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그랑자트 섬의 일요일 오후

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그랑자트 섬의 일요일 오후

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진주 귀고리를 한 소녀

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진주 귀고리를 한 소녀

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어…

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그랑 자트 섬의 일요일 오후-1884

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1880년대에 하위 중산계급 사람들이 강변을 산책하고 피크닉을 즐기기 위해 파리 교외의 그랑자트 섬에 모였다. 이것은 인상주의자들이 유행시킨 종류의 주제였지만 조르주 쇠라(1859-1891)는 덧없이 지나가고 즉각적인 것을 추구했던 이 예술운동을 받아들이지 않았다. 그는 세심한 구성과 단순화된 기하학적인 형태가 강조된 <그랑 자트 섬의 일요일 오후>를 그리기 위해서 유채물감으로 70점 이상의 예비 스케치와 드로잉을 했다.

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1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다. 이들의 등을 밝히는 햇빛은 마치 카라바조의 그림에서 그렇듯이, 신의 가호를 의미한다. 자연은 이처럼 신의 의지를 내포하는 현상으로 밀레의 그림에서 암시된다. 노동하는 여인들의 모습은 대지의 색조에 가까운데, 이를 통해 밀레는 상류층보다 이들에게 신의 축복이 내리고 있다는 사실을 넌지시 보여주고 있다. 원경에 보이는 저택과 말을 탄 사나이는 상류층을 상징한다고 할 수 있다.

이들의 형상은 정확하게 나타나지 않는데, 노동하는 농민에게 강조점을 부여함으로써 밀레는 사회 비판적인 메시지를 간접적으로 부각시키고 있는 것이다. 멀리 쌓여있는 노적가리에 비해 여인들이 줍고 있는 이삭은 무척 소박하게 보인다. 이런 형상화를 통해 밀레는 궁핍한 삶을 살아갈 수밖에 없는 농민과 노동자의 처지를 보여주고자 했다. 밀짚을 잔뜩 실은 수레는 중세의 도상학으로 해석하자면, 덧없는 물질성을 뜻한다. 원래 건초 수레는 만인을 위한 신의 선물을 의미했지만, 후일 덧없는 인간의 육체나 물질성을 뜻하게 되었다. 이 그림은 근대적 풍경을 담고 있지만, 여전히 도상학적 해석의 여지를 남겨두고 있다는 점에서 흥미를 끈다. 수확한 곡식을 나누어 갖지 않고 혼자 독차지하는 상류층에 대한 비판은 중세에도 존재했는데, 밀레는 이런 비판의 구도를 근대적 관점에서 재구성하고 있는 것이라고 할 수 있다.

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1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다.

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이 그림은 특이한 초상화다. 겉으로 보기에 피리 부는 소년을 그린 것 같지만 사실은 빅토린 모렝을 그린 것이기 때문이다. 에두아르 마네는 피리 부는 소년을 모델로 쓰지 않고 모렝을 모델로 삼아서 이 그림을 그린 것이다. 모렝은 마네의 모델 중 한 명으로서 <올랭피아>와 <풀밭 위의 점심> 같은 문제작에도 등장하는 여성 모델이다. 실제의 모델을 표현했다기보다 가상의 현실을 통해 마네는 모렝에 대한 자신의 욕망을 표현하고 있다. 시기적으로 이 그림은 <올랭피아>와 <생 라자르 역> 중간에 위치하는데, 이 당시에 마네의 마음에서 일어난 모렝에 대한 태도 변화를 잘 보여주고 있는 것이다. 다른 그림과 달리 마네는 이 그림에서 모렝의 몸과 섹슈얼리티를 철저하게 감춰놓았다. 숨은 진실을 알기 전까지 이 그림을 통해 모렝이라는 여성을 떠올리는 것은 불가능할 정도다. 여성성은 사라지고 사춘기 소년의 모호한 성징을 느낄 수 있을 뿐이다.

이 그림은 모렝으로부터 섹슈얼리티를 제거하기로 마음먹은 마네의 심중을 반영한다고 할 수 있다. 누드로 모렝을 그리는 대신 마네는 의상을 통해 자신의 의미를 표현하고자 했다. 이런 변화의 중심에는 모렝을 자신의 가정 생활로 편입시키려는 마네의 욕망이 깔려있다. <생 라자르 역>에서 모렝이 유모로 등장하는 것에서 이 사실을 확인할 수 있다.

이 그림은 마네의 심경 변화를 읽을 수 있는 중요한 단서를 제공하는 것이다. 배경이 없이 인물만 등장하는 구성은 이런 의미에서 전통적인 초상화의 규칙을 위반한 결과다. 주목해야 할 것은 피리 부는 소년의 시선이다. 그림에서 드러나는 소년의 표정은 관객에게 모호한 시선을 던지고 있는데 이런 시선과 표정은 모렝을 모델로 그린 다른 그림 <거리의 여가수>를 연상시킨다. 피리를 입에 대고 부는 모습은 순간의 행동을 포착하는 마네 특유의 관점을 드러낸다. 이런 관점은 동작이나 행동의 통제를 미덕으로 생각한 마네의 취향을 말해주는 것이기도 하다.

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이 그림은 특이한 초상화다. 겉으로 보기에 피리 부는 소년을 그린 것 같지만 사실은 빅토린 모렝을 그린 것이기 때문이다. 에두아르 마네는 피리 부는 소년을 모델로 쓰지 않고 모렝을 모델로 삼아서 이 그림을 그린 것이다. 모렝은 마네의 모델 중 한 명으로서 <올랭피아>와 <풀밭 위의 점심> 같은 문제작에도 등장하는 여성 모델이다.

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1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다. '노란집(Yellow House)'이라 불리는 이 곳에서 반 고흐는 다른 화가들과 함께 생활하길 원했다.

반 고흐는 동료화가들 중 특히 평소에 존경하던 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848-1903)과 함께 하고 싶었다. 그는 5월부터 무려 5달 동안 고갱에게 편지를 썼고, 그의 동생 테오도르 반 고흐(Theodore Van Gogh, 1857-1890) 또한 고갱을 아를로 부르기 위해 노력했다. 긴 설득 끝에 고갱은 아를의 '노란 집'에 올 것을 약속했고 반 고흐는 그와 함께 생활할 보금자리를 정성스럽게 꾸미기 시작했다. 평소 해바라기 꽃을 유달리 좋아했던 반 고흐는 그들의 화실을 노란색의 해바라기로 가득 채우고 싶었다. 그러나 화실 전체를 해바라기로 장식하고자 했던 첫 계획과는 달리 반 고흐는 연작 중 잘 된 작품 두 점만을 고갱이 쓸 방에 걸어두었다. 1888년 완성된 12송이의 해바라기가 그려진 <해바라기>는 8월에 고흐가 그린 <해바라기>연작 중 하나이다.

반 고흐는 선보다는 색채를 중시한 몽티셀리(Adolphe Joseph Thomas Monticelli, 1824-1886)를 들라크루아(Ferdinand Victor Eugène Delacroix, 1798-1863)의 정신을 계승한 색채의 대가로 생각했다. 반 고흐는 특히 몽티셀리의 정물화에 영향을 받았다. 그의 정물화는 강렬한 색채와 두꺼운 붓 터치로 인한 질감표현이 특징이다. 반 고흐는 몽티셀리의 화풍을 수용해 화병에 꽂힌 꽃들을 그리기 시작했다. 이 그림에서 우리는 화병에 꽂혀 있는 12송이의 해바라기를 볼 수 있다. 반 고흐는 동생 테오에게 보낸 편지에 '해바라기는 빨리 시들어버리기 때문에 나는 매일 아침 일찍부터 황혼이 올 무렵까지 해바라기를 그린다'라 적고 있다. 그래서일까? 그림 속 해바라기는 제각각 다른 모습이다. 어떤 해바라기는 활짝 피어있으나 또 다른 해바라기는 바닥을 향한 채 시들어가고 있다. 상상의 세계가 아닌 실제 보이는 것을 재빠르게 그려낼 때 포착 가능한 시간의 흐름을 이 작품에서 느낄 수 있다.

반 고흐는 고갱과 함께 머물 집을 "파란색과 노란색의 심포니" 구도를 가진 장식적인 해바라기들로 꾸미고 싶었다. 반 고흐는 평소 색채 효과에 지대한 관심을 가지고 있었고 이를 작품에 적용하고자 했다. 보색대비에 의한 색채효과를 선호한 반 고흐는 희미한 말라카이트 그린부터 로열 블루까지 다양한 푸른색을 배경으로 따뜻한 노란색의 해바라기를 그리고자 했다. 해바라기의 노란색은 반 고흐가 개인적으로 좋아한 색이기도 하다.

베르나르(Émile Bernard, 1868 -1941)는 태양의 색깔을 닮은 해바라기의 노란 빛을 "반 고흐가 회화에서뿐만 아니라 마음 속에서도 꿈꿔왔던 빛"이라 말했다. <해바라기>란 작품을 살펴보면, 한 화면에 노란색의 해바라기와 대비를 이루는 옅은 녹색을 배경을 배치함으로써 그가 원했던 장식적인 효과를 얻고 있음을 볼 수 있다. 또한 반 고흐 특유의 임파스토(impasto: 유화물감을 두껍게 칠하여 그림을 그리는 것을 이르는 말)기법은 화병의 꽃들을 실제 꽃들처럼 생생한 질감을 부여하고 있다.

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제작배경 1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다.

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진주 귀고리를 한 소녀

진주 귀고리를 하고 알쏭달쏭한 표정으로 누군가를 바라보고 있는 소녀의 모습을 그렸어요.

진주 귀고리를 한 소녀는' 북유럽의 모나리자'라는 별명이 있는데 이유는 소녀의 표정이 레오나르도 다 빈치의 모나리자만큼 알쏭달쏭하기 때문이라고 해요. 흠칫 놀란 듯한 눈, 반짝이는 진주 귀고리, 뭔가 할 말이 있는 듯한 입술 등 사람들 사이에서 소녀의 신비로운 표정에 대한 호기심과 관심이 있었지만 그림의 모델이 누구인지는 밝혀지지 않았어요.

베르메르를 '수수께끼의 화가'라고 해요. 왜냐하면 볼너스와 결혼해 11명의 아이를 낳은 것 빼고는 어떻게 살았는지 알려지지 않았기 때문이에요. 베르메르는 작은 크기의 그림을 많이 그렸지만 하나의 작품을 그리기 위해 많은 시간과 노력을 들여 세밀하게 그렸어요. 특히 파란색과 노란색을 좋아해서 그림 속에 이 색들을 자주 사용했어요.

베르메르는 그림을 그릴 때, 그림 모서리의 끝을 없애는 기법을 사용하였고 소녀의 얼굴 이외의 배경은 어두운 면으로 처리하여 소녀에게 눈길이 갈 수 있도록 하였어요. 네덜란드의 비평가 얀 페흐는 그림을 보고" 마치 곱게 빻은 진주 가루를 섞어서 그린 것 같다." 라고 말했어요.

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진주 귀고리를 한 소녀

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1. 작품 설명] 진주 귀고리를 하고 알쏭달쏭한 표정으로 누군가를 바라보고 있는 소녀의 모습을 그렸어요. [ 2. 명화 이야기] 진주 귀고리를 한 소녀는' 북유럽의 모나리자'라는 별명이 있는데 이유는 소녀의 표정이 레오나르도 다 빈치의 모나리자만큼 알쏭달쏭하기 때문이라고 해요. 흠칫 놀란 듯한 눈, 반짝이는 진주 귀고리, 뭔가 할 말이 있는 듯한 입술 등 사람들 사이에서 소녀의 신비로운 표정에 대한 호기심과 관심이 있었지만 그림의 모델이 누구인지는 밝혀지지 않았어요.

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<피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

르누아르는 같은 주제로 파스텔화 한 점과 다섯 점의 유화, 총 6개의 대작을 완성했다. 그는 마지막 순간까지 시퀀스를 추가하는 등 작품활동 후반부에 의뢰 받은 프로젝트에 혼신의 힘을 다했다. 1892년 4월 20일 정부는 여섯 작품 중 하나를 선택했고, 5월 2일 4000프랑에 그림을 인도받았다. 그림이 전시될 뤽상부르크 미술관이 그 해 말까지 닫을 예정이었기 때문에, 루종은 르누아르가 뒤랑 뤼엘(Durand-Ruel)에서 5월에 단독 전시를 할 수 있게 도왔다.

이 그림은 매우 섬세한 필치로 그려졌다. 부드럽고 자유롭게 인물의 옷과 머리모양을 표현하는 것은 르누아르 후기 작품의 대표적인 특징이기도 하다. 이러한 표현은 그림 전체 분위기를 리드미컬하고, 흐르는 듯하고 부드러운 서로 맞물리도록 하는데 효과적이다. 갈색머리에 분홍색 옷을 입은 소녀와 금발에 흰 옷을 입고 있는 소녀는 때때로 다른 버전의 그림에서는 서로의 옷이 바뀌기도 하지만, 소녀들은 모두 뒤의 커튼과 그들 앞에 놓인 화병과도 잘 어우러진다. 화면이 꽉 찬 구성은 관람자로 하여금 피아노 치는 소녀들에 모든 시선이 가도록 이끈다. 그림 전체적인 분위기를 따뜻하고 부드럽게 만드는 금빛의 사용은 같은 시대의 또 다른 프랑스 화가 카이유 보트(Gustave Caillebotte, 1848-1894)를 연상시킨다.

또한 그림의 주제는 프라고나르(Jean-Honoré Fragonard, 1732-1806)의 <음악교실(music lesson)>(1769)과 비슷하다. 그러나 르누아르의 작품들은 당시 유행했던 '사랑과 이성간의 교제'라는 친근한 주제와 벗어나 있는데, 그의 작품에는 동시대 다른 화가들과는 달리 어떠한 알레고리도 정확한 주제의 프로그램도 찾아볼 수 없다. 나아가 그의 주제는 문학에서도 벗어나 있다. 이것이 1890년대 상징주의의 젊은 비평가들이 그의 그림에 열광한 까닭이다. 젊음의 무고함과 찬란함은 그의 작품의 중심 테마이다. <피아노 치는 소녀들>은 그의 주제를 가장 효과적으로 드러낸 작품 중 하나인 것이다.

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제작배경 <피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

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헤헿