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La Rivoluzione di Frida Kahlo, l’artista del dolore

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Frida Kahlo diceva di essere nata nel 1910, anno in cui inizia la sanguinosa  rivoluzione messicana, (900.000 sono i morti) perché ne condivide i principi e si sente parte di quel processo storico. La malattia la segna subito: sin dalla nascita è affetta da schiena bifida, a sei anni ha la poliomelite che le compromette la gamba destra, a diciotto subisce un devastante incidente stradale che la costringe a rimanere a letto per un lungo periodo. E’ lì che inizia a disegnare e dipingere.

Dipingo me stessa perché è ciò che conosco meglio e perché mi sento molto sola, risponde a chi le chiede ragione dei suoi innumerevoli autoritratti.

Che sia questo  o meno il motivo,  nelle sue tele si ritrova sempre il grande dolore che l’affligge e, nel contempo, la rende unica nella sua straordinaria capacità di non rassegnarsi.

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David Teniers, Intervento podologico, 1663

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Le scene sono ambientate in stanze povere, un po’ polverose e disordinate che non fanno certo presagire la riuscita di un buon intervento. Gli sguardi dei pazienti sono spaventati, fermati in piccole grida di dolore mentre i barbieri agiscono con estrema freddezza e talvolta con poca delicatezza.

I barbieri- chirurghi operarono dal Medioevo fino all’inizio del 1700, spesse volte si esercitavano per imparare il mestiere sulla pelle di poveri e soldati.

Oltre a tagliare i capelli e la barba si dedicavano ad interventi come salassi, cura di emorroidi, laringotomia, estrazione dei calcoli dalla vescica.

Per esercitare questo mestiere utilizzavano forbici, aghi, coltelli, seghe. Non di rado queste pratiche vennero erogate senza i dovuti requisiti di igene, causando infezioni, diffondendo virus e malattie.

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L’uomo al centro, si scosta la maglia per mostrare all’attento dottore il fianco su cui si trova la ferita.
L’ artista rappresenta il momento precedente all’intervento, riuscendo a rendere magistralmente sia la concentrazione del dottore che il dolore provato dall’uomo, il cui volto, sorretto da una nobildonna, appare parzialmente in ombra, offuscando il suo sguardo tormentato.

Emblematiche le tre figure sullo sfondo: un giovane che non sembra curarsi dell’accaduto a sinistra, un uomo anziano al centro che sembra asciugarsi le lacrime e una donna con le mani giunte a destra, forse i genitori del ragazzo in primo piano.

Sembra quasi che Traversi abbia voluto celare sotto questo episodio “di genere” dei sottili simbolismi, che potrebbero essere ricondotti a un significato di tipo religioso, vagamente vicino a una scena di compianto.

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Il ritratto eseguito dal grande pittore ucraino Repin del compositore russo Musorgskij poco prima che morisse. Nel dipinto la morte e la malattia sono percepibili da molti dettagli, si può dire che trasudino dalla tela: l’aspetto gonfio, arrossato, sudato e sofferente, gli occhi vitrei, luci e assenti dell’artista testimoniano uno stato di salute gravemente compromesso. Avevo azzardato che mai nessuno sia riuscito a dipingere con tanta maestria l’immagine della pre-morte, del morituro, di un futuro prossimo che sta per divenire eternità.

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Nel ritratto eseguito dal famoso pittore Surikov “Persona con mano dolorante” si vede un uomo di una certa età con la mano sinistra arrossata e gonfia. La causa potrebbe essere una frattura o lussazione oppure semplice artrosi. Il pittore deliberatamente aveva cercato una persona con un arto malato per ritrarne la sofferenza.

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Il dipinto più rappresentativo della medicina è La lezione di anatomia del dottor Nicolaes Claes Pietersz (detto Tulp per via del suo blasone di famiglia recante un tulipano), prodotto da Rembrandt nel 1632: suscita ancora una forte sensazione, sospesa tra scienza e macabro.

Conservato al Mauritshuis dell’Aia, in Olanda, questo dipinto è forse il più celebre del pittore olandese, capace di sbalordire per la precisione con cui l’artista fotografò un momento accademico che non ha eguali nella storia dell’arte legata alla medicina. I giochi di luce e ombra rafforzano l’idea di apprendimento che si instaura tra allievo e maestro.

Il dipinto ad olio su tela del 1632 venne realizzato da Rembrandt su commissione dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. L’opera rappresenta il dottor Tulp durante una lezione accademica, nella quale mostra ai suoi allievi la dissezione del famigerato criminale di Amsterdam Adrian Adrianeszoon, giustiziato per impiccagione.

Per la precisione Tulp è intento ad aprire il braccio del criminale, mostrando agli astanti i tendini, tirati fuori con delle pinze con la mano destra. Con la sinistra egli mima invece il movimento degli stessi tendini, condividendo il suo sapere con i suoi allievi. Lo strumento che usa è associabile, nella sua posizione, al pennello di un pittore, come ad evidenziare tutte le similitudini che si possono immaginare tra medicina e pittura.

I giochi di luce e ombra, in piena tradizione fiamminga, rendono la scena una perfetta fotografia dell’epoca, con il nero che predomina su tutto il resto. Questo effetto di chiaroscuro quasi scenografico avvicina questo tema, così originale, ad una più classica visione barocca, in cui tutti gli apprendisti e il medico vengono illuminati, mentre il volto del criminale defunto rimane   invece drammaticamente in ombra.

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“Scienza e Carità” è stato realizzato da Picasso quando aveva appena quindici anni, dimostrando fin da giovane il grande talento per il mondo dell’arte, spronato moltissimo anche da José Ruiz Blasco, ovvero suo padre, il quale voleva assolutamente che suo figlio riuscisse a diventare famoso con l’arte, poiché lui non c’era riuscito.

Prima di realizzare la versione definitiva di “Scienza e Carità” Picasso, ha studiato in modo approfondito la scena, realizzando diverse bozze (il Museu Picasso a tal proposito ne conserva sei, che vengono esposte a turno e fanno parte della collezione permanente dell’istituzione).

Il lavoro venne completato nel 1897 e venne presentato all'”Esibizione Generale delle Belle Arti” a Madrid nello stesso anno; il lavoro ottenne un buon successo e al termine dell’evento, “Scienza e Carità” rimase proprietà della famiglia del padre di Picasso, fino a che, nel Novecento, non venne donato al museo dove si trova tutt’ora.

Questa tela fa riferimento al realismo sociale, uno stile artistico che acquisiva sempre più importanza con il passare del tempo; durante quegli anni, la borghesia cercava di affermarsi in modo sempre più decisivo, e la Rivoluzione Industriale era un’ottima occasione per effettuare una scalata sociale.
L’eccellente chiaroscuro realizzato da Picasso fa si che tutta la luce sia concentrata sulla malata e sulle figure che vi sono attorno, lasciando poco spazio ai dettagli circostanti; la grande abilità di Picasso si denota anche attraverso l’attenzione ai dettagli: basti notare la differenza tra la mano rosea e salutare del dottore in netta contrapposizione alla mano della paziente, quasi scheletrica e pallida.