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Entre 1920 y 1950, tras la Revolución Mexicana, como un parteaguas, llega el movimiento muralista, debido a la búsqueda de una nueva identidad nacional, convirtiéndose en una herramienta para la construcción de dicha identidad.

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Acercar el arte a la población, utilizando espacios públicos como lienzos, con temas que resonaban con el pueblo mexicano.

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DEL PORFIRISMO A LA REVOLUCIÓN. David Alfaro Siqueiros

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Es un arte con un fuerte compromiso sociopolítico, junto con la ideología nacionalista de un gobierno post-revolucionario.

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Siqueiros a la izquierda, en el centro Orozco, Rivera a la derecha 

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Los principales artistas muralistas mexicanos, que plasmaron la historia, las luchas, y los anhelos del pueblo mexicano.

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Los muralistas, rechazaron a pintura de caballete, pues se le consideraba elitista, optando por la técnica del fresco, que es rescatada del renacimiento italiano.

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Consideraba que el art debía tener un fin social y que la neutralidad era inaceptable.

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Comprometido con la representación de la clase obrera, se desilusionó del régimen post-revolucionario, por lo que, a través de su expresionismo y satírica, denunciaba la desigualdad y la explotación.

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Se marcó una época dorada en el arte mexicano, todo gracias al muralismo. Esto, logró consolidar una estética nacional para poder proyectar la identidad mexicana ante el resto del mundo.

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En la década de 1950, llega una nueva generación de artistas, crecida bajo la sombra del muralismo, que empezaba a cuestionar el dominio del muralismo. Insinuando que dicho movimiento, con su carga política, limitaba y se apartaba de la libertad creativa junto con el panorama artístico internacional.

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Dicha generación buscaba romper con la tradición y explorar nuevos lenguajes artísticos.

La ruptura no se definía por un estilo único, si no por la experimentación y búsqueda de la individualidad.

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Artistas como José Luis Cuevas, Francisco Toledo, Rufino Tamayo, Gunther Gerzso y Manuel Felguérez; se inspiraron en la vanguardia internacional, así como en el expresionismo abstracto, el surrealismo y la abstracción geométrica.

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La generación de la ruptura rechazaba la idea de que el arte debía reflejar una identidad nacional mexicana y buscaron abogar por la autonomía del arte.

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En su manifiesto de 1951, José Luis Cuevas denunció el aislamiento del arte mexicano y la falta de innovación en el mismo.

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Presentaron un cambio fundamenta en el arte mexicano, liberándolo de las limitaciones del nacionalismo, abriendo un dialogo internacional.

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Sin afiliarse a un movimiento especifico, incorporó elementos del folklore zapoteca y técnicas modernas en sus obras, reflejando el interés sobre la cultura indígena y la experimentación.

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Un muralista apolítico (de los pocos que hubo) referente para la Generación de la Ruptura, combinaba la iconografía precolombina con la abstracción moderna.

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De espaldas Helen Escobedo. De frente, de izquierda a derecha: Úrsula García Ascott, secretaria del grupo, Manuel Felguérez, Hersúa, Federico Silva, Matías Goeritz y Sebastián (1984)

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Así como el resto del arte, la escultura evolucionó, mayormente influenciada por el academicismo francés, buscaron romper con la tradición, incorporando elementos abstractos y experimentando con nuevo material.

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Estaba ligada a las instituciones públicas como el DBA (Departamento de Bellas Artes) y el INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes), que a pesar de las limitaciones de presupuesto y apoyo social, jugaron un papel fundamental en la formación artística y en la investigación.

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Influenciada por la modernidad, se buscó crear obras que combinaran la funcionalidad con una estética innovadora.

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Mayormente a menudo relegada al segundo plano, se ha logrado consolidar como área fundamental para el desarrollo del arte mexicano.

Centros especializados para la música y para la danza han contribuido a la profesionalización de la investigación y la preservación del patrimonio artístico.

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el arte digital comenzó a surgir, donde se utilizaron las nuevas tecnologías para crear obras que buscaban explorar las posibilidades de la imagen digital y la interacción con el espectador.

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A lo largo del sigo XX, ha sido fundamentales del desarrollo del arte mexicano, particularmente en la pintura y la escultura.

Pese a esto, el trabajo de las modelos queda en el anonimato, siendo invisibilizado y negándoles el reconocimiento merecido.

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Mujeres como Nieves Orozco y Luz Jiménez posaron para artistas para contribuir en la creación de obras icónicas del arte mexicano

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Más allá de solo ser representativo, su trabajo implicaba un conocimiento del cuerpo, sostener poses y mantener diálogos con los artistas.

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La historia de las modelos artísticas es una llena de lucha, por el reconocimiento y por la justicia laboral, esto debido a que su trabajo, era mayormente precarizado y era sujeto a la explotación.

Sin embargo, merecen un mayor reconocimiento, ya que su labor, fu esencial para el desarrollo del arte nacional mexicano; sus historias y aportes, deben ser rescatadas y visibilizadas al contemplar el arte de país.

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El arte mexicano del siglo XX es un claro reflejo de la compleja realidad nacional, los artistas mexicanos dejaron un gran legado, que es apreciado más allá de las fronteras.

Un arte, que permanece evolucionando.