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Ce projet est un premier travail réalisé avant le rendu final en séminaire. En travaillant sur la chemise de nuit, je me suis questionné sur le fait de devenir adulte: d'avoir des préoccupation sur le monde qui nous entoure. Est-ce cela devenir adulte ?

J'ai donc travaillé sur cette matérialisation du sujet, des questionnements. Quoi de plus réel quand on devient une femme que se soucier des problèmes que subissent les femmes aujourd'hui ? En effet, alors que nous avions évolué dans cette société patriarcale qui voulait faire de nous un être soumis et dévoué pour elle, nous avons acquis des droits, sociaux, juridiques. Malheureusement ces droits là sont comme une fine pellicule de glace. Le droit à l'IVG, les moyens de contraceptions durement acquis sont en train de s'émiéter peu à peu. Pour manifester un mécontentement mais plus encore, pour réagir et faire réagir, j'ai réalisé un projet particulier à Toulouse. Il y a un projet de construction d'appartements de luxe à la place de services de soins de proximité et accessibles aux plus précaires: centre de dépistage CEGIDD (Centre gratuit d’information, de dépistage et de diagnostic), PASS (Permanence d’accès aux soins de santé) dans le quartier de Saint Cyprien. Cela semblait être le lieu approprié pour mon projet.

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Conférence le corps en conflit, decembre 2016 à l'université paul Sabatier.

« Je vais maintenant danser la guerre » Quand le danseur et chorégraphe russe Vaslav Nijinski prononce cette phrase sur la scène de l'Hôtel Suvretta à Saint-Moritz, le soir du 19 janvier 1919, le public, rassemblé pour un gala au bénéfice de la Croix Rouge, est médusé. Celui du théâtre des Champs Elysées l'a été tout autant le 29 mai 1913 lors de la Première du Sacre du Printemps du même Vaslav Nijinski, sur une musique composée par Igor Stravinski.

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NUMERIDANSE.TV - NOUVEAU SITE 2018 - Découvrez une toute nouvelle expérience de la 1ère Vidéothèque internationale de danse en ligne. Vidéos de danse Hip Hop, Contemporaine, Classique, Jazz, etc. Ballets, Documentaires et Fictions. Et c'est entièrement gratuit !

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Artiste musicien et performeur , je l'ai découvert lors d'une représentation Et les poissons partirent combattent les homes, texte de Liddell et mise en scène grâce à Cecile Kiffer.

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INSTALLATION-PERFORMANCE ≈

La cuisine des possibles"

Sur une idée originale de Sarun Suon, José Rolland, François Possémé et Thierry MercadierConception & mise en espace : José Rolland, Thierry Mercadier et François PosséméCaptation vidéo et montage : François Possémé, scénographie et coordination générale : Thierry Mercadier, costumes : Angélique Groseil, lumières : Anna Sauvage, avec.... les ha- bitants des quartiers de Rennes.

Une création par un groupe cosmopolite constitué, d'horizons vertigineusement différents.

De Mongolie, Daguestan, Somalie, Erythée, Albanie,France, Bretagne, Jura, Pyrénnés...

"Divers Gens en Convergence" permet d'aborder ensemble la question de la migration dans ce qu'elle a de cruciale et d'actuelle.

Et de s'exposer ensemble à ce vertige. Des textes poétiques, des récits seront suscités, écoutés, lus.

Récits du pays lointain, du départ, de l'exil.

Et tous ces gens ensemble un temps, parce qu'ils ont en commun de vivre sur un même territoire.

L'atelier "La Cuisine des Possibles" est une spéculation libre et conviviale, inventive autour de plats qui pourraient être, et qui vont recevoir une vie et un nom.

C'est aussi un éloge de la cohabitation et du mélange, comme en témoigne chaque spécialité culinaire. Des pistes universelles seront suivies : le pain, le chausson, le ragout, le beignet, la galette pour inventer de nouvelles saveurs.

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INSTALLATION-PERFORMANCE ≈ La cuisine des possibles" Sur une idée originale de Sarun Suon, José Rolland, François Possémé et Thierry MercadierConception & mise en espace : José Rolland, Thierry Mercadier et François PosséméCaptation vidéo et montage : François Possémé, scénographie et coordination générale : Thierry Mercadier, costumes : Angélique Groseil, lumières : Anna Sauvage, avec....

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Angélica Liddell achève à Avignon la trilogie chinoise débutée en 2011 avec « Maudit soit l’homme qui se confie en l’homme ». Comme « Ping Pang Qiu », également présenté au Festival, « Todo el cielo sobre la tierra » (« Tout le ciel au-dessus de la terre ») témoigne de la fascination de l’artiste pour l’empire du Milieu, mais dresse surtout l’amère constat d’un dégoût du monde qui n’épargne personne. Radical et envoûtant.

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Tout le ciel au-dessus de la tête (Le syndrome de Wendy) - Journal La Terrasse

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Performeuse sidérante, Angelica Liddell pleure la jeunesse perdue et ternit son invective par des amalgames douteux. [...]

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Exposition au Jeu de Paume, géré par G. Didi-Huberman, retrace et rassemble différentes œuvres historiques et contemporaine qui questionnent la société et suscitent ou on provoqués une révoltes.

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Le Jeu de Paume confie la totalité de ses espaces au philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman pour une grande exposition réunissant à la fois des œuvres anciennes et contemporaines.

Voir le site dédié à l'exposition : soulevements.jeudepaume.org

" Soulèvements " est une exposition transdisciplinaire sur le thème des émotions collectives, des événements politiques en tant qu'ils supposent des mouvements de foules en lutte : il sera donc question de désordres sociaux, d'agitations politiques, d'insoumissions, d'insurrections, de révoltes, de révolutions, de vacarmes, d'émeutes, de bouleversements en tous genres.

C'est une interrogation sur la représentation des peuples, au double sens - esthétique et politique - du mot " représentation ". L'exposition se fonde sur un travail historique et théorique que Georges Didi-Huberman tente de mener depuis quelques années, notamment à travers une série d'ouvrages intitulés L'oeil de l'histoire et dont les derniers affrontent la question de l'" exposition des peuples " ainsi que de l'émotion en tant qu'elle serait à ne pas exclure d'une anthropologie politique.
La figure du soulèvement sera déclinée à travers divers médiums : manuscrits d'écrivains, peintures, dessins, gravures, photographies, films. Ceux-ci, parce que la représentation des peuples en mouvements - depuis Griffith et Eisenstein jusqu'aux réalisateurs d'aujourd'hui - est l'une des grandes affaires du cinéma, feront l'objet d'une attention particulière qui donnera sans doute à l'exposition son style particulier.

Le parcours de l'exposition suit un cheminement sensible et intuitif, à travers cinq grandes parties : Éléments, Gestes, Mots, Conflits, Désirs.

ÉLÉMENTS (DÉCHAÎNÉS)
Se soulever, comme lorsqu'on dit " une tempête se lève, se soulève ".
Renverser la pesanteur qui nous clouait au sol. Alors, ce sont les lois de l'atmosphère tout entière qui seront contredites. Surfaces - draps, drapés, drapeaux - qui volent au vent. Lumières qui explosent en feux d'artifice. Poussière qui sort de ses recoins, qui s'élève. Temps qui sort de ses gonds. Monde sens dessus dessous. De Victor Hugo à Eisenstein et au-delà, les soulèvements seront souvent comparés à des ouragans ou à de grandes vagues déferlantes. Parce qu'alors les éléments (de l'histoire) se déchaînent.
On se soulève d'abord en exerçant son imagination, fût-ce dans ses " caprices " ou ses " disparates ", comme disait Goya. L'imagination soulève des montagnes. Et lorsqu'on se soulève depuis un " désastre " réel, cela veut dire qu'à ce qui nous oppresse, à ceux qui veulent nous rendre les mouvements impossibles, on oppose la résistance de forces qui sont désirs et imaginations d'abord, c'est-à-dire forces psychiques de déchaînement et réouvertures des possibles.

Dennis Adams, Francis Alÿs, Léon Cogniet, Marcel Duchamp, Francisco de Goya, William Hogarth, Victor Hugo, Leandro Katz, Eustachy Kossakowski, Man Ray, Jasmina Metwaly, Henri Michaux, Tina Modotti, Robert Morris, Saburô Murakami, Hélio Oiticica, Roman Signer, Tsubasa Kato, Jean Veber, anonyme.

GESTES (INTENSES)
Les gestes sont intenses : se soulever s'agit ou s'agite.
Se soulever est un geste. Avant même d'entreprendre et de mener à bien une " action " volontaire et partagée, on se soulève par un simple geste qui vient tout à coup renverser l'accablement où jusque-là nous tenait la soumission (que ce fût par lâcheté, cynisme ou désespoir). Se soulever, c'est jeter au loin le fardeau qui pesait sur nos épaules et nous empêchait de bouger. C'est casser un certain présent - fût-ce à coups de marteau, comme auront voulu le faire Friedrich Nietzsche ou Antonin Artaud — et lever les bras vers le futur qui s'ouvre. C'est un signe d'espérance et de résistance.
C'est un geste et c'est une émotion. Les républicains espagnols l'ont pleinement assumé, eux dont la culture visuelle avait été formée par Goya et Picasso, mais aussi par tous les photographes qui recueillaient sur le terrain les gestes des prisonniers libérés, des combattants volontaires, des enfants ou de la fameuse Pasionaria Dolores Ibárruri. Dans le geste de se soulever, chaque corps proteste de tous ses membres, chaque bouche s'ouvre et s'exclame dans le non-refus et dans le oui-désir.

Paulo Abreu, Art & Language, Antonin Artaud, Taysir Batniji, Joseph Beuys, Désiré-Magloire Bourneville, Gilles Caron, Claude Cattelain, Agustí Centelles, Chim, Pascal Convert, Gustave Courbet, Élie Faure, Michel Foucault, Leonard Freed, Gisèle Freund, Marcel Gautherot, Agnès Geoffray, Jochen Gerz, Jack Goldstein, Käthe Kollwitz, Alberto Korda, Germaine Krull, Hiroji Kubota, Annette Messager, Lisette Model, Tina Modotti, Friedric Nietzsche, Willy Römer, Willy Römer, Willy Ronis, Graciela Sacco, Lorna Simpson, Wolf Vostell, anonymes catalans, français, italiens.

MOTS (EXCLAMÉS)
Mots d'ordre : se soulever s'écrit.
Les bras se sont levés, les bouches se sont exclamées. Maintenant il faut des mots, il faut des phrases pour le dire, le chanter, le penser, le discuter, l'imprimer, le transmettre. Voilà pourquoi les poètes se situent " en avant " de l'action elle-même, ainsi que le disait Rimbaud aux temps de la Commune. En amont les romantiques, en aval les dadaïstes, les surréalistes, les lettristes, les situationnistes, etc., auront mené de poétiques insurrections.
" Poétique " ne veut pas dire " loin de l'histoire ", bien au contraire. Il y a une poésie des tracts, depuis la feuille de protestation écrite par Georg Büchner en 1834 jusqu'aux réseaux sociaux d'aujourd'hui, en passant par René Char en 1943 et les " ciné-tracts " de 1968. Il y a une poésie propre à l'usage des papiers journaux et des réseaux sociaux. Il y a une intelligence particulière - attentive à la forme - qui est inhérente aux livres de résistance ou de soulèvements. Jusqu'à ce que les murs eux-mêmes prennent la parole et que celle-ci investisse l'espace public, l'espace sensible en son entier.

Henri Alleg, Antonin Artaud, Ever Astudillo, Ismaïl Bahri, Artur Barrio, Georges Bataille, Charles Baudelaire, Joseph Beuys, André Breton, Marcel Broodthaers, Cornelius Castoriadis, Champfleury, Gustave Courbet, Dada, Armand Dayot, Guy Debord, Carl Einstein, Jean-Luc Fromanger, Federico García Lorca, Groupe Dziga Vertov, Raymond Hains, Raoul Hausmann, John Heartfield, Bernard Heidsieck, Victor Hugo, Asger Jorn, Claude Lefort, Jérôme Lindon, Rosa Luxemburg, Man Ray, Germán Marín, Cildo Meireles, Henri Michaux, Tina Modotti, Pier Paolo Pasolini, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Jacques Rancière, Armando Salgado, Álvaro Sarmiento, Philippe Soupault, Charles Toubin, Félix Vallotton, Gil Joseph Wolman, anonymes, ciné-tracts anonymes.

CONFLITS (EMBRASÉS)
Violences : se soulever détruit.
Alors tout s'embrase. Les uns n'y voient que pur chaos. Les autres y voient surgir, enfin, les formes mêmes d'un désir d'être libre. Des façons de vivre ensemble s'inventent pendant les grèves. Dire qu'on " lmanifeste l", c'est constater - même pour s'en étonner, même pour ne pas comprendre - que quelque chose est apparu, qui était décisif. Mais il aura fallu un conflit pour cela. Motif important de la moderne peinture d'histoire (de Manet à Polke) et des arts visuels en général (photo, cinéma, vidéo, arts numériques).
Il arrive que les soulèvements ne produisent que l'image d'images brisées : vandalismes, ces sortes de fêtes en négatif. Mais on construira sur ces ruines l'architecture provisoire des soulèvements : choses paradoxales, mouvantes, faites de bric et de broc, que sont les barricades. Puis, les forces de l'ordre répriment la manifestation, quand ceux qui se soulèvent n'avaient pour eux que la puissance de leur désir (la puissance : mais pas le pouvoir). Et c'est pourquoi il y a tant de gens, dans l'histoire, qui sont morts de s'être soulevés.

Manuel Álvarez Bravo, Hugo Aveta, Ruth Berlau, Malcolm Browne, Henri Cartier-Bresson, Agustí Centelles, Chen Chieh-Jen, Armand Dayot, Honoré Daumier, Adolphe-Eugène Disdéri, Robert Filliou, Jules Girardet, Arpad Hazafi, John Heartfield, Dmitri Kessel, Herbert Kirchhorff, Héctor López, Édouard Manet, Ernesto Molina, Jean-Luc Moulène, Voula Papaioannou, Jerzy Piórkowski, Sigmar Polke, Hans Richter, Pedro G. Romero, Jesús Ruiz Durand, Armando Salgado, Allan Sekula, Thibault, Félix Vallotton, Jean Veber, anonymes.

DÉSIRS (INDESTRUCTIBLES)
Se soulever, donc, s'espère : s'imagine, se tend vers le futur.
Mais la puissance survit au pouvoir. Freud disait du désir qu'il est indestructible. Même ceux qui se savent condamnés - dans les camps, dans les prisons - cherchent tous les moyens pour transmettre un témoignage, un appel. Ce que Joan Miró évoqua dans une série d'oeuvres intitulée L'Espoir du condamné à mort, en hommage à l'étudiant anarchiste Salvador Puig i Antich exécuté par le régime franquiste en 1974.
Un soulèvement peut se terminer dans les larmes des mères sur le corps de leurs enfants morts. Mais ces larmes ne sont pas que d'accablement : elles peuvent encore se donner comme puissances de soulèvement, comme dans ces " marches de résistance " des mères et des grand-mères à Buenos Aires.
Ce sont nos propres enfants qui se soulèvent : Zéro de conduite ! Antigone n'était-elle pas presque une enfant ? Que ce soit dans les forêts du Chiapas, à la frontière gréco-macédonienne, quelque part en Chine, en Égypte, à Gaza ou dans la jungle des réseaux informatiques pensés comme une vox populi, il y aura toujours des enfants pour faire le mur.

Francisca Benitez, Ruth Berlau, Bruno Boudjelal, Agustí Centelles, Eduardo Gil, Mat Jacob, Ken Hamblin, Maria Kourkouta, Joan Miró, Pedro Motta, Voula Papaioannou, Estefania Peñafiel Loaiza, Enrique Ramírez, anonymes.

Commissaire : Georges Didi-Huberman, philosophe et historien de l'art.

Exposition produite par le Jeu de Paume, Paris.

Isabel Marant a choisi d'apporter son soutien à l'exposition " Soulèvements ".

Les Amis du Jeu de Paume ont apporté leur aide à l'exposition et au catalogue Soulèvements.

Partenaires : A NOUS PARIS, de l'air, l'Architecture d'Aujourd'hui, Le Monde, Télérama, Time Out Paris, Transfuge et France Culture.

Remerciements à l'Hôtel Napoléon de Paris.

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Le Jeu de Paume confie la totalité de ses espaces au philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman pour une grande exposition réunissant à la fois des œuvres anciennes et contemporaines.

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Un artiste syrien diffuse les fgrandes figures contestataires et cultes dans les villes ravagés de la Syrie

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artiste syrien Tammam Azzam, - Google Search

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L'artiste syrien Tammam Azzam érige une statut de la libeté avec les restes desa maison, detruite sous les bombes.

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Pour un projet en séminaire, J'ai imaginé 2 peintures parlant de tout mais surtout de rien du tout. Je montre le fait trop répandu des personnes qui ne veulent pas donner leurs avis ou simplement suivent les avis retranscris par les médias. En cela, ils n'ont pas d'avis réellement réfléchie.

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Video faisant partie d'une installation pour un sujet en art plastique. Elle montre deux personnes en peinture qui discutent de tout mais surtout de rien. Cela met en avant le fait trop répandu de la non activité de penser par soit même des gens et reprennent ainsi "l'avis" des médias.

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Période créatrice : 26 à 63 ans . A 26 ans, en 1888, grâce à l'héritage de son père il achète le Théâtre Robert Houdin et monte des spectacles de grandes illusions. A la fois magicien, directeur du Théâtre, créateur de costumes, de décors, metteur en scène, directeur de casting, il fonde, en 1891, l'Académie de Prestidigitation, qui se transformera en 1904 en Chambre syndicale de la prestidigitation dont il est Président pendant plus de 30 ans.

Tout se précipite, en décembre 1895, quand Antoine Lumière (le père d'Auguste et Louis) l'invite à une projection de cinématographe. Une véritable révélation ! Il comprend immédiatement la portée de cette invention et lui fait une offre d'achat pour son appareil ; celui-ci refuse énergiquement et lui prédit une ruine certaine s'il persiste dans cette voie. N'écoutant personne, il se précipite à Londres afin d'acheter à William Paul une sorte d'appareil de prise de vue: l'animatographe.
Méliès filme d'abord des sujets simples : la mer, la rue, sa famille,... puis bien vite, des sujets comiques joués par ses amis. Il découvre rapidement ses premiers trucages.

Sa jeunesse : de 0 à 25 ans

Georges Méliès est né à Paris le 8 décembre 1861 dans une famille bourgeoise. Il est le petit dernier et donc très choyé par sa mère. Son père est un riche industriel dans la chaussure. Ils ont une vie très parisienne : réceptions, sorties, domestiques,... Il passe ses journées enfermé dans sa chambre à caricaturer ses professeurs, écrire des poèmes, bidouiller des inventions, dessiner des paysages et raconter des histoires.

8 à 18 ans : Méliès devient pensionnaire au Lycée Impérial de vanves puis au Lycée Louis le Grand. Cela va lui forger le goût du dessin et renforcer son côté rebelle.

A 18 ans : Son bac en poche, il veut intégrer les beaux-arts. Son père refuse, le jeune Georges devient alors, grâce aux relations de son père, élève de Gustave Moreau. Il refuse d'entrer dans l'usine familiale de chaussures. Ses parents l'expédient en Angleterre pour l'éloigner d'une liaison amoureuse et pour qu'il apprenne l'anglais. Il y découvre la magie: un univers inconnu et fascinant.

Jusqu'en 1912, il réalise plus de 520 films à la fois poétiques, fantastiques, mystérieux, naïfs et pleins d'humour : courts métrages de 1 à 20 minutes projetés dans les foires qui émerveillent les spectateurs. Il crée de nouveaux métiers, inconnus jusqu'alors, mais indispensables au cinéma : producteur, réalisateur, scénariste, décorateur, acteur, opérateur, directeur d'acteurs,... Chaque jour apporte son lot de défis !

Ce sont les intempéries et les changements de lumière qui l'amènent en 1897 à créer le premier studio de cinéma dans sa propriété de Montreuil. Très vite, il diversifie ses sujets en proposant des publicités, reconstitution d'actualités et de faits historiques, adaptations de livres,... bref, il est toujours à la recherche de nouveaux scénarios. En 1902, il tourne le film le plus célèbre de sa carrière : Le Voyage dans la Lune, premier film de science-fiction au monde.
Les scénarios mais aussi les nouveaux procédés techniques le passionnent, ainsi il met au point : le fondu enchaîné, la surimpression, le gros plan, le ralenti, l'accéléré, l'usage des caches et des maquettes, l'arrêt sur image,...

Son incroyable succès suscite les convoitises et il est pillé, surtout en Amérique où il était impossible de poursuivre les contrefacteurs. Afin d'enrayer ce phénomène, il confie, en 1914, à son frère Gaston, la Go Mélies Star Film Manufacturing à New York. Face aux rouleaux compresseurs industriels et financiers, il ne fait, hélas, pas le poids. Rockefeller soutient Edison et la banque Morgan épaule la Biograph, des accords, pour sa part, qu'il n'a jamais voulu passer. Peindre des décors, inventer des escamotages, faire disparaître un sarcophage ou faire danser un papillon lui apporte une joie intense, bien plus que les chiffres ou les tracasseries financières. La création est au centre de sa vie.

Au même moment, sa femme meurt et il se retrouve à s'occuper seul de ses deux enfants : Georgette et André. La guerre éclate et entraîne la fermeture du Théâtre Robert Houdin. Qu'à cela ne tienne, il ouvre dans l'un de ses studios de Montreuil, une salle de théâtre où il monte avec toute sa famille des spectacles entre 1915 et 1923. Cette année là, c'est la mort dans l'âme qu'il doit revendre, poursuivi par des créanciers, l'ensemble de la propriété familiale. Tous ses films sont vendus à des forains ou détruits.

En 1925, ruiné, il est contraint d'habiter chez son fils et sa belle-fille puis d'accepter pour survivre le métier de vendeur de jouets à la gare Montparnasse dans la boutique de sa seconde épouse Fanny Manieux alias Jehanne d'Alcy, locataire du magasin. La fin d'un rêve : 64 ans à sa mort

A la mort de sa fille, Georgette, en août 1930, il recueille sa petite-fille Madeleine, âgée de 7 ans, dont le père Amand Fontaine était chanteur d'opérettes et très souvent sur les routes de France et d'ailleurs.
Coincé 14 heures par jour, 7 jours sur 7 dans sa petite boutique, Méliès s'ennuie et souffre de cette routine peu sujette à la fantaisie. Il continue pourtant à dessiner sans arrêt sur le moindre petit morceau de papier. Son seul luxe sont ses vacances annuelles en Bretagne durant l'été.

Un jour, comme tous les autres, en 1926, un cafetier passant par là le salue d'un retentissant " Bonjour, Monsieur Mélies. " Léon Druhot, alors directeur du Ciné-Journal, se trouvant sur les lieux n'en croit pas ses oreilles, il le croit mort depuis belle lurette et l'interpelle. Avec lui, Méliès sort de l'oubli. Le cinéaste va alors se battre avec acharnement pour la reconnaissance de son rôle d'inventeur du spectacle cinématographique, de ses découvertes techniques et du rôle primordial de la France dans les 10 premières années du cinéma.
Méliès n'a pas seulement inventé des trucages mais jeté les bases de ce qui allait être le cinéma moderne.

Quelques-uns de ses films sortis des greniers furent projetés lors d'un gala en son honneur à la salle Pleyel le 16 décembre 1929. Un triomphe en présence du tout Paris ! Mais ses détracteurs l'accusent d'avoir reçu les bénéfices de la soirée et il subit un lynchage médiatique qui l'affecte énormement.
De nombreux journalistes s'indignent des conditions de vie du cinéaste et de l'oubli total des politiques. En mars 1931, lors d'un banquet de la corporation cinématographique, il est enfin reconnu par la profession, avec Louis Lumière, comme "l'un des deux piliers du cinéma français." Deux jours plus tard, Charlie Chaplin reçoit la légion d'honneur. Un anglais honoré, l'inventeur français du spectacle cinématographique ignoré ?! La situation est intenable pour le Ministre qui accepte de décorer enfin le cinéaste.

Parrainé par Louis Lumière, particulièrement ému, Méliès reçoit la Légion d'Honneur le 22 octobre 1931 lors d'un banquet de 800 convives au Claridge.

En 1932, Méliès s'installe avec sa femme et sa petite-fille au Château d'Orly, nouveau lieu de retraite de la Mutuelle du cinéma, dont ils sont les premiers et seuls occupants. Le septième art est encore trop jeune pour avoir ses retraités. A Orly, bien que souffrant de l'éloignement de la capitale, il accueille de nombreux journalistes, jeunes réalisateurs et admirateurs, continue de s'occuper du Syndicat de la prestidigitation et fait même des projets de film. Il y passe les 6 dernières années de sa vie.

Sa petite-fille dira de lui bien des années plus tard :

" Il était si gentil, toujours de bonne humeur, toujours plein d'idées pour se distraire et distraire le monde. Sportif, dynamique, jeune d'allure, foncièrement honnête, très droit, toujours de bonne humeur, il restait dans l'adversité le même homme sage et philosophique. Il n'était pas désenchanté. Ce n'est pas étonnant qu'on découvre aujourd'hui la fraîcheur et l'enchantement de son oeuvre, car il est resté très près de ses rêves et de la poésie de l'enfance. (...)

Mélies était la joie de vivre, la malice au coin des yeux, une pirouette qui efface ce qui peut faire mal. "

Extraits:
* Méliès l'Enchanteur, Madeleine Malthête-Méliès, 1973, Hachette, Paris
* En parlant de Georges Méliès avec sa femme et sa petite fille, G.A, article de presse

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Période créatrice : 26 à 63 ans . A 26 ans, en 1888, grâce à l'héritage de son père il achète le Théâtre Robert Houdin et monte des spectacles de grandes illusions.

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Mona Hatoum Road works, 1985 © Mona Hatoum - Coll. Centre Pompidou

Le musée Rodin développe une programmation d'art contemporain qui offre une relecture inédite de l'œuvre d'Auguste Rodin. Le second volet du Corps comme sculpture, cycle de présentation de vidéos issues de la collection Nouveaux Médias du Musée national d'art moderne, est proposé dans le Cabinet d'art contemporain de l'hôtel Biron. Cette sélection d'œuvres rend compte de la pratique de trois artistes qui, dans les années 1970 et 1980, ont repositionné leur rapport au corps, notamment à travers la performance.

Après Denis Oppenheim et Marina Abramovic, Mona Hatoum

La pratique de Mona Hatoum (née en 1952 au Liban) nous invite à reconsidérer les liens culturels qui nous unissent au monde, notamment à travers l'expérience du déplacement, de la désorientation ou encore de la reconstruction de l'identité. Empreintes d'un caractère contestataire et d'un esprit de résistance, les performances qu'elle réalise au début des années 1980 inscrivent le corps de l'artiste dans un espace social et rendent compte de la tension inhérente qui en découle.

Don't smile, you're on camera, (Ne souriez pas, vous êtes filmé), 1980, vidéo, noir et blanc, son, 11'

Le public est tourné vers un moniteur qui lui renvoie sa propre image, enregistrée en direct par Mona Hatoum. Cet oeil indiscret franchit les limites de l'intimité par l'utilisation du zoom avant, pendant que trois assistants invisibles du public enregistrent en direct avec une autre caméra leurs propres corps nus et superposent ponctuellement ces séquences -par fondu enchaîné- aux images saisies dans le pubic.

So Much I Want To Say, (il y a tant de choses que je veux dire), 1983, vidéo, noir et blanc, son, 5'

Dans So Much I Want To Say, Mona Hatoum revendique le droit à la parole face à la censure par la voix off qui répète le titre avec insitance tout au long de la bande, alors que l'image, issue d'une performance, montre sa bouche bâillonnée par des mains et contredit la volonté de s'exprimer.

Changing parts, (les choses changent), 1984, vidéo, noir et blanc, son, 24'

Cette vidéo est composée de deux parties : la première dans laquelle Mona Hatoum a filmé par plans fixes la maison de ses parents à Beyrouth, et la seconde qui reprend des images de la performance Under Siege, réalisée à Londres en 1982. On y voit l'artiste entièrement couverte de boue, enfermée dans un caisson en verre tranparent, glissant et luttant pour se relever. Le son fait le lien entre ces deux parties. Imposant un certain lyrisme, la 4ème suite pour violoncelle de Bach est violemment entrecoupée de brutales interférences radio qui, au fur et à mesure, emplissent tout l'espace sonore.

Roadworks, (actions de rue), 1985, vidéo, couleur, son, 6'45"

Dans cette performance, Mona Hatoum marche dans la rue pieds nus, une paire de Doc Martens attachée à ses mollets par les lacets. Bien que nus et vulnérables, les pieds de l'artiste ont la force de trainer ces chaussures lourdes (qui rappellent à la fois les militaires, la Police ou les skinheads) comme des marionnettes suspendues à un fil

Exposition réalisée en partenariat avec la collection Nouveaux médias,
Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle, Centre Pompidou.

La Collection Nouveaux Médias du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle, Centre Pompidou est à ce jour l'une des plus importantes au monde, tant par le nombre d'œuvres acquises et présentées que par le champ conceptuel recouvert. Elle rend compte de cinquante années d'histoire de l'image et du son, au sein des grands mouvements d'art contemporain. Les bandes vidéo de la collection sont visibles dans leur intégralité sur des postes de consultation dans l'Espace des Collections Nouveaux Médias et Film dans le Musée au Centre Pompidou, Niveau 4. www.newmedia-art.org

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Le Corps comme sculpture Cycle de vidéo-performances MONA HATOUM - Art Aujourd'hui

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Le musée Rodin développe une programmation d'art contemporain qui offre une relecture inédite de l'œuvre d'Auguste Rodin. Le second volet du Corps comme sculpture, cycle de présentation de vidéos issues de la collection Nouveaux Médias du Musée national d'art moderne, est proposé dans le Cabinet d'art contemporain de l'hôtel Biron.

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L’artiste Djamel Kokene déploie un ensemble de formes nous plongeant dans un univers où il est question de révolte sociale et urbaine ou plutôt, de leur mise en échec (Zigzag), de figure d’autorité (Ultralight), d’espace commun (Récit du bonheur) ou encore de croyance individuelle (Show me God), que vient contrebalancer un ensemble d’Échappatoires, sortes d’univers intérieur, mêlant situations incongrues et poétiques qui nous entraînent vers des moments distendus de la réalité. Ramenés à leur forme la plus minimale, ces Échappatoires ponctuent l’exposition et forment autant de direction.

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Ultralight, installation, 2010 | DJAMEL KOKENE

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paris - « endogen depression » - wolf  vostell

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Suite au projet "Cliché du ghetto" JR retourne en 2005 au cœur du quartier des bosquet à Montfermeil. Avec son objectif 28mm et la collaboration de Ladj Ly&nbsp; il réalise des portraits des jeunes de

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The leaks, la notion du reportage engagé

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The Leaks

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Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais - Search Result

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La photographie Aktionshose : Genitalpanik (Valie Export): qualité documentaire d'une oeuvre ou document fétichisé?

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" Quand bien même l'image virtuelle viendrait dans l'avenir modifier notre rapport au "réel", rappelons que le faux document n'a pas att...

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Avec la dramaturge et choregraphe espagnole Angelica Liddlle

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Avec "Que ferais-je, moi, de cette épée ?", la créatrice espagnole s'enferme dans sa névrose, au point de ne plus rien partager avec le public, si ce n'est le chahut de la destruction.

Mais que raconte donc la très brune et méditerranéenne passionaria et quinquagénaire Angélica Liddell aux huit jeunes filles aux longues et splendides chevelures blondes (pour la plupart) qu'elle fait s'agiter frénétiquement complètement nues sur le plateau juste peint d'étoiles ? Comment justifie-t-elle cette image caricaturale de l'hystérie féminine qu'on croyait disparue depuis les travaux de Charcot ? Comment ose-t-elle encore, elle une femme, une féministe, leur imposer ça ? Sur le côté droit du cloître des Carmes, après sa scène d'introduction, Angélica Liddell se repose en regardant, assise dans un coin, la suite du spectacle. Elle a ôté ses escarpins bleus à hauts talons pour observer les huit jeunes femmes se masturber interminablement chacune avec un poulpe...

Comment l'artiste espagnole née en 1966 en Catalogne explique-t-elle à ses trop belles et juvéniles interprètes pareil désir de massacrer la figure de la femme, de la jeunesse au féminin ? Même les plus misogynes d'entre les machos n'oseraient en afficher un semblable aujourd'hui.

Depuis qu'on l'a découverte en 2010 au Festival d'Avignon dans La Casa de la Fuerza, long, éblouissant et saignant rituel monologue autour de la haine de soi, on sait qu'Angélica Liddell n'a de cesse d'explorer les délires les plus extrêmes, les pulsions les plus dangereuses, les plus mortifères, pour tenter d'y trouver de la beauté et de l'amour. Une recherche d'absolu - du mal, des gouffres intérieurs - qui s'approche d'Artaud comme des plus grandes mystiques.

Le public devient le thérapeute

On a été longtemps suffoqué, bouleversé par la violence, l'acharnement que savait y mettre la créatrice et performeuse totale. S'abandonnant crument sur le plateau, s'offrant au plus intime, au plus secret. Comme certains artistes autrichiens d'après-guerre. Dès les premières minutes du spectacle, n'avoue-t-elle pas rêver qu'on la viole morte, ce qui donnerait enfin un sens à son corps, à sa vie passée ? Allongée jambes écartées face à des spectateurs sidérés de cette version live de L'Origine du monde de Courbet, elle exhibe alors son sexe au public, tête rejetée en arrière.

On se souvient que le psychanalyste Jacques Lacan possédait l'œuvre à scandale. Et c'est bien de psychanalyse qu'il s'agit ici, où le public deviendrait le thérapeute silencieux et écoutant, regardant. A part.

Le jusqu'au-boutisme de la démarche de Liddell est tel, en effet, et son extraversion si forcenée, si obsédante et obsédée qu'elle ne partage plus, ligotée dans ses fantasmes et ses peurs, ses rages et ses haines. Enfermée dans une névrose si excessive qu'elle finit par ne rien suggérer. Juste le dégoût de voir ces huit ravissantes jeunes filles blondes si niaisement manipulées par la sorcière brune qui prend diabolique plaisir à les ridiculiser dans une chorégraphie idiote et laide.

Incantation vaine

Comment la grande artiste en est-elle arrivée à ce point d'autisme ? Elle commence le spectacle sur une citation de Cioran qui s'inscrit en haut du plateau en lettres blanches et dénigre avec mépris le très provincial et mesquin esprit français, incapable selon le philosophe roumain de générer Shakespeare, Goethe ou Michel-Ange. Mais capable au moins de les admirer, pourrait-on répliquer. Comme il l'a fait face à Angélica Liddell, bien plus appréciée et aidée financièrement en France que dans son Espagne natale.

Se rendre antipathique, désagréable, mal aimable... Le masochisme fait corps avec la démarche de la longue dame brune qui détruit sauvagement ceux qui pourraient l'aimer. C'est saisissant. Poignant. Ça chamboule et chahute quand même qui regarde. Sauf qu'afficher continûment ses névroses - même entre deux scènes sublimes, deux aveux poèmes déchirants - tourne vite à vide.

Quand elle veut parler du réel - les récents attentats du Bataclan ou cet étudiant japonais qui dévora sa jeune maîtresse en France, en l'an 1981 - sans qu'on sache toujours parfaitement de quel côté va sa fascination, elle dérange. Certes. Mais la provocation toujours répétée vire à l'attendu. La quête toujours recommencée, toujours paradoxale du mal, de la cruauté pour y trouver la lumière, la douceur et faire triompher l'art devient leitmotiv cliché, incantation vaine.

Surtout on a du mal à accepter qu'Angélica Liddell entre - malgré elle ? - dans tous les lieux communs, les caricatures possibles de la femme hystérique. Ne semblait-elle pas jusque-là les dénoncer ? Elle s'en fiche. Elle en a le droit. C'est une artiste. Reste que l'instrumentalisation des huit jeunes filles nues au sexe ouvert a quelque chose d'obscène. Sans compter que l'odeur du poulpe sex toy sur le plateau est si aigre dans la nuit noire qu'il faut s'éloigner si l'on veut continuer à regarder le spectacle de 4h30. Le faut-il ?

* Que ferai-je, moi, de cette épée ? (Approche de la loi et du problème de la beauté ?), texte, mise en scène, scénographie et costumes d'Angélica Liddell, 4h15, cloître des Carmes, 22h, jusqu'au 13 juillet.

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Avignon : Angélica Liddell, la provocation jusqu'au dégoût

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Avec "Que ferais-je, moi, de cette épée ?", la créatrice espagnole s'enferme dans sa névrose, au point de ne plus rien partager avec le public, si ce n'est le chahut de la destruction.

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L'art est pression, L'art est publique
https://came2016.wordpress.com/2016/06/23/lart-est-public-lart-est-pression-action-des-etudiant-e-s-en-filieres-artistiques-de-toulouse-cefat/