# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Lionel Andrés Messi, també conegut com a Leo Messi ( Rosario, Argentina, 24 de juny de 1987), és un futbolista argentí que juga com a davanter al FC Barcelona i a la selecció de l'Argentina, equips dels quals és capità.

Es va formar a les categories inferiors de Newell's Old Boys, i més tard a la Masia del Barça, on va arribar amb tretze anys. Va debutar amb el primer equip en un partit oficial la temporada 2004-2005 i va començar a destacar-hi la temporada següent.

Molts mitjans de comunicació l'han qualificat de successor de Diego Armando Maradona, i fins i tot ell mateix l'ha designat successor seu. Amb el pas del temps i amb els mèrits assolits, molts consideren que ja ha superat Maradona. Els anys 2009, 2010, 2011, 2012 i 2015 va rebre la Pilota d'Or, i va esdevenir així el primer jugador format al planter del Barça a guanyar aquest guardó i a assolir-lo quatre anys seguits (2009, 2010, 2011 i 2012). Ha guanyat també sis cops la Bota d'Or, un rècord del guardó. Des del 2014 és el màxim golejador de la història de la lliga espanyola de futbol i també de la Lliga de Campions de la UEFA, i des de 2016, el màxim assistent de la lliga espanyola. Des del desembre de 2015, quan va guanyar el Mundialet de 2015 és, conjuntament amb Andrés Iniesta, el jugador amb més títols guanyats amb la samarreta del Barça, amb 31. És també el tercer jugador amb més partits jugats amb la samarreta blaugrana, només per darrere de Xavi Hernández i d'Andrés Iniesta.

Leo Messi va començar a jugar al futbol de molt petit i el seu potencial va ser identificat ràpidament pel Futbol Club Barcelona. Va deixar Rosario -mentre militava al Club Atlètic Newell's Old Boys- i es va traslladar a Europa juntament amb la seva família, on el FC Barcelona li va oferir de pagar les despeses de la seva malaltia hormonal (900 USD mensuals).

Amb cinc anys acabats de fer, Messi va començar a jugar a futbol amb el Grandoli, l'equip del seu barri, però el 1995 va canviar d'equip i passà al Newell's Old Boys, club important de la ciutat de Rosario.

Quan tenia 11 anys, li van diagnosticar una deficiència de l'hormona del creixement. El River Plate va mostrar interès en el progrés de Messi, però no considerà que pogués pagar el tractament de la malaltia, que costava 1500 dòlars al mes, tal com demanava la família.

La família del nen decidí provar sort a Europa i, traslladat a Barcelona l'any 2000, el director esportiu del FC Barcelona Carles Rexach, avisat del talent de Messi, el va contractar després de veure'l jugar, i es comprometé en nom del club a pagar el tractament si estava disposat a començar una nova vida a Catalunya. Aquell primer contracte es redactà sobre un tovalló de paper en un restaurant.

Així doncs, Messi es va integrar als equips formatius del club, primer a la categoria infantil, tot i que des de llavors ha tingut una progressió espectacular per les diferents categories del club (Infantil A, Cadet B, Cadet A, Juvenil A, Barça C, Barça B i primer equip) en un temps rècord.

Leo Messi és considerat el millor jugador del món per molta gent, com ho demostren els seus cinc premis Pilota d'Or (4 de consecutius que ha obtingut entre 2009 i 2012 i un el 2015). Tot i tenir aquests grans recursos individuals, Messi destaca pel fet de ser un exemplar jugador d'equip i gens polèmic les seves manifestacions públiques.

Futbol Club Barcelona

L'estrena no oficial de Messi amb el primer equip del Barça va ser el 16 de novembre del 2003 contra el FC Porto (quan tenia 16 anys i 145 dies). El partit va servir per inaugurar el nou estadi del Porto, l' Estádio do Dragão, i va acabar amb victòria local per 2-0.

Temporada 2004-2005: El debut al primer equip

Va fer el seu debut oficial contra l' Espanyol, el 16 d'octubre del 2004 (quan tenia 17 anys i 144 dies), la qual cosa el va convertir en el tercer jugador més jove en jugar al primer equip del FC Barcelona.

Va fer el seu primer gol en un partit de Lliga l' 1 de maig del 2005 en un partit contra l' Albacete Balompié, esdevenint el jugador més jove a fer-ho amb 17 anys, 10 mesos i 7 dies, fins que Bojan Krkić va trencar el seu rècord quan va fer la seva primera diana, després d'una assistència de Messi.

El FC Barcelona va acabar guanyant la Lliga 2004-05, i el 2005 Messi va ser guardonat amb el Premi Golden Boy, que és atorgat al millor futbolista mundial menor de 21 anys.

Temporada 2005-2006: Consolidació al primer equip

El 16 de setembre, per segon cop en tres mesos, el Barça va anunciar una millora del contracte de Leo Messi − aquest cop cobrava com un jugador del primer equip i s'ampliava el contracte fins al juny del 2014. Messi va obtenir la nacionalitat espanyola el 25 de setembre i finalment va poder debutar a la Primera Divisió Espanyola. Abans no podia perquè comptava com a jugador no europeu. El primer partit de la Lliga de Campions de la UEFA de Messi va ser el 27 de setembre contra el club friülès Udinese Calcio. Va fer un gran partit i quan va ser substituït per Iniesta va rebre l'ovació dels 75.000 espectadors del Camp Nou.

El club va aconseguir el doblet guanyant la Lliga de Campions de la UEFA 2005/06.

Temporada 2006-2007: Consolidació a l'onze titular

El gran avanç en la seva carrera va tenir lloc durant la temporada 2006/07, quan va passar a formar part de l'equip titular. A més, va marcar un hat-trick al Clàssic contra el Reial Madrid i va finalitzar la temporada amb 14 gols en 26 partits disputats.

Temporada 2007-2008

Messi va ser nominat per al premi FIFPro World XI en la categoria de davanter. Una enquesta realitzada en l'edició digital del diari espanyol Marca el tenia com el millor jugador del món, amb el 77 per cent dels vots. Columnistes de periòdics amb seu a Barcelona com El Mundo Deportivo i Sport van argumentar que la Pilota d'Or s'hauria de donar a Messi, una opinió donada també per Franz Beckenbauer. Personalitats futbolístiques com Francesco Totti han declarat que consideren Messi com un dels millors futbolistes del món en l'actualitat. El 4 de març de 2008, en el partit de tornada de vuitens de final de Lliga de Campions contra el Celtic, Messi va sofrir una lesió al bíceps femoral de la seva cama esquerra que el va apartar dels terrenys de joc durant un mes i mig. Messi es va retirar del terreny de joc plorant i corejat pel públic. Aquesta lesió li va impedir jugar els quarts de final encara que, al seu retorn, el FC Barcelona havia arribat a semifinals, on s'enfrontaria al Manchester United. Però malgrat que Messi va ser titular en els dos partits de l'eliminatòria, no va recuperar la seva millor forma i el FC Barcelona va ser eliminat per un gol de Paul Scholes en el partit de tornada el 29 d'abril. Aquesta eliminatòria seria el primer duel directe entre Messi i el portuguès Cristiano Ronaldo, considerats els grans jugadors del moment.

La temporada 2007/2008 va continuar i el FC Barcelona no va guanyar cap títol, encara que va estar molt a prop d'aconseguir-ho, arribant a semifinals a la Copa del Rei i a la Lliga de Campions. No obstant això, la temporada va quedar marcada per la bona actuació de l'argentí, que va marcar més de 10 gols a la Lliga i 6 a la Lliga de Campions.

Lionel Messi va ser capità del FC Barcelona per primera vegada en un partit amistós contra el Dundee United d'Escòcia, el 26 de juliol de 2008, ja amb Josep Guardiola a la banqueta culer. El 3 d'agost de 2008 se li va assignar el dorsal amb el número 10, succeint Ronaldinho i convertint-se l'argentí en l'estendard del club blaugrana, ja que aquest dorsal és històric en el club, havent-lo portat jugadors de la talla de Maradona, Romário, Rivaldo, Hugo Sotil o Luis Suárez, entre d'altres.

Temporada 2008-2009: La consagració com a millor jugador del món

La temporada 2008/2009 va ser la de la seva consagració com a millor jugador del món del moment: el Barcelona va aconseguir aquesta temporada el triplet i Messi va marcar un total de 38 gols.

Temporada 2009-2010

La 2009/2010 Messi va aconseguir uns registres golejadors històrics, marcant 47 gols en tota la temporada, dels quals 34 van ser en la competició de lliga. D'aquesta manera va acabar emportant-se la Bota d'Or i igualant el registre golejador de Ronaldo la temporada 1996/1997.

El 28 d'agost de 2009 jugà com a titular en el partit de la Supercopa d'Europa que enfrontà el Barça contra el FC Xakhtar Donetsk, que l'equip blaugrana guanyà per 1 a 0 a la pròrroga. Després de guanyar la Supercopa de la UEFA del 2009, l'entrenador del Barça Josep Guardiola va assegurar que Messi era, probablement, el millor jugador que mai havia vist. El 16 de gener del 2010, amb 22 anys, 6 mesos i 23 dies, va esdevenir el jugador més jove en arribar als 100 gols amb el Barça.

El 6 d'abril del 2010 va esdevenir el primer futbolista del Futbol Club Barcelona en aconseguir un pòker de gols en partit de la Lliga de Campions, quan va marcar tots els gols que el Barça va fer a l' Arsenal FC en la victòria per 4-1 en quarts de final de la competició. A més a més, es va convertir així en el màxim golejador històric del Barça en aquesta competició, marcant el seu vint-i-cinquè gol.

En finalitzar la temporada, el Barça va aconseguir el títol de Lliga, arribant a la xifra de 99 punts, superant el rècord vigent en la classificació de Lliga que tenia el Madrid amb 92 punts des de la temporada 96-97. Messi va acabar la temporada amb 34 gols en Lliga, igualant el registre que ostentava Ronaldo amb el Barça des de la mateixa temporada 96-97, i aconseguint el Trofeu Pichichi i la Bota d'Or.

Temporada 2010-2011

L'any 2011 la revista Time el seleccionà entre els candidats a rebre el títol de Persona de l'Any. A finals d'any també va ser seleccionat com una de les 32 personalitats més populars de l'any per la revista TIME, postulant-se com a candidat a la "Persona de l'any", sent l'únic esportista nominat en aquesta llista.

Temporada 2011-2012: L'any dels rècords

El 25 de juliol de 2011, Messi va ser nominat conjuntament amb el seu company d'equip Xavi Hernández i el madridista Cristiano Ronaldo al premi de Millor Jugador de la UEFA a Europa en la temporada 2010/11 que es va entregar el 25 d'agost a Montecarlo. Messi obtingué aquest guardó.

La Lliga 2011/2012 serà recordada com aquella en la qual Messi superà César com a màxim golejador de la Lliga de la història del Barça en el partit contra el Granada el dia 20 de març. Aquell any Messi també va aconseguir un rècord històric en la classificació del pitxitxi de la lliga marcant 50 gols.

Temporada 2012-2013: Pilar fonamental de l'equip

El 9 de desembre, Messi va aconseguir un nou rècord en marcar 2 gols contra el Betis en partit de la Primera Divisió. Amb aquests dos gols, Messi arribava a la xifra de 86 gols en un any natural (2012) - 74 amb el Barça i 12 amb la selecció Argentina - superant així l'anterior rècord de Gerd Müller de 85 gols el 1972. Quan va acabar l'any, Messi havia aconseguit 91 gols oficials entre el Barça i la selecció argentina, aconseguint així establir una nova marca mundial.

Aquella mateixa temporada, també va trencar amb un altre rècord, marcant gols en dinou jornades de la Lliga seguides, superant a Ronaldo Nazário i Mariano Martín, que prèviament n'havien marcat en deu de consecutives. A més a més, també va batre el rècord mundial de gols en jornades seguides de totes les lligues de primera divisió europea, ja que mai cap jugador ho havia fet en dinou jornades consecutives. També es convertia en el primer jugador de la història en marcar a tots els equips de la lliga de forma consecutiva, convertint-se en el primer a marcar en tots els partits d'una volta. Aquesta espectacular ratxa golejadora només es va trencar quan Messi es va lesionar en partit de Champions League contra el Paris Saint-Germain FC, fet que va impedir al jugador argentí de disputar el següent partit de Lliga.

Amb els dos gols que Messi va marcar al Granada Club de Fútbol el dissabte 16 de febrer, superava la xifra de 300 gols en partits oficials amb el Barça, i va esdevenir així el primer jugador del Futbol Club Barcelona en arribar a aquests registres.

Temporada 2014-2015: El segon triplet

El 22 de novembre, en un partit contra el Sevilla, va marcar tres gols, superant així Telmo Zarra com a màxim golejador de la història de la Lliga espanyola de futbol (251 gols), també amb tres gols en un partit contra l'espanyol, dos jornades després del Sevilla, va superar César com a màxim golejador del F.C.Barcelona amb 402 gols i en la Lliga de Campions Leo Messi va marcar un altre hat-trick contra l'Apoel per superar a Raúl González (exjugador del Reial Madrid), com a màxim golejador d'Europa amb 75 gols, el segueix Cristiano Ronaldo, que té 71 gols. El 6 de juny de 2015 formà part de l'equip titular del Barça que va guanyar la final de la Lliga de Campions 2015, a l' Estadi Olímpic de Berlín per 1 a 3, contra la Juventus de Torí.

Temporada 2015-2016: La cinquena Pilota d'Or

L'11 d'agost de 2015 va jugar, com a titular, al partit de la Supercopa d'Europa 2015, a Tbilissi, en què el Barça va guanyar el Sevilla CF per 5 a 4. En aquell partit, Messi hi va marcar dos gols de falta directa, confirmant la seva habilitat en aquesta faceta del joc. El 2016 va aconseguir el seu cinquè premi de la pilota d'or. L'abril de 2016 esdevingué el màxim assistent de la història de la lliga espanyola, en arribar a les 121 assistències, una més de les que havia arribat a fer Míchel.

Temporada 2016-2017: La quarta bota d'Or

L'agost de 2016, al començament de la temporada, va aixecar el trofeu de la Supercopa d'Espanya 2016 que el Barça va guanyar al Sevilla FC, com a capità, perquè el capità Andrés Iniesta, lesionat, no va jugar el partit de tornada. En el partit de tornada Messi va marcar, i va esdevenir el màxim golejador històric de la Supercopa, amb 12 gols. El març de 2017, en un partit de lliga contra el València CF que acabà en victòria del Barça a casa per 4 a 2, Messi va marcar el doblet número 100 de la seva carrera. El novembre de 2017 va recollir la seva quarta Bota d'Or, mercès als seus 37 gols a la Lliga la campanya anterior.

Selecció argentina

Messi és un jugador destacat de la Selecció Argentina, on actualment exerceix com a Capità de l'equip. El 2006 va arribar a ser el jugador més jove de la selecció argentina a assistir a una Copa Mundial de Futbol, amb la qual va obtenir el subcampionat en la Copa Amèrica 2007. El 2008, als Jocs Olímpics de Pequín, va aconseguir el seu primer honor internacional, una Medalla d'Or.

El 4 d'agost del 2005, José Pekerman va convocar Messi al primer equip de la selecció nacional de l'Argentina. Va fer el seu debut el 17 d'agost contra la selecció d'Hongria, en un partit malaurat. Va entrar a jugar al minut 63 i, al cap de 30 segons, fou expulsat perquè l'àrbitre, Markus Merk, va veure que havia donat un cop de colze al defensa Vilmos Vanczák, que l'estava agafant de la samarreta. L'àrbitre es va mostrar inflexible. Maradona va dir que la decisió estava premeditada.

Messi va iniciar com a titular el seu primer partit internacional en la derrota de l'Argentina contra la selecció del Paraguai per 0-1 a la classificació de la Copa del Món el 3 de setembre. Després del partit va dir: "Això és un segon debut. El primer va ser una mica curt."

El 2009 la seva actuació durant la classificació per a la Copa del Món de Futbol 2010, qualificada fins i tot pel mateix jugador com insatisfactòria, va generar importants crítiques entre la premsa argentina. Aquesta situació va generar, també, articles de suport per part de la premsa catalana, a més a més del suport per part d'alguns companys del Barcelona.

El 28 de març d'aquell mateix any Messi va portar per primera vegada el dorsal amb el número 10 coincidint amb el debut de Maradona com a seleccionador.

El juny de 2014 fou un dels 23 seleccionats per Alejandro Sabella per representar l'Argentina a la Copa del Món de Futbol de 2014 al Brasil. L'11 de juliol de 2014 la FIFA va anunciar la seva inclusió entre els deu candidats a la Pilota d'Or al Millor Jugador del Mundial (els guanyadors de les Pilotes d'Or, Plata i Bronze als tres millors jugadors del Mundial del Brasil serien anunciats el dia 14, un dia després de la disputa de la final del Mundial a l' estadi de Maracaná).

El juny de 2016 fou un dels seleccionats per representar l'Argentina a la Copa América Centenario als Estats Units. Després de la Final contra Xile, Messi va anunciar que es retiraria del futbol internacional.

Estadístiques

Internacional

Actualitzat 27 de juny del 2016

Partits en què va marcar 3 gols:

Pòkers de gols (4 gols)

Manetes de gols (5 gols)

Pitxitxi històric de la Lliga amb 50 gols.

Rècord Mundial, 19 partits consecutius marcant gol en una lliga de fútbol de primera divisió.

Rècords de gols en un any natural. (91 gols)

Rècord històric d'assistències a la Lliga amb 106.

Jugador que té més pilotes d'or.

Campionats internacionals

(*) Incloent la selecció

Campionats estatals

Distincions individuals

L'any 2019 va ser ser guardonat amb la Creu de Sant Jordi "per la seva fabulosa trajectòria esportiva, que l'ha dut a ser reconegut com el millor futbolista de tots els temps".

Curiositats

Hom creu que una besàvia de Leo Messi era de Blancafort, aleshores un poble del comú de Tragó de Noguera, i el besavi de Bellcaire d'Urgell, immigrants a l'Argentina.

Amb 11 anys se li va diagnosticar una deficiència a la hormona del creixement. River Plate es va interessar en ell però no li podia pagar el tractament. Aleshores, Carles Rexach, director esportiu del FC Barcelona el va fitxar i li va pagar el tractament. El contracte es va signar en un tovalló de paper.

Procés judicial

El juny de 2013, la fiscalia de delictes econòmics de Barcelona va presentar una querella contra Messi a qui acusaven d'haver defraudat 4,1 milions d'euros a Hisenda entre 2007 i 2009, amb el coneixement i influència del seu pare (Jorge Horacio Messi). Com a mesura, Messi abonà una declaració complementària de 10 milions d'euros aquell mateix juny, corresponent als exercicis 2010 i 2011, i al setembre del mateix any també, pagà 5 milions més d'euros, els 4,1 de la quota presumptament defraudada i la resta pels interessos derivats. El setembre de 2013 Messi declarà als jutjats de Gavà. " No em llegia els contractes ni els papers que firmava", digué Messi al jutge. " Signo el que em diu el meu pare que signi, no miro ni pregunto res. Si ho diu el meu pare ho signo amb els ulls tancats." El 4 de maig de 2014, informaren a Messi que hauria de pagar més de 35 milions d'euros per superar l'actual inspecció judicial dels seus comptes. El 28 de juliol següent, la petició de la fiscalia d'arxivar la imputació pels tres delictes fiscals fou rebutjada pel jutge instructor. El jutge Manuel Alcover dictà l'octubre de 2016 l'obertura d'un judici oral pels tres presumptes delictes de frau fiscal comesos per pare i fill.

L'advocada de l'Estat, Marta Silva de Lapuerta, filla de l'exministre franquista Federico Silva, neboda d'un extresorer del Partit Popular implicat en el cas Gürtel, directora dels serveis jurídics de l'Estat i exdirectiva del Reial Madrid durant la primera etapa de Florentino Pérez, gràcies a la seva amistat amb el qual va tenir un càrrec en la constructora Sacyr, va demanar una pena de 22 mesos i 15 dies de presó. El judici es va celebrar el juny de 2016 a la sala polivalent de l' Audiència de Barcelona. El 6 de juliol de 2016 l'Audiència de Barcelona condemna a Messi i al seu pare a 21 mesos de presó per tres delictes fiscals. El tribunal els ha imposat un impost de pena de 7 mesos de presó per cada frau a hisenda pública comesos entre 2007, 2008 i 2009.

Els advocats de Leo Messi i Jorge Messi varen considerar la sentència dictaminada per l'Audiència de Barcelona com a "no correcta" i per aquest motiu varen interposar un recurs al Tribunal Suprem.

Referències

1. ↑ 9,0 9,1 9,2

2. ↑ Richard Williams. "12,0 Messi has all the qualities to take world by storm". The Guardian, 24-02-2006. [Consulta: 3 maig 2008].12,1 12,2

3. ↑ [enllaç sense format] http://www.time.com/time/specials/packages/article 0,28804,2098471_2098472_2098473,00.html

4. ↑ PDF 2005 FIFA World Youth Championship. (anglès)

5. El País, ↑ Messi: "Mi debut con Argentina no fue como soñaba". (castellà). Accedit el 30 de desembre del 2008.

6. Clarin, ↑ Argentina ganó, pero el debut de Messi fue negro. (castellà). Accedit el 30 de desembre del 2008.

7. ↑ Argentine striker Messi recalled for World Cup qualifier a People's Daily en línia. Revisat el 30 de desembre del 2006.

8. Reuters: ↑ Pekerman: "Messi is a jewel" a eurosport.com. Revisat el 6 de gener del 2007.

9. Vignone, Pablo. "↑ Ese jugador europeo nacido en Rosario" (en castellà). Página/12. Buenos Aires: La Página, S.A., 13-10-2009.

10. Brosa, Toni. "↑ La primera sempre emprenya". Avui. Grupo Godó, 3 novembre del 2009.

11. Redondo, Eloi. "↑ Els efectes col·laterals". Avui. Grupo Godó, 18 octubre del 2009.

12. Millor futbolista de l'any 2009, segons la UEFA

Enllaços externs

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Lionel Andrés Messi, també conegut com a Leo Messi ( Rosario, Argentina, 24 de juny de 1987), és un futbolista argentí que juga com a davanter al FC Barcelona i a la selecció de l'Argentina, equips dels quals és capità.

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Comentario histórico artístico de La Conversión de San Pablo, obra del pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio.

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Caravaggio - Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure

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Michelangelo Merisi da Caravaggio ( Milà, 29 de setembre de 1571 - Porto Ercole 18 de juliol de 1610) conegut com a Caravaggio per haver nascut a Caravaggio (Bèrgam), Llombardia. Pintor llombard, és un dels exponents més destacats de l'escola naturalista que va sorgir a la Península Apenina com a oposició al corrent manierista que va dominar l'escenari artístic del segle XVI.

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Find local businesses, view maps and get driving directions in Google Maps.

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Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo. El joven aún llamado Saulo era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos.

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Gian Lorenzo Bernini ( Nápoles, 7 de diciembre de 1598- Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.​ Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.​

Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.​ Su habilidad para esculpir el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos y especialmente de sus grandes rivales, Alessandro Algardi y Francesco Borromini. Su talento se extendió más allá de la escultura y fue capaz de sintetizar de manera brillante la escultura con la pintura y la arquitectura en un todo conceptual y visual coherente.​ Hombre profundamente religioso que puso su arte al servicio de la Contrarreforma,​ Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones, con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa​ o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.

Bernini fue también uno de los mejores arquitectos del barroco romano, junto con sus contemporáneos Francesco Borromini y Pietro da Cortona. Al principio de sus carreras, todos trabajaron en el Palacio Barberini, pero después compitieron por los encargos de grandes obras y desarrollaron una feroz rivalidad, particularmente Bernini y Borromini.​​ A pesar de la indiscutible calidad de Borromini y Da Cortona, Bernini gozó del favor de los papas Urbano VIII (1623-44) y Alejandro VII (1655-65) y, por tanto, se aseguró el proyecto más importante de la Roma de su tiempo, la basílica de San Pedro del Vaticano. El diseño de la Plaza de San Pedro que se abre ante la basílica es uno de sus proyectos arquitectónicos más innovadores y alabados.

Durante su extensa carrera, Bernini recibió numerosos encargos de gran relevancia, varios de ellos por parte del papado. A temprana edad, llamó la atención del cardenal nepote Scipione Caffarelli Borghese, sobrino del Papa, y en 1621, con solo 23 años, fue nombrado caballero por el papa Gregorio XV. Realizó las obras más destacadas durante el pontificado de Urbano VIII y aunque no tuvo tanta preeminencia durante Inocencio X, volvió a gozar del favor de los pontífices Alejandro VII y Clemente IX.

La reputación del legado de Bernini disminuyó durante el Neoclasicismo, que despreciaba el arte barroco. Hubo que esperar hasta el siglo XIX para que, durante la búsqueda de una comprensión del contexto en el que trabajó Bernini, se reconocieran sus logros artísticos y se restaurara su reputación. En opinión del historiador del arte, Howard Hibbard, durante el siglo XVII, "no hubo escultores o arquitectos comparables a Bernini".​

Bernini nació en 1598 en Nápoles, ciudad natal de su madre, Angelica Galante. Su padre era el escultor Pietro Bernini, nacido en la Toscana, en la población de Sesto Fiorentino, que se había trasladado a Nápoles para trabajar en las obras de la Cartuja de San Martín. En la ciudad conoció a Angelica Galante, con la que se casó. La familia, cuando Gian Lorenzo tenía seis años, se trasladó a Roma, donde Pietro trabajaba bajo la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese, a quien muestra el precoz talento de Gian Lorenzo.

La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.

Recibió las primeras enseñanzas de su padre, el escultor manierista Pietro, cuya influencia se notaría en las primeras obras de Gian Lorenzo. A su lado, el joven Bernini aprendería la organización de un taller colectivo (en el futuro dirigirá muchos) y la fusión interna de un proyecto arquitectónico con la iconografía, la escultura y la pintura.

Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de Paulo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para albergar la tumba de los papas Paulo V y Clemente VIII.

Apolo y Dafne (1622-1625).

Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.

Son de este período el Ángel con el dragón y el Fauno entretenido por cupidos. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de Giovani Vigevano para sendas iglesias.

Entre 1621 y 1625, Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese.

Las obras en cuestión eran Eneas, Anquises y Ascanio, basado en la , el Rapto de Proserpina, el y Apolo y Dafne. Son obras monumentales que marcarían una nueva dirección en la carrera de Bernini. Las cuatro permanecen actualmente en la Galería Borghese de Roma.

Más adelante, entre los años 1627 y 1629, Bernini sería aprendiz del escultor clásico Fabio Daini, con el cual realizó dos obras posteriormente destruidas, que aumentarían la fama anteriormente conseguida.

Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron.

1623 fue un año crucial para la suerte de Roma, también desde el punto de vista artístico. Maffeo Barberini fue elegido papa con el nombre de Urbano VIII, un pontífice ambicioso, amante de las artes y gran admirador de Bernini, al cual le otorgó el cargo del arquitecto de Dios. Le consideraba el artista ideal para realizar sus proyectos urbanísticos y arquitectónicos, para dar forma y expresión a la voluntad de la Iglesia de representarse a sí misma con fuerza triunfante, a través de obras espectaculares, con un marcado carácter comunicativo, persuasivo y celebrativo.

Baldaquino de la Basílica de San Pedro.

El primer encargo de Bernini fue, en 1623, la estatua de Santa Bibiana, en la Iglesia de Santa Bibiana en Roma, que incluía el proyecto de la fachada y una estatua de la santa en un momento de éxtasis. Aquí se da un giro hacia una mayor expresividad, con efectos acentuados de claroscuro, que dialogan con la pintura de Pietro da Cortona, otro protagonista del Barroco romano.

La asociación artística de Urbano VIII con su artista predilecto, culminará en la Basílica de San Pedro: la basílica surgida sobre el lugar del martirio del apóstol San Pedro, que representaría el renacimiento de la Iglesia y su reivindicación moral y espiritual tras la crisis del siglo anterior.

El papa deseaba que el nuevo altar estuviese cubierto por un enorme baldaquino de bronce, construido entre los años 1624 y 1633, y coronado con el emblema barberiano. Se apoya en cuatro gigantescas columnas salomónicas, que acaban en volutas y racimos naturalísticos. Se inspiraba en baldaquinos provisionales utilizados durante la cuaresma u otras fiestas, pero esta vez plasmado en bronce de forma permanente.

En 1630 comienzan las obras del Palacio Barberini, comenzadas por Carlo Maderno. Contó con la colaboración de Francesco Borromini, que pronto se convertirá en su rival.

Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652), en la capilla Cornaro de la iglesia de Santa María de la Victoria de Roma.

En 1644 comienza el papado de Inocencio X, mucho más austero por la crisis económica de los Estados Pontificios tras el tratado de Westfalia. Ese mismo año sufriría la demolición del campanario de la fachada de la basílica de San Pedro, por problemas de estabilidad. Sus detractores le acusaron de incompetencia técnica, mientras el papa le daba su apoyo. Coincidiría también con el ascenso de artistas rivales como Francesco Borromini o Carlo Rainaldi.

En estos años realizaría una de sus obras cumbres, el éxtasis de Santa Teresa. También realizaría la famosa Fuente de los Cuatro Ríos, en la Plaza Navona de Roma, y la escultura La Verdad, actualmente en la Galería Borghese.

Con la elección de Fabio Chigi como Alejandro VII en 1655, vuelve a haber un papa humanista, que como Maffeo Barberini 30 años antes se rodea de arquitectos para la ejecución de ambiciosos proyectos urbanísticos, como la reordenación de la Piazza del Popolo.

Plaza de San Pedro.

En San Pedro termina la decoración interior con la espectacular Cátedra de San Pedro, situada en el fondo del ábside, un relicario que contiene la cátedra paleocristiana. Sostenida por estatuas de los Padres de la Iglesia Católica, como símbolo de la sabiduría y de la autoridad papal. La paloma simboliza el Espíritu Santo.

Gian Lorenzo Bernini en 1665, pintado por Giovanni Battista Gaulli.

Lápida de la tumba de Bernini en la Basílica de Santa María la Mayor.

Al exterior construye una columnata elíptica, espacio dedicado a ceremonias religiosas públicas, que representa el abrazo de la iglesia a todo el pueblo. Las obras de San Pedro culminaron con la Scala Regia, la entrada oficial al palacio apostólico, utilizando una columnata fugada que, flanqueando la escalinata, corrige la irregularidad del muro y crea la ilusión visual de una escalera de mayores dimensiones.

Bernini era ya un artista de fama internacional, y en 1664 el ministro Colbert durante el reinado de Luis XIV, convence al papa para que le ceda a su artista predilecto. Así, en 1665 Bernini parte para Francia, con el encargo de reestructurar el palacio del Louvre. Fue recibido como un príncipe, sin embargo la experiencia francesa duró tan solo seis meses. Su estilo no gustaba a los comisionados franceses, que prefirieron encargar el trabajo a Claude Perrault. Sí que realizó, a pesar de todo, un Retrato ecuestre de Luis XIV.

Uno de los últimos grandes trabajos encargados por Alejandro VII, fue la escultura del Sepulcro de Alejandro VII, un monumento meditativo e íntimo que representa a Alejandro VII, arrodillado y humilde, acosado por La Muerte, figura que le muestra un reloj de arena, recuerdo de que algún día el tiempo se acabará. Contiene cuatro figuras alegóricas: la Caridad, la Verdad, la Prudencia y la Justicia.

Autorretrato (c. 1635), Galería Uffizi.

A lo largo de su vida realizó numerosos retratos de papas, reyes y nobles, que le reportaron fama y riqueza. Les solía retratar a la heroica, realzando la expresión y magnificencia. Él mismo confesó inspirarse para ello en Rafael.

La restauración

Iglesia de San Andrés del Quirinal.

Es el arquitecto más representativo de todo el barroco italiano. Sus características como arquitecto barroco fueron:

Dar mucha importancia a lo decorativo, tanto en el interior como en el exterior.

Los elementos constructivos (columnas, pilastras, etc.) se multiplican, pero con función decorativa, siendo su único fin dar ritmo arquitectónico.

Frontones, entablamientos, etc. se rompen, las curvas se compenetran con líneas rectas, buscando siempre presiones dinámicas.

En las iglesias prefiere las plantas centralizadas, fundamentalmente la planta ovalada (pequeñas iglesias).

Fuente de los Cuatro Ríos.

Baldaquino de San Pedro (1624) - Bronce, en parte dorado, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano

Sepulcro de Urbano VIII (1627-1647) - Bronce dorado y mármol, figuras a tamaño mayor que el natural, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano

Sepulcro de Alejandro VI

Cátedra de San Pedro

Elefante Obeliscoforo (1667-1669) - Mármol, Plaza de Santa María sopra Minerva, Roma

Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo

Capilla Cornaro

Altar del Santísimo Sacramento

Capilla Raimondi

Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) - Travertino y mármol, Plaza Navona, Roma. (De la cual e conserva un modelo en bronce mutilado en el Palacio Real de Madrid)

Fuente de la Barcaza

Fuente del Tritón

Busto del cardenal Richelieu (1641). Museo del Louvre.

Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674).

Busto del rey Luis XIV (1665). Palacio de Versalles.

En sus primeras obras Bernini respetaba fielmente los cánones clásicos, a la vez que se observaba la influencia manierista de su padre. Sin embargo, su estilo muestra una evolución en los cuatro grupos Borghesianos, donde aparece con fuerza la creatividad del artista.

En estas composiciones el artista plasma el momento culminante del drama, mostrando la gracia y la expresión de los personajes. Pero sobre todo, lo que fascina de estas obras es el virtuosismo, la naturalidad, el efecto de materialidad y de claroscuro. Por otro lado, resulta novedosa la relación de las esculturas con el espacio circundante, ya que están concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser rodeadas y vistas desde cualquier ángulo.

Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del busto de Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptó no posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría un busto idéntico desde cero.

San Lorenzo de la Retícula (Martirio de San Lorenzo) (1614-1615) - Mármol, 66 x 108 cm, Colección Contini Bonacossi, Florencia

San Sebastián (h. 1617) - Mármol, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (depósito de la sociedad Omicron)

San Longino (1631-1638) - Mármol, altura 450 cm, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano

Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería Borghese, Roma

Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) - Mármol, altura 70 cm, Museo Nacional del Bargello, Florencia

Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) - Mármol, Museo del Louvre, París

Éxtasis de Santa Teresa (modelo) - Terracota, Museo del Ermitage, San Petersburgo

Busto de Francisco I de Este (1650-1651) - Mármol, altura 107 cm, Galería Estense, Módena

Cristo en la cruz (1654) - Bronce dorado y madera, Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, Madrid [1]

Habacuc y el ángel (1655) - Terracota, altura 52 cm, Museo Sacro, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano

Busto de Luis XIV (1665) - Mármol, altura 80 cm, Museo Nacional de Versalles, Versalles

Busto de Gabriele Fonseca (1668-1675) - Mármol, más grande que el natural, San Lorenzo in Lucina, Roma

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Gian Lorenzo Bernini - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Gian Lorenzo Bernini ( Nápoles, 7 de diciembre de 1598- Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.​ Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.​ Bernini poseía la habilidad de crear en sus

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Gian Lorenzo Bernini, "El éxtasis de Santa Teresa". Mármol, 1652 - Departamento de Educación

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Nunca podría faltar Bernini, pero como pasa siempre que se trata de un genio que ha producido múltiples obras maestras, la pregunta es: ¿cuál de sus obras? La respuesta nunca es fácil y hay que revisar con el debido desapego la trayectoria, los aportes, las vicisitudes y el contexto en el que se desenvolvió, además ...

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Nombre del autor? Gian Lorenzo Bernini

https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89xtasis_de_Santa_Teresa

Nacionalidad del autor: Italiano

Tipo de escultura: Mármol

Dónde puedo ver esta obra? Iglesia de Santa Maria de la Victoria, Roma - Italia
Quién es Bernini?

﻿ Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, además de gran arquitecto y pintor. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices. Fue el creador del estilo escultórico barroco. Su trabajo era tan espectacular que se lo llegó a considerar como un sucesor de Miguel Angel. Y es que logró sintetizar la escultura con la pintura y la arquitectura.

Cuál era una de sus escondidas habilidades?
Este artista sabía cómo emplear la luz a su favor. La iluminación la consideraba un recurso metafórico haciendo que según donde ubicaba la luz en sus obras, estas intensificaba la adoración religiosa hacia ellas. Así mismo lograba amplificar el drama de sus esculturas.
Para quién fue creada esta escultura de "El Extasis de Santa Teresa"?

Existió una dinastía que se llamaba, la Dinastia Cornaro, quienes eran los patronos de la austera orden de monjas las Carmelitas Descalzas, ellas presentaron la petición a Bernini. El cardenal veneciano Federico Cornaro, había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de dichas Carmelitas como su capilla de enterramiento. De esta manera seria el punto focal de la renovación de la capilla y en ella trabajó entre los años 1647 y 1651. Esta escultura es una de las esculturas más importantes del barroco italiano y una auténtica obra maestra de todos los tiempos. El mismo Bernini describió esta obra como la más hermosa creada por sus manos.
Sabes quién fue Santa Teresa de Jesús?

Su nombre completo, Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada, luego conocida como Santa Teresa de Jesús ó Avila. Fue una de las escritoras religiosas más prolíficas de la literatura española. Una figura muy importante y singular de la historia del catolicismo. Escritora mística, reformadora del siglo 16 y primera santa carmelita. Su obra literaria trascendió el tiempo y el espacio. Ella había sido beatificada en 1614 por el papa Paulo V y canonizada en 1622. Fue una persona a quienes muchos le dedican una especial devoción. Fue famosa por sus extraordinarias visiones místicas, las cuales afirmaba que procedían de Dios. Hizo de su misticismo pura poesía. Sufría de unos raros casos de epilepsia de las que nadie se explicaba su procedencia.
Con qué otro nombre se conoce esta obra?
El Éxtasis de Santa Teresa es también conocida como la Transverberación de Santa Teresa. Aquí podemos observar cómo se retrata la imágen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación. La transverberación es una experiencia mística que, según la iglesia católica, ha sido descrito como un fenómeno en el cual la persona que logra una unión íntima con Dios, siente traspasado el corazón por un fuego sobrenatural.
Cuál fue la transverberación que sufrió Santa Teresa?

﻿ Santa Teresa recibió la aparición de un ángel muy hermoso que identificó como un querubín. Dicho ángel llevaba en la mano una larga espada de oro cuya punta parecía encendida. Le religiosa sintió que el ángel le hundía la espada en su corazón y le traspasaba las entrañas. Bernini representa este éxtasis místico en dicha transverberación que la colmaba de dicha y amor.
Según está escrito en el prólogo del Libro de la Vida que la propia Santa escribió .....
"Vi a un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo en forma corporal... No era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos, que parece todos se abrasan... Veía en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento... Los días que duraba esto andaba como embobada, no quisiera ver ni hablar, sino abrazarme con mi pena, que para mí era mayor gloria, que cuantas hayan tomado lo criado".
Vida de Santa Teresa, cap. XXIX

Cómo trató de representar este tema Bernini ?
Para Bernini, él entendía que cuando Santa Teresa se refería al anhelo de su alma por una unión consumada con Dios, dicha unión hacía parecer como si su alma y su cuerpo fuesen lo mismo.

Todos los más grandiosos dramas corporales de Bernini habían tenido figuras girando en ascenso. Ahora era el momento de hacer levitar a Teresa. Esta vez no era el escape a la penetración, sino el anhelo de la misma. De esta manera el artista tenía que hacer visible lo que él sabía del éxtasis corporal. El rostro de una mujer en la cima de la euforia sexual.

Es como si estuviese convirtiendo su propio conocimiento íntimo del pecado carnal en bendición carnal.

La mujer representada era una mujer de una belleza inolvidable, comparable al exquisito serafín, ángel amante. A su modo son una pareja, con caras sonrientes, apuntando su flecha no a su pecho, sino más abajo del torso.
Cómo expresa Bernini todo esto en su escultura?

Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues.

Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y los pies descalzos de Teresa. Con la boca entreabierta y los ojos entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.

El ángel, que está flotando sobre el cuerpo de la santa, está a punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura.

Detrás de la figura se encuentra como un telón de fondo, los rayos de luz divina hechos en bronce dorado sobre los cuales hay una ventana que filtra la luz exterior y los ilumina en un efecto de difuminado que realza la divinidad del acto amoroso.

Tanto las proporciones anatómicas y las posturas, como los pliegues de los ropajes son de una gran realismo y naturalidad y están tratados con un admirable perfección técnica.

La intención del artista era convertir al observador de la obra en participante activo del fervor religioso de la santa y para ello le invita en primer plano a asistir a una representación simulando a su alrededor un auténtico recinto teatral con un escenario en frente y palcos laterales con espectadores. Dichos espectadores eran los miembros de la familia Cornaro, que contemplan y comentan el éxtasis desde sendos balcones.

Así es como Bernini capta emocionalmente a su espectador a través de una tensión dramática y la fuerza expresiva de los personajes. Es aquí donde podemos observar una verdadera unión del espacio, la escultura y la pintura.

Qué quiso expresar Bernini en la forma que trató el mármol?

﻿ Observa como Bernini vuelca el cuerpo de adentro hacia afuera de modo que lo que cubre a la santa, ósea su hábito, símbolo de la castidad y la contención, ahora se convierte en una representación de lo que está sintiendo ella dentro de sí misma. Estás viendo el clímax mismo, la visualización del éxtasis puro, una oleada de tormenta de sensación agitada, subiendo y bajando como si el mármol hubiese sido fundido. Y estas olas se vierten desde el ángel sonriente directamente al hábito de Teresa donde se unen a un océano de olas que suben y bajan, que se pliega en huecos y grietas como olas en la rompiente.

Sabias que....

Con esta escultura, Bernini logra restablecer su reputación dándole un golpe de gracia a todos esos críticos que decían que él no podía hacer arquitectura. Cuando terminó su escultura dijo: "Bien, superen eso" Nadie pudo jamás.

Pero así también, con esta obra se ganó las mas duras críticas por parte de quienes creían que más que un éxtasis religioso, la mística parecía estar experimentando el más arrebatador de los orgasmos. Ciertamente el rostro de la santa en éxtasis es el rostro humano del placer, la boca entreabierta emitiendo los gemidos que la propia Teresa nos narra en su Libro de la Vida, el gesto de desmayo de una cara arrebatada, las túnicas de la santa agitándose al compás de su corazón atravesado y el cuerpo flácido sin control que se desmaya.

Sea cual sea la interpretación de toda la puesta en escena, sea religiosa, artística, psicoanalítica ó normal hay que conocer más sobre la vida de esta santa para dar nuestra interpretación final. Esta es una obra maestra donde existe una delgada línea entre lo racional y lo espiritual.

Dice la leyenda que cuando Santa Teresa murió, se le descubrió una herida punzante en el corazón.

Referencias:

ART HISTORY, Volume two by Marilyn Stokstad.

BAROQUE & ROCOCO. Art & Culture. by Vernon Hyde Minor

50 SCULPTURES YOU SHOULD KNOW. by Isabel Kuhl, Klaus Reichold,Kristina Lowis and Christiane Weidemann

UNDERSTANDING ART, seventh edition by Lois Fichner - Rathus

BAROQUE. 1670 - 1770: EUROPEAN ART FROM CARAVAGGIO TO TIEPOLO by Francesca Castria, Rosa Giorgi and Stefano Zuffi

Nombre del autor? Gian Lorenzo Bernini

https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89xtasis_de_Santa_Teresa

Nacionalidad del autor: Italiano

Tipo de escultura: Mármol

Dónde puedo ver esta obra? Iglesia de Santa Maria de la Victoria, Roma - Italia
Quién es Bernini?

﻿ Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, además de gran arquitecto y pintor. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices. Fue el creador del estilo escultórico barroco. Su trabajo era tan espectacular que se lo llegó a considerar como un sucesor de Miguel Angel. Y es que logró sintetizar la escultura con la pintura y la arquitectura.

Cuál era una de sus escondidas habilidades?
Este artista sabía cómo emplear la luz a su favor. La iluminación la consideraba un recurso metafórico haciendo que según donde ubicaba la luz en sus obras, estas intensificaba la adoración religiosa hacia ellas. Así mismo lograba amplificar el drama de sus esculturas.
Para quién fue creada esta escultura de "El Extasis de Santa Teresa"?

Existió una dinastía que se llamaba, la Dinastia Cornaro, quienes eran los patronos de la austera orden de monjas las Carmelitas Descalzas, ellas presentaron la petición a Bernini. El cardenal veneciano Federico Cornaro, había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de dichas Carmelitas como su capilla de enterramiento. De esta manera seria el punto focal de la renovación de la capilla y en ella trabajó entre los años 1647 y 1651. Esta escultura es una de las esculturas más importantes del barroco italiano y una auténtica obra maestra de todos los tiempos. El mismo Bernini describió esta obra como la más hermosa creada por sus manos.
Sabes quién fue Santa Teresa de Jesús?

Su nombre completo, Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada, luego conocida como Santa Teresa de Jesús ó Avila. Fue una de las escritoras religiosas más prolíficas de la literatura española. Una figura muy importante y singular de la historia del catolicismo. Escritora mística, reformadora del siglo 16 y primera santa carmelita. Su obra literaria trascendió el tiempo y el espacio. Ella había sido beatificada en 1614 por el papa Paulo V y canonizada en 1622. Fue una persona a quienes muchos le dedican una especial devoción. Fue famosa por sus extraordinarias visiones místicas, las cuales afirmaba que procedían de Dios. Hizo de su misticismo pura poesía. Sufría de unos raros casos de epilepsia de las que nadie se explicaba su procedencia.
Con qué otro nombre se conoce esta obra?
El Éxtasis de Santa Teresa es también conocida como la Transverberación de Santa Teresa. Aquí podemos observar cómo se retrata la imágen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación. La transverberación es una experiencia mística que, según la iglesia católica, ha sido descrito como un fenómeno en el cual la persona que logra una unión íntima con Dios, siente traspasado el corazón por un fuego sobrenatural.
Cuál fue la transverberación que sufrió Santa Teresa?

﻿ Santa Teresa recibió la aparición de un ángel muy hermoso que identificó como un querubín. Dicho ángel llevaba en la mano una larga espada de oro cuya punta parecía encendida. Le religiosa sintió que el ángel le hundía la espada en su corazón y le traspasaba las entrañas. Bernini representa este éxtasis místico en dicha transverberación que la colmaba de dicha y amor.
Según está escrito en el prólogo del Libro de la Vida que la propia Santa escribió .....
"Vi a un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo en forma corporal... No era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos, que parece todos se abrasan... Veía en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento... Los días que duraba esto andaba como embobada, no quisiera ver ni hablar, sino abrazarme con mi pena, que para mí era mayor gloria, que cuantas hayan tomado lo criado".
Vida de Santa Teresa, cap. XXIX

Cómo trató de representar este tema Bernini ?
Para Bernini, él entendía que cuando Santa Teresa se refería al anhelo de su alma por una unión consumada con Dios, dicha unión hacía parecer como si su alma y su cuerpo fuesen lo mismo.

Todos los más grandiosos dramas corporales de Bernini habían tenido figuras girando en ascenso. Ahora era el momento de hacer levitar a Teresa. Esta vez no era el escape a la penetración, sino el anhelo de la misma. De esta manera el artista tenía que hacer visible lo que él sabía del éxtasis corporal. El rostro de una mujer en la cima de la euforia sexual.

Es como si estuviese convirtiendo su propio conocimiento íntimo del pecado carnal en bendición carnal.

La mujer representada era una mujer de una belleza inolvidable, comparable al exquisito serafín, ángel amante. A su modo son una pareja, con caras sonrientes, apuntando su flecha no a su pecho, sino más abajo del torso.
Cómo expresa Bernini todo esto en su escultura?

Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues.

Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y los pies descalzos de Teresa. Con la boca entreabierta y los ojos entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.

El ángel, que está flotando sobre el cuerpo de la santa, está a punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura.

Detrás de la figura se encuentra como un telón de fondo, los rayos de luz divina hechos en bronce dorado sobre los cuales hay una ventana que filtra la luz exterior y los ilumina en un efecto de difuminado que realza la divinidad del acto amoroso.

Tanto las proporciones anatómicas y las posturas, como los pliegues de los ropajes son de una gran realismo y naturalidad y están tratados con un admirable perfección técnica.

La intención del artista era convertir al observador de la obra en participante activo del fervor religioso de la santa y para ello le invita en primer plano a asistir a una representación simulando a su alrededor un auténtico recinto teatral con un escenario en frente y palcos laterales con espectadores. Dichos espectadores eran los miembros de la familia Cornaro, que contemplan y comentan el éxtasis desde sendos balcones.

Así es como Bernini capta emocionalmente a su espectador a través de una tensión dramática y la fuerza expresiva de los personajes. Es aquí donde podemos observar una verdadera unión del espacio, la escultura y la pintura.

Qué quiso expresar Bernini en la forma que trató el mármol?

﻿ Observa como Bernini vuelca el cuerpo de adentro hacia afuera de modo que lo que cubre a la santa, ósea su hábito, símbolo de la castidad y la contención, ahora se convierte en una representación de lo que está sintiendo ella dentro de sí misma. Estás viendo el clímax mismo, la visualización del éxtasis puro, una oleada de tormenta de sensación agitada, subiendo y bajando como si el mármol hubiese sido fundido. Y estas olas se vierten desde el ángel sonriente directamente al hábito de Teresa donde se unen a un océano de olas que suben y bajan, que se pliega en huecos y grietas como olas en la rompiente.

Sabias que....

Con esta escultura, Bernini logra restablecer su reputación dándole un golpe de gracia a todos esos críticos que decían que él no podía hacer arquitectura. Cuando terminó su escultura dijo: "Bien, superen eso" Nadie pudo jamás.

Pero así también, con esta obra se ganó las mas duras críticas por parte de quienes creían que más que un éxtasis religioso, la mística parecía estar experimentando el más arrebatador de los orgasmos. Ciertamente el rostro de la santa en éxtasis es el rostro humano del placer, la boca entreabierta emitiendo los gemidos que la propia Teresa nos narra en su Libro de la Vida, el gesto de desmayo de una cara arrebatada, las túnicas de la santa agitándose al compás de su corazón atravesado y el cuerpo flácido sin control que se desmaya.

Sea cual sea la interpretación de toda la puesta en escena, sea religiosa, artística, psicoanalítica ó normal hay que conocer más sobre la vida de esta santa para dar nuestra interpretación final. Esta es una obra maestra donde existe una delgada línea entre lo racional y lo espiritual.

Dice la leyenda que cuando Santa Teresa murió, se le descubrió una herida punzante en el corazón.

Referencias:

ART HISTORY, Volume two by Marilyn Stokstad.

BAROQUE & ROCOCO. Art & Culture. by Vernon Hyde Minor

50 SCULPTURES YOU SHOULD KNOW. by Isabel Kuhl, Klaus Reichold,Kristina Lowis and Christiane Weidemann

UNDERSTANDING ART, seventh edition by Lois Fichner - Rathus

BAROQUE. 1670 - 1770: EUROPEAN ART FROM CARAVAGGIO TO TIEPOLO by Francesca Castria, Rosa Giorgi and Stefano Zuffi

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EL EXTASIS DE SANTA TERESA ( 1652 ) - Qué significa este cuadro o escultura?

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Nombre del autor? Gian Lorenzo Bernini https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89xtasis_de_Santa_Teresa Nacionalidad del autor: Italiano Tipo de escultura: Mármol Dónde puedo ver esta obra? Iglesia de Santa Maria de la Victoria, Roma - Italia Quién es Bernini? ﻿ Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, además de gran arquitecto y pintor.

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Intérpretes

Poetas

Las letras de las canciones que Le Pera compuso para Gardel se adecúan magistralmente a éste y si como poeta no alcanza el vuelo de Manzi, ni la profundidad de Discépolo, ni la porteñidad de Romero, acierta con algunas frases proverbiales que constituyen un ingrediente poco estudiado pero muy propio de la letrística tanguera, utilizado por Cadícamo con notable sabiduría.

Voces

Aldo Campoamor cantó en las orquestas de Horacio Pettorossi, en Radio Prieto, junto a la cancionista Susana Ortiz, la de Ricardo Malerba y con Federico Scorticati, con quien realizó una gira por Brasil. En 1938 viajó a Francia con Rafael Canaro. En 1939 se incorporó a Radio El Mundo donde actuó por varios años acompañado por guitarras, habitualmente por las de Edmundo Zaldívar y también, por la orquesta de la emisora. Allí permaneció hasta ser requerido por Astor Piazzolla junto al cantor Héctor Insúa.

Voces

En La Boca, de la mano de un maestro ejemplar, Juan de Dios Filiberto, vecino y amigo de la familia Quiroga, Rosita dio sus primeros pasos con la guitarra a la edad de siete años. El tango no era por entonces cosa de niñas. De modo que la joven Rosita se inició en el arte del canto al compás de los valsesitos, la zamba y la canción campera. Cantaba en reuniones y fiestas de familia. Eran los años de Filiberto y Quinquela Martín, La Boca festejaba ruidosos carnavales y Rosita, que vivía en una casa de chapa y madera, se mezclaba en las murgas del barrio.

Junín, 13/06/2016

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente "Tango en Junín", un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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#Fichas | Compositores | Barroco | Haendel, Georg F. | Hágase la Música

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Las letras de las canciones que Le Pera compuso para Gardel se adecúan magistralmente a éste y si como poeta no alcanza el vuelo de Manzi, ni la profundidad de Discépolo, ni la porteñidad de Romero, acierta con algunas frases proverbiales que constituyen un ingrediente poco estudiado pero muy propio de la letrística tanguera, utilizado por Cadícamo con notable sabiduría.

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(Georg Friedrich Händel o Haendel; Halle, actual Alemania, 1685 - Londres, 1759) Compositor alemán naturalizado inglés. Estricto contemporáneo de Johann Sebastian Bach (aunque difícilmente podrían hallarse dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones), Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su producción abarca todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran esplendor.

Haendel

Oponiéndose a los deseos de su padre, quien pretendía que siguiera los estudios de derecho, la carrera de Haendel como músico comenzó en su Halle natal, donde tuvo como profesor al entonces célebre Friedrich Wilhelm Zachau, organista de la Liebfrauenkirche; fue tal su aprovechamiento que en 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo, donde entabló contacto con Reinhard Keiser, un compositor que le introdujo en los secretos de la composición para el teatro.

En Hamburgo, precisamente, estrenó Haendel en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde el músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir algunas de sus características en su propio estilo, forjado en la tradición contrapuntística alemana. Las óperas Rodrigo y Agrippina y el oratorio La Resurrezione datan de esa época.

En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de la segunda de su autoría, Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir de 1712.

Dos años más tarde, su antiguo patrón, el Elector de Hannover, fue coronado rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I, y el compositor reanudó su relación con él, interrumpida tras el abandono de sus funciones en la ciudad alemana. Fueron años éstos de gran prosperidad para Haendel: sus óperas triunfaron en los escenarios londinenses sin que los trabajos de autores rivales como Bononcini y Porpora pudieran hacerles sombra.

Sin embargo, a partir de la década de 1730, la situación cambió de modo radical: a raíz de las intrigas políticas, las disputas con los divos (entre ellos el castrato Senesino), la bancarrota de su compañía teatral y la aparición de otras compañías nuevas, parte del público que hasta entonces lo había aplaudido le volvió la espalda.

A partir de ese momento, Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios: si Deidamia, su última ópera, data de 1741, de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios -entre los que cabe citar Israel en Egipto, Sansón, Belshazzar, Judas Maccabeus, Solomon y Jephta- constituyen la parte más original de toda la producción del compositor y la única que, a despecho de modas y épocas, se ha mantenido en el repertorio sin altibajos significativos, especialmente en el Reino Unido, donde el modelo establecido por Haendel ha inspirado la concepción de sus respectivos oratorios a autores como Edward Elgar o William Walton.

No obstante, no hay que olvidar otras facetas de su producción, en especial la música instrumental, dominada por sus series de Concerti grossi y conciertos para órgano. Los últimos años de vida del compositor estuvieron marcados por la ceguera originada a consecuencia de una fallida operación de cataratas. A su muerte fue inhumado en la abadía de Westminster junto a otras grandes personalidades británicas.

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(Georg Friedrich Händel o Haendel; Halle, actual Alemania, 1685 - Londres, 1759) Compositor alemán naturalizado inglés. Estricto contemporáneo de Johann Sebastian Bach (aunque difícilmente podrían hallarse dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones), Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos.

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¿Cuando fue pintado realmente?

Según el tratadista Antonio Palomino (1655-1726), "Las Meninas" fue pintado en el año 1656. Y esa es hoy la fecha oficial. Sin embargo, en el cuadro Velázquez aparece con una cruz de la Orden Santiago en el pecho y ese título de caballero no le fue dado hasta 1658.

Entonces, ¿se equivoca Palomino de fecha, o simplemente miente?. "A lgunos dicen que su Majestad mismo se lo pintó, para aliento de los Profesores de esta Nobilísima Arte". ¿En serio Palomino insinúa que fue Felipe IV el encargado de pintar esa cruz?. Lo dudamos.

Más bien pudo ser el propio Velázquez, que murió en 1660 y tuvo tiempo de sobra para retocar su obra maestra.

Detalle de la Cruz de Santiago.

¿Qué representa?

La obra se titulaba "La familia de Felipe IV", pero el rey en principio no parece el protagonista.

Ahí tenemos a la infanta Margarita, el centro de atención del cuadro, flanqueada por dos meninas que la atienden: María Agustina Sarmiento, que le ofrece agua, e Isabel de Velasco. Una enana, Maribárbola, y Nicolasito Pertusato, el bufón que patea al mastín. Recordemos que Velázquez pintó varios bufones durante su carrera.

Detrás están Marcela de Ulloa, "guarda menor de damas" y a otro guardadamas sin identificar. Al fondo José Nieto, jefe de tapicería de la reina y "abrepuertas" del palacio.

Velázquez tiene la suficiente valentía de representarse a sí mismo ejerciendo su oficio paleta en mano, por lo que ya tenemos alguna pista de sobre lo que nos quiso decir al pintar este lienzo: probablemente tenga algo que ver con la pintura.

Y finalmente ahí están los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, pero reflejados en un espejo. Los verdaderos protagonistas se encuentran fuera del cuadro.

Entonces, ¿qué es este cuadro? ¿Un retrato colectivo? ¿Una "escena de conversación" como las que estaban de moda en la época en el norte de Europa? ¿La instántanea de un interior? ¿Una alegoría para dignificar y reivindicar su oficio de pintor?

Interpretaciones de las Meninas.

Las interpretaciones son múltiples, y traen de cabeza a historiadores desde hace siglos. De hecho ya existe un desorden psiquiátrico propio: el Síndrome de la Fatiga de Las Meninas (SFLM), que padecen algunos investigadores que se pasaron buscándole el sentido al cuadro.

Lo que está claro es que algunos de los personajes ahí retratados parecen mirar hacia afuera del cuadro, hacia nosotros. Algo llama su atención.

1. Si los reyes no están en la sala pero se reflejan en el espejo, lo lógico es pensar que Velázquez está pintando su retrato. Los reyes posan para el artista y la imagen del cuadro aparece en el espejo, pero en realidad ellos están donde estamos nosotros.

2. Otra opción es que Velázquez está trabajando en palacio cuando de pronto entran los monarcas. Algunos se percatan y levantan la mirada. Como los reyes están donde estamos nosotros como espectadores, se reflejan en el espejo del fondo.

3. Hay quien afirma que Velázquez pinta en realidad a las propias meninas y en ese momento aparecen los reyes. Así que lo que en realidad aparece en el lienzo (del que solo vemos su bastidor por detrás) serían Las Meninas dentro de Las Meninas. Lo que pinta Velázquez es la pintura misma que nosotros estamos viendo. Puro arte conceptual en el siglo XVII.

4. Se ha llegado a especular que Velázquez, fue un viajero en el tiempo adelantado a las teorías cuánticas y la relatividad, y lo que está representando en su cuadro es a los mismos espectadores del cuadro. ¡Velázquez nos está pintando a nosotros! Ciertamente, cuando pasas delante de Las Meninas en el Prado, el artista nos mira claramente y el espectador se convierte de alguna manera en la cuarta dimensión de la pintura.

Sea la interpretación que sea, Velázquez nos mete de lleno en la pintura y nos invita a jugar, a pensar, a descifrar lo que está sucediendo justo en ese instante congelado en el tiempo como una fotografía. De hecho, muchos consideran a "Las meninas" precursor también de la fotografía ya que capta un instante congelado de una manera más "fotográfica" que "pictórica".

Astrología.

Velázquez era conocedor de la astronomía y astrología. Y si unimos los corazones de los personajes en una línea imaginaria se dibuja la constelación de Corona Borealis, cuya estrella central se llama curiosamente Margarita Coronae, como la infanta que ocupa el centro del cuadro.

Surge así otra teoría: Lo que Velázquez está pintando es un mensaje oculto que significaría una lectura de la continuidad dinástica en la persona de la infanta Margarita (ya que su hermana mayor María Teresa iba a casarse con Luis XIV de Francia y el futuro rey Felipe Próspero aún no había nacido). En el momento de pintar el cuadro, ella era la reina del futuro.

Velázquez pinta el aire.

Dejando de lado su tema, la técnica en "Las meninas" es espectacular. Un alarde de talento que hace pensar que el pintor lo que realmente hace es presumir. De cerca vemos un montón de pinceladas, casi como un cuadro impresionista, pero de lejos todo cobra sentido y las figuras se hacen de carne y hueso. El pintor hasta es capaz de plasmar el aire de esa habitación.

Velázquez hace un uso magistral de la perspectiva aérea, que da esa profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes. El propio aire difumina los contornos de las figuras (sobre todo las del fondo).

El espacio arquitectónico tiene quizás demasiado protagonismo. Es la única obra de Velázquez donde aparece el techo de la habitación. Además Velázquez dedicó demasiada pintura para el espacio vacío en la parte superior que ocupa casi dos tercios del lienzo. Los cuadros colgados en la penumbra son copias de temas mitológicos de Rubens hechas por Juan Bautista Martínez del Mazo.

Quizás con eso quiso dejar claro que la pintura es el tema real de "Las meninas" y que ese oficio era lo suficientemente noble como para estar a la altura de la nobleza y la monarquía.

Sea como sea, como buen barroco, este artista consigue un logrado efecto espacial, creando la sensación de que la sala continúa fuera del lienzo, como si los personajes compartieran espacio con nosotros, los espectadores. Es un cuadro que rebasa sus límites físicos y espaciales sin necesidad de artificios ni trampantojos.

Reacciones a "Las Meninas".

Evidentemente, no sólo historiadores fueron los intrigados por este cuadro. Artistas, escritores, científicos y filósofos también reaccionaron ante una de las mayores obras de arte de la historia.

El escritor Théophile Gautier por ejemplo, al visitar el Prado en el siglo XIX exclamó su famosa frase: "¿Dónde está el cuadro?". Tal era el realismo de esta obra maestra que no pudo verla.

Goya, Oscar Wilde, Foucault, Ortega y Gasset... son innumerables los ilustres personajes que se basaron en este cuadro para reacrear obras propias.

"Las Meninas" de Picasso.

Óleo sobre lienzo 194 × 260 cm.
Museo Picasso de Barcelona.

"Las Meninas, obra estereoscópica" de Dalí.

Óleo sobre lienzo, 35,5 x 25 cm.
Museo Reina Sofía, Madrid.

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Según el tratadista Antonio Palomino (1655-1726), "Las Meninas" fue pintado en el año 1656. Y esa es hoy la fecha oficial. Sin embargo, en el cuadro Velázquez aparece con una cruz de la Orden Santiago en el pecho y ese título de caballero no le fue dado hasta 1658.

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Diego Velázquez - Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure

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Diego Rodríguez de Silva Velázquez ( Sevilla, juny de 1599 - Madrid, 6 d'agost de 1660), o simplement Velázquez, és històricament un dels pintors espanyols més importants i un dels artistes més valorats i influents del món.

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1656, óleo sobre lienzo, 320,3 x 279,1 cm [P1174].
Este cuadro no siempre fue conocido como Las meninas, sino que su título ha ido cambiado a lo largo de los años. En el inventario del Alcázar de 1666 se menciona como Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana y de esta misma forma aparece en los inventarios sucesivos hasta el año 1700. Tras el incendio del Alcázar en la Nochebuena de 1734, aparece citado como La familia del Señor rey Phelipe Quarto y cuando se le cita en el nuevo Palacio Real se le titula unánimemente La familia. No será hasta el año 1843 cuando en el catálogo del Museo del Prado, redactado por Pedro de Madrazo, aparezca por primera vez con el título de Las meninas. Esta denominación hará tal fortuna que permanecerá hasta nuestros días. Para intentar conocer el significado de la palabra menina, nada mejor que acudir al Tesoro de la Lengua Castellana, de Sebastián de Covarrubias, publicado en 1611. Según él, "Menino. El pagecito que entra en palacio a servir, aunque de poco, al príncipe y a las personas reales. Éstos son de ordinario hijos de señores. Es nombre portugués, y de allá se devió introduzir; y díxose menino de meu nino, que quiere dezir mi niño, si no queremos que se diga de mínimo, por ser pequeñitos".Pintado por Velázquez en 1656, durante la que fue la última década de su existencia, cinco años después de regresar de su segundo viaje italiano y del nacimiento de la infanta Margarita -la luminosamente palmaria protagonista del cuadro, aunque haya otros mimbres soterrados en la penumbra- y a tan solo cuatro de la muerte del artista, acaecida en 1660 tras regresar del solemne acto que se celebró en la isla de los Faisanes por el que se entregaba en matrimonio a la infanta María Teresa al rey Luis XIV de Francia, este retrato de la familia real y su cortejo puede considerarse la obra maestra del pintor sevillano, una de las mejores de la historia de la pintura y, en fin, la más deslumbrante evidencia de cómo un cuadro refleja una moderna consciencia de lo que significa la pintura como representación. Consta de once figuras, más la acostada de un somnoliento mastín, distribuidas en los dos ejes, frontal y transversal, que articulan la composición del cuadro. En primer término, siguiendo un orden compositivo ondulante, de izquierda a derecha, según la visión del espectador, virtualmente previsto por el artista a través del palpitante reflejo especular de los reyes, nos encontramos con el propio Velázquez pintando frente a un gran lienzo de espaldas; a su lado, ocupando el centro, está la infanta Margarita, flanqueada a ambos lados por dos meninas que la atienden, respectivamente, María Agustina Sarmiento, que es la que le ofrece agua en un búcaro, e Isabel de Velasco. Inmediatamente después, aparecen una enana, Maribárbola, y un diminuto bufón, Nicolasito Pertusato, que patea al adormilado mastín; por detrás de éstos, distinguimos, en un plano umbrío, a Marcela de Ulloa, "guarda menor de damas" y a un guardadamas varón sin identificar. Por último, al fondo de la estancia, que es el obrador del pintor en el Alcázar, vemos la silueta a contraluz de José Nieto, jefe de tapicería de la reina, que abre o cierra la puerta del alargado cuarto. Estos dos grupos de personajes se distribuyen a lo largo y a lo ancho del espacio abarcado, cuya profundidad y altura de techo generan un gran vacío por encima de las cabezas, pero cuya penumbra ambiental está sabiamente animada por un haz luminoso lateral, que, procedente de una ventana a nuestra derecha, incide de lleno sobre la infanta Margarita, mientras que otro eje luminoso atraviesa la escena, en este caso, procedente de la radiante puerta del fondo y, a su vez, del halo que, desde el foco que irradia el entorno virtual de los reyes, rebota en el espejo. Estos efectos claroscuristas y la superposición de sendas perspectivas, lineal y aérea, logran una sensación de realidad casi mágica. Emplazado originalmente, el cuadro, en el casi inaccesible despacho del rey, las interpretaciones que se han hecho sobre su móvil y significación son, por numerosísimas y variadas, inabordables. Predominan, en todo caso, dos, que se pueden considerar como complementarias: una de carácter político, que sintetiza la esperanza de supervivencia de una dinastía cada vez más amenazada; y otra, que alegoriza el triunfo de la Pintura. La situación de la infanta Margarita en el centro del primer plano del lienzo, donde se cruzan los ejes frontal y transversal, evidencia que ella es el principal objeto de atención del cuadro. Su protagonismo reside, precisamente, en ser centro de atención de los demás; tanto Velázquez como el rey la miran depositando en su frágil figura la esperanza de la posible salvación del futuro de la dinastía. Nacida el año 1651, fruto del segundo matrimonio del monarca Felipe IV con su sobrina Mariana de Austria, cuando se pintó el cuadro todavía no había nacido Felipe Próspero, que lo haría el año 1657 y cuya temprana muerte, acaecida en 1661, truncaría la sucesión de un varón en el trono, aunque se vería garantizada ese mismo año con el nacimiento del príncipe Carlos que reinaría más tarde como Carlos II y con el que se extinguiría definitivamente la dinastía austriaca en España. Con respecto a la segunda interpretación anteriormente mencionada a propósito de Las meninas, la identificación de los dos cuadros de la pared del fondo como copias realizadas por Juan Bautista Martínez del Mazo, de sendos originales de Rubens y Jordaens representando dos episodios mitológicos, Palas Atenea y Aracne y Apolo vencedor de Pan, respectivamente, exaltan la nobleza de la pintura. Como acertadamente el profesor Gállego interpretó, ambas fábulas aluden al triunfo del arte sobre la artesanía y, en este caso concreto, a la superioridad de la pintura, por su naturaleza liberal, sobre la habilidad en la realización de las artes manuales. Velázquez se presenta a sí mismo, de pie con la paleta en la mano izquierda y el pincel suspendido en la derecha, en actitud de pensar, mostrando que la actividad artística es para él producto del intelecto antes que de la habilidad de la mano que la realiza que está supeditada a aquél. Por otra parte, de la obra se desprende la compleja trabazón íntima del soterrado diálogo entre Velázquez y Felipe IV, cuando ambos estaban, tras casi cuarenta años de relación, en las postrimerías de sus respectivas vidas, que se fueron anudando con creciente mutuo respeto e intimidad, como lo corrobora la decisiva intervención del monarca para lograr que le fuera concedida al pintor, en 1658, la orden de Santiago, que lleva el artista estampada en el pecho. Se trata, por lo demás, de un cuadro de sorprendente originalidad como género, a medias entre el retrato colectivo de aparato y una íntima "escena de conversación", que comenzaban a prodigarse en la pintura del norte de Europa. La técnica de Las meninas se corresponde con la utilizada por el artista en la década de los años cincuenta en la que se data la obra, caracterizada por una mayor soltura en la aplicación de los recursos pictóricos. Es una pintura que se puede calificar de borrones, en la más pura tradición tizianesca. Al utilizar una mayor dilución de los pigmentos, Velázquez consigue un prodigioso adelgazamiento de la capa pictórica. Aplica el pincel con un toque desenfadado y libre de forma que las pinceladas apenas dejan huellas. Como consecuencia, se produce una reducción o purificación en su pintura, que se traduce en "lograr más con menos". Su costumbre de pintar espontáneamente sobre el motivo alla prima, le lleva a realizar la obra con increíble rapidez. Esa delgadez y rapidez, al aligerar la materia pictórica, la hacen inaprensible produciendo, al mismo tiempo, la sensación de abocetamiento y verismo prodigioso. Con respecto a la fortuna crítica del lienzo, si bien gozó de reconocimiento tempranamente, no siempre ha merecido la misma consideración, sufriendo su apreciación altibajos. Ya Luca Giordano, cuando vino a España como pintor de cámara de Carlos II, lo apreció enormemente refiriéndose a él, según Palomino, como "la Teología de la Pintura: queriendo dar a entender que, así como la Teología es la superior de las Ciencias, así aquel cuadro era lo superior de la Pintura". Durante la Ilustración, el cuadro mereció también los elogios y el aprecio de personalidades tan singulares como el pintor bohemio Anton Raphael Mengs, que le dedicó extensos elogios, compartidos por Jovellanos, Ceán Bermúdez y el mismo Goya, que lo copió en un grabado. Sin embargo, el reconocimiento internacional de Las meninas fue tardío debido, en parte, a que siempre estuvo a resguardo de la contemplación pública, en un espacio perteneciente al más estricto ámbito privado de palacio, en el despacho del rey. A partir de la fundación del Museo del Prado, el 19 de noviembre de 1819, esta circunstancia cambió y el cuadro pudo ser contemplado en público y copiado por estudiosos y artistas. Más tarde, el desarrollo de la corriente naturalista preimpresionista hizo interesarse por la pintura de Velázquez a una serie de pintores entre los que se encontraba Manet, quien lo calificó de "pintor de pintores". En resumen, el reconocimiento de Velázquez coincidió con el desarrollo del arte europeo de fin de siglo y paralelamente al redescubrimiento internacional del artista se produjo el de Las meninas. Como consecuencia de ello, el lienzo sería exaltado desde muy diferentes puntos de vista por la historiografía y la crítica y también desde lo que filosóficamente se consideró la conciencia moderna de la representación artística. El interés contemporáneo sobre la significación de Las meninas no se limitó al campo de la investigación y la crítica, sino que se trasladó al de la práctica por algunos de los más insignes pintores del siglo XX, entre los cuales cabe destacar a Pablo Picasso, que realizó, una serie completa sobre dicho tema. El lienzo fue restaurado en 1984 en el taller del Prado por el equipo del propio Museo, dirigido por el especialista John Brealey del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. El cuadro se encontraba en condiciones excepcionales de conservación, teniendo en cuenta los más de tres siglos transcurridos desde su realización y su ubicación en el Alcázar durante el incendio de 1734, que no pareció afectarle. Tan solo se apreciaban ligeros desgarros y arañazos con pérdida de capa pictórica. Antes de su restauración se procedió, en 1982, a un estudio técnico riguroso realizado por el equipo del Museo en colaboración con la Universidad de Harvard, del que se conserva amplia documentación. El estudio radiográfico del cuadro, además de dar cuenta de las variaciones y arrepentimientos durante el proceso de creación, permitió conocer los viejos repintes procedentes de antiguas restauraciones. La mayor parte de ellos se percibía a simple vista, ya que su tonalidad había variado y se había oscurecido con el paso de los años. La reflectografía sirvió para demostrar la falta de dibujo subyacente. A través de los análisis químicos de pigmentos se pudo estudiar la preparación del lienzo con blanco de plomo y mezcla de ocres, calcita y negro orgánico. Los pigmentos utilizados en la elaboración de la obra han sido poco molidos, por lo que son gruesos y desiguales y el barniz es resinoso. La restauración comenzó con el levantamiento del antiguo barniz por parte de John Brealey, a continuación se comenzó la reintegración de faltas y zonas desgastadas, estucando las costuras y unificando el tono. El barnizado final estuvo a cargo de John Brealey, realizado con resina natural damar, aplicado con pistola para conseguir una superficie uniforme. Con tal motivo se realizó una exposición para explicar al público en qué había consistido el proceso de restauración, aprovechando la ocasión para mostrar la transformación sufrida por la obra y la mejora en la percepción de las calidades de la misma que el tiempo y la suciedad habían desvirtuado.

Poesía y pintura. Velázquez, IV Centenario, Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1999.

Velázquez, cat. exp., Madrid, Museo del Prado, 1990.

Velázquez, cat. exp., Milán, Electa, Leonardo Arte, 2001.

Alpers, Svetlana, et al., Otras meninas, Madrid, Siruela, 1995.

Brown, Jonathan, "Las meninas como obra maestra", Velázquez, Barcelona, Galaxia Gutenberg, y Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1999, pp. 85-124.

Calvo Serraller, Francisco, Las meninas de Velázquez, Madrid, TF Editores, 1995.

Calvo Serraller, Francisco, Las meninas, Barcelona, Electa, 1999.

Covarrubias, Sebastián de, Tesoro de la Lengua Castellana [1611], Felipe C. R. Maldonado (ed.), rev. por Manuel Camarero, Madrid, Castalia, 1995.

Gállego, Julián, Velázquez, Barcelona, Anthropos, 1983.

Harris, Enriqueta, Velázquez [1982], Madrid, Akal, 2003.

López Rey, José, Velázquez. Painter of Painters. Catalogue Raisonné, 2 vols., París, Wildenstein Institute, y Colonia, Taschen, 1996.

Mena Marqués, Manuela, "La restauración de Las meninas de Velázquez", Boletín del Museo del Prado, vol. V, n.º 14, Madrid, mayo-agosto de 1984, pp. 87-107.

Palomino, Antonio, El museo pictórico y escala óptica. El parnaso español pintoresco laureado, [1715-1724], Madrid, Aguilar, 1988, t. III.

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1656, óleo sobre lienzo, 320,3 x 279,1 cm [P1174]. Este cuadro no siempre fue conocido como Las meninas, sino que su título ha ido cambiado a lo largo de los años. En el inventario del Alcázar de 1666 se menciona como Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana y de esta misma forma aparece en los inventarios sucesivos hasta el año 1700.

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Antonio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741)

Fue uno de los compositores más conocidos del barroco en Italia y en Europa. Conocido como Il prete rosso ("El cura rojo"), tenía este apodo porque era un sacerdote pelirrojo.

Hijo de el músico Giovanni Battista empezará a tocar el violín con su padre con el que recorrió Venecia tocando este instrumento. Con problemas de salud desde su niñez, en 1693, con solo quince años, empieza a estudiar sacerdocio para ser ordenado en 1703. En septiembre de ese mismo año, Vivaldi es nombrado maestro de violín en el Ospedale della Pietà en Venecia, una institución para niños huérfanos que poseía una orquesta de mujeres muy reconocida.
Desde entonces Vivaldi empieza a componer obras para esta institución, especialmente conciertos, cantatas y música sacra.
A partir de 1713 Vivaldi comenzó a componer óperas y llegó a hacerse un empresario famoso de este género sin abandonar su cargo en la Pietà.

Su obra consta de casi 800 obras donde se cuentan alrededor de 400 conciertos y 46 óperas.

10 obras de Vivaldi imprescindibles

1 - Las Cuatro Estaciones

Las cuatros estaciones son las obras más famosas de este compositor siendo representadas de manera habitual en la actualidad en la mayoría de las salas de conciertos de todo el mundo. Estos cuatro conciertos para violín fueron compuestos alrededor de 1721. Son los siguientes:

Concerto n.º 1 en mi mayor, Op. 8, RV 269, "La primavera"
Concerto n.º 2 en sol menor, Op. 8, RV 315, "L'estate" (El verano)
Concerto n.º 3 en fa mayor, Op. 8, RV 293, "L'autunno" (El otoño)
Concerto n.º 4 en fa menor, Op. 8, RV 297, "L'inverno" (El invierno)

Cada uno de estos conciertos se divide en tres movimientos como era habitual en la época.

2 - Gloria RV 589

Es una de las obras sacras más famosas del compositor veneciano, compuesta a modo de ópera, aunque sin representación escénica. Se divide en recitativos (textos cantados con acompañamiento de clavicembalo) y arias (canciones solistas con acompañamiento de orquesta) Tiene una duración aproximada de 30 minutos y está dividida en doce movimientos.

3 - L'estro armonico

Es una colección de 12 conciertos para violín y orquesta escritos en 1711.

El propio Johann Sebastian Bach realizaría transcripciones de algunos de estos conciertos
En algunas ocasiones estos conciertos son dobles, triples o cuádrupes, es decir, pueden tocar como solistas más de un instrumento. Su forma habitual tiene tres movimientos, aunque en algunos casos presentan cuatro e incluso cinco movimientos.

4 - L'Olimpiade

Es un drama musical del autor con libreto de Pietro Metastasio que originalmente escribió para Antonio Candara. Vivaldi le puso música en 1734 para ser represantado en el teatrro Sant'Angelo.
Este drama operístico en tres actos relata la historia de Lycidas, Megacle y Argene y las historias amorosas entre ellos que ocurren en la celebración de unos juegos olímpicos en la antiguedad clásica.

5 - Concierto para 2 trompetas y orquesta (RV 537)

No se conoce practicamente nada sobre este concierto pero su belleza ha hecho que se haga muy famoso. Compuesto en tres movimientos Allegro, largo y alegro.

6 - Stabat Mater, R.621

Es un trabajo sacro compuesta por encargo para la fiesta patronal de la iglesia de Santa Maria della Pace en Brescia en 1712. Se basa en el poema originario de Jacobo da Todi del siglo XIII relatando el lamento de Maria a los pies de Jesús crucificado.

7 - L'Olimpiade, RV725 (adapted by Andrea Marcon)

L'Olimpiade es un dramma per musica en tres actos cuyo libreto fue escrito escrito originalmente por Pietro Metastasio para una ópera del mismo nombre de Antonio Caldara estrenada en 1733. Vivaldi estrenó su versión se estrenó en Venecia en el Teatro de Sant'Angelo el 17 de febrero de 1734. Se narra la historia de Aristea, una princesa griega trofeo del ganador de los juegos olímpicos, pretendida por Megacles y Lycidas.

8 - Nulla in mundo pax

Es un motete sacro (composición de caracter religioso) compuesto en 1735 a teniendo como base un un texto anónimo en latín.
En el texto se relatan las
El texto describe las deficiencias del mundo manifestando el mañ que existe en él. Jesús es como para el cristiano la salvación ante todo este pecado.

9 - Argippo

Es una ópera estrenada en Praga donde el cantante y empresario veneciano Antonio Denzio
Se propuso llevar la música de Vivaldi. Fue estrenada el teatro de ópera de la corte del conde Franz Anton von Sporck en 1730. La ópera está ambientada en una corte real india y se centra en la historia de una joven princesa y un pretendiente deshonesto. La ópera relata la historia de una princesa india y un pretendiente con malas intenciones.

10 - Concierto para Mandolina, cuerdas y continuo RV 425

Compuesto en 1725 se trata de una de las pocas obras de Vivaldi en la que este instrumento forma parte. Se hizo famosa en el último medio siglo por su inclusión en la película Kramer contra Kramer en 1979. Consta de tres movimientos siendo el más conocido el primero de ellos.

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10 Obras de Vivaldi que todo el mundo debe conocer- 10 Obras de Arte -

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Antonio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) Fue uno de los compositores más conocidos del barroco en Italia y en Europa. Conocido como Il prete rosso ("El cura rojo"), tenía este apodo porque era un sacerdote pelirrojo.

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Vivaldi - La Primavera - Spring - Printemps -Las cuatro estaciones-Salzburger Kammerorchester

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(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino "quinientas veces el mismo concierto". No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.

Antonio Vivaldi

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello) y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.
Biografía
Poco se sabe de la infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución dedicada a la formación musical de muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Ámsterdam en 1711.

Aun cuando en tales composiciones se dan todavía las formas del "concerto grosso", la vivacidad y la fantasía de la invención superan ya cualquier esquema y atestiguan una tendencia resuelta hacia la concepción individualista y por ende solista del concierto, que se halla mejor definida en los doce conciertos de La stravaganza Op. 4: estructura en tres movimientos ( allegro- adagio- allegro), composición más ligera y rápida, casi exclusivamente homofónica, y modulación dinámica y expresiva, inclinada al desarrollo del proceso creador y fuente de nuevas emociones e invenciones.

Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo renombre en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, pues fue uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.

Vivaldi

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico le impedía en principio abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.

Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. A ella siguieron títulos como Orlando furioso, Armida al campo d'Egitto, Tito Manlio y L'Olimpiade, hoy día sólo esporádicamente representadas.

La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725, contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.
Las cuatro estaciones
En Las cuatro estaciones, Vivaldi muestra no sólo la capacidad semántica de la música sino también su habilidad para crear climas sonoros, a la vez evocadores e intimistas. La obra describe el ciclo anual de la naturaleza, de los hombres que la trabajan y de los animales que la habitan. Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente el soneto de autor desconocido que lo precede, en cuyos versos se dibuja un cuadrito de la estación. Así, La primavera, siguiendo lo representado en el soneto, imita el canto de los pájaros y el temporal; y el afán descriptivo llega hasta detalles como representar a través del violín solista al pastor que duerme, mientras los restantes violines imitan el murmullo de las plantas y la viola los ladridos del perro.

El verano describe primero el sopor de la naturaleza bajo la aridez del sol y después una tormenta, ya anunciada en el primer movimiento y que alcanza el máximo de su violencia en la parte final. El otoño parece presidido por el dios Baco; el compositor presenta la embriaguez soporífera de un aldeano, feliz por la cosecha; luego, al alba, parte el cazador con sus cuernos y sus perros en busca de una presa. En El invierno predominan las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.

La popularidad de esta obra se remonta a la época misma de su creación. Especialmente del primero de los conciertos, La primavera, circularon enseguida en Francia copias manuscritas, arreglos e imitaciones. Pero a fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.

Caído en el olvido tras su muerte, el redescubrimiento de Vivaldi no tuvo lugar hasta el siglo XX, merced a la música de Bach, quien había trascrito doce conciertos vivaldianos a diferentes instrumentos. El interés por el músico alemán fue precisamente el que abrió el camino hacia el conocimiento de un artista habilidoso en extremo, prolífico como pocos y uno de los artífices de la evolución del concierto solista tal y como hoy lo conocemos.

Tras la Segunda Guerra Mundial, apenas dos décadas después de iniciarse la recuperación y divulgación de su obra, Vivaldi se convirtió en uno de los autores más interpretados en el mundo. A pesar del triste final del compositor y del largo período de olvido, la obra de Vivaldi contribuyó, a través de Bach, a sentar las bases de lo que sería la música de los maestros del clasicismo, sobre todo en Francia, y a consolidar la estructura del concierto solista.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino "quinientas veces el mismo concierto".

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VIVALDI - Four Seasons - Alexandra Conunova - Orchestre International de Genève