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(Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

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El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.

No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.

El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.

Desde esta sección del portal Arteguias podra acceder a información y artículos relacionados con la arquitectura, escultura y pintura española del siglo XVI.

En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a dos subestilos o modalidades tan castizas como el plateresco y el estilo herreriano. En la página de escultura se dividen los artistas en los tres tercios de la centuria pues se trata de un arte en constante evolución. Trataremos escultores tan significativos como Vasco de la Zarza, Diego de Siloe, Juan de Juni, Alonso Berruguete, la familia Leoni, etc.

En lo concerniente a la pintura renacentista del siglo XVI hay que tratar a Juan de Juanes, Alonso y Pedro Berruguete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" pero muy especialmente el sublime y espiritual genio del manierismo "El Greco".

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Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.

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Es una escultura en relieve realizada por Miguel Ángel, cuando apenas tenía 16 años (se entiende por los detalles de la realización de las manos y pies)
Representa a una virgen sentada sobre un cubo de piedra, y sujeta a un niño sobre su regazo, que le está mamando.
El niño aparece ya como un pequeño gigante que se hunde en el regazo de la Virgen mostrando una espalda hercúlea y un brazo de marcado bíceps. Se perciben errores en la perspectiva y en la forma. Los pies de la Virgen, representados de perfil y no en escorzo, resultan muy pequeños respecto de la monumentalidad del cuerpo y sus grandes manos.
A la izquierda de la virgen aparece una escalera con niños sobre ella.
Es una obra inacabada.

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La Batalla de los centauros es una escultura en relieve en mármol del escultor Miguel Ángel datada cerca de1492 y que se guarda en el museo de la Casa Buonarroti de Florencia. Sus medidas son de 84,5 x 90,5 cm.

Está realizada en mármol de Carrara donado por Lorenzo el Magnífico para su realización, Ascanio Condivi resaltaen su biografía sobre Miguel Ángel, que fue ejecutada poco antes de la defunción de Lorenzo hacia principios de1492. El relieve representa la batalla entre los griegos y los centauros y seguramente la idea se la sugirió unbronce de Bertoldo imitando la batalla de un sarcófago romano y que se encontraba en aquel tiempo en el palaciode los Médici.

Representa la acción del rapto de la princesa Hipodamia (esposa de Pirítou) por un centauro, historia relatada porOvidio, la princesa se encuentra de espaldas, y la mitad de las figuras que serían los centauros, solamente se vela parte superior de sus cuerpos, por lo que da la impresión que el relieve son todo desnudos masculinos, tiene uncierto parecido con el relieve del púlpito de la catedral de Siena, de los condenados al infierno de Nicola Pisano.

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Después de la muerte de Domingo de Guzmán en 1221, sus restos fueron puestos el año 1233, en un simple sarcófago de mármol dentro del altar de una capilla lateral de la Basílica de San Domenico. Con el objeto de servisible para los fieles, en 1267 los restos del santo fueron trasladados a un monumento mayor decorado con episodios de la vida del santo, obra de Nicola Pisano y sus discípulos Fra Gugliemo Agnelli y Arnolfo di Cambio. Más adelante fue modificada su decoración por Niccolo da Bari(que a partir de esta obra sería más conocido como Niccolo dell'Arca),el cual realizó las estatuas de los cuatro evangelistas, de San Francisco de Asís, SantoDomingo de Guzmán, San Floriano, San Vitale y un Cristo muerto adorado por ángeles, todo coronado por laimagen de Dios Padre. Por la muerte en 1494 de este artista, se recurrió a Miguel Ángel para la terminación delas imágenes de San Petronio, San Próculo y un Ángel porta un candelabro haciendo pareja con el de Niccolodell’Arca. El año 1531 hizo el escultor Alfonso Lombardi, los bajo relieves para la predela de mármol del Arca con Escenas de la vida de Santo Domingo de Guzmán y la Adoración de los Reyes Magos.

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La Madonna de Brujas es una estatua de mármol realizada por Miguel Ángel. La estatua consta de una joven mujer vestida con una túnica larga y una capucha sobre su cabello. Está sentada ya que tiene las piernas un poco flexionadas, una de sus manos está apoyada sobre su rodilla deteniendo un libro. Tiene el rostro serio y sereno y mira hacia abajo. Junto a sus piernas hay un bebe desnudo con el cabello rizado. Está parado entre las piernas de la mujer y agarra su otra mano.

La Madonna de Brujas, es una representación de la Virgen con el Nino Jesús. Es una obra llena de belleza y sensibilidad que se puede relacionar con las emociones humanas. Sigue las pautas de la idealidad y lo hermoso. Representa el amor incondicional y la protección de una madre. Destaca la fuerza expresiva de los rostros de la madre y del hijo junto a la comunión profunda que se logra entre ellos a través de las manos.

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Desde 1545 en el lado derecho del transepto de la iglesia se puede admirar una de las obras maestras del arte del siglo XVI, el Moisés de Miguel Ángel.
La colosal estatua, esculpida en 1513 como parte del monumento fúnebre que Julio II había encargado a Buonarroti, fue completada tan sólo tras la muerte del papa que de hecho, fue enterrado en la basílica de San Pedro en el Vaticano.
La obra, influida por Rafael y Donatello, representa un majestuoso Moisés sentado, con las Tablas de la Ley bajo un brazo, mientras con la otra mano acaricia su larga barba, que según Vasari, fue esculpida con tal perfección que parecía más “trabajo de un pincel que de un cincel”.
El momento representado por miguel Ángel es el sucesivo a la entrega de los Diez Mandamientos en el Monte Sinaí, cuando Moisés encuentra  a los israelíes adorando un becerro de oro, símbolo de la adoración a dioses paganos.

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Tal y como era costumbre y gusto en el Renacimiento Italiano, Miguel Ángel Buonarroti talló la escultura de la Piedad de un sólo bloque de mármol. Para ello, el propio artista se personó en las canteras de los Alpes Apuanos, situadas al norte de la ciudad de Carrara, en la Toscana, donde eligió minuciosamente el bloque de mármol blanco en el que tallaría posteriormente la Piedad.

El tema de la Piedad, tanto en pintura como en escultura, representa el dolor de la Virgen María al sostener en sus brazos el cadáver de su hijo Jesucristo cuando éste desciende de la cruz.

"Piedad" fue un encargo del Cardenal de Saint-Denis para ser colocada en la Basílica de San Pedro en Roma. El contrato, firmado en el año 1498, especificaba el material, el tema, el tamaño, los plazos y el precio del encargo:

“una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural”

La obra se encuentra actualmente en la Capilla del Crucifijo, de la Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia.

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Una muchedumbre desnuda  de más de cuatrocientas personas, hombres y mujeres que ocupan toda la pared de la Capilla Sixtina de Roma. Una humanidad atormentada, se arremolina entorno a una figura gigantesca y poderosa de Cristo. ¡Es el Juicio Final! El fin de los tiempos, cuando Cristo ha de juzgar a los vivos y a los muertos.

A la derecha de Cristo una inmensa columna de personas, trabajosamente  van ascendiendo  para colocarse junto a los bienaventurados, los santos y los mártires; mientras, a la izquierda de Cristo una turbamulta es precipitada los infiernos.

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La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.

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En la mitología romana Baco era el Dios del vino y del éxtasis místico, en correspondencia con el Dionisios de los griegos.
Miguel Ángel opta por representar las dos primeras características. Baco de pie con la cabeza coronada de uvas y alza una copa como si fuera a proponer un brindis. Tiene la cabeza ladeada y la boca abierta. La postura inestable del dios refuerza la idea de que Baco esta ebrio. La pierna parcialmente levantada y el cuerpo inclinado hacia atrás hacen que parezca inseguro de sus pasos, tambaleante en su embriaguez. La pieza engrosaría la colección de antigüedades del banquero romano Jacopo Galli. Se trata de la escultura de tamaño natural más temprana de Miguel Ángel.
El sátiro detalle de Baco en la mitología clásica era una divinidad de la naturaleza que encarna los instintos salvajes del ser humano bajo aspecto antropomorfo, medio animal, pero más frecuentemente tenía patas y lomo de cabra, pezuñas hendidas y pequeños cuernos. Los sátiros eran los compañeros naturales de Baco y le seguían para participar en sus festividades y en sus excesos sibaríticos. Este se esconde detrás de la figura de Baco, y mordisquea las uvas que ha tomado de la piel de leopardo que el dios sostiene.
En esta estatua especialmente en los acabados de las extremidades, como la pierna del sátiro, fue donde Miguel Ángel empieza a perfeccionar el uso de la Broca para crear superficies con textura. La escultura puede contemplarse desde cualquier ángulo.