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Conserva en un principio un carácter monumental, pero despues el artista procura cada vez mas dotar a los personajes de expresion humana.

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°arco ojival (dinámico y con vitalidad) con dos centros en las bases del arco.
°Bóveda de cruceña; (soportes, arbotantes, estribos, decoración, portada, fachada, planta. ábside, torres etc).

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Vasari crea término en el siglo XVI. "Gótico Bárbaro" en el siglo XVIII.
Catedral Gótica, expresión en piedra del pensamiento cristiano bajo.
*Elevación hacia Dios emulando su grandeza y luminosidad.

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CATEDRALES GÓTICAS 🏗️🏛️ Los Misterios de su Construcción | Documental

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Dios ya no es inaccesible ni omnipotente, ahora hay sufrimiento, con una cara de misericordia.
"Le beau Dieu"
Trecento Italiano: mayor interés por la belleza naturalista junto con un juego de volúmenes.
Las primeras dos escuelas de pintura: Escuela Florentina, que fue la más relevante teniendo en cuenta a Giotto como su maestro mayor.
Y la escuela Sienesa.

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*La Burguesía empieza a sobresalir entre la maraña del feudal.
*La vida urbana Burguesa no es compatible con la pesada arquitectura Romana.
*Busca espacios más ricos, con un mejor comercio internacional.

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Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia

El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva teología que surgía en Europa hacia el año 1100.

Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época oscurantista, pero el arte gótico fue una estética de la luz sobre todas las cosas. En él se manifestó el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista.

El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradió al resto de Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno adquirió características particulares.

Conozcamos algunas de las características más distintivas del arte gótico, así como los acontecimientos históricos, los valores y las obras que lo convirtieron en un arte eterno.

Características y valores del arte gótico

La catedral como ofrenda y orgullo

La catedral fue un centro de referencia en el gótico, ya que constituía la máxima ofrenda a Dios y tenía como propósito alcanzar la trascendencia espiritual e histórica.

Fue el resultado del apogeo de las ciudades, cuando la prosperidad del campo permitió que se formaran centros urbanos o burgos. Los habitantes de los burgos, o burgueses,pagaban impuestos al rey, lo que significó una mayor riqueza para este y un mayor poder de inversión social.

Las catedrales fueron construidas con la participación de todos los sectores de la sociedad: las autoridades civiles, el clero, los donantes (tanto nobles como burgueses) y los gremios de artesanos, quienes por primera vez en la historia recibían un salario.

Por todo esto, la catedral gótica fue al mismo tiempo símbolo de la alianza entre el rey y el obispo y símbolo del orgullo burgués. Además de las catedrales, también se construyeron iglesias, monasterios, palacios y diferentes tipos de edificios con este estilo.

Estética de la luz

El abad Suger (1081-1151), quien fue consejero de los reyes Luis VI y Luis VII de Francia, formula los principios de la estética de la luz, fundamento de todo el arte gótico. Esto lo hace a partir de la lectura de los escritos de Pseudo Dionisio Areopagita (siglos V y VI d. C.).

Según esta corriente, la luz se concebía como símbolo de la divinidad, creadora de todas las cosas. Si el universo entero era creación divina, todo lo que en él habitaba era reflejo de la luz de Dios. En consecuencia, los elementos de la vida, espirituales o materiales, se revalorizaron desde una perspectiva teocéntrica.

Para el abad Suger, así como para sus contemporáneos, la contemplación estética se transformó en una experiencia espiritual. Esto fue, sin duda, un punto de inflexión en la cultura occidental.

El arte y los objetos artísticos tenían que ser expresión de la luz divina, lo que se simbolizó por medio del brillo de los materiales y el uso de los colores vivos.

Nuevas técnicas arquitectónicas

El arte gótico fue posible también gracias al desarrollo de la exploración arquitectónica, cuyos hallazgos impulsaron el nuevo estilo y se interpretaron a partir de la estética de la luz.

Bóvedas de crucería

La técnica más importantes fue la bóveda de crucería. Se trata de un sistema de bóvedas que cruza dos arcos ojivados o apuntados.

Este cruce genera una serie de nervaduras visibles en la estructura que distribuye el peso de la construcción hacia los pilares, ahora más estilizados, y los arbotantes y contrafuertes externos.

Arbotantes y contrafuertes

Aparecen también los arcos arbotantes, que consisten en medio arco exterior que recibe el peso que distribuyen las bóvedas de crucería. A su vez, los arbotantes distribuyen el peso hacia los contrafuertes. Así, los muros que antes servían para contener el peso del edificio se hacen innecesarios.

Los contrafuertes se remataban con pináculos, los cuales cumplen una función decorativa y, al mismo tiempo, simbólica, ya que dan mayor altura al edificio.

Vitrales y rosetones

Gracias a las nuevas técnicas arquitectónicas, los muros macizos se sustituyeron por grandes ventanales donde se hicieron vitrales. Los vitrales permitieron la resuelta iluminación solar del interior de los edificios por primera vez en la historia. Al mismo tiempo, sustituyeron a los frescos propios del arte románico.

Se usaron los vitrales con forma de arcos apuntados y también los rosetones, que son ventanas circulares caladas dispuestas radialmente.

Los vitrales multicolores proporcionaron una iluminación absolutamente novedosa, efectista e impactante. La luz dentro de las catedrales fue concebida como un elemento de contemplación divina.

Carácter didáctico de las artes figurativas

El arte gótico tiene un carácter didáctico. Su mensaje se orienta a la celebración del Dios encarnado y la unión de Dios con sus criaturas, lo que se hizo visible en las artes figurativas, tanto escultura como pintura.

Las fachadas de las catedrales góticas aún serán concebidas como libros de piedra abiertos al transeúnte, llenas de relieves escultóricos, originalmente pintados en colores vivos.

En el caso de la decoración interior, los vitrales serán comprendidos como una puerta hacia la revelación, pues sus efectos favorecen la contemplación espiritual.

Humanismo teológico y tendencia al naturalismo en las artes figurativas

La estética de la luz está unida indisolublemente al humanismo teológico, una corriente filosófica de fines de la Edad Media que revalorizó la dignidad de ser humano como creación divina.

Los temas del gótico poseen una tendencia emocional y expresionista. Los elementos simbólicos propios del arte románico comienzan a dar entrada al naturalismo, que se va perfeccionando gradualmente al eliminar la frontalidad. Por ejemplo, la representación de la crucifixión será cada vez más sinuosa y flexible.

El gótico representa el juicio final como triunfo de Cristo, el cual dispone en la entrada como alegoría de la frase bíblica: "yo soy la puerta".

Cristo en majestad. A cada lado, las alegorías de los cuatro evangelistas.
Tímpano de la fachada principal Chartres.

Mientras tanto, por encima de los Salmos, el libro de los Reyes y el Apocalipsis, propios de la mirada románica, el gótico hace énfasis en los Evangelios. Además, aparecen en el repertorio figurativo profetas, antepasados de Cristo y sus apóstoles.

Hecho curioso es que en las vidrieras y otros objetos artísticos, se comienzan a retratar también a los gremios de artesanos y donantes que hicieron posible su elaboración.

Afirmación del culto mariano

Si bien es cierto que el culto mariano es muy antiguo, durante este período alcanzó su punto álgido. Algunos autores atribuyen esto a que, durante las cruzadas, las mujeres se quedaron solas en casa bajo la influencia de los clérigos.

Las mujeres fueron ganando espacios, lo que favoreció que educaran a sus hijos en el "amor cortés", por un lado, y, por el otro, que se extendiera y afirmara la veneración a la Virgen y a María la Magdalena, únicos referentes femeninos del seguimiento cristiano en el Nuevo Testamento.

En consecuencia, crecieron los temas marianos y gran parte de las catedrales recibieron el nombre de alguna advocación de la Virgen María.

En este sentido, los temas más extendidos y venerados fueron la anunciación, la infancia de la Virgen, los desposorios de la Virgen y la Virgen en majestad, casi siempre con el Niño Jesús en el regazo.

Vea también Catedral de Notre Dame de París.

Progresiva independencia de las artes figurativas

Las piezas escultóricas y pictóricas irán ganando poco a poco independencia de la arquitectura. Entre esas piezas habrá esculturas de bulto redondo, pintura sobre tabla y miniaturas o iluminaciones de los manuscritos medievales.

A esto se le sumará el arte de los objetos litúrgicos (tabernáculos, copones, patenas, custodias, etc.), elaborados en metales y piedras preciosas para dar más luz y belleza. Todo lujo es para Dios.

Cimabue:Crucifijo, 390 x 433 cm, Museo de Santa Croce, Florencia.

Obras más representativas del arte gótico

Basílica Saint-Denis, Francia

Se trata de la primera edificación de estilo gótico, ejecutada en Saint-Denis, París, Francia. El proyecto fue propuesto y dirigido por el abad Suger. Fue construida entre 1140 y 1144.

Catedral de Chartres, Francia

Esta catedral, llamada catedral de la Asunción de Nuestra Señora, ubicada en Chartres, Francia, fue consagrada en el año 1260. Se trató de una reconstrucción a partir de los restos de una vieja iglesia románica que sufrió un incendio que dejó solo algunos de sus elementos. A partir de allí, se hizo un proyecto que transformaría su estilo hacia la nueva tendencia del gótico.

Sainte-Chapelle, Francia

Sainte-Chapelle es una de las obras más emblemáticas del gótico francés. También es conocida con el nombre de capilla real de la Île de la Cité, y está ubicada en París. Su construcción inició en 1241 y finalizó en 1248, un fenómeno único en la arquitectura de este estilo. Fue consagrada para albergar las reliquias que guardaba el rey San Luis de Francia.

Catedral de Colonia, Alemania

Recibe el nombre de Catedral de San Pedro. Su construcción inició en 1248 y culminó apenas a finales del siglo XIX, específicamente en 1880.

Catedral de Burgos, España

La catedral de Burgos recibe el nombre de Santa Iglesia Catedral Basílica Metropolitana de Santa María. Su construcción inició en 1221. Fue inspirada en el estilo gótico francés, pero a lo largo de los siglos ha sufrido diferentes reformas. La última fue en el siglo XVIII.

Catedral de Milán, Italia

Esta catedral es también conocida como el Duomo de Milano. Está consagrada a la Natividad de la Bienaventurada Virgen María. Su construcción inició tardíamente respecto del origen del gótico francés, pues apenas tuvo comienzo en el año 1386. Implicó uno de los procesos más largos de construcción, pues solo fue concluida en 1965.

Monasterio de Batalla, Portugal

Su nombre es, realmente, Convento de Santa Maria da Vitória, pero popularmente se le conoce como Monasterio de Batalla o Monasterio de Batalha. Forma parte de las obras del gótico tardío, pero demarcó un estilo gótico propio de Portugal llamado gótico manuelino. Su construcción inició en 1386 y finalizó en 1517. Una sección quedó incompleta. Esta sección hoy recibe el nombre de "capillas imperfectas".

El misterioso origen del término "gótico"

Existen dos teorías sobre el origen de la palabra "gótico". La primera refiere que el término era usado peyorativamente para designar el tipo de letra surgido a finales del siglo XI en el reino anglonormando de Francia, como consecuencia del aumento del número de escribas y de la necesidad de una mayor soltura para más rapidez.

La segunda sostiene que el término "gótico" fue empleado por los renacentistas para referirse al arte de la Edad Media de origen godo, al que ellos consideraban inferior y bárbaro.

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Arte gótico: características y principales obras

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Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva teología que surgía en Europa hacia el año 1100. Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época oscurantista, pero el arte gótico fue una estética de la luz sobre todas las cosas.

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Toma en cuenta las sugerencias de Giotto y las lleva al esplendor.
Un ejemplo claro es la iglesia del Carmen.
*Corporal, escultura del hombre, pintura sintética, relieve, volumen, perspectiva científica, enjoyamiento.

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A principios del siglo XIV, un artista cristiano llamado Giotto retoma en sí este arte, cristos crucificados en inmortales, con ojos abiertos etc; resalta lo corpóreo volumétrico, rompe con la idea de lo plano, de el arte de cristo en estampado e intenta que los colores convivan con las sombras.
Hay figuras humanas compactas, espacios naturales, paisajes biselados en donde se resalta la presencia del hombre.

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Giotto di Bondone (o simplemente Giotto) ( Colle di Vespignano, República de Florencia c. 1267- Florencia, República de Florencia 8 de enero de 1337) fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, un autor del Trecento considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia. Su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores. Un contemporáneo de Giotto, el banquero y cronista Giovanni Villani, lo describió como "el maestro de pintura más soberano de su tiempo, quien dibujó todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza", y reconoció públicamente su talento y excelencia.

Giotto nació, en Colle de Vespignano, en las cercanías de Vicchio del Mugello, una localidad cercana a Florencia. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone y pasó su infancia como pastor de ovejas. Si bien la mayoría de los autores cree que se llamaba en realidad Giotto di Bondone, otros opinan que su verdadero nombre de pila era Ambrogio o Angelo, y que el nombre por el que es conocido, Giotto, no sería más que un diminutivo, derivado de Ambrogiotto o Angelotto.

Según los biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí Cimabue, quien, impresionado por el talento natural de Giotto -que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva-, le acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.​

Otra versión de la biografía de Giotto​ manifiesta que su padre le mandó a Florencia para que trabajase como aprendiz con un mercader de lanas. El joven, muy interesado en el arte, tomó la costumbre de visitar el estudio de Cimabue para ver a los artistas trabajar, hasta que, tras la insistencia, su padre le permitió entrar al taller.

Vasari refiere que Giotto era un aprendiz divertido y bromista, a tal punto que en una ocasión pintó una mosca en la nariz de un retrato. Su técnica era tal que Cimabue intentó espantarla con la mano antes de darse cuenta de que estaba pintada. Esta anécdota de juventud presagia ya la técnica característica de Giotto, que le capacitaba para pintar figuras casi reales.

Cuando Giotto contaba con treinta años, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia, hasta tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle una muestra de su arte, con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto, diciendo al hombre: " La valía de este trabajo será reconocida." Escribe Vasari: " El Papa vio el lienzo, percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo. "

Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras la continuación en la Basílica de San Francisco de Asís de la parte alta de las paredes del templo a partir de las historias de Isaac, realizado posiblemente en el último lustro del siglo XIII, donde desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en su totalidad en la parte inferior de los muros de la basílica, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara -entre 1305 y 1306- los extraordinarios frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, siendo todas estas grandes obras pintadas al fresco.

Éxito en Italia

Los viajes de Giotto se sucedieron por toda Italia, en la mayoría de los casos era llamado por órdenes, nobles o incluso por el Papa. En 1313 fue llamado por Benedicto IX para hacer varios trabajos dentro de la primitiva basílica de San Pedro. Destaca el altar realizado para la capilla mayor ( Políptico Stefaneschi) y un mosaico del que en la actualidad queda poco del original. Además tras este importante encargo recorrería las cortes de Italia: Arezzo, Pisa, Padua, Verona, Ferrara, Urbino, Ravena, Milán, Bolonia, Gaeta, Rímini, Nápoles e incluso en Aviñón, acompañando al Papa Clemente V, donde pintará numerosas obras y hará que estas se proyecten al resto de Europa.

Falleció el 8 de enero de 1337. Según la biografía de Vasari, fue sepultado en el lado izquierdo de la antigua catedral de Santa Reparata de Florencia en una tumba de gran sencillez con una sola losa de mármol. Será Lorenzo de Medicis quien encargue un busto a Benedetto da Maiano para conmemorar su nombre. Debido a la construcción de la nueva catedral en 1292 y a la elevación del terreno, la tumba de Giotto se perdió, pero en 1981 se hallaron restos que se atribuyeron al famoso autor.

Carácter y costumbres

Giotto era un hombre campechano y de vida hogareña, gran conversador y de ánimo bromista. Casado, dejó seis hijos que le sobrevivieron. Fue un hombre de gran austeridad. Esta costumbre, junto con los beneficios que obtendrá por su obra, le permitieron ahorrar dinero -al revés que la mayor parte de los artistas de la época- y morir como un hombre acaudalado.

Se relacionaba con soltura tanto con los ricos y nobles como con los hombres del pueblo. Se sabe que tuvo mucha confianza con el papa Bonifacio, y el rey Roberto I de Nápoles escribió de él que era su "gran amigo". Existe una tradición según la cual Dante Alighieri fue también su amigo y le habría visitado durante la realización de los frescos de la capilla de los Scrovegni, pero no ha podido ser confirmada por fuentes fiables. En todo caso, en la Divina Comedia, Dante afirma que Giotto fue superior a su maestro Cimabue. Boccaccio le retrata en el ​ y en el año 1400 Cennino Cennini escribió que " Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín."

Características

El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado el detonante del Renacimiento. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento. Las figuras planas y simbólicas del arte bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales formas en perspectiva. Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso. La comparación entre la Madonna de Giotto y la de su maestro Cimabue nos muestra por qué sus contemporáneos consideraban sus pinturas como "milagros del naturalismo ".

Al igual que los demás artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron.

Con sus composiciones de profunda emotividad, Giotto fue el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos.

Al concentrarse en estos conceptos esenciales, Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es atemporal y ha sido reconocida por todos los estilos posteriores.

Otra característica es la gran abundancia de obras que le atribuyen sus biógrafos, pero las pinturas que tienen su autoría clara son muy escasas, dudándose de la mayoría de ellas pese a que existan muchas firmadas.

Influencias

Los biógrafos contemporáneos del autor señalan a Giotto como discípulo y aprendiz de Cimabue, pero lo cierto es que algunos autores, como Erwin Panofsky y Karl Woermann, apuntan a Pietro Cavallini como maestro de Giotto o al menos creen que ambos aspiran a romper con el arte medieval y bizantino.

Apenas alguna de las obras supervivientes puede ser documentada como suya más allá de una duda razonable, considerándose al pintor uno de los artistas con mayor problema para la atribución de obras.

Capilla de los Scrovegni

Sin embargo, hay unanimidad en atribuir a Giotto el notable ciclo de frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, ya que existen varios testimonios del mismo siglo XIV que así lo confirman. Los frescos de esta capilla son considerados por los críticos el momento culminante de la obra de Giotto. El edificio, también conocido por el nombre de Capilla de la Arena, por estar construido sobre las ruinas de una "arena" o anfiteatro, fue construido por Enrico Scrovegni como penitencia para expiar los pecados de su padre, un conocido usurero -que también fue retratado por Dante en la Comedia en términos no muy halagüeños-. La construcción de la capilla comenzó en 1303. La opinión más extendida es que Giotto empezó a pintar los frescos dos años más tarde y los concluyó en 1306. Los frescos cubren por entero la única nave de la capilla: la pared occidental, a los pies del templo, está cubierta con un " Juicio Final", el arco de la cancela muestra una " Anunciación" y las áreas principales de las paredes tienen tres filas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen y sus padres - Santa Ana y San Joaquín- y escenas de la vida de Cristo. Bajo estas escenas pueden verse alegorías, es decir, figuras humanas que personifican las Virtudes y los Vicios, pintadas en monocromía, simulando ser esculturas.

Las figuras de la secuencia narrativa principal están hechas a media escala, pero el concepto de Giotto es tan grandioso y potente que, en la reproducción de un libro, por ejemplo, parecen de tamaño natural. Presentan un sentido tridimensional y una presencia física completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar un sentimiento de "peso moral", más que el esplendor religioso o divino.

Es muy posible que Giotto basara su trabajo en experiencias personales, y ningún otro artista ha conseguido mostrarse tan convincente en la tarea de dirigirse directamente al núcleo de la historia que relata y expresarla con gestos y expresiones tan perfectamente claras y reconocibles. La Capilla de los Scrovegni posee una réplica oficial que ha sido expuesta en muchos países que, por ejemplo, llegó al Perú, en el 2004, y se expuso en el Museo de Arte Italiano.

La Vida de San Francisco

El segundo ciclo de frescos de importancia asociado o atribuido a Giotto es la "Vida de San Francisco" en la iglesia superior de San Francisco de Asís. El hecho de si el autor fue en verdad Giotto no es solamente uno de los mayores problemas que enfrentan los expertos, sino también una de las mayores controversias de la historia del arte. Los frescos de San Francisco son, evidentemente, obra de un pintor de enorme talento. Sus retratos íntimos y humanos han definido, en realidad, la imagen popular que se tiene del santo. Pero existen, sin embargo, grandes diferencias técnicas y estilísticas entre estas obras y las de la Capilla de los Scrovegni. Ellas han hecho que muchos críticos se nieguen, hoy en día, a aceptarlas como obras del mismo artista. Los intentos de atribuir a Giotto otros frescos de la ciudad de Asís han producido disputas similares entre los estudiosos de su obra.

En la actualidad, sin embargo, son mayoría los estudiosos que consideran segura la autoría de Giotto, si bien admiten que habría contado con amplia colaboración de los miembros de su taller. No hay acuerdo en cuanto a la cronología de la obra, pues, aunque es mayoritaria la datación en los primeros años del siglo XIV, hay autores que retrotraen la fecha hasta 1291- 1292. Hay acuerdo en cuanto a que se trata de una obra anterior a la de la Capilla de los Scrovegni.

Los frescos cubren la parte inferior de tres de las paredes del templo, las dos laterales y la interior de la fachada, a ambos lados de la puerta. Se trata de 28 episodios de la vida del recientemente canonizado Francisco de Asís, siguiendo el relato de la Legenda maior de San Buenaventura.

La Santa Croce de Florencia

Las pinturas de la basílica de la Santa Croce (Santa Cruz) de Florencia, por el contrario, gozan de mayor consenso entre los expertos, que coinciden en general en atribuirlas al pincel de Giotto. Posiblemente las cuatro capillas sean suyas, y los frescos de las capillas Peruzzi y Bardi han sido fechadas en o alrededor de 1320, cuando el pintor estaba en la ciudad. Algunos de los frescos no se encuentran bien conservados, ya que se intentó lavarlos en el siglo XVIII, pero algunos de la capilla de los Bardi siguen siendo tan impresionantes como en la fecha en que se hicieron.

En la capilla Peruzzi están representadas escenas de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, en cambio, los frescos representan escenas de la vida de San Francisco de Asís.

Otras obras

Palacio del Podestá: Retrato de Dante Alighieri e importantes personajes de la época.

Badia Fiorentina: Altar mayor o Polittico di Badia (Uffizi), hacia el 1300.

Altares de las capillas de los Peruzzi (Políptico Peruzzi) y Baroncelli (Políptico Baroncelli) en la iglesia de Santa Croce, hacia 1313.

Crucifijo policromado de Santa Maria Novella, hacia 1312.

Dormición de la virgen, Crucifijo y la Maestá de Ognissanti en Florencia.

Frescos de las paredes del camposanto de Pisa.

En octubre de 2010 se confirmó la atribución a Giotto del crucifijo, de 5 m de longitud, existente en la Iglesia de Todos los Santos de Florencia, realizado entre 1310 y 1320.​

Se le atribuye, además, el fresco de Bonifacio VIII bendiciendo durante el Jubileo de 1300, que se conserva actualmente en la Archibasílica de San Juan de Letrán. Debido a su deterioro, no se ha confirmado si pertenece efectivamente al pintor o a algún ayudante de este.

Se le atribuyen varios diseños, entre ellos la tumba del obispo de Lucca Guido Tarlati, tallada en 1330 por Agostino di Giovanni y Agnolo Ventura. Además, es probable que realizase algunos medallones para el nuevo campanario de la catedral.

En 1334, la ciudad de Florencia decidió honrar al gran pintor. Se le otorgó el título de magister et gubernator ('maestro y gobernador') de la Obra de Santa Reparata, que se encargaba de las obras de la catedral, así como arquitecto en jefe de la ciudad y superintendente de obras públicas. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso campanile ('campanario') de la catedral de Florencia, cuya construcción se inició ese mismo año, pero que no pudo ver concluido. Según Ghiberti, los bajorrelieves del cuerpo inferior del campanario fueron también obra suya. Curiosamente, aunque finalmente el campanile no se construyó de acuerdo con sus proyectos, es universalmente conocido como " campanile di Giotto ".

La obra de Giotto ha trascendido en el tiempo y en la generación posterior a su muerte se extendió la influencia de su estilo, cristalizando en las obras de todos los pintores que le siguieron. La estrella del florentino no declinó sino hasta el gran auge del gótico, pero, pasado este, siguió influyendo e inspirando la obra de otros formidables artistas como Masaccio y Miguel Ángel. Fue citado como ejemplo de excelencia pictórica por el Marqués de Santillana en una canción dedicada a la reina Isabel de Portugal, esposa de Juan II de Castilla ("qual Ioto (sic) non vos pintara").

Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén, la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico. Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que, casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos.

Por esta circunstancia, la Agencia Espacial Europea bautizó como " Misión Giotto" a la sonda que en 1986 se aproximó al cometa para estudiarlo. No es el único homenaje que Giotto recibió de las ciencias del espacio: en Mercurio (planeta poblado de accidentes geográficos con nombres de artistas) se encuentra un cráter que ha sido bautizado en su honor.[cita requerida]

1. Esta versión procede de un comentarista anónimo de la Divina Comedia, que escribió hacia 1395

2. Giotto es el protagonista de uno de los relatos (el quinto, concretamente) narrados en la sexta jornada del Decamerón. El juicio encomiástico que el pintor le merece a Boccaccio es digno de mención. Según él, Giotto "tuvo un ingenio tan excelente que nada ofrece la naturaleza [...] que él con el estilo y la pluma o con el pincel no lo pintase tan semejante a ésta que parecía no ya semejante, sino incluso ella misma" y "había dado esplendor a ese arte [la pintura], que durante muchos siglos había estado sepultado bajo los errores de algunos que habían pintado más para deleitar los ojos de los ignorantes que para complacer al intelecto de los sabios" (Boccaccio, Decamerón. Traducción de María Hernández Esteban. Cátedra, Madrid, 2005, pp. 709-710).

3. Redescubren una obra maestra de Giotto. Noticia en el diario ABC.

Bibliografía

Baccheschi, Edi. La obra pictórica completa de Giotto. Biografía y estudios críticos. Introducción de Giancarlo Vigorelli. Barcelona, Noguer, 1971. (La obra carece de ISBN).

Bandera Bistoletti, Sandrina: "Giotto, catálogo completo",(España), Akal.

Janson, H.W.: Historia General del Arte: Tomo II, La Edad Media. Alianza, Madrid, 1999. ISBN 84-206-7101-0.

Margariti, Antonio, "Giotto y la rebelión fiscal", Cato Institute.

A. Martín, Miguel, "Me llamo Giotto di Bondoni".

Pijoán, José: Summa Artis. Historia general del arte. Volumen XIII: Arte del período humanístico. Trecento y Cuatrocento. Madrid, Espasa-Calpe, 1979 (6ª edición). ISBN 84-239-5213-4.

Vasari, Giorgio: Lives of the Painters, Sculptors and Architects. Everyman's Library, Londres, 1996. ISBN 0-679-45101-3.

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Giotto di Bondone (o simplemente Giotto) ( Colle di Vespignano, República de Florencia c. 1267- Florencia, República de Florencia 8 de enero de 1337) fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, un autor del Trecento considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia.