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Generalmente no me considero una persona que vea películas que puedan ser consideradas “mainstream” o “super conocidas” por el público general. De vez en cuando llego a enterarme de contenidos populares por medio del internet donde paso gran parte del tiempo y conozco producciones así generalmente de segunda mano, ya sea por opiniones de amigos y conocidos o incluso por memes que se hacen relacionados con alguna franquicia o serie. A pesar de no ser una fanática muy ávida de Black Mirror, reconozco que en gran parte el desarrollo y las temáticas que se abordan en la antología de ciencia ficción son cosas que se encuentran muy presentes en el mundo actual, la forma en la que las redes sociales nos cambian o como la tecnología afecta nuestra vida como seres humanos es un elemento siempre presente en contenidos similares. Aún así, decidí animarme a ver Bandersnatch y poder experimentar con un tipo distinto de película, si es que se le puede llamar de esa manera. Tengo que admitir que mientras la veía, busqué apoyo en internet para ayudarme a llegar a todos los finales y comprender de mejor manera lo que estaba sucediendo en la trama, pero en todo el tiempo no pude evitar sentir que era comparado con un videojuego. La serie menciona que se trata de esta historia relacionada con los libros de “haz tu propia aventura” pero principalmente creo que la forma en la que estamos contando historias hoy en día como videojuegos con historias cada vez más complejas y profundas en las que la decisión del jugador es vital, se ha convertido en una de las cosas que más me gustan de cómo estamos consumiendo contenidos transmedia hoy en día, es por eso que me da gusto que haya obras como esta o incluso la anterior mencionada de Minecraft con la que podemos ir acortando la brecha y el tabú que existe entre los videojuegos y los contenidos más serios como películas y series.

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Escogí principalmente esta película guiándome por tanto la disponibilidad de una historia comprensible al no tener conocimiento del idioma original, pero también como una decisión deliberada sobre un filme más contemplativo y artístico que a los que normalmente estamos acostumbrados. Como artista, me considero principalmente atraída a las cosas que tienen cierto cuidado y decisiones exactas que permitan apreciar la cultura y el arte visual en un filme, pero mentiría si digo que la película Maya Darpan (también conocida como el espejo de la ilusión) es una historia que pueda llegar lejos sino fuera por las tomas que el director decidió tomar. Se siente más como estar presenciando una obra de arte en proceso a consumir directamente el movimiento y las circunstancias de un dilema ético en la historia. Es por eso que quizás diría que no es una película para todos, pero que si uno se quiere adentrar en el mundo del arte y comprender más a fondo el cómo diversas culturas y países pueden llegar a expresarse por medio del cine; deberían verla al menos una vez en la vida.

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La guerra del Líbano es curiosamente uno de los conflictos armados más recientes dentro de la historia global pero uno de los menos comprendidos por las nuevas generaciones y los jóvenes de la actualidad. Es por eso que esta película me parece muy relevante no solamente por su carácter mezclado entre ficción y documental, sino porque busca acercar a las audiencias de todo el mundo al conflicto que comenzó y que sigue aún vigente hoy en día en el Líbano, Israel y Palestina. Tomado desde el punto de vista de los israelíes, la película es indudablemente apologética sobre las vivencias y experiencias del ejército del país y su intervención en los países árabes. Indudablemente de un punto de vista parcial hacia el sionismo, el director nos habla no solamente como una propaganda para apoyar y confiar en los esfuerzos del ejército en estos países, sino más bien busca mostrarnos que en las guerras no hay bandos buenos y malos, sino más bien personas que tristemente sufren y tienen que atenerse a las consecuencias de lo que sucede en su vida a lo que no siempre tienen control. Aunque es difícil hacer mención del tema sin tener que escoger un lado o jugar al abogado del diablo, es importante hacer la distinción entre los habitantes que viven bajo un gobierno y la fuerza bélica que inicia una guerra contra otro país. La matanza de Beirut siempre se nos es relatada como una catástrofe que más de un soldado intentó evitar, pero que indudablemente mostraría el verdadero rostro detrás del movimiento sionista y la expansión de Israel que rompería y sigue rompiendo los derechos humanos.

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Esta fue una película que decidí empezar a ver primero por la estética y por los interesantes ángulos de cámara. Considero que el director es uno de los más llamativos no solo por la forma en que aborda diferentes temas en sus obras, sino porque al poder utilizar recursos como la paleta de color o los cambios de ángulos y de cámara nos muestra una historia en la que los principales personajes no son los actores que aparecen en escena, sino la ciudad de Hong Kong misma. Al tener varias historias que van relacionándose unas con las otras, podemos ver no solamente la forma en la que las vidas de todos están relacionadas sino también podemos apreciar un tema recurrente sobre la soledad, la tristeza, el hastío del mundo urbano y la forma de reencontrarse con uno mismo cuando no estamos seguros de quienes somos. Sinceramente fue una película que me gustó mucho por el apartado visual, pero me inspiró a poder ver más películas del director porque creo que sinceramente hay muchas cosas que puede decirnos sobre todo este nuevo mundo artístico en sus películas.

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Escogí ver esta película incluso antes de que supiera que se encontraba entre las propuestas para la clase, esto porque siempre he sido muy fanática de la cultura japonesa y la película de Juzo Itami siempre se ha considerado como un hito en el cine del país. Me parece que aunque la película es más bien un drama con tintes de comedia, es fácil darse cuenta de las influencias de la comedia tradicional japonesa que puede no ser del todo comprendida por todos los espectadores, al haber vivido un tiempo en el país y conocer la cultura; siento que tengo un punto de vista en el que puedo entender ciertas bromas o chistes dentro de la película como una lectura intertextual con la que seguramente las audiencias japonesas se morían de risa. Pero también es muy relevante darse cuenta que este “ramen western” habla mucho sobre las expectativas de una sociedad cambiante en la que el futuro se ve prometedor, a pesar de que el pasado no sea necesariamente lo mejor. Un ejemplo de esto es como Tampopo busca mejorar en el Ramen no solamente para tener éxito en su negocio, sino para cumplir una meta personal en su vida. La mayoría de los personajes buscan apoyar a Tampopo de miles de maneras como les sea posible a pesar de no recibir nada a cambio, todo por el único gusto de hacer el bien, es justamente este tipo de actitudes desinteresadas en las clases trabajadoras lo que llena de esperanza a un Japón sumido en las crisis financieras y la presión internacional por adaptarse, finalmente se convierte en una forma de avanzar pero sin dejar de ser quienes somos y buscar aprender más a cómo ser la mejor versión de nosotros mismos.

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Desde que escuché el título de esta película tuve la curiosidad por primera vez de verla. Me parece que es un filme bastante rebelde y también muy profundo que no siempre es analizado de la misma forma por todos quienes lo ven, algunos pueden ver un significado y otras personas creer que el correcto es otro, sin embargo esto solo habla de la gran calidad del director que logró crear una película y presentarla de una manera que no solamente fuera analizada por muchos años después sino que también lograra producir a pesar de las condiciones de censura en la República Popular de China. Generalmente se aprecia al director por su uso del color, el cual es muy significativo en esta película desde un inicio ya que las lámparas rojas son el principal detonante de la trama, simbolizan no solamente a la esposa favorita del maestro y la casa donde pasará la noche, sino también un símbolo de su opresión y de su competencia de unas con otras en las que terminará por haber traiciones, injusticias y hasta la muerte. No es coincidencia que la bandera del país sea principalmente de este color ya que considero que va muy relacionado de la forma en que el gobierno del país también se comporta dándole prioridad a los ciudadanos obedientes y censurando o incluso matando a aquellos rebeldes, claro que no puedo ignorar también la parte feminista y de cómo las mujeres terminan por traicionarse entre ellas para solo beneficiar al dueño de la casa, como perpetuando el mismo círculo machista que persiste incluso en países afuera de la República Popular China.

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En un principio, decidí ver la película porque me pareció que la cultura Armenia es muy interesante y desconocida para la mayoría de nosotros, si bien porque no es un país tan popular en la escena global o por la misma zona occidental en la que vivimos donde la mayoría de las cosas están orientadas más bien a Estados Unidos, Atom Egoyan es un director que a pesar de ser canadiense se atrevió a dirigir una película completa inspirada en la que es su misma cultura materna. Me pareció muy interesante como la mayor parte de la película transcurre únicamente en 3 mismos escenarios, la cámara realmente no cambia mucho y se mantiene en encuadres similares, pero a pesar de todo esto podemos entender y aprender mucho por lo que nos dicen los personajes, a pesar de que estos están intencionalmente en idiomas desconocidos para la audiencia. Es una forma muy profunda de analizar un rompimiento y la infidelidad en la pareja, si bien es claro que la forma de actuar del protagonista tampoco es la más madura, es en estos momentos de tristeza y vulnerabilidad en los que uno no siempre piensa de la forma más correcta y solamente busca recuperar lo perdido, es muy fácil que nos sintamos identificados con el protagonista porque casi todos hemos tenido una experiencia similar al menos una vez en la vida y esto mismo ayuda a que la película sea más fácil de entender a pesar de tener tantas murallas lingüísticas, de escenario y de narrativa no-lineal que terminan por formar una verdadera obra de arte.

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La escena “indie” de tanto el cine como la música y del arte siempre me han parecido muy atractivas, al final de cuentas el mundo sigue avanzando y la sociedad globalizada tiene cada vez nuevas maneras de irnos presentando como productos ante el consumismo y el capitalismo que rigen nuestro día a día, así que es interesante ver cómo algunos fanáticos y entusiastas del arte pueden ir encontrando poco a poco la manera de hacer realidad sus sueños artísticos y sus proyectos a pesar de no pertenecer a la élite de Hollywood o tener muchísimo dinero.
Es por esto que decidí ver la película Clerks (1994) y pude presenciar un poco más de estos cambios en el mundo del cine y de una nueva forma de ir creando cosas nuevas. Muchas personas consideran Clerks como una película de culto, la verdad es fácil ver por qué ya que a pesar de que no cuenta con las mismas características que hay en los grandes filmes de Hollywood, podemos ver un verdadero esfuerzo por parte de los creadores en hacer algo original y que se siente realmente auténtico.
Lo más destacable de la película son los diálogos, que están súper bien pensados y que van avanzando y fluyendo tan rápidamente como entre chistes, bromas y críticas bastante ácidas sobre lo que era el mundo para los jóvenes de la generación X.
Dante es nuestra ventana al mundo de la película y en quien se centra la mayor parte de ella. Primero lo vemos como un chico que busca ser responsable y esforzarse realmente por hacer bien su trabajo, asiste cuando se lo piden e incluso en sus días de descanso, mientras que su amigo Randall llega tarde y no le interesa mucho atender bien a los clientes, pero conforme la película va avanzando podemos ver que realmente Randall tiene una vida mucho más balanceada y feliz que la que vive Dante, es muy sabio en la mayoría de los aspectos y es un buen amigo, mientras que Dante al final termina por darse cuenta que no es tan responsable como él lo aparentaba, engaña a su novia y aún sigue obsesionado con su ex.
Es una crítica bastante atinada sobre cómo las personas pueden sentirse el protagonista en su vida y creer que están haciendo todo bien cuando realmente todos tenemos profundos defectos de los que a veces no tenemos ni siquiera la idea de lo que son. La película me ayudó a reflexionar bastante sobre mí misma y las relaciones con mis amigos y mi trabajo, pero sobre todo a darme cuenta que la vida es muchas veces una mezcla de comedia y drama y que en ocasiones está bien solamente dejarse llevar y no esforzarse tanto en el trabajo.

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Cuando decidí que iba a ver la película del dogma para la clase, la verdad no estaba muy segura de que debía esperar. Si uno busca en internet películas del movimiento de dogma la primera que sale como la película del movimiento es “FESTEN” o “La celebración” como se tradujo en Latinoamérica.
Para empezar me pareció muy interesante como durante toda la película se esfuerzan por mantener el estilo que habían declarado en los 10 mandamientos del movimiento dogma, pero al final de cuentas se puede apreciar que no se sigue al pie de la letra ya que hay varias escenas que hubieran sido imposibles sin romper una u otra regla para el bien de la trama.
Unos dicen que en el mundo del arte se tiene que dar una especie de lineamiento o regla para que el artista tenga de esa forma un impulso creativo por romperlas, en ese sentido las reglas del dogma ayudan mucho a que podamos crear una nueva manera de pensar en el cine y de crear nuevas formas y estilos para contar historias.
El conflicto principal en FESTEN surge por la revelación de que el padre de familia quien se celebra su cumpleaños, abusó sexualmente de sus hijos mayores lo que terminó por desatar el suicidio de su hija. Ahora que es adulto, su hijo mayor decide aprovechar la ocasión en la que están todos reunidos para revelarlo a todos los amigos y familiares. Aunque intentan callarlo, gracias al apoyo de la servidumbre, cocineros y mucamas de la hacienda donde se celebra la fiesta, nuestro protagonista sigue repitiéndoles a los invitados lo que sucedió hasta que su padre pueda encontrar alguna clase de excusa para desestimarlo.
El tema es lo más fuerte de la película que al final de cuentas es una situación que se da realmente en el mundo real y que muchas veces las víctimas suelen ser calladas por sus familiares ya que se pierde “el decoro y el honor” ante la sociedad, al final de cuentas Christian termina siendo atado a un árbol, golpeado e incluso a ser llamado loco por sus familiares toda la película hasta que después de mucho insistir su padre al fin acepta lo sucedido. Es un final algo agridulce ya que Christian al fin puede empezar a tener un cambio de página sobre su vida, pero su padre no recibe realmente otro castigo más que el repudio de sus invitados, que no se compara para nada al sufrimiento que sufrieron Christian y su hermana por tantos años.

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Que triste es ver esta película después de los sucesos del director y su producción. Debido a que se grabó en una zona contaminada, después de las varias grabaciones, ensayos y ediciones, el estar ahí provocó que muchos enfermaran y murieran después de esta película.

Es interesante como es que, hablando de este tema, las tomas hasta cierto punto son más sobre el ambiente en vez de los personajes de la historia, es como si quisiera expresar más a profundidad esta desesperanza y tristeza profunda donde las cosas ya no tienen sentido.

Me gustó mucho esa parte de la edición donde empieza en sepia y al momento de llegar a la zona deja este filtro y se puede apreciar el color del mundo, como regresar a la realidad de que no vale la pena o más bien, las cosas son como son.

La fotografía es bellísima (punto).

Pensaba que, en algún momento, en como iba a ir la película, iba a tener flashbacks confusos o momentos indecisos, pero realmente es muy entendible y es lineal. Tuve muchos problemas con la película, con respecto a la narrativa, entiendo que nada le estuviera saliendo bien al personaje principal, pero me sentí constantemente perdida con lo que estaba sucediendo, pero lo que más me dejó dudas es que su hija que al parecer tiene telekinesis mágicamente

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Tengo dos opiniones sobre esta película, una sobre su estética deslumbrante y otra el tema y asuntos importantes que toca.

Creo que finalmente puedo agregar otra película a mis favoritas. Me ha encantado como expanden estos personajes y como su ambiente es muy importante para reflejar su conducta y sus pensamientos, así como también da una reflexión sobre los inmigrantes en los países Europeos, que incluso hoy en día se pueden relacionar con lo que sucede en México.

La Heine fue basado en un evento de Francia donde un policía mató a un joven los suburbios. El director se pregunta de dónde vino tanto odio del policía como para jalar el gatillo y quitarle la vida a este joven. La película funciona como reflexión y para enseñar que Francia no es un país perfecto o más bien, ningún país lo es debido a que siempre hay asuntos con su propia sociedad como esta, donde se divide y se crean estas burbujas donde se piensa que todo está bien.

La película empieza con la historia de un señor que se avienta del piso 50 y mientras va cayendo, se repite a si mismo que todo está bien. Lo feo no era la caía si no el aterrizaje. Ésta frase da una critica a la sociedad actual donde las burbujas sociales se repiten a si mismas que todo está bien mientras al mismo tiempo hay guerras, personas están siendo afectas y il cosas más.

A través de los ojos de los protagonistas podemos ver el entorno y como es que los inmigrantes franceses son tratados, aislados y reprimidos por la policía.

La fotografía en esta película me ha encantado, las secuencias, los encuadres la narrativa visual, me recuerda mucho ha estar leyendo un cómic de los últimos años, donde es gráfico pero al mismo tiempo esconde elementos en su escenario sobre la narrativa. Intenté ver y leer varias noticias sobre esta película y me he quedado fascinada sobre la investigación y el tema que pega tan duro en México, sobre todo con el clasismo existente en el país.

Muy buena película sinceramente, la recomendaría y a volvería a ver. No puedo expresar lo mucho que me ha gustado y sobre todo lo poético que suenan ciertos diálogos entre los personajes, sin. Olvidar las actuaciones tan creíbles de los personajes. El odio es un película que muchos deberían ver, sobre todo aquellos que desean reflexionar sobre el estado actual de la sociedad.

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Al ver esta película me hizo reflexionar y ponerme en los zapatos de aquellas personas en México quienes salen de sus pueblos natales a trabajar por dinero. Aunque la película haya sido situada en el 66, este tipo de eventos siguen pasando hoy en día.

La historia me apareció muy lineal e interesante, incluso en la forma que fue grabada, tiene muchos elementos que forman parte de la historia, pero están escondidos, así como lo que es la mascara que tiene la protagonista, al inicio aparece cerca de otras mascaras que representa la unidad y su identidad estando en África y una vez llegando a Francia, esta identidad se va aislando y deteriorando hasta que sucede lo del final.

Leyendo un poco más en internet, descubrí que esta película es considerada como la primera película Sub-Sahara Africana y que además fue basado en una historia real.

Me sentí muy triste al ver la película y la poca empatía que tenían por ella y el trabajo que ella realmente quería realizar, la película se siente algo claustrofóbica debido a que es grabado casi en el mismo lugar, así como también, la protagonista es quien es más fácil de identificar a comparación de los miembros de la familia quienes se mezclan con las paredes blancas dela casa.

Me gustó mucho esta película así como también el tema tan serio que es perder tu identidad por personas que ni siquiera te consideran un ser humano.

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Usualmente las películas alrededor de los 50-60’s son un “hit or miss” para mi debido a que estoy muy acostumbrada a la forma visual y narrativa de las películas de estos últimos años. Al ver esta película, al inicio no se me hacía muy atractiva y no entendía que sucedía, pero mientras iba progresando, me sorprendía y estaba pegada a la pantalla sobre qué sucedería y su contexto. Investigué un poco sobre esta película, siendo el primer largometraje realizado por una mujer en Cuba y vaya que gran película.

Lo que más me gustó de esta película fue la narración, se sentía como documental, como una historia y como un film educativo al mismo tiempo, hubo momentos donde el personaje está siendo entrevistado, otros en donde hacen flashbacks e incluso momentos donde se explica el contexto en ese año y por qué las personas se comportan de esa forma.

No había visto una película con esta dinámica, en de esos años como esta, Sara Gómez realmente estaba muy adelantada a su tiempo, es hermosa su narración y sobre todo los temas de sus personajes como el “¿qué es ser macho? Y ¿cómo educar a la población?”

Simplemente una gran película, el inicio puede sentirse algo pesado pero es necesario para entender el contexto de toda la película que se siente como si fuera un reality de Cuba. Recomendado.

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A Woman Under the Influence ¿Qué es ser normal?

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A Woman Under the Influence ¿Qué es ser normal?

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En el momento que nos pasó el video donde se hablaba de esta película, me surgió la curiosidad de verla debido a que la escena que se mostraba era algo fuerte y hasta eso muy bien actuada.

Más adelante al terminar de ver la película, vimos que fue hecha para la esposa de su director que siempre quiso ser una actriz de broadway, pero al ser terminado el guión, su esposo se preocupó de que quizá su esposa no tendría la capacidad de actuar ocho veces a la semana, por ello hipotecó su casa y realizó este film.

Al iniciar, no sabía bien de qué trataba la película, sabía que era de una mujer que cumplía con su rol de ser ama de casa y su esposo como trabajador de una construcción. Al pasar el tiempo me di cuenta de que efectivamente, la mujer tenía un trastorno, pero me enojó demasiado el machismo de ese tiempo con la mujer y sobre todo cómo es que su cuñada la trataba.

Realmente todos estaban locos menos ella. Sí tenía un trastorno, pero en la forma que las demás personas le trataban, realmente ellos eran quienes estaban actuando de manera ridícula y errónea.

Creo que este largometraje expresa muy bien lo que es vivir en los 70’s con algún desorden mental y trae conciencia a los espectadores de que estos problemas existen pero no significa que la persona valga más o menos.

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Mi opinión con Cleopatra y claro, su documental

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Mi opinión con Cleopatra y claro, su documental

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Creo que lo más impactante para mi de todo lo sucedido en esta película no fue el Budget que usaron, ni tampoco los dramas dentro del mimo set y/o con FOX. Lo que realmente me impactó es que hayan tenido que cortar la mitad de la película dejando el papel de los actores muy cortos y otros ni siquiera apareciendo un suficiente tiempo en pantalla.

Cleopatra, a mis ojos, una película que claro, habla sobre esta misteriosa mujer, realmente demuestra la opulencia y el poder que tenía Hollywood en aquel entonces. Me es impresionante todos los sets, dirección, vestuario, maquillaje, siendo artista y dándole un valor enorme a la dirección de arte me es una fascinación a todo esto.

Ahora hablando sobre el documental en sí, pienso que es muy directa con la información, así como también con la entrevista de las personas que accedieron a hablar para este proyecto. Personalmente pienso que le faltó un poco al inicio debido a que era muy técnico y aunque sea muy importante todo esto, creo que se queda un poquito corto en información. Al llegar a la mitad del documental, mis ojos estaban pegados en la pantalla con todo lo que estaba sucediendo al momento de finalizar el largometraje pues es lo que más impacto causa.

Creo que Cleopatra es el claro ejemplo de que sin importar qué, a las compañías no les importa el contenido, solo generar el doble de ingresos.