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Además de la muerte de ciertos nombres importantes (García Lorca, Miguel Hernández, Maetzu...) en el régimen franquista, se impuso la censura: un conjunto de medidas dirigidas a limitar la libertad de expresión y opinión en España en la zona sublevada y, posteriormente, durante el régimen franquista. Se enmarcó dentro del proceso de represión cultural llevado a cabo por los autores del golpe de Estado de 1936, cuya finalidad era aniquilar la producción cultural originada en la Segunda República, así como garantizar la «pureza ideológica» del Estado totalitario resultante tras la Guerra Civil.
Es por eso que muchas de las grandes obras artísticas no se pudieron publicar, o libros y películas que estaban cortadas.
Muchos de los grandes artistas se exiliaron de España y publicaron sus obras en otros países.
Los primeros artistas en salir fueron Manuel Ángeles Ortiz, Joan Miró, Salvador Dalí y Oscar Domínguez entre otros. América también fue un destino para otros artistas como Maruja Mallo, Castelao o Ramón Gaya

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Arte español durante la Guerra Civil Española

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Arte español durante la Guerra Civil Española

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La Guerra Civil española sirvió de inspiración a toda una generación de artistas e intelectuales.
Las exigencias propagandísticas y de formación política de las masas exigen cuadros, grabados, carteles, esculturas y productos artísticos monumentales. Así, el Pabellón español en la Exposición Universal de París de 1937, de Sert y Lacasa, se concibió como un "stand" de propaganda destinado a mostrar las realizaciones y la forma de sentir de la España republicana. Un arte comprometido y a la vez renovador que refleje el espíritu de la República.
En él se expusieron el Guernica de Picasso, La Fuente de Mercurio de Calder, La Montserrat de Julio González, El Campesino catalán en rebeldía de Joan Miró o El Pueblo Español de Alberto Sánchez, y otras obras de pintores, escultores y fotógrafos que muestren el horror de la tragedia.
Destacan las obras El Guernica, El campesino catalán, La Montserrat, El pueblo español y El labriego.

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Debido a la situación de los países israelíes como Irak, Palestina, Siria... el arte se ha limitado.
Hoy en día el único tipo de arte es la pintura, con obras que simbolizan la evasión, la vida, la libertad...
Los artistas vivos que siguen creando obras artísticas son los nacidos después de 1990, aunque la mejor etapa de artistas israelíes fue la Generación del 48. Incluyen artistas como Souad Nasr Makhoul, Terese Nasr Azzam, Ibrahim Nubani y Abed Abdi, este último considerado pionero en el movimiento artístico árabe israelí.

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En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas, siguiendo el mismo patrón básico, aunque con diferentes formas. Prácticamente no hay arte de la escultura pero las realizaciones de objetos de metal, marfil o cerámica alcanzan con frecuencia una alta perfección técnica. Existe también una pintura y una iluminación en los libros sagrados y profanos.

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Por arte islámico se conoce el estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica.
El arte islámico tiene una cierta unidad estilística, debido al desplazamiento de los artistas, comerciantes, mecenas y obreros. El empleo de una escritura común en todo el mundo islámico y el desarrollo de la caligrafía refuerzan esta idea de unidad. Concedieron gran importancia a la geometría y a la decoración, que podía ser de tres tipos:

Caligrafía cúfica: mediante versículos del Corán.

Lacería: mediante líneas entrelazadas formando estrellas o polígonos.

Ataurique: mediante dibujos vegetales.

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El arte de la India se caracteriza principalmente por ser un reflejo de la compleja sociedad india, multiétnica y multicultural. Asimismo tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo el arte como medio de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado.
Uno de los hechos determinantes en la construcción de la cultura india ha sido la diversidad étnica de los múltiples pueblos que han ido llegando a sus tierras: desde los aborígenes de tez oscura ancestros de los actuales drávidas, fueron llegando en sucesivas oleadas pueblos mesolíticos, mongoloides, arios, persas y griegos, hunos, árabes, turco-afganos  y británicos. Esta mezcolanza de pueblos y culturas ha producido un arte de gran diversidad estilística y formal, conviviendo diversas tendencias artísticas según la región.

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Antes de la colonización, cada parte de Latinoamérica tenía una manifestación del arte distinta. En la parte sur (Colombia, Venezuela, Ecuador...) destacaron los trabajos con oro, cobre, platino...
Los indígenas kunas de Panamá son famosos desde antes de la conquista hasta hoy por su excelente técnica textil. La expresión más importante de lo anterior son las molas, tradición que tiene sus inicios en la pintura del cuerpo (tatuajes), que luego fue transferida a la tela.

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Su arte se manifiesta a través de un gran dominio técnico de la escultura y de la talla, para muchos no superado por ninguna otra civilización precolombina.
Se puede distinguir un arte monumental o colosal —hecho en arcilla, piedra (principalmente basalto y andesita) y madera— y un arte menor o mobiliario —a base de jade-jadeíta y otras piedras verdes (serpentina) y de obsidiana—, junto con algunas pinturas rupestres. Los monumentos de piedra se pueden agrupar en cuatro clases:
Cabezas colosales de piedra
Altares rectangulares
Esculturas de bulto redondo
Estelas, introducidas más tarde en las cabezas de los colosales.

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El arte del continente americano es la combinación de las expresiones artísticas propias de Suramérica, Centroamérica, así como también de latinoamericanos viviendo en otras regiones. Comienza propiamente con la llegada a América de los pueblos latinos procedentes de Europa. Si bien había previo a la llegada de los latinos un amplio desarrollo artístico de parte de las distintas culturas indígenas que habitaron el continente antes de la invasión española en el siglo XVI,

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En un principio, las pinturas africanas eran rupestres, posteriormente, se emplearon en la decoración de las paredes de los palacios reales o chozas sagradas, con motivos que iban desde las formas geométricas hasta las escenas de caza y guerra, igualmente, sirvieron para el acabado de las máscaras y los adornos corporales. Sin embargo, no fue hasta la mitad del siglo XX que se desplegó como manifestación artística, justamente tras la independencia de la colonización de algunos países.
Conforme a ello, surgieron varias escuelas que formaron a los pintores africanos reconocidos actualmente; uniéndose con otros artistas que cursaban estudios de arte en Europa, pero con la prohibición de esta expresión, que divulgaba la realidad de muchas naciones, se gestó un movimiento que transmitía mensajes políticos a través de pinturas hechas en vidrios recuperados, de esta manera, la tendencia pictórica de cada país, acompañó la lucha política en los periodos del nacionalismo, etnicismo y racismo que vivió el continente.

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Muchas de las denominadas artes tradicionales de África están todavía en pleno uso y vigencia.
Como en todos los periodos artísticos, coexisten actualmente en África importantes innovaciones junto con significativos conservadurismos estilísticos. En años recientes, los avances en los medios de comunicación experimentados en el continente africano han facilitado la dispersión y difusión a gran escala de las diversas formas artísticas entre sus distintas culturas.
Algunos artistas contemporáneos han adoptado temas cristianos para los diseños de puertas, artesonados y pilas bautismales de las iglesias y catedrales del África cristiana.

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Un tema común en buena parte de la arquitectura africana tradicional es el uso de escalamiento fractal: pequeñas partes de la estructura tienden a parecer similares a las partes mayores como, por ejemplo, una aldea circular hecha de casas circulares.
La arquitectura africana usa una amplia variedad de materiales. En sus estructuras es posible hallar paja, palos de madera, barro, adobe, tierra apisonada y piedra, con una preferencia de materiales de acuerdo a cada región: África del Norte por la piedra y el adobe; África occidental por el barro y el adobe; África central por la madera y más materiales perecibles; África oriental, variados; África meridional, por piedra, paja y madera. Un muro en África del Norte podría ser construido de piedra o de tierra apisonada; en África occidental, de barro o adobe; en África central, de madera; en África meridional, de madera o piedra; y en África oriental, de todos estos materiales.

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La fertilidad: Los rituales más importantes son los que más obras artísticas han producido, estando relacionados con la fecundidad humana y por lo tanto, la del ganado y los campos.
La muerte: Se piensa que, de algún modo, los muertos siguen presentes en el mundo de los vivos y con capacidad de influenciar en sus vidas.
La espiritualidad: El fetichero es a la vez médico, psicólogo y guía espiritual.