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Se refiere a las manifestaciones artísticas producidas en las civilizaciones antiguas, como Egipto, Grecia y Roma, desde aproximadamente el 3000 a.C. hasta el siglo V d.C.

Presenta las siguientes características:

Pintura:

La pintura fue importante en el arte antiguo, algunos ejemplos que sirven de evidencia fueron las pinturas en murales egipcias y las vasijas griegas, es decir pintaban en la cerámica.

Técnicas:

Temple o témpera: Es aquella que emplea un diluyente acuoso en el aglutinante. Así, la témpera es la pintura que usa yema de huevo, colas o gomas como aglutinante. Con ella se consiguen colores brillantes y una gran nitidez en los trazos y contornos. La misma se suele aplicar sobre tablas o muros tratados con yeso y la pintura no penetra en la superficie, por lo que tiende a descascarillarse

Materiales:

Pigmentos naturales: Los artistas antiguos utilizaban pigmentos naturales, como: óxidos de hierro (rojo, amarillo, marrón), óxidos de manganeso (negro), lapislázuli (azul), malaquita (verde) y cinabrio (rojo).

Aglutinantes: Los artistas utilizaban aglutinantes para mezclar con los pigmentos, como: yema de huevo, caseína

y cera.

Superficies: Los artistas pintaban sobre diversas superficies, como: paredes de piedra o ladrillo, madera,

cerámica y papiro.

Herramientas: Los artistas utilizaban herramientas como:

Pinceles hechos de pelo animal o vegetal, espátulas, cuchillos y goma arábiga.

Representaciones:

El arte estaba profundamente ligado a la religión, con muchas obras dedicadas a deidades o rituales sagrados. Así mismo, los artistas utilizaban símbolos para comunicar ideas complejas y se buscó representar la figura humana de manera más naturalista, mostrando proporciones y movimientos realistas.

Influencias y legado:

El arte antiguo influyó en el desarrollo del arte medieval, renacentista y moderno. Además, sigue siendo una fuente de inspiración y estudio en la actualidad, proporcionando una ventana a la cultura y la historia de las civilizaciones antiguas.

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El periodo que comprende esta edad es desde 2.5 millones de años hasta alrededor del 3.500 a.C

El arte prehistórico abarca tres grandes períodos cronológicos, los mismos en que se subdivide la Edad de Piedra.

Arte paleolítico: Es el más antiguo. Consiste mayormente en pinturas y relieves hechos con las manos o con instrumentos de piedra mediante técnicas rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales molidos.

Arte mesolítico: Representa una transición entre las formas antiguas del Paleolítico las nuevas del Neolítico. Su registro más conocido es el del arte levantino, originario de la franja oriental de España, donde se representaban escenas rituales mediante figuras muy estilizadas.

Arte neolítico: El arte se transformó con la incorporación de nuevos materiales y descubrimientos técnicos como la cerámica, fruto del horneado.
Hacia finales del período aparece la arquitectura o el arte megalítico.

El arte prehistórico comprende dibujos y pinturas, algunas de sus características son:

Técnica:

Se realizaba la talla por percusión, abrasión o pulido, para las pinturas, se aplicaba el pigmento con pinceles hechos de plumas y pelo animal o vegetal. También se usaba el aerografiado, soplando a través de un hueso o caña junto al estarcido, colocando una plantilla sobre la superficie y aplicando sobre ella el pigmento.

Materiales:

Se emplearon materiales como madera, sílex (roca muy dura y resistente) hueso, carbón vegetal, marfil y piedra. Los pigmentos podían ser minerales como hematita, carbón y ocre, o elementos orgánicos como grasa animal, vegetales y sangre.

Representaciones:

Las mismas eran figuras humanas de todas las edades y animales como bisontes, ciervos, caballos y mamuts. Además, seres híbridos con características de diversos animales. Así mismo, en menor medida se han encontrado paisajes, rituales y escenas de caza.

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Fragmento de la tumba de Jnumhotep II, cerca de Beni Hassam, es un ejemplo de arte egipcio antiguo.

Las técnicas utilizadas en esta tumba incluyen:

Pintura al temple.

Uso de pigmentos naturales.

Técnica de relieve.

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El periodo abarca desde el comienzo de la caída del Imperio romano de Occidente en el año 476 finalizando con la caída del Imperio bizantino en 1453.

Técnica:

Fresco: se aplicaba principalmente en superficies de muros, como en iglesias y palacios, y consistía en pintar sobre yeso húmedo.

Temple y oleo: se empleaban principalmente sobre tablas de madera.

Materiales:

Pergamino y tabla preparadas con yeso o pergaminos (piel tratada de animal) para manuscritos iluminados.

Pigmentos naturales: los mismos se extraían de minerales, plantas y animales.

Agentes aglutinantes: Tempera de huevo: La mezcla más común, donde los pigmentos se mezclaban con yema de huevo para darles consistencia y fijación.

Pan de oro: Utilizado para decorar y dar brillo especialmente en íconos y manuscritos iluminados.

Representaciones:

El arte pictórico tenía como tema principal los de tipo religioso y cristiano. No obstante, se buscaba plasmar una belleza sensible dada por las formas, colores, composición. Por otro lado, una belleza invisible otorgada por el simbolismo. De modo tal que, el arte se entendía como abstracción y manifestación de belleza divina, donde los rasgos no están del todo definidos basado en formas geométricas, visualizando un marcado geometrismo y esquematización, lo que contrastaba con la herencia de la Antigüedad clásica.

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Abarca aproximadamente desde finales del siglo XV hasta finales del XVIII, fue un período de intensos cambios que transformaron profundamente la sociedad europea y el mundo. Este periodo estuvo marcado por el Renacimiento, el Barroco, el Rococó y el Neoclasicismo que represento una revalorización de las artes y las ciencias inspirada en la antigüedad clásica.

Renacimiento

Se caracterizó por un renovado interés en la anatomía humana, la perspectiva y la simetría. Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel representaron la belleza idealizada y la armonía en sus obras, inspirándose en los principios de proporción y equilibrio de la antigüedad clásica.

Barroco

Introdujo un contraste más dramático, con un uso intenso de luces y sombras, y una mayor expresividad emocional. Este estilo buscaba evocar una respuesta emocional en el espectador y se manifestó en obras de gran dinamismo y ornamentación, como las de Caravaggio y Bernini.

Rococó

continuó la tradición barroca, pero con un enfoque aún más decorativo y ligero, se centró en temas de la aristocracia y la vida cortesana. Artistas como Jean-Honoré Fragonard y François Boucher ejemplificaron esta tendencia con sus obras llenas de gracia y elegancia.

Neoclasicismo

Reaccionó contra el excesivo ornamento del Rococó, abogando por un retorno a la simplicidad y la sobriedad inspirada en la estética clásica. Este movimiento, representado por artistas como Jacques-Louis David, enfatizaba los valores de la razón y la moralidad, reflejando los ideales ilustrados de la época.

Técnicas

Perspectiva lineal

Fue perfeccionada durante el Renacimiento, permitiendo a los artistas crear la ilusión de profundidad en sus obras logrando composiciones más realistas y tridimensionales.

Claroscuro

Explora el contraste entre luces y sombras, fue popularizado por artistas como Caravaggio. Esta técnica añadía drama y profundidad emocional a las pinturas, destacando ciertos elementos y creando un efecto teatral.

Óleo sobre lienzo

Permitió una mayor versatilidad en la representación de colores y detalles finos. Esto facilitó la creación de obras más ricas y complejas, con matices sutiles y texturas variadas.

Materiales:

El soporte llamado lienzo que es la base en donde se aplican las capas de pintura, hay de dos tipos: los fijos y portátiles. Otros son el óleo que se utilizaba para pintar, la cera, acuarelas, gouache y el acrílico.

Legado e influencia

El impacto del arte de la Edad Moderna se extiende hasta la actualidad, influyendo en diversas corrientes y movimientos posteriores. La combinación de técnicas innovadoras y la exploración temática de este período establecieron las bases para la evolución del arte en los siglos siguientes.

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La última cena

Autor: Leonardo da Vinci

Año: 1495 a 1498

Es una pintura mural obra de Leonardo da Vinci, realizada entre 1495 y 1498. Permanece en la pared sobre la que se pintó originalmente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie, en Milán (Italia). Fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980. Fue un encargo del duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte consideran La última cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.

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La "Madonna di Ognissanti" es una importante obra de Giotto, uno de los pilares del Renacimiento. La misma fue creada al rededor del año 1310.

Técnica:

Tempera sobre tabla: el autor utilizó la técnica tradicional de la tempera al huevo sobre una tabla de madera.

Modelado volumétrico: Giotto fue pionero en dar a sus figuras un volumen sólido mediante el claroscuro (contraste entre luces y sombras), superando la planitud típica del arte medieval. La Madonna y el Niño tienen una presencia física y un sentimiento de tridimensionalidad.

Composición jerárquica y central: La Virgen está en el centro, sentada en un trono majestuoso, lo que simboliza su importancia. Está rodeada por ángeles que forman un círculo equilibrado y armonioso.

Naturalismo y expresividad: expresar emociones humanas con las miradas, gestos y posturas, adelantándose al Renacimiento.

Uso del fondo dorado: simboliza lo divino y sagrado, creando un contraste que resalta las figuras principales.

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Pintura proveniente de las cuevas durante el Paleolítico Superior, evidencian una serie de signos e ilustraciones de animales, como bueyes o antílopes, así como restos de piedras empleadas para moler el pigmento con que se trazaron en las paredes y los techos.

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La cueva de Chauvet presenta imágenes de animales y figuras humanas elaboradas con gran detalle y calidad artística. Las técnicas que fueron utilizadas en estas pinturas son:

Dibujo con carbón y óxidos minerales: Los artistas emplearon carbón vegetal y pigmentos naturales como óxidos de hierro (rojo y amarillo) para crear líneas y rellenos.

Grabado o incisión: En algunas áreas hicieron incisiones en la roca para delinear figuras o aportar detalles.

Difuminado o sombreado: Usaron la mano o aplicaron pigmentos con soplos para crear efectos de sombreado y volumen.

Uso del relieve natural de la roca: Aprovecharon la forma irregular de las paredes para dar efecto tridimensional a los animales representados.

Aplicación con pinceles rudimentarios: Posiblemente usaron pinceles hechos con pelos, o aplicaron directamente con los dedos.

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Pinturas rupestres de la Cueva de Chauvet (Francia).

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La imagen representa una pintura rupestre ubicada en la Cueva de Chauvet, Francia. Estas pinturas datan de hace unos 30,000 a 32,000 años y son de las más antiguas conocidas.

Pigmentos naturales:

Se usaban minerales como el óxido de hierro, manganeso y carbón vegetal.

Se mezclaban con agua, grasa animal o saliva para formar la pintura.

Pintura con los dedos y pinceles rudimentarios:

Usaban los dedos, ramas, plumas o pelo de animales como pinceles primitivos.

Uso del relieve natural de la roca:

Aprovechaban las curvas y texturas de la cueva para dar volumen y profundidad a los animales representados.

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Flora o La Primavera di Stabiae (siglos II y I a.c)

La pintura republicana tuvo un cometido oficial al servicio de la narración de las hazañas de la guerra y victorias, representadas en cuadros que acompañaban al botín y a los cautivos en las entradas triunfales de los caudillos romanos.

Técnica:

Un fresco​ es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal, la primera de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda.

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Cortesanas, pintura mural del Arte Egipcio.

En el estilo pictórico egipcio predomina la simplicidad, que se logra con los siguientes elementos:

1. Las líneas y los contornos.

La figuración se elabora con un tipo de dibujo lineal y colores planos. No hay un desarrollo volumétrico, ni atmosférico, ni tridimensional. La línea contornea las formas fuertemente, y es el elemento gráfico más importante.

Este tipo de dibujo aporta claridad a la figuración, que está más delimitada. Además, en este estilo artiístico son muy importantes los símbolos (de dioses y faraones)  y la narrativa de ciertas temáticas, por lo que se buscaba la claridad en el mensaje, y no la ambigüedad, como en otros estilos.

Otros dos elementos gráficos muy importantes complementan a las líneas: El Color, que está dominado por estas líneas y cumple su función en función de ellas.

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La creación de Adán

Autor: Michelangelo

Año: 1511

Es un fresco en la bóveda de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra uno de los nueve episodios del Génesis representados allí por el artista toscano, en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre. Cronológicamente, es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

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Es el arte producido desde la segunda mitad del siglo XX hasta hoy. El mismo forma una amplia y compleja categoría que abarca las manifestaciones y los estilos artísticos más recientes, propios de la sociedad industrial y postindustrial.

Se asocia a la experimentación con materiales, ideas y técnicas. Además, caracteriza por la ausencia de reglas, el abordaje de nuevas formas de expresión y frecuentes reflexiones acerca de los límites y la naturaleza del propio arte.

El primer movimiento organizado en este sentido fue el impresionismo, que rompió con la tradición académica de la pintura. Esto produjo una serie de cuestionamientos estéticos que abrieron camino a otros movimientos, como el fauvismo, el expresionismo, el dadá, el cubismo y el surrealismo. El fauvismo y el cubismo se centraron especialmente en la pintura, el dibujo y la escultura.

Características:

Es el sucesor del arte moderno y comprende las expresiones artísticas producidas desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta el presente.

Propone nuevas formas de ver el mundo ya que cuestiona las nociones de belleza, arte, cultura y otros conceptos fundamentales.

Valora la experimentación tanto en el modo de expresión como en la aplicación de técnicas innovadoras e ideas originales.

Suele desafiar al espectador pues sus propuestas estéticas requieren conocimientos, referencias o reflexiones que exceden la apreciación sensorial.

Integra estilos y disciplinas así como medios y formas de expresión, a través de la combinación de todo tipo de técnicas y materiales.

Propone reflexiones sobre la propia condición del arte así como sobre su valor, sus límites, sus instituciones y las formas en que circula en la sociedad.

Técnicas pictóricas contemporáneas:

1. Acrílico

Técnica muy popular por su rapidez de secado y versatilidad.

Se puede aplicar en capas gruesas o finas, con pincel, espátula, esponja o incluso aerógrafo.

2. Óleo

Se sigue usado en arte contemporáneo por su profundidad y riqueza de color.

3. Collage

Incorporación de elementos como papel, tela, fotografías y objetos tridimensionales en la pintura.

4. Graffiti / Arte urbano

Pintura en espacios públicos con aerosoles, esténciles y murales. Es una expresión artística clave del arte contemporáneo.

5. Mixta o técnica mixta

Combina varios materiales y técnicas en una sola obra. Por ejemplo: óleo con collage y aerosol.

6. Digital painting (pintura digital)

Hecha completamente con herramientas digitales como tabletas gráficas, software.

7. Dripping y action painting

Técnica asociada al expresionismo abstracto donde se deja caer o se lanza la pintura.

8. Body art y performance painting

Pintura aplicada al cuerpo humano o realizada en vivo como parte de una actuación artística.

Materiales contemporáneos:

Pinturas acrílicas y sprays.

Pigmentos industriales.

Resinas y siliconas.

Objetos reciclados o cotidianos.

Soportes no tradicionales como el metal, plástico, cartón, vidrio, muros, pantallas.

Herramientas no convencionales como rodillos, tarjetas, cuchillos, escobas.

Medios digitales ya sean pantallas, proyecciones o impresiones digitales.

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Saturno devorando a su hijo

Autor: Francisco de Goya

Año: 1819

El cuadro Saturno devorando a su hijo o simplemente Saturno, es una de las pinturas al óleo sobre revoco que formaron parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo. Por tanto, la obra pertenece a la serie de las Pinturas negras de dicho artista.

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La Anunciación de Simone Martini (1333), una de las obras maestras del gótico internacional, es un retablo pintado en témpera sobre tabla y realizado junto a su cuñado Lippo Memmi. Esta obra se encuentra actualmente en la Galería de los Uffizi en Florencia.

Técnica:

Témpera sobre tabla: témpera al huevo, común en la Edad Media. Aplicada sobre tabla de madera preparada con yeso y cola animal (gesso).

Uso del oro: pan de oro, aplicado sobre una base de bol rojo para dar brillo.

Estofado: Técnica para decorar las ropas con patrones ornamentales sobre pan de oro.

Se pinta sobre el dorado y luego se raspa cuidadosamente para que el oro aparezca en formas decorativas.

Dibujo lineal y delicado: Contornos finos y muy definidos, influenciados por el estilo gótico francés.

Rasgos expresivos y estilizados:

El gesto del Arcángel Gabriel, la actitud contenida de la Virgen y las palabras escritas en el pergamino transmiten dramatismo y gracia.

Perspectiva simbólica: disposición jerárquica y simbólica más por valor decorativo que por lógica espacial.

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"Coronation of the Virgin", Maso di Banco, ca. 1335–1340, representa un tema religioso muy común en el arte cristiano medieval y renacentista: la coronación de la Virgen María en el cielo después de su muerte y asunción.

Técnica:

fresco: técnica mural donde los pigmentos, diluidos en agua, se aplican sobre una capa de yeso húmedo (intonaco). Al secarse el yeso, los colores se integran de manera duradera en la pared

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"La noche estrellada" (1889) – Vincent van Gogh. La obra representa un cielo nocturno vibrante y turbulento sobre el pueblo de Saint-Rémy, con remolinos y luces intensas que expresan una gran carga emocional y una visión personal muy intensa del artista.

Técnica:

Impasto: Aplicación de la pintura en capas muy gruesas, casi en relieve, que aporta textura y dinamismo a la superficie. Esta técnica hace que la pintura tenga un efecto casi tridimensional.

Pinceladas visibles y dinámicas: Van Gogh usó pinceladas cortas, curvas y onduladas, muy expresivas, que crean movimiento y energía, especialmente en las espirales del cielo.

Colores vibrantes y contrastantes: Uso audaz del color para transmitir emociones, combinando tonos intensos de azul, amarillo y blanco.

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Interchange, Leonard French, 1984

Técnicas: Pintura al óleo con pinceladas expresivas y gestuales.

Detalles de las técnicas:

Óleo:

La pintura está realizada con óleo, un medio de pintura que permite capas espesas y texturas.

Pinceladas expresivas y gestuales:

De Kooning utiliza pinceladas que reflejan su estilo expresionista abstracto, con líneas dinámicas y marcas intuitivas.

Influjo de Kline:

La influencia de Kline se ve en las marcas rápidas y gestuales, que contrastan con las pinceladas violentas y las capas espesas que de Kooning solía usar antes.

Estructura:

La composición de "Interchange" se basa en formas abstractas y colores intensos, creando una sensación de energía y movimiento.

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El grito es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893

Tecincas: Pintura al óleo sobre cartón, con la adición de temple y pastel para lograr mayor intensidad y abstracción en los colores. Munch emplea pinceladas rápidas y sueltas, creando una sensación de movimiento y tensión que refuerza la angustia expresada en la obra.

Detalles de la técnica:

Pintura al óleo:

Munch utiliza el óleo como base principal, lo que le permite crear una textura suave y densa.

Temple:

La temple, un tipo de pintura que utiliza aglutinantes naturales, se aplica sobre el óleo para añadir capas de color y aumentar la intensidad de los tonos, según Wiki Casiopea.

Pastel:

Los pasteles se emplean para lograr una mayor abstracción y una mayor densidad de color, creando efectos de luz y sombra que contribuyen a la atmósfera emocional de la obra, Wiki Casiopea.

Pinceladas:

Munch utiliza pinceladas rápidas, sueltas y angulosas para transmitir la agitación y la intensidad emocional de la figura central, MartiArte.

Superficie:

La obra se realiza sobre cartón, un soporte relativamente económico y que se adapta bien al estilo de pintura de Munch.