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Diego Rivera - El Hombre controlador del Universo

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Diego Rivera - El Hombre controlador del Universo

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Este artista junto con Diego Rivera y Alfaro Siqueiros conforman la creatividad y manejo del muralismo en México, con el fin de difundir la historia y la cultura de México por medio de las artes teniendo como museo las calles. Una de sus obras más reconocidas es la de Pancho Villa. En las obras de Orozco podemos ver como se inclina a la visión de la victoria después de un arduo tiempo en guerra, es decir, enfocaba su arte hacia la revolución que se vivió en el siglo XX. La obra El Desmembrado muestra lo que ha sufrido la cultura mexicana debido a los abusos de los europeos que llegaron a este continente a realizar actos de violencia y abuso para con el imperio azteca.

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Este artista recreó por medio de su arte lo que hoy día se conoce como símbolo emblema de la celebración del día de los muertos en México y que es de origen prehispánico. Por medio de La Calavera Catrina (realizada a manera de impresión litográfica) muestra lo que normalmente es la catrina, una imagen que critica la aristocracia mexicana. Lo que artísticamente quiere mostrar la catrina es que así se llegue a la muerte no importa cómo te veas. Esta es una figura muy común como un snob de la época de la modernidad en México.

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Otros artistas mexicanos... como David Alfaro Siqueiros

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Otros artistas mexicanos... como David Alfaro Siqueiros

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Fue destacado en la escuela de muralistas mexicanos, de su vida podemos sacar algunos datos como los que generó bastante polémica por ser un militante del partido comunista, también se le vio interesado en temas políticos. Algo que genera más intensidad en su historia de vida es que fue exiliado alguna vez y que convivió durante un tiempo con Frida y con Diego Rivera en Coyoacán.

Artísticamente se puede sacar que sus obras aludían mucho hacia un interés político y de carácter rebelde, y estaba convencido que por medio de los murales podía difundir la cultura de su pueblo

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Nacido en México en agosto 25 de 1899, en la ciudad de Oaxaca. Fue un artista con identidad propia, escultor y muralista que emprendió un viaje artístico casi en oposición a las corrientes de aquel entonces, en el que se buscaba mantener el estilo internacional vigente en las sociedades americanas aun por encima de sus mismas raíces. Su obra se cataloga como un producto especial y muy particular. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y en adelante se hizo miembro del Departamento Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía, al cual le hizo entrega de una serie de obras de arte prehispánico y arte popular, para luego realizar su propia exposición en solitario, obteniendo gran acogida y de esta manera, logró abrirse paso a nivel internacional.

Su ‘conciencia revolucionaria’ le llevó a involucrar su pensamiento artístico con la política, haciendo uso de un lenguaje de formas, colores y sensaciones; por este mismo sentido el artista buscaba tocar las realidades sociales de entonces.

Una Capilla de Oaxaca.

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Es importante mencionar que el reconocimiento del arte moderno en Latinoamérica se remonta en el siglo XIX, y cobra fuerza a principios del siglo XX cuando pioneros de las artes en América Latina viajan a Europa con el fin de descubrir los movimientos artísticos en tendencia, creando a su vez lo que hoy en día conocemos como vanguardias artísticas (surrealismo, expresionismo, futurismo, cubismo).
También es importante resaltar que después de lo mencionado anteriormente, surgieron obras tan importantes como las que podemos encontrar en algunos lugares de Latinoamérica, siendo un tipo de piezas creativas y expresivas que van acorde a las características de una Latinoamérica. Es por esta razón que las tendencias se enriquecieron, ya que tenían su toque original del territorio.
Según algunas investigaciones realizadas que la historia del arte moderno en Latinoamérica se divide en dos, figurativa y narrativa que se dio en el norte de México, el cual se destacó por dedicarse más al arte público. Y el del sur que optó por la creación de piezas abstractas.
Finalmente se puede decir que fue un proceso muy marcado e importante para la civilización latinoamericana porque por medio de este se buscaba reivindicar su pasado ancestral. También resaltando las artes de las anteriores culturas originarias en el territorio latinoamericano.

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Rufino Tamayo: Artista mexicano que destacó por su participación en los importantes movimientos muralistas que en esa época se reflejaba por su naturaleza revolucionaria. Hizo parte del grupo de "los tres" en los que entraba Rivera, Siqueiros y Orozco. Conjunto con los mencionados anteriormente participaron en un movimiento muralista que floreció en el periodo comprendido entre las dos guerras mundiales.

Diego Rivera: Este destacó por su trabajo como muralista de ideología comunista, en las que sus obras poseían un carácter social. Creador de un sinnúmero de obras en espacios públicos en lo que actualmente es el Centro Histórico de Ciudad de México.

Saturnino Herrán: Se destacó en la modalidad de indigenismo, pero también se considera seguidor del modernismo pictórico e iniciador del muralismo. Algunas de sus obras más reconocidas son La Leyenda de los Volcanes, Tehuana, La Criolla del Mantón, El Cofrade de San Miguel, entre otras.

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- la llegada de la modernidad

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Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Colombia [Vídeo]

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Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Colombia [Vídeo]

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Módulo 3.2. Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Colombia

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Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Latinoamérica [Vídeo]

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Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Latinoamérica [Vídeo]

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Módulo 3.1. Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Latinoamérica

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Pintor Bogotano

(Bogotá - Colombia, 16 de diciembre de 1860 – Brúcelas - Bélgica, 29 de abril de 1945)

Pintor colombiano, viaja a la edad de dos años a Inglaterra con sus padres, y enseguida se desplazan a Bruselas y por ultimo viajaron a parís, la cuna del impresionismo; el adolescente Andrés empezaba a experimentar los deseo de pintar, pero su familia deseaba que se inclinara al manejo de las finanzas como banquero, pero no fue sino hasta 1882 por la muerte de su padre que toma la decisión de dedicarse a la pintura, el movimiento impresionista fue lo que atrapó al pintor y de la mano de grandes maestros (Claude Monet, Edouard Manet, entre otros) emprende su expresión artística.

Su primer premio lo obtuvo con Lavanderas del Sena en el Salón de Artistas Franceses en 1887.
El pintor colombiano fue el primero en ingresar el movimiento impresionista a Colombia, pero su pintura es considerada viva, dinámica y ordenada; a través de los colores dota sus obras de plenitud y potencia, llevando su pintura más allá de las modas, las teorías y un estilo definido.

En la pintura de Santa María predomina el lado cromático y la mancha informe por oposición al constructivismo, perteneció junto a Pablo Burchard la ruta del irracionalismo, tendencia filosófica que privilegia la voluntad y la individualidad por encima de la compresión racional del mundo objetivo.

Lavanderas del Sena

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Persona ¾
1934
Grabado, madera al hilo
35x23,6

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Artista colombiano nacido en enero 13 de 1899 en Boyacá; este personaje cursó durante su vida diferentes estudios relacionados con el arte, en Colombia y en Europa entre los años 1920 y 1928. Su vida como estudiante le llevó a conocer a importantes artistas franceses de vanguardia mientras se forjaba una carrera como maestro y director de diferentes escuelas, entre Colombia y México y también ocupó un puesto entre la membrecía del Círculo de Bellas Artes de Bogotá, la Horde de parís, la Socíété des Artistes lndependents, la Société Nacional de Belles Arts de París, de la Academia Colombiana de Bellas Artes, del Ateneo de Sevilla como miembro honorario y además de la Sociedad de Amigos de Taxco, México. Su trabajo se caracterizó por el desarrollo de la escultura indigenista, guiada por la preocupación que se sostenía sobre la recuperación de la memoria cultural del ‘nuevo mundo’, la identidad que había sido extraviada con la llegada e incursión de las fuerzas de tradición y costumbres europeas a través de las conquistas.

Estas obras de carácter indigenista, se inspiraba en la historia previa de los países donde había forjado su trayectoria, Colombia como país de origen y México, el cual se había encargado de generar espacios de conciencia y encuentro con lo ‘propio’ desde hacía cierto tiempo, y el que también, de alguna manera, se había convertido en su patria

India
1933
Bronce
26x20x18cm

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Finalmente, otro aspecto importante que se debe resaltar acerca de la llegada de la modernidad a América Latina, es el fortalecimiento de la identidad cultural y reconocimiento histórico que enriquecía a dicha cultura y el arte mismo. El nacionalismo no fue impedimento para la universalización del arte en Latinoamérica partiendo de la diversidad misma que resulta de la unión de distintas razas, creencias y tradiciones. Rescatando la cita del autor del texto “América Latina en sus Artes” que indica: “El arte culto, expresión consciente del querer ser de esas sociedades, sigue los modelos europeos en su afán de alcanzar la modernidad europea; el arte popular en cambio, es supervivencia.” Bayón, Damian. Esto explicando la relación existente entre identidad o modernidad, y sobre el arte europeo y el popular, los cuales presentan marcadas diferencias respecto a sus temáticas y estilos; sin embargo, existen en sus respectivos contextos locales y también, como una gama diversa de expresión visual universal; todo esto, a pesar de que este último, haya tenido que abrirse paso relativamente hace poco tiempo en medio de tradiciones extranjeras adoptadas en su propio contexto como una ‘herencia’ o más bien, como una imposición.

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Espacios de difusión del arte de la modernidad en Colombia 

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Espacios de difusión del arte de la modernidad en Colombia 

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Actualmente podemos identificar diferentes escenarios que promueven y apoyan el arte moderno en nuestro país. A continuación se mencionan los principales escenarios:

Museo de Arte Moderno de Medellín: En este se han realizado un sinnúmero de obras las cuales tienen características un poco arriesgadas y fuera de lo normal. También ha sido partícipe de obras de performance, instalaciones y videoinstalaciones.

Helena Producciones: Es más un colectivo artístico originario de Cali. Este colectivo se mueve bajo distintas modalidades como lo son talleres, exposiciones pero su estilo va más enfocado hacia lo que tiene que ver el contexto histórico, social y cultural de nuestro país.

Museo de Arte Moderno de Bogotá: Es considerado uno de los más importantes y más grandes de América Latina, al haber alojado a grandes artistas reconocidos a nivel internacional como lo son Andy Warhol,  Claes Oldenburg y Christo Javacheff, artistas pop y el último, artista landscape.

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Las obras artísticas en la época de la modernidad en Colombia surgen por entidades publicas y privadas, que primaron en las principales ciudades del país pero que destacó y tuvo mayor impacto en Bogotá, Medellín y Pereira.
Como principal autor de arte moderno en Colombia podemos mencionar a Andrés de Santa María, quién fue el que generó la primera polémica por arte moderno, exponiendo sus obras "Las lavanderas del Sena, Marinas y Caballos Bebiendo".
No siendo natal de Colombia pero si fuerte influenciador en la historia del arte moderno en Colombia también tenemos al mexicano Felipe Santiago Gutiérrez, quién se desempeñó como profesor en la fundación de la academia de bellas artes.

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Anteriormente conocimos que el puente exacto para la expansión del modernismo a través de Latinoamérica fue por parte de los mexicanos quienes, por medio de sus luchas por acabar con el abuso de los españoles, adoptaron el modernismo como característica principal como su acto de rebelión ante lo que estaba pasando durante esta época en Latinoamérica. El modernismo en Colombia surge a partir de la década de 1930, la cual no fue muy bien recibida por su carácter socialista, en una época conservadora en términos culturales y políticos. Se debe mencionar que las corrientes artísticas existentes durante esta época en Colombia eran casi que dominadas por la iglesia católica y por instancias políticas (siglo xx), por lo que los hechos que acontecieron posteriormente a la llegada del arte moderno a Colombia, logró que se cambiara el punto de vista que se tenía de este. Es decir, durante mucho tiempo, en un país católico conservador se intentó silenciar o evadir las prácticas artísticas modernistas porque ante la sociedad era algo que no debía ser visto. Esto generó que muchos políticos y arzobispos de la época estuvieran en contra de la obra “La Anunciación” de Carlos Correa.
Podría añadirse que en el tiempo en que se realizó la transición de un gobierno conservador, el arte moderno en la historia de Colombia volvió a renacer, durante esta nueva época surge la aceptación de movimientos artísticos y se aceptó el desarrollo o apertura de instituciones artísticas, sin embargo, surgió la hipótesis que afirmaba que estas prácticas podrían elevar la ignorancia y falta de cultura en la sociedad, lo cual generó que las prácticas artísticas se vieran desde un punto de vista como algo que se tornaba subversivo, lo cual desencadenó lo que hoy día se conoce como la revolución cultural.

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El Proyecto Bachué: los modernistas relegados

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El Proyecto Bachué: los modernistas relegados

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"Ya es hora de que le demos un adiós a Europa y enfoquemos toda nuestra atención hacia el trópico, porque solo reencarnando el ayer, y defendiéndolo con un crudo nacionalismo, podremos salvarnos de la europeización que acabará por mediatizarnos y reducirnos a un vasallaje ignominioso”, declaraba uno de los textos de la “Monografía del Bachué”, publicada en el suplemento dominical del diario El Tiempo el 15 de junio de 1930. Firmado por Hena Rodríguez Parra, Darío Achury Valenzuela, Rafael Azula Barrera, Darío Samper, Tulio González y Juan P. Varela, este manifiesto recogía los sentimientos de una generación de artistas y escritores que atendieron el “llamado de la tierra” y descubrieron en las escenas populares y naturalistas de la época, en los mitos de nuestra historia precolombina y en su propia identidad, el germen para producir arte y romper con la tradición academicista que se imponía a principios del siglo xx en Colombia.

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El Proyecto Bachué: los modernistas relegados

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Entre los años veinte y cuarenta, una generación artística abogó por un regreso a la tierra en rechazo al europeísmo. Su importancia fue rebatida por la crítica Marta Traba. Ahora, de la mano del Proyecto Bachué, que abrió la galería El Dorado en La Macarena, de Bogotá, el primer grupo modernista de Colombia comienza a ser revalorado.

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Manifiesto de los artistas independientes de Colombia, a los artistas de las Américas 

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Manifiesto de los artistas independientes de Colombia, a los artistas de las Américas 

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Manifiesto de los artistas independientes de Colombia, a los artistas de las Américas

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El catálogo que se documenta consta de 48 páginas y tiene los siguientes apartes: "Manifiesto de los artistas independientes a los artistas de las Américas" (dos páginas); "La exposición de arte nacional de Medellín"; una entrevista con Marco A. Peláez, por Luis Martel (4 páginas) y reproducciones de 42 obras participantes en la exposición.

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En la década de 1920 y 1930 surgen dos manifiestos, los cuales promueven nuevos movimientos artísticos latinoamericanos, el primero es el Manifiesto del Sindicato de Artistas Revolucionarios, 1922 (México) y el segundo El Manifiesto Regionalista Freyre, 1926, estos manifiestos unen y separan el arte moderno latinoamericano;

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Vías de llegada de la modernidad a Colombia 

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Vías de llegada de la modernidad a Colombia 

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Módulo 3.2. Modernidad en el Arte y consecuencias en América: Artistas destacados en Colombia

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Elementos modernos que se encuentran en el desarrollo del arte en Colombia 

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Elementos modernos que se encuentran en el desarrollo del arte en Colombia 

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Derivado de ese importante aspecto, la búsqueda de lo propio, o el regreso a lo propio, se propuso hacer frente a todo aquello que pudiera representar un elemento reiterativo de estilos ajenos y procesos preexistentes y adoptados como única manera de expresión. Parte de la libertad también consistía en reconocer y apoderarse de lo auténtico y originario de este ‘nuevo mundo’. Tal pensamiento derivó entonces en la conformación de un “espíritu nuevo” en las artes plásticas como lo indica Pini, Ivonne.
Esta preocupación, mantuvo a diversos artistas y autores a lo largo de este período de cambio como José Guadalupe Posada, Juan Marinello, Eduardo Dieste, Arturo Abela (1889-1965), Aristídes Fernández (1904-1934), Joaquín Clausell (1866-1935), Andrés de Santa María, Pablo Burchard, entre otros, activos en la tarea de encontrar y plantar este “sentido de autoafirmación” en una generación que pretendía encontrarse a sí misma, y que como lo pronunció Juan Marinello, "España y Europa nos han mantenido lejos de América" Pini, Ivonne. se había limitado a reproducir la cultura de otra región que lo ‘superaba’ en historia y tradición.

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El concepto con el que se define esta transformación de la visión artística en Latinoamérica entre los siglos XIX y XX se traduce como un ‘despertar’ del pueblo respecto a sus productos culturales y artísticos, resultantes de la estrecha relación e influencia poderosa con el viejo mundo que le ocasionaron un desprendimiento casi absoluto de sus raíces nativas hasta cierta época. En el texto “Aproximación a la idea de "lo propio" en el arte latinoamericano a fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX.” Se afirma claramente: “Esta actitud imitativa de los modelos europeos fue consecuentemente asumida por las élites latinoamericanas que sin rubores copiaban sus modos de vida, pautas culturales y modelos artísticos, desconociendo y rechazando lo indígena o lo mestizo y su cultura.”. Pini, Ivonne. Lo anterior indica que esta costumbre de imitación se dio mayoritariamente por parte de quienes gozaban y hacían alarde de su estatus social sobre lo que de una u otra forma había sido impuesto por la conquista y en cierta medida, les ubicaba en un eslabón superior al del resto de los individuos; no obstante, no se podía llegar más fondo al tratar de adoptar las formas tradicionales de otras regiones y haciendo omisión de la riqueza nativa cultural, sin lograr al mismo tiempo conseguir una reflexión acerca de si realmente era importante procurar la semejanza con los pueblos extranjeros a costa de perder el ideal de cultura propia. Esta serie de cambios comenzaron como una mirada retrospectiva hacia ‘lo propio’.

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Intentar realizar un cambio frente a lo establecido cultural, social, político y económico en países latinoamericanos que han sido europeizados, conllevaban a una persecución política a raíz de su pensamiento; en México se intentaba realizar manifestaciones artísticas con gran contenido indígena y popular lo que se asumía como manifestación nacionalista, a partir de esta persecución, los artistas como José Guadalupe Posada empezaron a hacer uso de la caricatura, grabado, ilustraciones como medio de combate frente a la dictadura que se presentaba en el país (México), gracias a esta revolución intelectual, a finales del siglo XIX se amplió la manifestación nacionalista y se comienza una búsqueda de lo “propio”, de autenticidad. José Vaconcelos ministro de educación, se convirtió en un pionero en México para la creación de espacios culturales de sensibilización individual, tales como salas de concierto, bibliotecas, murales; estos espacios se apoyaban de autores clásicos como platón, homero, dante y cervantes para construir y orientar un nuevo pensamiento moderno.

El Arte en México fue muy importante por los sucesos que ocurrían en el territorio, afectados por los cambios de las activadas humanas en: la economía, filosofía, ciencia y arte.

El arte en Latinoamérica se fue formando como resultado de la revolución industrial, las distintas tendencias que esta formo en las sociedades de la época.

• El arte más representativo en América fue el muralismo mexicano surgido por la revolución mexicana de carácter indigenista en 1910 donde se proponían obras monumentales para el pueblo rechazando a todos los círculos intelectuales.

• Artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro David Alfaro Siqueiros y Carlos Mérida plasmaron la realidad que vivía México en el muralismo, siendo este la forma de recuperar el legado histórico que recorrió a toda Latinoamérica como inspiración.

• Desde el gobierno de México inspiraos en la revolución soviética impulsaron el plan educativo y cultural en donde aportaron el 20% del presupuesto nacional de México.

• Los artistas muralistas proponen el arte al servicio de la revolución mexicana, y repudiaban la pintura en caballete como protesta al arte aristocrático y que fuer más del pueblo y los indígenas, todo este arte era influenciado por el arte prehispánico, como tal el arte azteca, el impresionismo no causo ninguna gracia en México.

Cabe resaltar que teniendo en cuenta algunas investigaciones realizadas en la historia del arte moderno en Latinoamérica, se divide en dos categorías, la figurativa y la narrativa, las cuales se dieron  en el norte de México, en donde se destacó por dedicarse más al arte público.

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¿Por qué vías llegó la modernidad al país?

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¿Por qué vías llegó la modernidad al país?

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A finales del siglo XIX, los viajeros tienen gran importancia en la expansión y difusión artística en Latino América; en sus viajes captaban ciertas situaciones pintorescas o curiosas que se presentaban en la cotidianidad, a partir de esto, se crearon representaciones de modelos europeos a través de la mimesis, en donde las elites de los países latinoamericanos copiaban, dejando de lado y rechazando el conocimiento cultural indígena y mestizo.

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Entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX se generó una reacción nacionalista en América Latina, la cual tuvo intervención en sectores políticos, sociales, culturales y económicos; la idea nacionalista se abordaría a partir de la necesidad de repensar lo nacional en términos de conceptos como lo popular y lo cotidiano.

A finales del siglo XIX, los viajeros tienen gran importancia en la expansión y difusión artística en Latino América; en sus viajes captaban ciertas situaciones pintorescas o curiosas que se presentaban en la cotidianidad, a partir de esto, se crearon representaciones de modelos europeos a través de la mimesis, en donde las elites de los países latinoamericanos copiaban, dejando de lado y rechazando el conocimiento cultural indígena y mestizo.