idealista y ciertos rasgos hacia la representación real que cada vez tomará más protagonismo y fuerza. Este carácter fragua en el Imperio, donde se irá perdiendo la idealización de las imágenes, que aunque la tendencia realista esté latente, siempre quedará la reminiscencia de la belleza ideal de los griegos. Ese idealismo de las imágenes está dado por la representación de la juventud hacia la madurez en el rostro. Por ejemplo, se crea la figura de cuerpo atlético mientras los rasgos faciales son perfilados de acuerdo a una edad madura temprana del hombre o, en el caso de ser un retrato, se representa al modelo en su madurez inicial aunque en la vida real sea joven o anciano. El concepto está justificado en la manera de pensar del romano que creía que la madurez el hombre es más sabio y capaz.

Con el emperador Augusto la escultura -también la arquitectura- vio un cambio formal en cuanto al material, pues os retratos, hasta entonces, se hacían en su mayoría de terracota. Es así que se utiliza el mármol y en menor medida el bronce.
Desarrollan el retrato privado o público, siendo los retratos imperiales, los que más se harán en esta línea debido al culto hacia la máxima figura y por el afán propagandístico del Imperio; también el busto, la escultura exenta: togados, militares, divinizados, ecuestre... Si el retrato fue uno de los géneros más trabajados e importantes, también los relieves tienen ese privilegio, como los relieves funerarios inscritos en los sarcófagos, novedad que repercutirá en el arte cristiano. Sin embargo, es en el relieve histórico donde la propaganda política toma aun más fuerza mediante la inscripción de estos en los monumentos arquitectónicos que narran las glorias de los ejércitos romanos y su extensión territorial. Altares monumentales, columnas conmemorativas y arcos de triunfo serán los monumentos de tipo conmemorativo.

En la época imperial, la escultura se complejiza. De esta manera, la escultura exenta, el retrato y el relieve tendrán un mayor realismo por la búsqueda de la expresividad. Ya no se crearán imágenes serenas y que transmitan autoridad sino aquellas con una carga dramática. En el relieve histórico, por ejemplo, este afán dramático o teatral será logrado mediante una gran masa dentro de la escena continua enmarcada en un paisaje natural o arquitectónico. Otras tipologías fueron los camafeos (objetos de lujos) y las estatuillas de culto privado protectoras de las familias romanas, sus propiedades y su salud. Estas representaciones podrían ser esculpidas o pintadas. Se representaban a los dioses lares, protectores de la vivienda, los penates que garantizan los deberes y derechos dentro del seno familiar, el genius y los dioses menores de las casas.

Pintura en el arte romano

Se sabe muy poco de la pintura romana. Están los originales de Pompeya y muy poca de Herculano. Se afirma que no se ha podido conocer la pintura del periodo imperial, sin embargo hay hallazgos que muestran lo contrario, es el caso de los restos de pintura imperial que aparecieron en el Coliseo y en la Villa de Adriano en Tívoli, en las dos habitaciones con fechas entre los siglos II y III d.C. en Roma así como los frescos de la Domus Aurea, la residencia imperial del emperador Nerón que quedó bajo tierra a principios del siglo II d. C.

Como característica general, la pintura estuvo asociada a la arquitectura hasta donde se ha podido conocer. Estas pinturas tienden hacia el realismo, a encuadrar la pintura dentro de un contexto natural (paisaje) o arquitectónico e intenta no resultar una pintura plana. La fase pictórica de la República se divide por estilos: el de incrustaciones, hay un acercamiento al mosaico; el estilo arquitectónico -se intenta la perspectiva-, y el ornamental o barroco que encuadra la escena en un espacio irreal. También emplean la técnica del mosaico muy arraigada en Roma y la pintura sobre tabla. Los temas pueden ser mitológicos, paisajísticos y retratos familiares.

En la etapa imperial, la residencia del emperador Nerón muestra en su lado oriental La bóveda de los estucos, con su composición geométrica acentuada por molduras de estuco y La bóveda dorada de grandes dimensiones e impresionante policromía según los testimonios de los que las descubrieron. Vasari afirmó que fue tal el estupor de los artistas del siglo XVI que surgió un nuevo estilo pictórico llamado grutescos. En la parte occidental descubren una sección ornamentada mediante fondos de muchos colores, seres fantásticos y aves.

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Arte Romano | características del arte de la Antigua Roma

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El arte romano propiamente dicho se estudia a partir del siglo III a.C. que corresponde con la etapa republicana. La transformación de Roma como capital sucede bajo el primer imperio iniciado por César Augusto hacia el I a.C.

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El arte bizantino, desarrollado a partir del siglo IV hasta la caída de Constantinopla en 1453, es conocido por su simbolismo y espiritualidad. Surgido del Imperio Bizantino, combina elementos del arte griego y romano con influencias cristianas. Los mosaicos dorados y las iconografías religiosas son características distintivas, reflejando la devoción y la trascendencia espiritual. La arquitectura bizantina, ejemplificada por la Basílica de Santa Sofía, es notable por sus cúpulas y ornamentación rica y detallada.

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El arte bizantino (siglos IV-XV) se caracteriza en general por un alejamiento del naturalismo de la tradición clásica, hacia lo más abstracto y universal, por una clara preferencia por las representaciones bidimensionales, y por un predominio de las obras de arte de contenido religioso. Sin embargo, a partir del siglo XII, el arte bizantino se hace mucho más expresivo e imaginativo, y a pesar de que muchos temas se repiten indefinidamente, hay diferencias en los detalles a lo largo del período. Aunque es cierto que la gran mayoría de obras de arte que han sobrevivido son de temática religiosa, puede que eso sea el resultado de una selección en los siglos siguientes, porque abundan las referencias en fuentes bizantinas al arte secular, y hasta bien avanzado el siglo X e incluso después se siguieron creando elementos paganos con iconografía clásica. Mediante la utilización de piedras brillantes, mosaicos dorados, vívidas pinturas murales, marfil esculpido de forma intrincada y metales preciosos en general, los artistas bizantinos lo embellecieron todo, desde edificios hasta libros, y su principal legado, y también el más duradero, son sin duda los iconos, que continúan decorando iglesias cristianas en todo el mundo.

Influencias

Al ser Bizancio la rama oriental del Imperio romano en su primera fase, no es de extrañar que en los trabajos bizantinos predomine una fuerte influencia romana, o más correctamente, clásica. La tradición romana de coleccionar, valorar y enseñar en privado obras de arte antiguo, continuó entre las clases más adineradas de Bizancio. El arte bizantino es a la vez permanente y en evolución, con temas tales como las tradiciones clásicas y las escenas religiosas convencionales apareciendo una y otra vez a lo largo de los siglos pero, al mismo tiempo, un examen más concienzudo de cada obra revela los detalles de un enfoque artístico siempre diferente. Lo mismo que el cine moderno, que repone de manera regular una historia familiar, con los mismos escenarios y los mismos caracteres, los artistas bizantinos trabajaron dentro de los límites de los objetivos prácticos de su trabajo, escogiendo cómo representar mejor un tema, qué añadir u omitir de las nuevas influencias que aparecían y, al final del período, personalizando su trabajo como nunca antes se había hecho.

En el Imperio bizantino había muy poca o ninguna diferencia entre artista y artesano; ambos creaban objetos bellos con un objetivo concreto.

Quizás es importante recordar que el Imperio bizantino fue, en muchos aspectos, mucho más griego que romano, y que el arte helenístico siguió influyendo, especialmente la idea del naturalismo. Al mismo tiempo, la extensión geográfica del imperio también tuvo sus consecuencias para el arte. En Alejandría, el estilo copto, más rígido (y para algunos menos elegante) comenzó a partir del siglo VI, reemplazando al estilo helenístico predominante. Se evitaron los colores apagados, en favor de los más brillantes, mientras que las figuras eran menos estilizadas y realistas. Otra zona de influencia artística fue Antioquía, donde se adoptó el estilo orientalizante, es decir, la asimilación de motivos del arte persa y de Asia Central, tales como las cenefas, el Árbol de la Vida, las cabezas de carnero, y criaturas con alas dobles, así como los retratos completos frontales que aparecen en el arte sirio. A su vez, el arte de esas grandes ciudades influiría en el producido en Constantinopla, que pasaría a ser el centro de una industria artística que difundiría sus trabajos, métodos e ideas por todo el imperio.

A lo largo de los siglos el Imperio bizantino estuvo en continua expansión y contracción, y esa geografía influyó en el arte, conforme las nuevas ideas se fueron haciendo más accesibles con el tiempo. Las ideas y objetos artísticos se intercambiaban continuamente entre culturas por medio de regalos reales a gobernantes amigos, embajadas diplomáticas, misiones religiosas, y la compra de recuerdos por parte de viajeros adinerados, sin olvidar el movimiento de los propios artistas. Desde principios del siglo XIII, por ejemplo, Bizancio experimentó la influencia de un contacto mucho más estrecho con Europa occidental, igual que cuando los bizantinos estaban más presentes en Italia durante el siglo IX. La influencia también fue en dirección contraria, por supuesto, de forma que las ideas bizantinas se difundieron, especialmente hacia el oeste, desde sitios tales como Sicilia y Creta, desde donde la iconografía bizantina influiría en el arte del Renacimiento en Italia. Igualmente, en el nordeste, el arte bizantino tendría influencia en lugares como Armenia, Georgia y Rusia. Finalmente, el arte bizantino sigue totalmente en vigor como una sólida tradición dentro del arte ortodoxo.

Artistas

En el Imperio bizantino había poca o ninguna diferencia entre artista y artesano; ambos creaban objetos bellos para un objetivo concreto, ya fuera una caja para guardar un objeto de valor o un icono para unir sentimientos de piedad y reverencia. Algunos nombres de oficios que conocemos son zographos e historiographos (pintor), maistor (maestro) y ktistes (creador). Además, muchos artistas, especialmente los que creaban manuscritos ilustrados, eran sacerdotes o monjes. No hay evidencia de que entre ellos no hubiera mujeres, aunque es probable que estas se especializaran en telas y sedas estampadas. La escultura, la artesanía del marfil y el esmalte eran especialidades que requerían años de aprendizaje, pero en otras formas artísticas era frecuente que un mismo artista produjera manuscritos, iconos, mosaicos y pinturas murales.

Antes del siglo XIII resultaba extraño que un artista firmara su trabajo, lo cual puede reflejar una falta de estatus social, o que los trabajos eran creados por un equipo, o que esa personalización de la obra de arte se considerara que desmerecía su objetivo, especialmente en el arte religioso. Los artistas eran apoyados por mecenas que les encargaban los trabajos, sobre todo los emperadores y monasterios, aunque también personas particulares, incluyendo mujeres, especialmente viudas.

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Frescos y pinturas

El arte cristiano bizantino tenía el triple objetivo de embellecer un edificio, instruir a los analfabetos sobre temas vitales para su bienestar espiritual, y animar a los creyentes indicándoles que ya estaban en el camino correcto de la salvación. Por dicho motivo, los interiores de las iglesias bizantinas estaban cubiertos de pinturas y mosaicos. El gran edificio de la basílica cristiana, con sus techos altos y largas paredes laterales, era el medio ideal para enviar mensajes visuales a la congregación, pero incluso los santuarios más humildes estaban a menudo decorados con abundancia de frescos. Los temas eran necesariamente limitados - los hechos y figuras clave de la Biblia - e incluso su posición se hizo convencional. La figura de Jesucristo normalmente ocupaba la cúpula central, en el cañón estaban los profetas, los evangelistas aparecían en las uniones de la bóveda y la cúpula, en el sagrario la Virgen y el Niño, y las paredes tenían escenas del Nuevo Testamento y de vidas de los santos.

Además de paredes y cúpulas, los paneles pequeños de madera pintada eran otro medio popular, especialmente en el período final del Imperio. Fuentes literarias describen pequeñas pinturas portátiles con retratos, encargadas por una diversidad de personas, desde obispos a actrices. Las pinturas para manuscritos también eran una aplicación muy valorada de las habilidades pictóricas, y cubrían temas tanto religiosos como históricos, tales como coronaciones y batallas famosas.

Los iconos - representaciones de figuras sagradas - fueron creados para ser venerados por los cristianos bizantinos a partir del siglo III d.C.

Ejemplos destacados del estilo más expresivo y humanístico predominante a partir del siglo XII son las pinturas murales de Nerezi, Macedonia, de 1164, que muestran escenas de la Crucifixión, captando la desesperación de los protagonistas. A partir del siglo XIII se pintaba a los individuos con su personalidad y una atención al detalle mucho mayor. La iglesia de Santa Sofía en Trebisonda tiene galerías completas con pinturas de ese estilo, que datan de ca. 1260, en las que los sujetos parecen haber sido inspirados por modelos reales. También hay un uso más atrevido del color para lograr los efectos. Un buen ejemplo es la utilización del azul en la Transfiguración, una pintura en manuscrito en las obras teológicas de Juan VI Cantacuceno, realizada en 1370-1375 y actualmente en la Biblioteca Nacional de París. A mayor escala, esa combinación de colores intensos y finos detalles se ve perfectamente en las pinturas murales de las diversas iglesias bizantinas de Mistrá, en Grecia.

Iconos

Los iconos - representaciones de figuras sagradas - fueron creados para ser venerados por los cristianos bizantinos a partir del siglo III d.C. Se encuentran sobre todo en mosaicos, pinturas murales y pequeñas obras de arte de madera, metal, piedras preciosas, esmaltes o marfil. La forma más habitual eran pequeños paneles de madera pintada, que podían ser transportados o colgados en las paredes. Dichos paneles se hacían usando la técnica de encáustica, en la que se mezclaban los pigmentos con cera y se aplicaban en caliente sobre la madera, donde quedaban incrustados.

Normalmente, las figuras se representan en los iconos de forma totalmente frontal, ya sea de cuerpo entero o solamente cabeza y hombros, mirando fijamente al observador como si estuvieran diseñadas para facilitar la comunicación con la divinidad. A menudo tenían un nimbo o halo a su alrededor, para hacer énfasis en su santidad. Con menor frecuencia, se muestran escenas narrativas. El estilo artístico de los iconos fue muy estable a lo largo de los siglos, aunque eso no debería ser sorprendente teniendo en cuenta que sus temáticas debían presentar una calidad intemporal e infundir la devoción a lo largo de generaciones de devotos - la gente y las modas pueden cambiar, pero no el mensaje.

Algunos de los iconos bizantinos más antiguos que han llegado a nuestros días se encuentran en el monasterio de Santa Catalina en el Monte Sinaí. Datados en el siglo VI y salvados de la ola iconoclasta que se extendió por el Imperio bizantino durante los siglos VIII y IX, el más refinado muestra un Cristo Pantocrátor, la Virgen y el Niño. La imagen del Pantocrátor, en la que Cristo está en la clásica posición frontal sosteniendo un libro con los Evangelios en su mano izquierda y bendiciendo con la derecha, fue posiblemente una donación de Justiniano I (r. 527-565 d.C.) para conmemorar la fundación del monasterio.

Hacia el siglo XII, los pintores producían retratos mucho más intimistas, con más expresión e individualidad. El icono conocido como la Virgen de Vladímir, actualmente en la Galería Tretiakov de Moscú, fue pintado en Constantinopla en ca. 1125, y es un ejemplo excelente de ese nuevo estilo, con su tierna representación del niño apretando su mejilla contra la de su madre.

Mosaicos

La mayor parte de mosaicos de paredes y techos que han sobrevivido muestran temas religiosos y se encuentran en muchas iglesias bizantinas. Una de sus características es el empleo de teselas doradas para crear un fondo brillante a las figuras de Cristo, la Virgen María y los santos. Igual que con los iconos y las pinturas, los retratos muestran ciertas convenciones, tales como la vista frontal, el halo, y un estatismo general. La iglesia de Santa Sofía de Constantinopla (Estambul) tiene los ejemplos más destacados de dichos mosaicos, mientras que uno de los más impactantes es el de Jesucristo en la cúpula del monasterio de Dafni, en Grecia. Realizado hacia el 1100, muestra a Cristo con una expresión más bien seria, en contraste con la inexpresiva representación habitual.

Los mosaicos del Gran Palacio de Constantinopla, que datan del siglo VI, son una mezcla interesante de escenas de la vida cotidiana (especialmente de caza) con dioses paganos y criaturas míticas, poniendo nuevamente de manifiesto que, en el arte bizantino, los temas paganos no fueron totalmente reemplazados por los cristianos. Otro tema secular de los mosaicos fueron los emperadores y sus consortes, aunque a menudo retratados en su papel de cabeza de la Iglesia de Oriente. Entre ellos destacan los mosaicos de la iglesia de San Vitale en Rávena, que datan de la década del 540 d.C. Dos paneles brillantes muestran al emperador Justiniano I y su consorte, la emperatriz Teodora, con sus respectivos séquitos.

Los artistas de mosaicos bizantinos se hicieron tan famosos con su trabajo que el califato árabe omeya (661-750 d.C.) les contrató para decorar la Cúpula de la Roca en Jerusalén y la Gran Mezquita de Damasco. Finalmente, igual que en la pintura, en los siglos XIII y XIV los temas de los mosaicos se hicieron más naturales, expresivos e individualizados. Excelentes ejemplos de ese estilo pueden verse en los mosaicos de la iglesia de San Salvador de Cora, en Constantinopla.

Escultura

La escultura realista de retratos fue una característica del arte romano tardío, tendencia que continuó en los inicios del bizantino. Por ejemplo, el Hipódromo de Constantinopla era conocido por sus esculturas de bronce y mármol de emperadores y aurigas populares. También se utilizaba el marfil, aunque solamente sobrevive un ejemplo de escultura exenta, la Virgen y el Niño, actualmente en el Victoria and Albert Museum de Londres. Otra aplicación del arte escultórico fueron los sarcófagos de mármol y piedra caliza. Sin embargo, a partir del siglo VI, son raros los retratos tridimensionales, incluso para emperadores, y la escultura en absoluto recuperó la popularidad que había tenido en la antigüedad.

Artes menores

Las artistas bizantinos eran excelentes orfebres, a la vez que dominaban la técnica del esmaltado. Un ejemplo soberbio del uso de ambas habilidades es el cáliz del Tesoro de San Marcos de Venecia, de ca. 1070. Con un cuerpo de piedras semipreciosas y un tallo de oro, la copa está decorada con placas esmaltadas. Los esmaltes alveolados (cloisonné) (objetos con múltiples compartimentos con borde metálico y rellenos de un esmalte vítreo) eran muy populares, una técnica probablemente traída de Italia en el siglo IX. También se produjeron grandes cantidades de bandejas de plata estampadas con imágenes cristianas, para uso doméstico. Otro uso de los metales fue la acuñación de moneda, una forma de retrato imperial y, a partir del siglo VIII, también con imágenes de Jesucristo.

Se realizaron biblias con textos maravillosamente escritos con tinta de oro y plata sobre páginas teñidas con púrpura de Tiro, con magníficas ilustraciones. Uno de los mejores ejemplos de manuscrito ilustrado que han sobrevivido son las Homilías de San Gregorio de Nisa, realizadas en 867-886 d.C., actualmente en la Biblioteca Nacional de París. Los libros, en general, lucían cubiertas exquisitas con oro, plata, piedras semipreciosas y esmaltes. Los relicarios - contenedores para reliquias sagradas - fueron otra expresión de las artes decorativas.

Los objetos portátiles se decoraban a menudo con imágenes cristianas, incluyendo los joyeros, piezas de joyería y símbolos de los peregrinos; los objetos de marfil, como paneles y cajas, eran una especialidad de Alejandría. Los paneles se usaban para decorar casi todo, especialmente los muebles. Uno de los ejemplos más destacados es el trono de Maximiano, arzobispo de Rávena (545-553 d.C.), que está recubierto con paneles de marfil que muestran escenas de las vidas de José, Jesucristo y los Evangelistas. Las telas - de lana, lino, algodón y seda - en las que los diseños eran bordados en la propia tela o estampados por inmersión de la tela en colorantes, con algunas partes cubiertas para crear el diseño.

Finalmente, la cerámica bizantina no ha adquirido demasiada relevancia, aunque se crearon piezas con técnicas como el policromado (escenas de colores pintadas sobre un fondo blanco con un barnizado transparente posterior) - una técnica transferida a Italia en el siglo IX. A veces los diseños eran grabados y con barnices de colores, como en una preciosa bandeja de los siglos XIII - XIV con dos palomas, actualmente en la Colección David Talbot Rice de la Universidad de Edimburgo. Las formas más comunes incluían bandejas, platos, tazones y copas con un asa. Los azulejos se pintaban a menudo con representaciones de figuras sagradas como emperadores, a veces formando una imagen compuesta con varios azulejos.

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El arte bizantino (siglos IV-XV) se caracteriza en general por un alejamiento del naturalismo de la tradición clásica, hacia lo más abstracto y universal, por una clara preferencia por las representaciones bidimensionales, y por un predominio de las obras de arte de contenido religioso.

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A brief history of representing of the body in Western sculpture

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El arte románico se desarrolló en Europa Occidental entre los siglos X y XII, marcado por el resurgimiento de la monumentalidad en la arquitectura y el arte. Influenciado por las tradiciones romanas y carolingias, el arte románico es robusto y sólido, con edificios como iglesias y monasterios de gruesos muros, pequeñas ventanas y bóvedas de cañón. Las esculturas y los frescos románicos a menudo presentan escenas bíblicas y figuras estilizadas, enfatizando la narrativa religiosa y la didáctica moral.

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Video Explicativo Arte Románico

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Historia del ARTE ROMÁNICO (en España y en Europa) 🎨 HISTORIA DEL ARTE 5 🎨 (resumen documental)

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El arte gótico, que emergió a mediados del siglo XII y perduró hasta el siglo XVI, es conocido por su verticalidad y luminosidad. Nacido en Francia y extendido por toda Europa, el arte gótico se caracteriza por sus altas catedrales con arcos puntiagudos, bóvedas de ojiva y vitrales coloridos que cuentan historias bíblicas y de santos. La escultura gótica se volvió más naturalista, y la arquitectura gótica, con ejemplos como Notre Dame y la Catedral de Chartres, es vista como un esfuerzo por alcanzar lo divino a través de la altura y la luz.

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El arte gotico europeo. Los primitivos flamencos

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Durante la etapa del arte gotico nuevo espíritu recorre toda Europa desde finales del sigo XII, con él la luz y la naturaleza iluminan la fé.