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GUSTAVE COURBET       Mujer con loro: Es verdad que en arte era habitual el desnudo femenino, pero sólo estaba bien visto en las Venus, o en todo caso en odaliscas. El desnudo era permitido en motivos mitológicos o históricos. Cuando alguien pintaba un desnudo como este de Courbet, era considerado directamente pornografía.   La puritana sociedad parisina lo consideró la pintura “falta de gusto”.                              Por supuesto, a Courbet le encantaba escandalizar. Más aún sabiendo que su obra era de una técnica excelente. Desde luego no le importaba representar desnudos explícitos. Nadie iba a cuestionar su talento.La señora del cuadro tiene la ropa tirada en primer plano. Las sábanas arrugadas se enrollan entre su pierna. Sus pelos están sueltos y alborotados. Su postura es relajada y la sonrisa en sus labios ya nos sugiere que acaba de practicar actividades poco decorosas. Un loro (suponemos que el perchero del fondo es suyo) va volando hasta la mano izquierda de la mujer, donde se posa. Para algunos este animal evocaría el orgasmo. Tamaño: 129.5 x 195.6 cm Técnica: óleo           Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York Fecha de creación: 1866  

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GUSTAVE COURBET       Mujer con loro: Es verdad que en arte era habitual el desnudo femenino, pero sólo estaba bien visto en las Venus, o en todo caso en odaliscas. El desnudo era permitido en motivos mitológicos o históricos. Cuando alguien pintaba un desnudo como este de Courbet, era considerado directamente pornografía.   La puritana sociedad parisina lo consideró la pintura “falta de gusto”.                              Por supuesto, a Courbet le encantaba escandalizar. Más aún sabiendo que su obra era de una técnica excelente. Desde luego no le importaba representar desnudos explícitos. Nadie iba a cuestionar su talento.La señora del cuadro tiene la ropa tirada en primer plano. Las sábanas arrugadas se enrollan entre su pierna. Sus pelos están sueltos y alborotados. Su postura es relajada y la sonrisa en sus labios ya nos sugiere que acaba de practicar actividades poco decorosas. Un loro (suponemos que el perchero del fondo es suyo) va volando hasta la mano izquierda de la mujer, donde se posa. Para algunos este animal evocaría el orgasmo. Tamaño: 129.5 x 195.6 cm Técnica: óleo           Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York Fecha de creación: 1866  

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GUSTAVE COURBET              El hombre herido: Courbet es el protagonista de este lienzo y aparece como si hubiera sido herido en un duelo.       La figura se presenta en escorzo, con la cabeza hacia atrás, colocada en diagonal y ante una referencia a la naturaleza. La luz resalta el agonizante rostro y la escasa sangre que se aprecia en la camisa blanca, en contraste con el tabardo marrón. Tamaño: 82 x 98 cm   Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1844 – 1854 

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GUSTAVE COURBET              El hombre herido: Courbet es el protagonista de este lienzo y aparece como si hubiera sido herido en un duelo.       La figura se presenta en escorzo, con la cabeza hacia atrás, colocada en diagonal y ante una referencia a la naturaleza. La luz resalta el agonizante rostro y la escasa sangre que se aprecia en la camisa blanca, en contraste con el tabardo marrón. Tamaño: 82 x 98 cm   Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1844 – 1854 

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GUSTAVE COURBET              El desesperado: Courbet se muestra todavía alejado del realismo, movimiento del que sería el máximo exponente (la pintura es demasiado teatral, casi romántica, reivindicando al artista como centro de la obra), pero sí vemos su legendario egocentrismo que alimentaba continuamente con escándalos: «si dejo de escandalizar, dejo de existir». Este cuadro forma parte de una colección particular Tamaño: 45 x 55 cm   Técnica: óleo           Ubicación: Colección privada Fecha de creación: 1844–1845

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GUSTAVE COURBET              El desesperado: Courbet se muestra todavía alejado del realismo, movimiento del que sería el máximo exponente (la pintura es demasiado teatral, casi romántica, reivindicando al artista como centro de la obra), pero sí vemos su legendario egocentrismo que alimentaba continuamente con escándalos: «si dejo de escandalizar, dejo de existir». Este cuadro forma parte de una colección particular Tamaño: 45 x 55 cm   Técnica: óleo           Ubicación: Colección privada Fecha de creación: 1844–1845

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DAUMIER                             Don Quijote y Sancho Panza: Sancho cabalga en su rucio en primer plano, recibiendo una fuerte iluminación mientras la figura desgarbada y estilizada de don Quijote se aprecia al fondo, en sombras.       Ambas figuras se sitúan en un paisaje desforestado, casi desértico. La personalidad más práctica y terrenal de Sancho se refuerza al estar más elaborada su figura mientras que la espiritualidad y el idealismo de don Alonso se encarnan en una ligera silueta. Debido a sus problemas visuales, Daumier trabaja al final de su vida con manchas, acercándose al Expresionismo.           Tamaño: 52 x 32.6 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Neue Pinakothek, Múnich                              Fecha de creación: 1866 - 1868  

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DAUMIER                             Don Quijote y Sancho Panza: Sancho cabalga en su rucio en primer plano, recibiendo una fuerte iluminación mientras la figura desgarbada y estilizada de don Quijote se aprecia al fondo, en sombras.       Ambas figuras se sitúan en un paisaje desforestado, casi desértico. La personalidad más práctica y terrenal de Sancho se refuerza al estar más elaborada su figura mientras que la espiritualidad y el idealismo de don Alonso se encarnan en una ligera silueta. Debido a sus problemas visuales, Daumier trabaja al final de su vida con manchas, acercándose al Expresionismo.           Tamaño: 52 x 32.6 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Neue Pinakothek, Múnich                              Fecha de creación: 1866 - 1868  

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DAUMIER                     Carruaje de tercera clase: por la clase del vagón ya conocemos la condición de sus ocupantes, pero si eso no es suficiente fijémonos en sus rostros cansados, desolados, en las miradas perdidas. Las figuras del fondo apenas son la imagen de una calavera, una caricatura de sí mismos. Parecen extraídos de las novelas de Dickens, de Balzac o quizás de los Miserables de Victor Hugo.  El foco de luz de la escena, centra la atención en las dos figuras femeninas y al lado de ellas, en la penumbra un niño duerme. Se trata de miseria cotidiana, con ella Daumier se encargó de hacer crítica social y sátira política.Con su realismo social, Daumier representó los pesares de la clase trabajadora, también él los padeció, murió ciego por causa de su trabajo, los ácidos de las litografías que realizaba semanalmente (hizo cuatro mil), lo dejaron sin vista.                      Tamaño: 65.4 x 90.2 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York Fecha de creación: 1864 

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DAUMIER                     Carruaje de tercera clase: por la clase del vagón ya conocemos la condición de sus ocupantes, pero si eso no es suficiente fijémonos en sus rostros cansados, desolados, en las miradas perdidas. Las figuras del fondo apenas son la imagen de una calavera, una caricatura de sí mismos. Parecen extraídos de las novelas de Dickens, de Balzac o quizás de los Miserables de Victor Hugo.  El foco de luz de la escena, centra la atención en las dos figuras femeninas y al lado de ellas, en la penumbra un niño duerme. Se trata de miseria cotidiana, con ella Daumier se encargó de hacer crítica social y sátira política.Con su realismo social, Daumier representó los pesares de la clase trabajadora, también él los padeció, murió ciego por causa de su trabajo, los ácidos de las litografías que realizaba semanalmente (hizo cuatro mil), lo dejaron sin vista.                      Tamaño: 65.4 x 90.2 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo Metropolitano, Nueva York Fecha de creación: 1864 

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DAUMIER                                La lavandera: Sobre este tema de la lavandera, existen tres versiones muy cercanas, de las que la primera aparece en el Salón de 1861. Como cuando Millet, dejando de lado el folclore, echa una mirada sobre el mundo campesino, durante los años 1850, se ejerce aquí un análisis semejante de los trabajadores urbanos. La Lavandera de Daumier afirma su tipo social marcado por su dura y repetitiva tarea.          El cuidado con el que atiende las figuras demuestra lo suficiente del peso de éstas sobre las almas y los cuerpos. Distinguimos la mezcla de resignación y de ternura, en la madre que ayuda a su hija para que suba hasta el más alto escalón. Con la pala en la mano, la niña ya parece que se va a dedicar a perpetuar la tarea materna. En el segundo plano, la composición está cerrada por las viviendas de un muelle Parisino, pantalla de luz, sin duda previamente observado con precisión, pero cuya inacabada factura otorga a la escena toda una dimensión simbólica. Tamaño: 49 x 36.5 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1861

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DAUMIER                                La lavandera: Sobre este tema de la lavandera, existen tres versiones muy cercanas, de las que la primera aparece en el Salón de 1861. Como cuando Millet, dejando de lado el folclore, echa una mirada sobre el mundo campesino, durante los años 1850, se ejerce aquí un análisis semejante de los trabajadores urbanos. La Lavandera de Daumier afirma su tipo social marcado por su dura y repetitiva tarea.          El cuidado con el que atiende las figuras demuestra lo suficiente del peso de éstas sobre las almas y los cuerpos. Distinguimos la mezcla de resignación y de ternura, en la madre que ayuda a su hija para que suba hasta el más alto escalón. Con la pala en la mano, la niña ya parece que se va a dedicar a perpetuar la tarea materna. En el segundo plano, la composición está cerrada por las viviendas de un muelle Parisino, pantalla de luz, sin duda previamente observado con precisión, pero cuya inacabada factura otorga a la escena toda una dimensión simbólica. Tamaño: 49 x 36.5 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1861

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CAILLEBOTTE                         El puente de Europa: La obra representa una escena parisina, un puente sobre la estación de tren San Lázaro (Gare Saint-Lazare), en una mañana de primavera. Caillebotte usa dos puntos de fuga, el principal situado en el sombrero de copa sobre la cabeza del hombre, mientras que las líneas del puente, los edificios, las aceras y la sombra del perro proporcionan el segundo punto de fuga. Presumiblemente Caillebotte se ayudó de la fotografía para realizar este trabajo como lo hizo con otra obra pintada en esa época: Rue de Paris: temps de pluie. Estas obras reflejan el gusto del pintor por hacer de París su escenario favorito de esa etapa.                           Tamaño: 125 x 181 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Petit Palais de Geneve                              Fecha de creación: 1876  

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CAILLEBOTTE                         El puente de Europa: La obra representa una escena parisina, un puente sobre la estación de tren San Lázaro (Gare Saint-Lazare), en una mañana de primavera. Caillebotte usa dos puntos de fuga, el principal situado en el sombrero de copa sobre la cabeza del hombre, mientras que las líneas del puente, los edificios, las aceras y la sombra del perro proporcionan el segundo punto de fuga. Presumiblemente Caillebotte se ayudó de la fotografía para realizar este trabajo como lo hizo con otra obra pintada en esa época: Rue de Paris: temps de pluie. Estas obras reflejan el gusto del pintor por hacer de París su escenario favorito de esa etapa.                           Tamaño: 125 x 181 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Petit Palais de Geneve                              Fecha de creación: 1876  

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CAILLEBOTTE                    Calle de París, día lluvioso: Caillebotte estaba un poco harto de viejas y apergaminadas pinturas. De pronto, empezó a usar encuadres atrevidos y lenguajes de instantáneas claramente inspiradas en la fotografía. Este sacrilegio lo llevó a ser rechazado por el viejo arte oficial (cosa que sucede siempre con cada nuevo y amenazador movimiento) y a buscarse la vida con otros «artistas renegados» como Renoir o Monet. Aún así, se puede ver la enorme pericia técnica del artista, heredera de su realismo inicial, que capta a la perfección la profunda perspectiva, la actitud del parisino anónimo de la época y el efecto del agua en la Plaza de Dublín, lugar que actualmente se conserva bastante bien.             Tamaño: 212 x 276 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Art Institute of Chicago                            Fecha de creación: 1877  

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CAILLEBOTTE                    Calle de París, día lluvioso: Caillebotte estaba un poco harto de viejas y apergaminadas pinturas. De pronto, empezó a usar encuadres atrevidos y lenguajes de instantáneas claramente inspiradas en la fotografía. Este sacrilegio lo llevó a ser rechazado por el viejo arte oficial (cosa que sucede siempre con cada nuevo y amenazador movimiento) y a buscarse la vida con otros «artistas renegados» como Renoir o Monet. Aún así, se puede ver la enorme pericia técnica del artista, heredera de su realismo inicial, que capta a la perfección la profunda perspectiva, la actitud del parisino anónimo de la época y el efecto del agua en la Plaza de Dublín, lugar que actualmente se conserva bastante bien.             Tamaño: 212 x 276 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Art Institute of Chicago                            Fecha de creación: 1877  

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MILLET                                     El Angelus: El realista Millet pinta otra de sus escenas campestres con gentes humildes y trabajadoras, convenciéndonos casi de que va a ser verdad eso de que el trabajo dignifica. En un páramo casi desierto, dos campesinos interrumpen sus labores en el campo para rezar el Ángelus (una oración diaria del catolicismo). Sus caras no se ven, pero sólo con sus gestos (cabeza agachada, sombrero en mano, manos al pecho…) expresan más información y matices poéticos que ningún otro cuadro de la historia del arte. El contraste lumínico desde luego ayuda a palpitar el corazón del espectador. Tamaño: 55.5 x 66 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1859

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MILLET                                     El Angelus: El realista Millet pinta otra de sus escenas campestres con gentes humildes y trabajadoras, convenciéndonos casi de que va a ser verdad eso de que el trabajo dignifica. En un páramo casi desierto, dos campesinos interrumpen sus labores en el campo para rezar el Ángelus (una oración diaria del catolicismo). Sus caras no se ven, pero sólo con sus gestos (cabeza agachada, sombrero en mano, manos al pecho…) expresan más información y matices poéticos que ningún otro cuadro de la historia del arte. El contraste lumínico desde luego ayuda a palpitar el corazón del espectador. Tamaño: 55.5 x 66 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1859

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MILLET                                    La comida de los segadores: Millet consideraba a este lienzo como una de sus mejores obras. Pretendía ser una ilustración del Antiguo Testamento, concretamente del libro de Ruth, pero desde el punto de vista de su propia época. Fue esta una época en la que el artista empezó a desarrollar su imaginería simbólica de la vida campesina, pero poniendo acento en las condiciones sociales contemporáneas de los ciudadanos de la Francia rural. En la década de 1850, la Francia campesina era en su mayor parte propiedad de unos patrones ausentes más interesados en el beneficio personal que en el bienestar de los trabajadores. Millet se solidariza con estos campesinos maltratados, y sobre todo quiere potenciar con su pintura la dignidad de las vidas humildes. Millet muestra a Booz invitando a una tímida Ruth a comer junto con el resto de segadores, pero queriendo dejar claro de que iba su obra decidió cambiar el título «Ruth y Booz» añadiendo eso de «La comida de los segadores», pues consideraba a los campesinos dignos de una obra de arte con mayúsculas. Tamaño: 67 x 119 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museum of Fine Arts, Boston                     Fecha de creación: 1853

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MILLET                                    La comida de los segadores: Millet consideraba a este lienzo como una de sus mejores obras. Pretendía ser una ilustración del Antiguo Testamento, concretamente del libro de Ruth, pero desde el punto de vista de su propia época. Fue esta una época en la que el artista empezó a desarrollar su imaginería simbólica de la vida campesina, pero poniendo acento en las condiciones sociales contemporáneas de los ciudadanos de la Francia rural. En la década de 1850, la Francia campesina era en su mayor parte propiedad de unos patrones ausentes más interesados en el beneficio personal que en el bienestar de los trabajadores. Millet se solidariza con estos campesinos maltratados, y sobre todo quiere potenciar con su pintura la dignidad de las vidas humildes. Millet muestra a Booz invitando a una tímida Ruth a comer junto con el resto de segadores, pero queriendo dejar claro de que iba su obra decidió cambiar el título «Ruth y Booz» añadiendo eso de «La comida de los segadores», pues consideraba a los campesinos dignos de una obra de arte con mayúsculas. Tamaño: 67 x 119 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museum of Fine Arts, Boston                     Fecha de creación: 1853

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CAILLEBOTTE                      Los acuchilladores de parqué: en su pintura se pueden ver ecos las preocupaciones sociales que otros artistas anteriores como Daumier o Millet habían plasmado en sus obras de estilo realista.        La diferencia es que Caillebotte lo hizo con las técnicas más propias del Impresionismo, y principalmente se fijó en el proletariado urbano más que en las clases humildes del mundo rural.                          Un buen ejemplo ello son los Acuchilladores del parqué. En ella nos presenta a los artesanos que trabajaron en su propia casa de París en el año 1875. Aunque tampoco hay que engañarse, porque Caillebotte se acerca a este mundo del trabajo desde un punto de vista estético, fijándose en los gestos o el instrumental, sin que en realidad haya ninguna pretensión de denuncia social o política en la obra. Lo cual no es impedimento para que nos presente los duros métodos de trabajo de la época, así como la fisonomía de esos obreros, que semidesnudos por el calor nos muestran unos cuerpos musculosos al mismo tiempo que delgados. Otro detalle de interés social se puede ver en el pequeño bodegón que hay en la parte inferior derecha de la tela. Se ve una botella de vino sin etiqueta, o sea de lo más económico, y un único vaso, lo que hace pensar que lo comparte la cuadrilla de trabajadores. Un sencillo detalle que evidentemente contrasta con la elegancia y lujo que se intuye en la vivienda. No obstante, el mayor interés de Caillebotte es utilizarlos como recurso para su arte. Para empezar los ubica en una perspectiva muy exagerada, algo habitual en sus obras. Y esta perspectiva viene marcada por el punto de vista elegido y el modo de remarcarlo por medio de las líneas que hace el propio parqué. Si bien, quizás lo más interesante de la obra tal vez sea su tratamiento del color. Una paleta basada en los tonos marrones, grises, ocres y dorados.                       Tamaño: 192 x 146 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1875

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CAILLEBOTTE                      Los acuchilladores de parqué: en su pintura se pueden ver ecos las preocupaciones sociales que otros artistas anteriores como Daumier o Millet habían plasmado en sus obras de estilo realista.        La diferencia es que Caillebotte lo hizo con las técnicas más propias del Impresionismo, y principalmente se fijó en el proletariado urbano más que en las clases humildes del mundo rural.                          Un buen ejemplo ello son los Acuchilladores del parqué. En ella nos presenta a los artesanos que trabajaron en su propia casa de París en el año 1875. Aunque tampoco hay que engañarse, porque Caillebotte se acerca a este mundo del trabajo desde un punto de vista estético, fijándose en los gestos o el instrumental, sin que en realidad haya ninguna pretensión de denuncia social o política en la obra. Lo cual no es impedimento para que nos presente los duros métodos de trabajo de la época, así como la fisonomía de esos obreros, que semidesnudos por el calor nos muestran unos cuerpos musculosos al mismo tiempo que delgados. Otro detalle de interés social se puede ver en el pequeño bodegón que hay en la parte inferior derecha de la tela. Se ve una botella de vino sin etiqueta, o sea de lo más económico, y un único vaso, lo que hace pensar que lo comparte la cuadrilla de trabajadores. Un sencillo detalle que evidentemente contrasta con la elegancia y lujo que se intuye en la vivienda. No obstante, el mayor interés de Caillebotte es utilizarlos como recurso para su arte. Para empezar los ubica en una perspectiva muy exagerada, algo habitual en sus obras. Y esta perspectiva viene marcada por el punto de vista elegido y el modo de remarcarlo por medio de las líneas que hace el propio parqué. Si bien, quizás lo más interesante de la obra tal vez sea su tratamiento del color. Una paleta basada en los tonos marrones, grises, ocres y dorados.                       Tamaño: 192 x 146 cm Técnica: óleo sobre lienzo Ubicación: Museo de Orsay Fecha de creación: 1875

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MILLET                      Descanso a medio día: Millet fue uno de esos artistas que a mediados del XIX se hartaron de las instituciones, las academias y su pomposidad y decidieron pintar la realidad… En definitiva, lo que se llamó realismo. Nadie mostró mejor la dura vida de los trabajadores del campo, que se partían la espalda de sol a sol explotados por terratenientes.                     Los dueños de los campos les permitían recoger los restos de la cosecha entre el atardecer y la caída de la noche, una vez que había acabado el trabajo de los cosechadores. Trabajando desde el amanecer, tenían unos minutos para descansar al mediodía y eso es lo que plasma aquí Millet: una pareja durmiendo unos minutos a la sombra…Los dignidad de los campesinos de Millet se equipara a la de nobles, dioses o héroes de las pinturas tradicionales. Quizás por ello su pintura no fue del agrado de la burguesía, aunque sí de la República Francesa y de numerosos artistas que bebieron de su arte.               A pintores como Van Gogh le volvían loco las pinturas de Millet, y realizó varias versiones de su obra, incluyendo esta.         Tamaño: 29.2 x 41.9 cm Técnica: pastel        Ubicación: Museum of Fine Arts, Boston                     Fecha de creación: 1866            

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MILLET                      Descanso a medio día: Millet fue uno de esos artistas que a mediados del XIX se hartaron de las instituciones, las academias y su pomposidad y decidieron pintar la realidad… En definitiva, lo que se llamó realismo. Nadie mostró mejor la dura vida de los trabajadores del campo, que se partían la espalda de sol a sol explotados por terratenientes.                     Los dueños de los campos les permitían recoger los restos de la cosecha entre el atardecer y la caída de la noche, una vez que había acabado el trabajo de los cosechadores. Trabajando desde el amanecer, tenían unos minutos para descansar al mediodía y eso es lo que plasma aquí Millet: una pareja durmiendo unos minutos a la sombra…Los dignidad de los campesinos de Millet se equipara a la de nobles, dioses o héroes de las pinturas tradicionales. Quizás por ello su pintura no fue del agrado de la burguesía, aunque sí de la República Francesa y de numerosos artistas que bebieron de su arte.               A pintores como Van Gogh le volvían loco las pinturas de Millet, y realizó varias versiones de su obra, incluyendo esta.         Tamaño: 29.2 x 41.9 cm Técnica: pastel        Ubicación: Museum of Fine Arts, Boston                     Fecha de creación: 1866            