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Il linguaggio espressionista
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mancano:
l'introduzione con i caratteri del movimento
le date di nascita e morte dell'artista
i dati dell'opera (titolo, datazione, tecnica, collocazione)

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Klimt fu esponente della Secessione Viennese che vedeva come protagonisti di questo movimento altri diciotto artisti, tutti ubicati nel Palazzo della Secessione.
Lo stile che contraddistingueva questo movimento (pubblicizzato sulla rivista 'Ver Sacrum') era simbolista, moderno e strettamente rappresentativo, guidato dall'artista  fino al 1904.

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Il cubismo nasce con l'opera "Les demoiselles d'Avignon" di Pablo Ruiz Y Picasso ( 1881-1973) di cui parleremo successivamente. È un movimento artistico che si basa sull'uso di forme geometriche per rappresentare figure o oggetti non geometrici. I padri del cubismo sono Pablo Picasso e George Braque. Il movimento possiamo suddividerlo in tre fasi:

Cubismo primitivo: In questa fase Picasso realizza nudi femminili frontali e privi di profondità per creare una vera e propria rottura con il mondo classico. Un esempio é il dipinto "Donna con ventaglio".

Cubismo analitico: In questa fase Picasso si concentra sull’analisi della realtà e su quale sia la vera essenza. Con questa fase si contrappone totalmente all’accademia che guardava l’arte come un’imitatrice della natura. Opera simbolica è “Natura morta con bottiglia di anice”, che spiega il pensiero del cubismo analitico. L’opera ha una sfaccettatura fitta, che rende difficile il riconoscimento della bottiglia. Sembrerebbe un’opera astratta, ma Picasso non volle mai attribuire le sue opere ad un concetto astratto e quindi non trascurare il soggetto.

Cubismo sintetico: Picasso e Braque,  portarono la propria arte a livelli estremi di concettualizzazione. Si basava sulla sovrapposizione di parti distinte di una rappresentazione in un'unica sintesi compositiva. Le opere di questo periodi risultano più essenziali rispetto a quella proposte nei dipinti della fase analitica.  Per esempio, in “Bicchiere e bottiglia di Suze”, realizzato da Picasso nel 1912, l'immagine viene come sempre scomposta e liberamente ricostruita. Non è un ripensamento della fase precedente ma solo una sua evoluzione.

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Tra le personalità più interessanti  del suo tempo, Kirchner divenne l'esponente di punta della pittura espressionista, di cui redasse il "Manifesto". Le sue opere sono caratterizzate da un linguaggio secco e vibrante, un segno teso, contorto e spezzato, costituito da una fitta composizione di scatti nervosi. In generale i suoi lavori si svincolano completamente dalle leggi della pittura tradizionale e sono pensati completamente in base alle esigenze espressive dell'artista.

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Protagonista dei dipinti di questo pittore è l’eterogeneità, in evidenza troviamo:
• La ceramografia greca e l’arte egizia per l’impostazione cronologica degli eventi;
• Le stampe giapponesi per l’incisione nitida delle linee;
• Le decorazioni minoiche da cui traggono ispirazione i movimenti spiraliformi;
• La scultura africana per l’elaborazione delle maschere e l’onnipresente concetto del male;
• I mosaici bizantini per il caratteristico uso dell’oro sullo sfondo, che si presenta come astratto e pieno di ritmo.

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Ernst Ludwig Kirkner, Marzella, 1908.
Olio su tela, 71,5x61
Stoccolma, Moderna Museet.

Dipinto nel 1908, è uno dei ritratti più emblematici e scandalosi dell'artista. La protagonista è una modella giovanissima per la quale Kirchner stravedeva. Proprio questo rapporto dell'artista con la "modella bambina" fu argomento di discussione, infatti molti lo accusarono di averne fatto la sua amante. Nonostante il fatto che le accuse nei suoi confronti fossero prive di fondamento, mettersi in scena dipingendo una bambina nuda divenne per lui una conveniente strategia artistica.
Analisi dell'opera
Rappresentata completamente nuda, Marzella, dimostra, con il suo corpo ancora infantile, i suoi 12-13 anni. Un fiocco bianco, unico simbolo di innocenza e fanciullezza, contrasta violentemente con il trucco pesantissimo e la sua posizione da donna adulta. Rapidi segni sommari scandiscono i lineamenti del volto, scarni e affilati. Le spesse e spigolose linee di contorno delle braccia scavano con forza il piano compatto del colore. I colori verde acido, viola e arancione invadono la figura e aggrediscono il rosa della carne. Il particolare linguaggio formale adottato da Kirchner svela il suo interesse per l'arte africana. Da questa "arte nera" riprende, non solo i contorni spigolosi e i colori non realistici, ma anche la capacità di mostrare l'anima dei soggetti rappresentati.
La prostituta bambina
Marzella è una malinconica figura di adolescente inquieta,
probabilmente destinata alla prostituzione. Vittima di una sensualità tragica e divorata da un devastante senso di colpa, rimanda direttamente alla famosa figura dell'adolescente nuda della "Pubertà" di Munch. La ragazzina di Kirchner, attraverso il suo sguardo provocante e malizioso, sembra aver accettato il diventare donna prima del tempo. L'artista è riuscito a dare un'incredibile intensità emozionale allo sguardo della bambina, caratterizzato da una rassegnata tristezza. Marzella rappresenta un'immagine simbolica dell'erotismo in cui si può leggere la dolorosa condizione della vita: un'immagine tratta da Kirchner  dal proprio mondo interiore.

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manca parte iniziale
lavoro da condividere (fare copia e incolla)

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Il Dadaismo, detto anche Dada, è un movimento artistico-letterario nato nel 1916 a Zurigo al Cabaret Voltaire dove il pittore Marcel Jango e lo scrittore Tristan Tzara, entrambi rumeni, si riunivano spesso. Questa corrente artistica nacque con l’intento di criticare i valori della cultura tramite ironia e provocazione.  Si racconta che il nome Dada deriva da una parola presa a caso, anche se Tzara diede diverse spiegazioni, come: la coda della vacca sacra per i Kru, un cavallo di legno o la doppia affermazione in rumeno o russo; alla fine lo stesso Tzara disse che la parola era priva di  significato.
Sempre nel 1916 a New York nacque un movimento simile a quello svizzero, fondato da Marcel Duchamps e Man Ray. Questi due gruppi si unificarono tra il 1920 e il 1921 nel gruppo di Parigi.
La parola chiave del Dadaismo fu nihil, niente, cioè nulla dove essere conservato e tutto doveva essere distrutto.
Questo movimento unì tutte le critiche artistiche delle varie avanguardie portando le loro critiche alle estreme conseguenze,  fu un momento di passaggio fondamentale per la cultura del Novecento e per l’arte contemporanea, un punto di non ritorno.  La negazione dadaista fu totale, pronta a contrastare tutti  i valori, pregiudizi  e le convenzione della società moderna,  fino a prevedere la distruzione della classe borghese e della sua cultura.

Il Dadaismo negò all’opera d’arte il suo antico valore culturale e le diede un nuovo significato; l’arte, da allora in poi, divenne prima di tutto gesto e processo.

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Giorgio de Chirico, Enigma dell’oracolo,1910.Olio su tela, 46 x 16 cm. Collezione privata.

Cos’è la metafisica?

La Metafisica non è un vero e proprio movimento artistico, essa può definirsi come una tendenza della pittura italiana del secondo decennio del Novecento. Il primo a parlare esplicitamente di “Pittura Metafisica” sarebbe stato Carlo Carrà nel 1918, il termine “metafisica” venne utilizzato da de Chirico nei suoi scritti giovanili.

De Chirico affermò che la filosofia poteva riportare la nozione di metafisica ma soltanto l’arte era realmente in grado di esprimerla e rappresentarla. Il termine “metafisica”, applicato alla pittura, dev’essere letto, tuttavia, solo in senso letterale, come al di là della fisica. Secondo de Chirico, l’arte non doveva avere alcun legame con la realtà, ma lo scopo è quello di mostrare il lato insolito e misterioso della vita quotidiana.

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Il movimento pittorico dei Fauves (dal francese, 'belve,' 'bestie feroci'), detto Fauvisme e, in italiano, Fauvismo, si affermò in Francia nella prima metà del Novecento. Il termine fu coniato dal critico d'arte Louis Vauxcelles del quotidiano «Gil Blas» per indicare, con allusione alla violenza espressiva delle forme e all'aggressività dei colori, un gruppo di  artisti  che esposero  insieme per la prima volta al Salon d'Automne di Parigi del 1905.
Scorgendo tra i dipinti anche due sculture più classiche, il  critico esclamò: «Donatello tra le belve!»; il giorno successivo, nella sua recensione, parlò ancora di cage aux fauves, 'gabbia di belve,' riferendosi alla sala in cui i pittori  avevano esposto i loro dipinti. La mostra suscitò scandalo e molte reazioni polemiche anche da parte del pubblico, rimasto a dir poco sconcertato di fronte a quadri così diversi da quelli cui era abituato; tra gli artisti che vi parteciparono spiccarono Henri Matisse, Maurice de Vlaminck (1876-1958) e André Derain (1880-1954).

Come l'Espressionismo tedesco e austriaco, anche il Fauvisme francese mirava a produrre un'arte senza confini, totalmente soggettiva, che non puntava alla riproduzione della vita ma alla sua interpretazione:  una poetica che potremmo definire del naturalismo soggettivo, della descrizione interiore della realtà. Tuttavia, rispetto alla produzione della Brucke, le opere dei fauves mostrano una minore carica satirica e una valenza politica meno esplicita. Infatti, questi artisti (ricollegandosi all'arte primitiva, a Van Gogh e soprattutto a Gauguin) si concentrarono soprattutto sulle possibilità espressive del colore, usato puro, con intenti non realistici, e sulle potenzialità comunicative delle forme semplificate.

I fauves mostrarono di saper accogliere l'insegnamento di Gauguin, applicandolo con violenza spregiudicata. Per essi il quadro non era occasione di racconto ma solo pretesto di espressione. I paesaggi e i ritratti dei fauves rifiutarono le coordinate prospettiche e spaziali, ignorarono i volumi e i chiaroscuri, semplificarono le figure e le stilizzarono deformandole. La veduta lasciò il posto alla visione. I fauves  sostennero  chiaramente che la pittura può diventare un modo per scatenare sulla tela la violenza delle emozioni. «I colori», scrisse Derain, «erano per noi cartucce di dinamite»; colori puri, arbitrari, violenti, contrastanti e talvolta incongrui, necessari per riportare sulla tela, senza filtri, le sensazioni degli artisti in modo esplosivo e brutale, per liberare completamente l'istinto e il  temperamento.

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Con il termine École de Paris, coniato nel 1920 da parte del pittore André Warnod, si raggruppano alcuni artisti stranieri attivi a Parigi tra gli anni Dieci e Trenta, che possono essere, in qualche modo, ricondotti all’esperienza espressionista. Tra questi rientrano l’italiano Amedeo Modigliani e il russo MarcChagall, inoltre inseriamo anche Soutine e lo scultore Constantin Brancusi.

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Fontana, 1917 (replica dell'originale perduto, 1964)
Ready-made, orinatoio in porcellana bianca, altezza 62,5 cm. Collezione privata

Si tratta si un semplice orinatoio di ceramica bianca, acquistato nel 1917 in un negozio di articoli sanitari di New York, che l’artista si limitò a capovolgere e a firmare con l’intenzione di esporlo alla mostra della Society of Independent Artists.

L’originale di “Fontana” è andato disperso: dopo la mostra, alcuni facchini lo buttarono nella spazzatura, scambiandolo per un “vero” orinatoio.

Duchamp non si scompose: affermò che l’oggetto qualsiasi diventa “oggetto d’arte” nel contesto di un'esposizione, per decisione dell’artista, in ogni caso, nel 1964, comprò un altro orinatoio e lo firmò.

Ancora oggi, “Fontana” lascia il pubblico disorientato. Difficilmente un orinatoio potrà sollecitare gli stessi sentimenti di un quadro o di una scultura tradizionale: nessun colore, nessuna emozione, nessun artificio, nessuna abilità.

L’artista riteneva che le opere d’arte fossero prima di tutto espressioni del suo pensiero. In particolare, con “Fontana” voleva far riflettere il pubblico su come sia tutto relativo e tutto dipenda dal contesto in cui si svolge.

“Fontana” non è grandiosa in quanto tale ma in quanto frutto di una grandiosa idea.

https://www.artesvelata.it/marcel-duchamp/

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1. Il bacio di Klimt
2. Giuditta
https://www.artesvelata.it/klimt-bacio/

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Man Ray (Man Emmanuel Radensky,1890- 1976)

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Man Ray (Man Emmanuel Radensky,1890- 1976)

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Le violon d'Ingres, 1924
Stampa su gelatina d'argento, 39,9x30 cm
Colonia, Museo Ludwuig

Man Ray, già famoso come artista, dal 1921 inizia a dedicarsi alle fotografie. Le sue opere sono spesso giochi mentali, caratterizzate da un'ironia critica, condotta sul filo del non-sense. Una delle sue opere più importanti è “Le violon d’Ingres”, in questa opera Man Ray fa un chiaro riferimento al pittore Ingres e alla sua opera “La bagnante di Valpinçon”, la protagonista dell’opera è ripresa di spalle, adornata con un turbante e un velo che rimandano alle odalische di Ingres, è presente una fonte di luce sulla destra che illumina parte del corpo. Successivamente, l’artista ha dipinto sulla fotografia i famosi fori (effe) del violino.

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Henri Matisse, La stanza rossa, 1908. Olio su tela, 1,8 x 2,2 m. San Pietroburgo, Museo dell’Ermitage.

La Stanza rossa ha una curiosa storia alle spalle: in un primo momento, Matisse l’aveva dipinta di verde, dandole il titolo di Armonia in verde. Dopo poco, cambiò idea e le diede una passata di blu. Armonia in blu fu così venduta ad un collezionista russo ma, poco prima della consegna, cambiò di nuovo nome e colore: divenne rossa e fu chiamata Armonia in rosso.
La quieta scena domestica è completamente trasfigurata da un processo di sintesi estrema. I motivi decorativi della tovaglia, composti da rabeschi blu e neri con cesti di fiori al centro, si ripetono nella tappezzeria e perfino nel paesaggio che si scorge dalla finestra e che sembra, a sua volta, un quadro nel quadro. La composizione, dunque, annulla ogni effetto di profondità, è priva di volume, presenta solo uno spazio piatto di colori puri e la leggerezza dei segni acquista un valore prettamente musicale. Non è più soltanto un semplice e rassicurante interno borghese, non è lo spazio reale di una camera da pranzo: è l’espressione di una dimensione interiore, puramente emotiva. Si tratta di un lavoro solo apparentemente semplice: lo stesso Matisse raccontò nelle sue memorie che per realizzare questo dipinto studiò e lavorò molto a lungo e che in una prima versione aveva adottato uno sfondo verde, poi scartato.

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Kokoschka diede vita ad un'espressionismo molto personale, caratterizzato tratti aggressivi e deformati con colori violenti e innaturali.
Il suo approccio alla pittura si rivelò angoscioso e nei suoi dipinti possiamo notare la volontà di indagare a fondo sulla psicologia dei personaggi rappresentati, affiancata dall'esaltazione,dalla passione rovente e dal fervore per la pittura.
Il suo soggettivismo sconvolse la realtà, senza mai prescinderà, nella profonda convinzione che l'artista vive nel mondo e col mondo il suo personale tormento

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Henri Matisse, La danza, 1909-10
Olio su tela, 2,60x3,91 m.
San Pietroburgo, Museo dell'Hermitage

La danza di Matisse, è una versione in chiave espressionista di un tema pastorale, si rifà infatti alle antiche danze  popolari. L’opera rappresenta cinque figure androgine che danzano tenendosi per mano, la scena è caratterizzata da linee curve morbide, gesti fluidi tutte caratteristiche che servono per assecondare il movimento rotatorio.Stilisticamente l'opera sembra sommare tutte le caratteristiche della pittura dell’ottocento, il primitivismo e le stesure piatte di Gauguin, l’intensità cromatica di Van Gogh. La danza è sicuramente una visione simbolica di un abbraccio universale alla natura, il girotondo rappresenta la circolarità,la solidarietà e l’uguaglianza. Matisse con il suo stile non descrive una scena ma rappresenta la continuità della vita, il suo continuo rinnovarsi, il suo rigenerarsi. Questo dipinto propone inoltre una nuova estetica della pittura, l’immagine incontra la musica e la poesia. La musicalità che si unisce al senso di decorazione è una caratteristica fondamentale dell’opera di Matisse, il bello non è espresso dalla verosimiglianza ma dal ritmo scandito da i movimenti liberi e gioiosi che il dipinto riesce a trasmetterci.
https://www.artesvelata.it/matisse-danza/

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Nudo sdraiato, 1917- 18
Olio su tela, 60x92 cm
Shangai, Collezione privata

Tra il 1917 e il 1918, Modigliani realizza diversi nudi, tra i quali il Nu couché (detto anche Nudo Rosso), considerato tra i più belli del ‘900. Si tratta del ritratto di Jeanne Hèbuterne, esposto dalla mercante ebrea Berthe Weill nella sua galleria parigina. L’opera dovette essere ritirata per ‘offesa alla pubblica decenza’, ad oggi è considerata pura poesia.
Analisi dell'opera: Una giovane donna dai capelli scuri e dal trucco marcato giace languidamente su un’alcova di colore rosso scuro, notazione cromatica richiamata anche dal rosso delle labbra della modella, offrendo allo sguardo dello spettatore la sua nudità integrale con grande naturalezza. La posa della donna, infatti, non ha nulla che vedere con l’artificiosità dei nudi mitologici di Veneri e Ninfe che popolavano i Salon ufficiali di inizio ‘900 e Modigliani non fa nulla per sublimare, attraverso dotti riferimenti mitologici o storici, la straordinaria carica erotica del dipinto, celebrazione di una corporeità femminile nuova, sensuale e consapevole. L’energia corporea che sprigiona dal dipinto sembra non poter essere contenuta dalla tela, tagliata all’altezza dei gomiti e poco sopra le ginocchia della modella, che domina incontrastata l’opera, caratterizzata da pochi colori: il rosso e l’azzurro del letto, l’ocra e il nero del corpo e dei capelli.

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La musa addormentata, 1910
Bronzo, 27x30x17 cm
Parigi, Musée National d'Art Moderne Centre Georges Pompidou

Lo scultore Brancusi venne attratto dall’arte primitiva; con le sue opere diede vita ad una ricerca della ‘forma pura’, quindi la sua arte è fortemente spirituale. Un esempio è ‘La musa addormentata’ della quale realizzò numerose versioni; vediamo una testa femminile adagiata di lato, ridotta a forma ovoidale dalla quale affiorano appena gli occhi chiusi e la piccola bocca.

Questa riduzione del volto ad una forma purissima ed essenziale, non a caso l’uovo, richiama il tema universale dell’origine della vita e della fonte primigenia della bellezza.

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This awesome timeline is a work from Sara Fanelli http://www.sarafanelli.com/ and you can actually buy it on paper at the Tate
I scanned it and put it together as a presentation for my project about the Tate Gallery: https://vimeo.com/70270692.
I actually intended to delete it afterwards, but everybody seems to love it! Good work, Sara.

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Pablo Picasso, 1906-07
Olio su tela, 243x234 cm
New York, The Museum of Modern Art

Les demoiselles d’Avignon è un'opera di Picasso realizzata tra il 1906 e il 1907 e attualmente conservata al MoMa di New York. E’ senza dubbio uno dei suoi dipinti più importanti perché sancisce l’inizio del cubismo. I soggetti sono cinque prostitute che si trovano all’interno di un bordello. Le donne richiamano stili artistici diversi: la prima posta a sinistra richiama l’arte egizia, le figure centrali l’arte classica e le due donne poste a destra richiamano l’arte africana. Dal dipinto possiamo notare che i volti delle donne situate agli estremi del quadro hanno il volto incoerente con il corpo, questo perché lo stesso artefice, dopo aver ultimato il quadro,  modificò volontariamente i visi delle donne. Oltre ai soggetti, all’interno del quadro troviamo un tavolino in basso dove è posta una natura morta. Il punto di rottura con l'accademia è dato dalla raffigurazione della donna in basso a destra, perché la testa è rappresentata in posizione naturale, nonostante sia di spalle.

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Icônes de l'art moderne. La collection Chtchoukine

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La Fondation Louis Vuitton réuni pour la première fois la collection Sergueï Chtchoukine collectionneur, visionnaire et mécène d'art moderne du début du XXème siecle.

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La corrente artistica del Dadaismo si sviluppa in contrapposizione al "trauma pianificato" della Prima Guerra Mondiale, per poi finire archiviata dal fondatore del Surrealismo André Breton. Tuttavia, il rifiuto di ogni forma di convenzione e staticità ha fatto sì che l'eco del movimento 'Dada' risuonasse fino ai giorni nostri, toccando ogni aspetto della cultura.

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Il Dadaismo: storia dell'anti-arte - Ginnastica culturale - Guarda il documentario completo | ARTE

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La corrente artistica del Dadaismo si sviluppa in contrapposizione al "trauma pianificato" della Prima Guerra Mondiale, per poi finire archiviata dal fondatore del Surrealismo André Breton. Tuttavia, il rifiuto di ogni forma di convenzione e staticità ha fatto sì che l'eco del movimento 'Dada' risuonasse fino ai giorni nostri, toccando ogni aspetto della cultura.

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Fu il più attivo rappresentante del movimento espressionista austriaco. Artista sensibilissimo, complesso, tormentato. La prematura perdita del padre, probabilmente malato di sifilide, alimentò la sua ossessione per il tema della morte, associato alla sessualità, al senso di colpa, alla costante ricerca di riscatto ed espiazione.
Tutto nella vita è morte
Il suo carattere inquieto e pessimista gli aveva fatto maturare un'idea tragica dell'esistenza e del mondo. Di fronte ad un'umanità fragile, dilaniata dal terrore della morte, di fronte ad un mondo gravato dalla fame e dalla miseria, oppresso dal mostro della tecnologia che rendeva le città invivibili, Schiele concluse amaramente che << tutto nella vita è morte>> e votò la propria pittura all'ingrato compito di mostrare a tutti la straziante caducità dell'esistenza.

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Egon Schiele, Gli amanti, 1917
Olio su tela, 1,5x1,7m.
Vienna, Osterreichische Galerie

Capolavoro risalente al 1917. Un uomo ed una donna sono strettamente avviluppati, sprofondati l'uno nell'altra, separati dal mondo che li circonda come se, allacciando i corpi, volessero unire le loro anime, cercando disperatamente protezione e sostegno reciproco. A differenza dei pittori simbolisti del tardo Ottocento e dei primi espressionisti tedeschi, Schiele sembrò cercare nell'amore l'ultimo, disperato riscatto da un'esistenza così amara.

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Il Suprematismo Russo e Kazimir Malevič (1878- 1935)

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Il Suprematismo Russo e Kazimir Malevič (1878- 1935)

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Il suprematismo russo è stato creato dall’artista Kazimir Malevič nel 1914, Questa corrente artistica si pone come obiettivo il raggiungimento di un espressione suprema che trascenda le regole e i canoni della realtà. Malevič nel 1920 pubblicò il libro “Il suprematismo, ovvero il mondo della non rappresentazione” nella quale spiegava la poetica che era presente dietro i suoi quadri.

Questa dottrina affermava che l’artista moderno non deve creare dipinti o sculture su commissione di qualcuno ma deve essere libero da ogni legame con la realtà, l’arte dell artista moderno deve solo rispettare la pura esigenza artistica. In quest’ottica il termine “suprematismo” indica la superiorità della sensibilità all’interno delle arti figurative.

L’arte di Malevič è stata spesso associata all’iconografia ortodossa che in Russia, come in tutto l’est europa, era ancora molto vivace e prolifica. Il parallelo sussiste se noi consideriamo il valore effettivo delle icone russe, che vanno oltre ciò che rappresentano. Però al posto di uno sfondo color oro ed una rappresentazione volta a rappresentare il sacro con Malevič abbiamo una dimensione prettamente umana. I suoi quadri erano una provocazione volta a criticare la tradizione.

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Kazimir Malevič, Quadrato nero su fondo bianco, 1915, olio su tela, 1.06m x 1.06m. San Pietroburgo, Museo Statale Russo

In questo quadro possiamo trovare la ricerca di forme pure ed essenziali che Malevič porta avanti nei suoi quadri. Le forme da lui dipinte devono trascendere l'esperienza sensoriale e devono portare all'espressione pura dell'arte, l'assenza di oggetti, il mondo come non-oggettività.

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Oskar Kokoschka, La sposa del vento, 1914
Olio su tela, 1,81x2,21m
Basilea, Kunstmuseum

Famoso capolavoro dell'artista, dipinto poco prima dello scoppio della prima guerra mondiale, nel 1914 ed oggi conservato a Kunstmusem in Basilea.
L'opera, enigmatica e inquietante, è un inno all'amore ed è ricca di significati allegorici. Kokoschka trovò ispirazione nel rapporto travolgente e appassionato che ebbe con Alma Mahler; ma anche nella drammatica situazione politica che caratterizzava l'Europa di quegli anni.
Analisi dell'opera
Possiamo osservare due amanti adagiati su una barca avvinti l'uno all'altra. I due sono sospinti dal vento che si offre come metafora del loro amore. L'imbarcazione alla deriva potrebbe simboleggiare la tragedia dell'Europa sconvolta dalla violenza o la condizione di infelicità che affligge tutta l'umanità di quegli anni.
La donna sembra ignorare il caos presente attorno a lei, infatti è immersa in un sonno profondo adagiata sull'uomo, apparentemente più consapevole della condizione circostante, esso veglia riflessivo e serra le proprie mani l'una all'altra.
Il quadro è caratterizzato da una forza drammatica, con pennellate larghe e dense, che creano un senso di movimento e un andamento ondoso.

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Il bell’uccello rivela l’ignoto a una coppia di innamorati

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Il bell’uccello rivela l’ignoto a una coppia di innamorati

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Le visioni e le fantasie oniriche di Mirò mescolano il mondo mescolano il mondo vegetale con quello animale  e sono spesso dominate da umorismo dissacrante, che le pone di fuori di qualsiasi schema. Si assiste, nelle sue opere, alla creazione di un mondo magico, popolato da figurine misteriose, un po’ gnomi marionette altalenanti, sospese nello spazio da fili invisibili. Nell’opera intitolata “Il bell’uccello rivela l’ignoto a una coppia di innamorati”, del 1941, Mirò spiega di aver dipinto “sagome e arabeschi proiettati nell’aria come fumo di sigaretta, che sarebbero saliti in alto e avrebbero accarezzato le stelle”:un lavoro metodico e paziente che distribuisce le forme minute in una trama elegante e ordinata. Erano, quelli, anni difficili, segnati dalla guerra civile in spagna (terminata nel 1939) e dallo scoppio della seconda guerra mondiale; Mirò cercò, attraverso la sua pittura, di contrastare almeno idealmente una realtà drammatica.

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L'arte astratta in generale si affermò attorno al 1910 in diverse parti d'Europa, diventando nel giro di pochi anni un vero e proprio movimento internazionale. Entrò nella storia dell'arte moderna come una corrente artistica caratterizzata dal rifiuto verso la rappresentazione della realtà materiale: il tutto con l'intendo di ottenerne una pura delle cose e delle forme.

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Influenzati dalle opere di Gauguine e Cézanne, diversi artisti astrattisti svilupparono un astrattismo lirico e spiritualistico, il Der Blaue Reiter, esaltando diversi aspetti di questa inedita corrente come:

la comunicazione intersoggettiva;

i rapporti arte-musica;

la psicologia dell'arte e del colore;

Una corrente da opporsi a quella del Suprematismo russo, la quale proponeva un astrattismo più rigoroso, razionale ed incline alla geometria.

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La passeggiata, 1917/1918, olio su tela, 170×163,2 cm, museo di statue russo di San Pietroburgo.

In questo dipinto pieno di metafore e citazioni, l'autore rappresenta se stesso con Bella, sua moglie. La ragazza figurata come un palloncino che riesce a fluttuare leggera e libera grazie alla stretta del suo amato, che le impedisce di volare via. Il ragazzo nella mano destra tiene invece un uccellino, simbolo dell'amore dell'artista verso la natura;  lo sfondo di questa scena riporta un prato sul quale troviamo oggetti che ci fanno pensare ad una colazione romantica nella natura. Nonostante l'atmosfera in questo secolo dettato da guerre mondiali e dittature, l'artista è riuscito ad esprime sentimenti lontani dal clima del tempo.

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Nato in Svizzera, Klee è uno dei maggiori e controversi esponenti di tale corrente artistica: a far sbocciare il suo talento furono le suggestioni del Cubismo e dell'Espressionismo. Oltre che per le sue opere, Paul Klee è anche noto per le sue teorie sull'astrattismo e sulla figura dell'artista. Egli riteneva come arte e mondo fenomenico non dovessero essere due entità separate e distaccate, stabilendo come l'artista stesso fosse un medium capace di dialogare con il grembo della natura.

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Originario della Russia, Kandinskij è un altro importante esponente del Der Blaue Reiter. La sua arte nacque dalla passione che aveva per il simbolismo e dagli scarabocchi infantili che recuperò, componendo dipinti caratterizzati da semplici macchie che nascondevano dietro una propria logica. Egli affermò come l'arte nasce da una necessità interiore e che con la pittura astratta il colore diventava un mezzo per influenzare l'anima dello spettatore. Infatti per lui i colori caldi rimandano a sentimenti come gioia e passione, quelli freddi invece simboleggiano la tristezza e la malinconia. Diede così importanza al colore da paragonarlo alla composizione di una melodia.

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Paul Klee, Cupole rosse e bianche, 1914. Acquerello, 14 x 15,3 cm. Dusseldorf, Kunstsammlung Nordrein-Westfalen.

Klee nei suoi primi dipinti usufruì molto delle forme geometriche primarie, come cerchio e quadrato. Un esempio è "Cupole rosse e bianche". L'artista applicò le rigide regole della musica nell'arte, convinto che anche quest'ultima possa essere governata da leggi matematiche combinate. Era convinto che ci fossero dei legami tra il mondo oggettivo e il mondo fenomenico, rifiutando dunque l'astrattismo assoluto. Per Klee l'artista era una sorta di interlocutore capace di comunicare con la forza creativa della natura a cui deve ispirarsi. Paragona quindi l'artista ad una albero, che affonda le radici nella terra, e trasmette tutto all'esterno con il suo tronco e la sua chioma. Per questo definirlo un pittore astratto è un po' una forzatura. D'altro canto fu lui il primo a dichiarare di non voler essere accostato a nessun altro movimento artistico, voleva essere isolato, esprimere un'arte tutta sua.

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L'astrattismo lirico e il periodo freddo

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L'astrattismo lirico e il periodo freddo

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Kandinskij ebbe due fasi artistiche: l'astrattismo lirico (prima della guerra mondiale) e il periodo freddo (dopoguerra). Il primo è caratterizzato da dipinti con colorazioni intense che dovevano smuovere le anime degli spettatori come se fossero dei suoni di una sinfonia; il secondo è caratterizzato da un estremo rigore formale che si manifestò attraverso la scelta di figure geometriche ed elementari.

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Vasilij Kandiskij, Quadro con arco nero, 1912. Olio su tela, 1,18 x 1,98 m. Parigi, Musèe National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou.

Esemplifica in modo magistrale la complessa teoria sulla forma e sul colore maturata dall'artista durante la prima fase della sua carriera. Com'è noto dalla teoria dei colori, la somma di rosso e blu determina il viola: Kandiskij avrebbe spiegato questa fusione individuando nel blu e nel rosso dei caratteri contrapposti, capaci però di poter originare il viola.
Il dipinto rappresenta tre grandi macchie: due in basso (una rossa a destra e una blu a sinistra) e una in alto di color violetto.

Il blu è freddo e ha un carattere centripeto, quindi si dirige verso il centro;

Il rosso è caldo e ha un carattere centrifugo, quindi tende a dirigersi verso l'esterno;

Le due macchie cromatiche sono collegate da un arco nero, che parte dalla macchia blu, si flette nella macchia violetta e scende fino al cuore della macchia rossa. Questo simboleggia la conciliazione tra caratteri opposti.
Nel complesso abbiamo un'opera che ci presenta un'arte completamente scollegata dal mondo fenomenico, portando in auge il tema dell'astrattismo assoluto (al contrario di Klee).

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Il Simbolismo è un movimento culturale sviluppatosi in Francia nel XIX secolo, fu un modo di concepire l’arte in maniera innovativa e avanguardistica rispetto al classicismo delle accademie. Il simbolismo si sviluppa da evoluzioni di alcuni aspetti del Romanticismo come l’attenzione al reale, il misticismo, la spiritualità.

Nacque inizialmente come movimento letterario (1886) tramite la pubblicazione de “Il Manifesto del Simbolismo”, il suddetto celebra la poesia e l’arte come particolari forme di conoscenza, nella convinzione che la realtà sensibile celasse verità spirituali che in pochi riescono a cogliere, come poeti e artisti in generale. Nel campo delle arti figurative  si comincia a parlare di Simbolismo nel 1891 con l’articolo intitolato “Le Symbolisme en peinture” , nel quale Aurier sostiene che un’arte simbolica debba comunicare idee e non ridursi ad una semplice testimonianza della realtà, facendo riferimento alla visione soggettiva dell’artista.

Il fenomeno artistico del Simbolismo fu in realtà molto più complesso. Esso ebbe origine ben prima del 1891, a  questa data si deve la sua teorizzazione ma la pittura simbolista esisteva già da una trentina di anni. La caratteristica  che accomuna tutti i simbolisti è la volontà di indagare la realtà per andare oltre la mera apparenza e coglierne i significati, i simboli, più reconditi.

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Arnold Böclin, L’isola dei morti, 1886. Olio su tela, 80 x 150 cm. Lipsia, Art Museum.

La scena, ambientata poco prima del tramonto, rappresenta un mare color petrolio, denso e calmo, sormontato da un cielo scuro e minaccioso, velato da nubi compatte e impenetrabili. È osservabile una piccola imbarcazione spinta da un nocchiero visto di spalle che rappresenta un chiaro richiamo al personaggio classico dantesco di Caronte. Sulla prua sono visibili una bara, coperta da un telo sul quale è posta una ghirlanda di fiori rossa, e una figura in piedi, anch’essa di spalle, coperta da un sudario, che potrebbe identificarsi simbolicamente con l’anima che accompagna il corpo o con la Morte stessa.

https://www.artesvelata.it/isola-dei-morti-bocklin/

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Giorgio de Chirico, Enigma dell’ora, 1911. Olio su tela, 55 x 71 cm. Firenze, Collezione privata

Tra le opere di de Chirico più rappresentative vi è L’enigma dell’ora.  L’opera raffigura un porticato, uno dei tipici soggetti insieme ai manichini, utilizzati da de Chirico nelle sue opere.

Dall’ombra del  porticato, sovrastato da una loggia, si scorge una figura umana scura misteriosa. Ma è presente un’ulteriore figura, questa volta di colore bianco, di fianco ad una vasca ed inondata da raggi solari pomeridiani.

Non si possono, assolutamente, non notare le somiglianze della muratura del portico con quelle dell’Ospedale degli Innocenti di Brunelleschi.
https://www.artesvelata.it/enigma-ora-persistenza-memoria/

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Giorgio de Chirico, Le Muse inquietanti, 1917. Olio su tela, 97 x 66 cm. Milano, Collezione Mattioli

Altra opera, oltre che significativa, anche iconica è Le Muse inquietanti. Conosciutissima opera, dipinta in periodo di guerra, rappresenta due tipici soggetti, precedentemente menzionati: una piazza vuota con due manichini-vestali con teste ovali.

Il contesto è evidentemente illogico, in cui appaiono tre manichini su una pavimentazione di legno e sullo sfondo una fabbrica vuota ed il castello estense di Ferrara.

La figura in piedi è rappresentata come una colonna ionica sormontata da un busto ed una testa ovale priva di viso, proprio come la figura sullo sfondo che allude ad una statua antica. La terza figura è stata dipinta con l’intenzione di voler raffigurare una madre, di famiglia etrusca o romana, con braccia raccolte sul ventre formoso,  testa appoggiata ai piedi e curiose linee di sartoria disegnate. Altro particolare è la scatola colorata che probabilmente ne raffigura una di dolciumi, data la presenza di un bastoncino di zucchero.

Un paesaggio inondato da una luce di un sole al tramonto. Infatti tipici sono i colori tendenti sul rosso-marrone, con ombre allungate. Forte è il senso di vuoto creato dai colori, soggetti che non rappresentano persone, ed un paesaggio desolato. Queste “muse” sono dipinte come se fossere in un palco vuoto senza pubblico. Inquietanti perché l’artista attraverso esse ci spinge a dialogare con il mistero.

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Auguste Rodin, Il bacio, 1888-89. Marmo, 181,5 x 112,3 x 117 cm.  Parigi, Musée Rodin.

Analisi dell’opera

Il bacio è un gruppo scultoreo realizzato, intorno al 1882, dal francese Auguste Rodin. Il soggetto di quest’opera è ispirato alla vicenda di Paolo e Francesca narrata da Dante all’interno della Divina Commedia. I suddetti simboleggiano gli amanti per antonomasia.  Inizialmente Rodin pensò a questa scultura per la “Porta dell’inferno”, lasciata poi incompiuta. Tramite quest’opera Rodin volle rendere giustizia a tematiche come l’amore e la dannazione eterna, andando a simboleggiare il tutto con la rappresentazione dei protagonisti del V canto infernale. Successivamente Rodin decise di fare del Bacio una scultura a sé stante, realizzandola in un primo momento in gesso. La versione finale, in marmo, fu mostrata all’Esposizione universale di Parigi del 1889.

I due soggetti, nudi e collocati su una roccia, sono rappresentati nell’attimo del bacio. La donna si abbandona all’abbraccio, circondata dal corpo vigoroso dell’uomo. I volti nascosti dei due amanti sembrano fondersi tra loro e scomparire, a simboleggiare la perdita di individualità che cede il posto all’unione che li condannerà ad essere invisibili per sempre. Nell’inferno dantesco, infatti, le anime di Paolo e Francesca furono condannate a volare affiancate per l’eternità.

Rodin  volle rendere quella celebre coppia quasi anonima, in modo tale che ogni innamorato, osservando la scultura, potesse immedesimarsi negli sfortunati amanti. Il gruppo scultoreo fu concepito per essere osservato da ogni lato ma prevale la composizione piramidale. La roccia sulla quale poggiano i due soggetti è incompiuta, un tributo a Michelangelo, in contrasto con i corpi levigati.

Rodin fu il primo scultore ad abbandonare il Neoclassicismo, viene considerato il progenitore della scultura moderna. All’epoca il il Bacio fece scalpore proprio per la raffigurazione di una scena con alta carica erotica e grande passione, considerata eccessiva al tempo.

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Guernica di Picasso è considerato il suo più celebre capolavoro.
L’opera, dipinta nel 1937, si riferisce alla cittadina di Guernica che il 26 aprile 1937 fu bombardata dai nazisti i quali erano intervenuti al fianco di Francisco Franco nella guerra civile spagnola. Picasso con quest’opera ci dà una rappresentazione non meno violenta di quella provocata dai bombardieri tedeschi. La scena si svolge in uno spazio aperto e buio. Troviamo molte figure rappresentate, leggendo il quadro da sinistra verso destra scorgiamo: una donna che tiene in braccio un bambino morto; un toro; un guerriero caduto e smembrato che tiene una spada spezzata e un fiore; un cavallo illuminato da una lampada accesa; una figura femminile; due donne, la prima in fuga, l’altra alza le braccia al cielo mentre si affaccia da un palazzo in fiamme. Quest’opera è ricca di simboli, ad esempio il toro e il cavallo simboleggiano rispettivamente i nazisti e il popolo spagnolo vittima delle brutalità dei nazisti, oppure la lampada elettrica che ha la forma di un occhio e simboleggia l’occhio di Dio che giudica la miseria dell’umanità. La composizione della scena richiama l’impostazione di un trittico. Sono presenti due assi visivi che dividono la scena e un terzo asse centrale che è adottato da Picasso come asse di simmetria. Il gruppo di figure poste al centro della tela sono raccolte in una piramide. Gli elementi di quest’opera sono composti in modo da creare una viva sensazione di movimento, infatti seguendo i profili delle figure si colgono alcune linee curve che rendono visibile l’onda di  distruzione e di morte che investe la scena. Per dipingere quest’opera Picasso utilizza colori come il grigio, il bianco e altri tendenti al nero oltre il nero stesso. Inoltre adotta il linguaggio cubista, lo spazio è annullato e consente la visione simultanea dei singoli episodi. Questa scelta artistica eleva il bombardamento di Guernica a simbolo di tutti gli atti di distruzione e le tragedie causati dalle guerre.

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Il Futurismo nacque ufficialmente nel 1909, con la pubblicazione sul “Figaro” del Manifesto Futurista firmato da Filippo Tomaso Marinetti.
Nel 1910 un gruppo di pittori, Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Gino Severini e Luigi Russolo, lanciarono il Manifesto della pittura futurista.
Questi artisti hanno mantenuto un forte legame con il movimento da cui si erano formati, ovvero il Divisionismo. Nelle loro opere trasferivano la funzione simbolica, come le vibrazioni luministiche e la tecnica delle pennellate puntiformi o filamentose.

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Delle caratteristiche interessanti del Futurismo sono l’abolizione della prospettiva tradizionale e la moltiplicazione dei punti di vista, ma ciò che identifica il movimento è il “mito del progresso”, “l’elogio alla velocità”. Il soggetto principale diventa la città nuova, tecnologica, aggressiva, rampante.

Le linee forza
Una particolarità dei quadri futuristi sono le “linee-forza”. Sono la solidificazione dei raggi di luce e servono a proiettare lo spettatore al centro del quadro.
Se viene rappresentato un tumulto, la folla con i pugni alzati e la rumorosa cavalleria, queste vengono raffigurate come linee-forza che corrispondono a tutte le forze in conflitto. Queste linee devono trascinare lo spettatore nel quadro e farlo lottare con i personaggi. In poche parole le linee-forza sono la visualizzazione di una sensazione dinamica, come la scia lasciata da un oggetto molto veloce.

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La citta che sale, 1910.
Olio su tela, 1,99x3,01 m.
New York, MoMA

La città che sale  è considerata  il primo capolavoro futurista di Boccioni.
Preceduto da una serie di bozzetti, inizialmente intitolato Il lavoro rappresenta un ulteriore riflessione sul tema del mondo urbano.  Per dipingere quest’opera, Boccioni fece riferimento al cantiere finalizzato alla costruzione di una centrale termoelettrica a Milano.

Dipingendo la città che sale, Boccioni disse “innalzare alla vita moderna un nuovo altare, vibrante di dinamica, altrettanto puro ed esaltatore di quelli che furono innalzati dalla contemplazione religiosa al mistero divino”.

Il vero soggetto del quadro è la celebrazione della modernità, legata al progresso industriale, e della frenetica crescita della città, in un vortice di movimento e di luce.
La città che sale rappresenta una periferia urbana in costruzione. Si notano in primo piano quattro cavalli tre dei quali sono hanno colorazione  rossa mentre uno ha un manto bianco.

Questi cavalli sono impegnati a trascinare carichi pesanti con l’aiuto di un gruppo di uomini in uno sforzo spasmodico. I profili blu delle loro groppe assomigliano ad ali.

Tra gli animali, gli operai sembrano fluttuare trascinati da un vortice potentissimo. Sullo sfondo si  scorgono i cantieri di alcuni palazzi, un palese omaggio alle conquiste della tecnica, e ancora più in lontananza le ciminiere fumanti, simbolo dello sviluppo industriale.

L’impianto generale della scena è impostato sulle diagonali, proprio per rendere l’effetto di un accentuato dinamismo. Per lo stesso motivo, le forme sono tutte basate su linee curve.

La compenetrazione visiva tra cavalli e  gli uomini, che si trovano in primo piano, gli edifici dello sfondo determina una vera e propria unità spaziale tra soggetto e ambiente, frutto di delle riflessioni riguardanti il tema spazio-tempo che riscontriamo anche nel movimento del cubismo.

La tecnica, ancora divisionista, rende l’immagine pulsante. Le pennellate hanno andamenti ben direzionati e contribuiscono a evidenziare le linee di forza e a suggerire il movimento delle figure. Uomini e cavalli sono privi di contorni e quasi trasparenti, in quanto le loro sagome sono ottenute unicamente dall’unione dei corpuscoli colorati che formano onde di moto.

https://www.artesvelata.it/boccioni-citta-sale-pittura-futurista/

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Forme uniche nella continuità dello spazio, 1913
Bronzo, altezza 1,12 m.
Milano, Museo del Novecento

Boccioni nel 1912 cominciò a dedicarsi anche alla scultura, riproponendo il suo pensiero anche quì. Boccioni celebrò “l'antigrazioso”, ovvero il brutto espressivo. Rifiutò la riproduzione veristica e la tradizionale scultura con marmo e bronzo. Secondo Boccioni molteplici materie devono concorrere a creare l’emozione plastica.

Secondo Boccioni, inoltre, la scultura futurista doveva possedere gli elementi architettonici dell’ambiente in cui vive il soggetto rappresentato, in modo da diventare una “scultura d’ambiente”.

Capolavoro scultoreo realizzato nel 1913, è tra le opere che meglio incarna l’aggressiva energia di un’affermazione di Boccioni: “siamo i primitivi di una nuova sensibilità“. A capo il soggetto primario della statua è il concetto stesso della corsa umana.

La figura è alterata, l’uomo diventa una sorta di uomo macchina privo di braccia e con la piccola testa aerodinamica.
È l’emblema dell’uomo veloce, protagonista indiscusso dell’era moderna. La figura si modella in stretta relazione con lo spazio circostante, che essa scinde nella sua corsa e nel quale appare dilatarsi. Lo sterno sporge come una prua, i polpacci e le cosce sembrano spinti all’indietro dalla pressione dell’aria e si trasformano in pinne taglienti. Il profilo si sviluppa come una sequenza di curve concave e convesse.

Di quest’opera esiste una versione originale in gesso e alcune versioni fuse in bronzo conservate in diversi musei e collezioni private, in Italia e nel mondo.

La statua è stata ripresa come effigie sulle monete da 0,20 € coniate in Italia.

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GUSTAV KLIMT, Giuditta

Autore: Gustav KLIMT

Titolo: Giuditta

Data: 1901

Dimensioni: 84 x 42 cm

Tecnica: Olio su tela

Ubicazione: Vienna, Östereeichische Galerie (Belevedere)

Presentazione e descrizione: L’eroina biblica Giuditta, figurata come gemme fatalale, vede come modella Adele Bloch-Bauer: l’eroina biblica ha fra le sue mani la testa del decapitato Oloferne.

Analisi critica: L’espressione della donna è piena di sadico godimento, anch’ella con una ben visibile divisione fra testa e collo data dal collare barbarico. Inoltre, è in questo quadro che viene proposto per la prima volta quello che verrà definito come “periodo aureo” in quando lo sfondo del dipinto  è interamente fatto in oro..

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Autore: Gustav KLIMT

Titolo: Il bacio

Data: 1908

Dimensioni: 1,8 x 1,8 m

Tecnica: olio su tela

Ubicazione: Vienna, Osterreichische Galerie

Presentazione e descrizione: Una delle opere più famose di Klimt, il cui tema ricorrente è l’amore romantico, realizzata nel suo periodo di soggiorno italiano nel 1903. Pone in evidenza il suo periodo aureo, in cui vi è la rappresentazione di mosaici bizantini con sfondo d’orato. Due amanti, un uomo e una donna non identificati, si abbracciano su un dosso fiorito ricoperti con ampie vesti gialle. La donna inginocchiata, con il capo chino poggiato sulla propria spalla, ha lo sguardo rivolto verso l’osservatore. E’ sostenuta dalla mano dell’amato, il quale accoglie la sua donna in un abbraccio protettivo.

Analisi critica: L’indeterminatezza dei corpi è rappresentata dalla natura amorosa del loro rapporto; ma anche l’oro del fondo mette in risalto l’incorruttibilità dello spazio e del tempo, rendendoli eterni. La rappresentazione dello spazio è concentrata prevalentemente su giochi cromatici, richiamando i mosaici bizantini. La superficie dell’opera è perfettamente realizzata con minuziose decorazioni di fiori e motivi geometrici. L’astrazione della pittura termina con la rappresentazione della figura umana. I due non hanno né volume né corpo ma lì dove si intravedono mani, braccia e dorso la rappresentazione è reale.

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la persistenza della memoria, conosciuta anche come “gli orologi molli”, fu dipinta da Salvador Dalì nel 1931. Il quadro fu esposto nel gennaio dell’anno seguente alla mostra retrospettiva dedicata ai surrealisti nella galleria Julien Levy di New York e poco dopo fu acquistato dal Museum of Modern Art.

Per realizzare quest’opera Dalì trasse ispirazione, una sera a cena, da una forma di formaggio francese, il Camembert, che riscaldandosi aveva cominciato ad allungarsi e ad ammorbidirsi nel suo piatto.

L’opera rappresenta un paesaggio di Port Lligat, con gli scogli aguzzi della Costa Brava in Spagna, e un ulivo secco e malinconico in primo piano. La composizione è fortemente asimmetrica, tutta sbilanciata verso sinistra. la luce è frontale e genera ombre profonde sulla superficie degli oggetti presenti.

Due orologi molli e viscidi penzolano dall’albero da un cubo, mentre un terzo si adagia sopra una inquietante sagoma biomorfa, una sorta di figura “ciliata”, simbolico autoritratto dell’artista. Un quarto orologio, duro, compatto e chiuso, è assalito da un cumulo di formiche brulicanti.

La scena risulta spiazzante per l’osservatore, non solo per l’irrazionalità del soggetto ma anche per l’inconsueto accostamento dei colori, che sono o molto scuri o molto chiari e sia caldi sia freddi: e cioè il celeste del cielo e degli orologi molli, il rosso dell’orologio rigido, il marrone rugginoso e il nero dell’ambiente, il giallo della luce dei monti sullo sfondo.

Dalì intendeva dimostrare che il trascorrere del tempo, misurabile da un punto di vista scientifico, è invece variabile nella percezione umana, segue solo la logica degli stati d’animo ed è relativo ai bisogni e ai desideri di ciascun individuo: scorre infatti rapidissimo se si è felici e invece appare lento in una condizione di noia o di tristezza

Le regole del tempo scandito dall’orologio sono rigide (minuti di 60 secondi, ore di 60 minuti) ma le regole del tempo percepito sono elastiche.

L’occhio addormentato simboleggia, invece, lo sguardo delirante del sogno, quello generato dall’inconscio, che sottrae alla realtà quotidiana