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Par Alexandra Coutlée, auteure du balado La Geek de service et conseillère pédagogique en intégration du numérique et personne-ressource du RÉCIT au Centre de services scolaire de Laval

Note : Vous aimeriez plutôt écouter ce top 10 en mode balado? C'est ici.

Choisir seulement 10 outils, applications ou sites pour mon top 10 de 2021 ne fut pas évident. Bien sûr, j'en utilise et apprécie bien plus. Les outils qui se retrouvent dans mon palmarès sont d'heureuses découvertes ou font partie de mon quotidien depuis longtemps, en plus d'offrir de nouvelles options.

Que ce soit pour des billets de sortie, des débats sur l'actualité ou simplement pour laisser les élèves s'exprimer en mode vidéo, Flipgrid est un incontournable. La nouvelle fonction d'enregistrement audio qui rend possible les créations de type balado, les nouveaux arrière-plans et les autocollants en font un outil de création par excellence. Et c'est sans compter la nouvelle possibilité de créer de courtes capsules ( Shorts) sur appareil mobile.

Avec tout ce temps passé devant les écrans, des pauses actives sont nécessaires. Cette application (payante avec essai de 14 jours gratuits) offre plusieurs possibilités pour bouger, en déterminant des choix personnels (durée, musique, etc). Que ce soit du yoga, de la méditation, de l'entraînement en circuit, il est possible de prendre un petit 10 minutes de pause ici et là pour prendre soin de soi. J'adore particulièrement le yoga sur chaise qui permet de s'étirer (caméra fermée, bien sûr) quand une réunion à distance s'étire depuis un peu trop longtemps. 🙂

Libre de droit, gratuite et misant sur le respect des données personnelles, La Digitale offre un large éventail d'outils. J'y ai découvert Digipad, une solution de rechange à Padlet, ainsi que Digiquiz qui, jumelé à Logiquiz, permet l'intégration d'activités interactives H5P en dehors de l'environnement Moodle. On peut alors ajouter le tout sur un Google Site, comme on peut le voir ici sur www.muniverssocial.ca (voyez par exemple cette page où les exercices interactifs sont faits avec Digiguiz). Je me promets d'explorer les autres outils de La Digitale en 2022!

Site Web, extension et application fort utile, Wakelet est un incontournable pour colliger toutes mes découvertes. Avec toute l'information intéressante que je vois circuler partout, être en mesure de rassembler rapidement et facilement le tout est essentiel. L'outil permet en plus de partager des collections et même de collaborer à celles d'autres personnes. Avec sa nouvelle fonction d'organisation par colonne (parfois, les plus petits changements, tout simples, peuvent tout changer dans un outil), je l'aime encore plus. En 2022, je me promets d'explorer l'utilisation de Wakelet comme portfolio avec des élèves puisqu'il est si facile d'y ajouter liens, fichiers, images et bien plus!

Pour le montage audio, il existe d'excellents outils comme Audacity ou encore GarageBand. Mais c'est Soundtrap qui fait mon top 10. Pourquoi? Parce que cet outil est disponible pour tous, en ligne ou en application mobile, et qu'en plus, il est collaboratif. Que ce soit pour ajouter des sons (la banque de sons libres de droits est impressionnante) ou faire le montage d'un balado, il est simple et efficace. Sa version personnelle gratuite suffit pour la majorité des petits projets. Des versions payantes (professionnelle et éducation) offrent des options supplémentaires.

L'extension Language Tool (pour plusieurs navigateurs tels que Chrome et Firefox, mais aussi disponible en application et intégrable à Google Docs) me suit maintenant partout lors de mes rédaction en ligne. Elle permet de corriger orthographe et ponctuation, en plus d'offrir un dictionnaire de synonymes. Une version payante offre une correction plus approfondie (style, grammaire, etc.), mais la version de base permet d'éviter de fâcheuses erreurs lorsque je suis en clavardage dans un de mes outils en ligne ou encore lors de publications sur les réseaux sociaux.

Outil à installer sur son ordinateur, Rambox permet de gérer différents outils regroupés en un seul endroit. Lorsqu'on doit communiquer dans différentes instances comme Teams, Google Chat, Yammer, Messenger ou autres, avoir tous ces outils en un seul endroit permet de ne rien manquer. Il faut, par contre, savoir que puisque Rambox ouvre tous ces outils en ligne simultanément, il peut " tirer du jus ", comme on dit. Je me limite donc aux essentiels de mon côté... et ne me suis pas rendue au maximum de la version gratuite, qui permet 99 outils!

Pour les utilisateurs de Google Classroom, Schoolytics est le tableau de bord personnalisable qui vous manquait. La version gratuite permet d'y connecter jusqu'à 10 classes à la fois. Il est ensuite possible de personnaliser ce qu'on veut mesurer : le taux de remise des devoirs, les compétences évaluées, les jours où les élèves complètent leurs devoirs, etc. Il ne reste plus qu'à regarder les rapports pour ajuster ses décisions pédagogiques. Les rapports sont même exportables (par classe et par élève).

La plateforme est nouvelle et en cours de traduction. Elle est bonifiée régulièrement, comme cette nouvelle option qui permet de générer un Google Présentation pour les travaux d'équipe avec le nom des coéquipiers sur différentes diapositives.

Des tutoriels pour Schoolytics sont disponibles dans la Trousse numérique du CSS de Laval.

Screencastify est un incontournable pour réaliser de courtes capsules vidéos. J'aime que mes vidéos se retrouvent directement dans mon Google Drive et que le partage soit simple et rapide. De nouvelles options de partage permettent maintenant de demander le nom de la personne qui visionne la vidéo, ou bien d'exiger une connexion, donnant ainsi des options pour savoir qui a bien vu la vidéo. Une nouvelle fonction, qui permet d'ajouter des questions à choix multiples, permet également, dans un seul endroit, de créer des capsules interactives et d'assurer un meilleur suivi.

Canva est probablement l'outil que j'utilise le plus souvent. Que ce soit pour des infographies, des supports de présentation, ou pour personnaliser un site Web, les possibilités de création de cet outil sont tout simplement incroyables. Le plus difficile avec Canva? Faire le choix parmi les milliers de modèles disponibles qui contribuent à la création de documents de qualité professionnelle. Un nouvel outil de montage vidéo est simple et efficace. J'ai aussi testé le service (payant) d'imprimerie, qui m'a vraiment impressionnée. Canva est définitivement mon coup de cœur de 2021.

En 2022, je me promets de tester l'option de capture d'écran et la diffusion en direct, directement à partir de Canva. N'hésitez surtout pas à vous prévaloir de la version Éducation, gratuite, qui en vaut plus que la peine.

Et vous? Quel est votre top 10 d'outils technos de 2021?

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Le top 10 d'outils techno de 2021 d'Alexandra Coutlée

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Dans cet article, notre collaboratrice Alexandra Coutlée nous partage son top 10 d'outils technos de 2021. De quoi faire de belles découvertes!

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Spécial câble: jack/xrl, en bref les câbles que vous trouvez sur scène!

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Coffre à outils technopédagogiques. Compétence culture

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Coffre à outils technopédagogiques. Compétence culture

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coffre à outils Visioconférence Production vidéo Sondages Plateformes FAD Animation de groupe Support visuel Portfolio Nuage de mots Gestion collaborative Chat intéractif Visuel, graphisme Balado Gestion du travail Montage vidéo Visioconférence Microsoft Teams est une application de messagerie, de visioconférences et d'appels, destinée à la collaboration et la communication en temps réel.

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Core. La plus grande collection au monde de documents de recherche en libre accès

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Core. La plus grande collection au monde de documents de recherche en libre accès

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Outils et ressources visuelles pour l'éducation

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Outils et ressources visuelles pour l'éducation

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Outils & Ressources visuelles pour l’Éducation

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0 Outils et ressources Cliquez sur chaque item pour ouvrir la fiche Gratuit Freemium Gratuit mais limité Payant nous adorons! Carte mentale Carte Conceptuelle Présentation Infographie Mutualiser de…

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Numérique, éducatif, responsable.

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Corriger des copies numérisées

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Dernière mise à jour le 24 février 2021

Comment corriger des copies numérisées envoyées par vos élèves ? Comment éviter de tout imprimer, corriger à la main puis re-scanner avant de les renvoyer à vos étudiants ? PDF for teachers va sacrément vous faciliter la tâche avec toute une série de fonctions bien pensées qui vont vous faire gagner un temps précieux.

Un logiciel libre et gratuit qui aurait pu être créé par un enseignant. Ce n'est pas le cas, PDF for teachers est l'oeuvre d'un...lycéen de 16 ans : Clément Grennerat. Si ces derniers mois vous avez eu à jongler avec des copies numérisées, vous n'avez pas fini de le remercier.

PDF for teachers est une application dédiée à la correction des copies numérisées

La prise en main de l'application demande un petit peu de temps et de suivre minutieusement le mode d'emploi en vidéo réalisé par le jeune auteur. Cet investissement de départ sera vite rentabilisé par la suite. Les fonctions prises en charge par l'application qui travaille avec des fichiers PDF sont les suivantes :

La conversion au format PDF

L'application permet tout d'abord de rassembler toutes les copies reçues dans un dossier dédié. Pour pouvoir travailler, PDF for teachers, comme son nom l'indique, a besoin de fichiers au format PDF. Il va pour cela transformer les fichiers image en fichiers PDF. Des conversions en lots sont possibles. Vous pourrez ensuite insérer, tourner, déplacer les pages pour obtenir des copies numérisées parfaites.

Editer et corriger les copies en PDF

C'est dans cette fonction que PDF for teachers prend tout son intérêt. Vous allez pouvoir annoter vos copies avec des éléments textuels que vous pouvez personnaliser comme bon vous semble ( couleur, taille, etc). Si certaines annotations reviennent souvent, vous pouvez les ajouter à une liste de favoris. Vous pourrez ainsi les réutiliser rapidement sur la même copie ou sur une autre d'un simple clic. Vous pourrez d'ailleurs les classer comme bon vous semble et pour les retrouver facilement, le développeur à intégré un système de frappe suggérée. Dès que vous tapez les premiers caractères vous verrez s'afficher des suggestions de commentaires sauvegardés. Ultra pratique.

Créer un barème et noter les copies

PDF for teachers fait aussi des merveilles pour mettre des notes et calculer des moyennes. Il faut dans un premier temps lui indiquer les notes par question. L'outil va ensuite auto-numéroter les questions et calculer automatiquement les totaux. Une fois la notation de la première copie témoin terminée, vous allez pouvoir exporter le système et la position des notes à toutes les autres copies.

Vous pourrez une fois toutes vos copies corrigées, exporter l'ensemble des notes dans un tableur. Génial. Il ne vous reste plus qu'a récupérer vos nouveaux fichiers PDF corrigés et les envoyer directement à vos élèves par mail.

Une application open source pour corriger les copies en PDF

PDF for teachers est un excellent outil, très pratique, qui continue d'évoluer en fonction des retours des utilisateurs. Il est conforme au RGPD de l'Union européenne : toutes les éditions et fichiers exportés sont stockés en local, les seuls accès réseaux de l'application concernent la vérification des mises à jour.

Une application libre, gratuite et en Open Source disponible pour windows et mac. Si vous l'utilisez n'oubliez pas de faire un don via Paypal à son jeune auteur. Il le mérite.

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PDF for teachers. Corriger des copies numérisées

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PDF for teachers est une application géniale qui permet de corriger des copies numérisées facilement. Libre, gratuite et open source.

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Permet de faire parler un portrait

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Évaluation et auto-évaluation avec Nearpod
Nearpod est un site sur lequel vous pouvez faire des questionnaires qui seront accessibles en ligne. Cela permettra par exemple aux élèves de réinvestir leurs connaissances sur des notions déjà abordées au cours de l'année.
L'avantage par rapport à d'autres applications du même genre est que les réponses ne sont pas uniquement des QCM (avec des cases à cocher), mais peuvent prendre la forme de réponses textuelles, de dessins donc musicogrammes... Le questionnaire prend la forme d'un diaporama et permet ainsi d'insérer des pages dans lesquelles le professeur pourra proposer des ressources pour répondre aux questions, comme par exemple des extraits sonores, des vidéos (sur YouTube par exemple), des liens vers des pages web, des galeries photos...
Pour créer un questionnaire, il faut s'inscrire sur le site ; le questionnaire sera envoyé aux élèves sous la forme d'un lien web qui pourra être ouvert sur n'importe quelle plateforme (ordinateur, téléphone, tablette) et sans inscription. RGPD oblige, demandez aux élèves de donner simplement leur prénom et leur classe afin que vous puissiez tout de même avoir un suivi de leur travail.
Voici un exemple d'activité à tester pour comprendre comment fonctionne l'outil du point de vue de l'élève, et un tutoriel pour prendre l'interface en main. L'interface est en anglais mais utilise un vocabulaire de base.

Deux conseils pour terminer ;
- n'oubliez pas d'enregistrer votre questionnaire ("Save Changes") pour pouvoir le partager avec les élèves,
- pour obtenir le lien de votre questionnaire à distance, choisissez votre questionnaire dans la rubrique "My Lessons" et cliquez sur "Student-paced" puis "link"

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Continuité pédagogique en éducation musicale : Évaluer avec Nearpod

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Comment motiver les élèves et leur proposer d'apprendre en faisant des questionnaires interactifs (et en auto-évaluation) ?

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le travail impliquant plusieurs disciplines (17)

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Tuto pour Visio conférence

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Tutoriel LearningApps : exerciseurs en ligne - L'atelier du formateur

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Site : https://learningapps.org en français, gratuit sans limitation de création de ressources Création de groupe classe plus de 20 modèles d'exercices (quiz, texte lacunaire, challenge, jeu...

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Tutoriel LearningApps : exerciseurs en ligne - L'atelier du formateur

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Site : https://learningapps.org en français, gratuit sans limitation de création de ressources Création de groupe classe plus de 20 modèles d'exercices (quiz, texte lacunaire, challenge, jeu...

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Tutoriel complet - La Quizinière (lien vers la mise à jour 2020 en description)

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Site ressource pour l'Éducation Musicale

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Mesures sanitaires rentrée septembre 2021

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Mesures sanitaires rentrée septembre 2021

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Port du masque: quelques situations particulières.

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Port du masque: quelques situations particulières.

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Samples

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Port du masque en classe : agir sur le bruit de fond en classe

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Port du masque en classe : agir sur le bruit de fond en classe

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Free Music For YouTube Videos & Creators * Uppbeat

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Download the best copyright-free music for YouTube, TikTok, streaming, social media, podcasts and more. Create a free account & start downloading for free now.

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3000 images vectorielles et icônes libres

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3000 images vectorielles et icônes libres

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#PNGRepo et #SVGRepo : plus de 300 000 images vectorielles et icônes libres, à télécharger au format PNG ou SVG (selon le lien choisi), monochromes ou en couleurs, classées par collections.
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PNG Repo - Free Quality PNG Icons and Graphics

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Free Icons and Illustrations in PNG format. ✅ Download free mono or multi color graphics for commercial use. Search in 300.000+ Free PNG Icons and Grahpics.

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Free Vectors and Icons in SVG format. ✅ Download free mono or multi color vectors for commercial use. Search in 300.000+ Free SVG Vectors and Icons.

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— Alain MICHEL ➜ 🐘 (@alainmi11) July 17, 2021

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Présentation claire et détaillée du RGPD

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Présentation claire et détaillée du RGPD

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Comment utiliser des oeuvres dans un cadre pédagogique?

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Comment utiliser des oeuvres dans un cadre pédagogique?

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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Qu'est-ce que l'exception pédagogique ?

La notion d' exception pédagogique correspond essentiellement à des accords sectoriels négociés contre une rémunération forfaitaire. Ces accords permettent d'utiliser des œuvres dans un cadre pédagogique, c'est-à-dire à des fins exclusives d'illustration dans le cadre de l'enseignement et de la recherche, à destination d'un public majoritairement composé d'élèves, d'étudiants, d'enseignants ou de chercheurs directement concernés.

Les ministères chargé de l'éducation nationale et de l'enseignement supérieur et la conférence des présidents d'université (CPU) ont ainsi conclu des accords

avec la Société des producteurs de cinéma et de télévision (PROCIREP) sur l'utilisation des œuvres cinématographiques et audiovisuelles,

avec la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM) sur l'interprétation vivante d'œuvres musicales, l'utilisation d'enregistrements sonores d'œuvres musicales et l'utilisation de vidéo-musiques,

et avec les sociétés représentant les titulaires de droits pour l'utilisation et la reproduction des livres, des œuvres musicales éditées, des publications périodiques et des œuvres des arts visuels.

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Comment utiliser des œuvres dans un cadre pédagogique ?

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Port du masque en classe: tenir sur la durée

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Port du masque en classe: tenir sur la durée

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Tenir dans la durée

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Port du masque en classe : connaitre les risques pour la voix.

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Port du masque en classe : connaitre les risques pour la voix.

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7 sites pour trouver des musiques gratuites

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7 sites pour trouver des musiques gratuites

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7 sites pour trouver des musiques gratuites libres de droits

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Il n’est pas toujours facile de trouver des musiques gratuites pour illustrer une présentation, un podcast, une petite vidéo ou un projet multimédia en

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Afin d'aider le personnel du réseau scolaire à respecter le droit d'auteur et les limites des licences, des schémas sont mis à leur disposition. Ils visent à faciliter la prise de décision lors de différentes situations.

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Ministère de l'Éducation et de l'Enseignement supérieur

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Liste complète des publications | Ministère de l’Éducation et Ministère de l’Enseignement supérieur

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Le MEES a pour mission d’élaborer des politiques relatives aux domaines de l’enseignement

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Interpréter et enregistrer une oeuvre en période de confinement.

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Interpréter et enregistrer une oeuvre en période de confinement.

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Utiliser sa voix en classe - 4 vidéos conseils pour les jeunes profs

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En partenariat avec MGEN, elle nous donne ici ces conseils pour gérer et préserver sa voix.

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Port du masque et pratique vocale professionnelle

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Port du masque et pratique vocale professionnelle

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Enseigner avec le masque: enceintes et micros, pour éviter l'aphonie

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Enseigner avec le masque: enceintes et micros, pour éviter l'aphonie

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Le masque fait partie de notre quotidien d'enseignement, nous avons donc testé plusieurs solutions matérielles pour éviter l'aphonie. Bilan !

Pour ce billet et cette vidéo, j'ai l'immense honneur d'accueillir Flavie et David. Nous avons co-écrit et co-construit ce travail qui saura, je l'espère, servir au maximum de collègues !

Il est évident qu'enseigner avec le masque entraine des problématiques diverses que l'on ne va pas évoquer ici, mais plutôt chercher à solutionner ! L'entrée matérielle proposée dans ce billet et cette vidéo n'est pas la seule qui doit être envisagée, c'est pourquoi nous avons également touché du doigts la gestion de la voix. Néanmoins, il nous a semblé que cela pouvait faire l'objet d'un second billet / vidéo avec pourquoi pas, des invités spécialisés dans la question vocale. Dites-nous en commentaire ce que vous pensez de cette idée ;-).

EdmusLive #7...enseigner avec le masque !

La vidéo dans laquelle on vous explique tout !

La version podcast audio :

Les enceintes : à chaque situation, une solution adaptée !

Ibiza PORT12VHF-BT : la chouchoute de Nico ! () - Puissance RMS 350W

Polyvalente, sur batterie, fournie avec deux micros sans fil (serre-tête + main), cette enceinte est puissante ( RMS 350W) et endurante (Autonomie 3-5 heures). Elle a été largement éprouvé depuis 5 ans. Le son est équilibré et les ports sont très nombreux. Quelques points négatifs tout de même : pas d'entrée XLR et un poids assez conséquent : 15kg. Donc mobile mais pas trop. 199€ ! Imbattable !

Cette enceinte possède beaucoup de types d'entrées. Elle peut être couplée à une autre pour sonoriser une scène par exemple, et ne pèse "que" 5kg. Par contre elle n'a pas de Bluetooth.

Yamaha Stagepas 400BT : La chouchoute de David

Une sono semi-pro de très haute qualité et facilement transportable à 529€ Thomann. Pour organiser des évènements dans votre établissement, elle sera parfaite. Je l'ai utilisée pendant longtemps dans un lycée pour faire des concerts, et elle a montré toutes ses qualités en intérieur comme en extérieur avec ses 2x200W. Elle est filaire, bien sûr.
Roland CM-30 : un petit cube qui envoie !

Puissance: 30 Watt, Haut-parleur 2 voies 6,5″ coaxial avec pré-ampli stéréo, Trois canaux d'entrée, avec un XLR pour micro/ligne et deux entrées Aux supplémentaires, Fonction link stéréo pour connexion stéréo de deux appareils permettant un total de 8 entrées stéréo et deux entrées mono micro/ligne, pour 250€. Extrêmement compacte et légère, elle peut se mettre sur pied. Et pourquoi pas en acheter une cette année, et une autre l'année prochaine ? (Utilisée depuis des années par David 😉). ( Thomann)

Les nomades : pour des enseignants mobiles mais exigeants

IK Multimedia iLoud : la chouchoute des Edmus !

Pour passer de la musique de qualité, la iLoud est puissante ( 40W) et très endurante. La batterie est de qualité, ses possibilités de connexions (Bluetooth + jack de 3,5mm) et son poids plume 1,33 kg, en font un compagnon idéal pour le musicien nomade. On pourra y brancher un micro, une source sonore, et en passant par une autre interface, une guitare ou un clavier numérique. Le tout pour 199€. C'est fort ! Thomann

Bose SoundLink Revolve : une valeur sûre à 360°

Bluetooth, robuste et résistant aux projections d'eau (IPX4), diffusant à 360°, jusqu'à 16h d'écoute. Beaucoup de qualités pour cette enceinte de 900g. Elle dispose également d'un entrée jack de 3,5mm. Elles peuvent s'appareiller pour bénéficier d'un son stéréo. ( 250€ sur Amazon)

Micros

Objectif numéro 1 : économiser sa voix

Solutions techniques : le micro casque sans fil

Testé depuis des années par Flavie, et depuis janvier 2020 pour moi, il est un véritable soulagement pour les cordes vocales. Il permet de parler ou chanter en modérant considérablement l'intensité de sa voix. Avec un masque, son utilisation en est que plus appréciable.

Quelques modèles : (merci aux copains #Edmus pour leurs retours d'expériences)

VHF ONE S HL - BOOMTONE DJ : 39 € ! 99 € pour la version deux micros

Ne vous attendez pas à des miracles mais franchement le rapport qualité prix est imbattable ! Le son est tout à fait correct. Testé et approuvé depuis des années. En vente chez SonoVente.com

The t.bone TWS One A Headset : un must et largement éprouvé par les collègues : 58 € ( Thomann)

SENNHEISER XSW 2-ME3-A : Le top ! Mais... 329 € ( WoodBrass)

Une qualité pro, une cellule très efficace, un récepteur de très grande qualité. Prenez un A ou un B, pas d'importance. Il s'agit de différencier le signal si vous en achetez plusieurs.

Une solution hybride : Giecy Amplificateur voix portable avec microphone casque 30W Batterie rechargeable 2800mAh

le micro et l'ampli. Mais bon... pas forcément pour le chant et à utiliser uniquement dans un environnement calme.

Plus discret, il se porte en micro cravate. Mais personnellement, je n'aime pas ce système. Il y a trop d'interférences et de bruits parasites.
L'émetteur utilise des piles . Vous pouvez opter pour des piles rechargeables. Cela reste plus confortable sachant qu'il en faut seulement deux pour fonctionner ( Amazon).

Le 100% nomade ! Il tient environ 6h chargé (par câble USB) Sans être exceptionnel, ce produit pour des petits budgets fera honorablement le travail. Attention à quelques Larsen (donc il faut être vigilant à votre position par rapport à l'enceinte) mais sinon son utilisation ultra simple en rassurera plus d'un. Le signal étant transmis en wifi cela limite les pas interférences possibles avec un autre appareil. ( Thomann)

BONUS ! : gestion de la voix avec le masque

Les 10 commandements de la voix

1 : 💧Boire de l'eau fréquemment tu feras (idéalement : 1 gorgée d'eau chaque 30 minutes).

2 : 🎶 Réduire ou éliminer le bruit ambiant tu veilleras (définir un code gestuel pour des actions).

3 : 🙊 Prendre des pauses de parole tu n'oublieras pas : pendant des travaux calmes,au cours de la journée (minimum 15 minutes).

4 : 🤫 De chuchoter tu éviteras : privilégiez une voix basse au chuchotage qui demande un plus grand effort aux cordes vocales).

5 : 🙊 De se racler la gorge tu t'abstiendras : irritant les cordes vocales et les rendant plus sensibles, prenez plutôt une gorgée d'eau ou avalez votre salive.

6 : 🎶 De Réduire au minimum les exemples vocaux tu veilleras. (Les élèves seront plus attentifs)

7 : 🎤 De ne pas chanter avec les élèves, tu essayeras. (Les journées risquent d'être impossible)

8 : 👄 De respirer par la bouche tu feras. (Beaucoup moins fatiguant qu'une respiration par le nez)

9 : 🛌 A la qualité de ton sommeil, tu veilleras. (La voix aussi a besoin de sommeil)

10 : 📢 De crier tu t'abstiendras. (Ce qu'il y a de pire... mais c'est une évidence)

(Merci à Caroline Gendreau, Camille Thériault, orthophonistes, et Flavie Nesme Professeur d'Éducation Musicale et Chant Choral)

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Masque & enseignement - micros & enceintes pour éviter l'aphonie

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Le masque fait partie de notre quotidien d'enseignement, nous avons donc testé plusieurs solutions matérielles pour éviter l'aphonie. Bilan !

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Guide sanitaire pour les ensembles musicaux

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Guide sanitaire pour les ensembles musicaux

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Rapport préliminaire des solutions pour enseigner la musique

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Rapport préliminaire des solutions pour enseigner la musique

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Rapport préliminaire des solutions pour enseigner la musique en milieu scolaire à la suite de l'impact de la COVID-19 au Québec.pdf

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Depuis six mois on parle beaucoup des risques de contamination liés aux instruments à vent et au chant. On en parle souvent un peu vite, sans réel argumentaire scientifique. Justement, la CSFI va dévoiler à la fin de la semaine un document d'utilité publique, qui arrivera à point nommé, une semaine après la rentrée.

Si vous êtes trompettiste, tromboniste ou flûtiste, vous avez sans doute l'impression d'être pestiféré. Parmi les pratiques musicales dans le collimateur de l'opinion public en ces temps de coronavirus, nous avons les instruments à vent, qui passent pour de dangereux baveurs, mais aussi les pratiques vocales, et plus généralement, les pratiques collectives comme les chœurs et les orchestres.

Pour faire avancer la recherche sur les risques de contamination liés à la pratique musicale, la CSFI pilote, depuis le mois de mai et jusqu'en octobre, un ambitieux programme main dans la main avec deux laboratoires et deux de nos ensembles qui sont le Chœur Aedes et l'Orchestre de chambre de Paris. La Chambre syndicale suit aussi de très près les recherches en cours ailleurs en Europe - Allemagne, Angleterre - et Outre-Atlantique. Une grosse étude est en train d'être menée, en ce moment même, à l'Université du Colorado aux Etats-Unis, avec plusieurs équipes médicales et la CSFI participe aux réunions.

L'idée est de faire une veille des études sérieuses qui sont publiées, ou en cours, de comparer les différents résultats et de les présenter au public.

A ce propos, dans ce fameux document attendu pour la fin de semaine, la CFSI répertorie les études les plus pertinentes et, surtout, les préconisations concrètes qui en émergent, à savoir paravents en plexiglas entre les musiciens, aération, charlottes sur les instruments, purificateurs d'air et d'autres. Qu'est-ce qui aujourd'hui, fonctionne ou semble moins efficace que prévu ?

Que sait-on, à ce stade des recherches sur le coronavirus, sur les fameuses gouttelettes émises par les instruments à vent, mais aussi sur les aérosols ? Autant d'informations qui évoluent de mois en mois, mais qui sont attendues en cette période de reprise d'activité.

Attention, il faudra vraiment prendre ce document pour ce qu'il est, c'est à dire un point d'étape de l'état des recherches qui sont menées chez nous et dans plusieurs pays.

Terminons en précisant que pour réaliser ce programme au budget de 155 000 euros, la Chambre Syndicale en partenariat avec Les Forces Musicales, un autre syndicat, celui des orchestres et des opéras, est soutenue par le ministère de la Culture, la fondation Bettencourt, incontournable dans le paysage du chant choral en France, Audiens la mutuelle des musiciens, qui s'intéresse naturellement à leur santé, mais aussi le leader des instruments à vent Buffet-Crampon.

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Pratique musicale et Coronavirus : un nouveau document pour faire le point

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La Chambre Syndicale de la Facture Instrumentale, la CSFI, se mobilise pour apporter des réponses aux interrogations liées à la fabrication et à la maintenance des instruments de musique. Interrogeons-nous sur la pratique musicale en période de pandémie mondiale.

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Voici mes quelques activités musicales réalisées en classe depuis le déconfinement, elles incluent présence et distance !

Distance et présence...

Jongler entre les deux n'est pas chose aisée. J'ai donc conçu une activité qui peut être réalisée en classe et à la maison :

C'est la première partie d'un trio de vidéos qui sortira successivement afin de s'adapter aux différents niveaux et qui présentera des oeuvres récentes (Vegedream pour ce premier épisode puis TheWeeken et enfin Harry Styles).

Dans cette vidéo je prends donc le parti de faire jouer les élèves avec des stylos en classe. À la maison, ils joueront avec ce qui les arrange et m'enverront une vidéo.

Déconfinement et activités possibles...?

Pour ce qui concerne le reste des activités, j'ai tout présenté dans la vidéo ci-dessous :

Au menu des percussions corporelles :

Et :

Mais aussi du SoundPainting comme j'en parlais par ici et bien sur des écoutes avec notamment ce genre de vidéo.
Et vous ??? Que faites-vous en classe et à distance ??

# data[].attributes.attachment_link.title
Mes activités musicales déconfinées #1 - EdmusTech.fr

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Voici mes quelques activités musicales réalisées en classe depuis le déconfinement, elles incluent présence et distance !

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La trousse à outils du professeur de musique à distance

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La trousse à outils du professeur de musique à distance

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Continuité pédagogique: la pratique vocale

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Continuité pédagogique: la pratique vocale

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Déroulement de la séquence

Des montages vidéos, proposant un plan fixe sur l'enseignant, permettent de garder le lien visuel (pour gestique/chorégraphies) et social avec les élèves derrière leur écran. Les consignes apparaissent sous forme d'animations.

Le montage, permettant à l'enseignant de faire apparaître consignes et paroles synchronisées, est fait avec le logiciel iMovie, gratuit sur iOS.

Pour chaque projet musical, les élèves disposent de plusieurs vidéos :

de méthode d'apprentissage ;

de présentation ;

d'échauffement lié au projet musical ;

d'apprentissage ;

en version instrumentale.

Une fiche activité de " création musicale instantanée " est également jointe via 2 plateformes : Incredibox et Music lab song maker.
L'élève peut ajouter à sa création sa voix ou autre intervention musicale via le micro intégré de son ordinateur ou des écouteurs de type mains libres.

Fiche d'activité - Création musicale

Pdf téléchargeable de la fiche d'activité

Vidéos autour du projet musical So lonely de The Police

- Méthode d'apprentissage :

- Présentation du projet musical :

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Des montages vidéos, proposant un plan fixe sur l'enseignant, permettent de garder le lien visuel (pour gestique/chorégraphies) et social avec les élèves derrière leur écran. Les consignes apparaissent sous forme d'animations. Le montage, permettant à l'enseignant de faire apparaître consignes et paroles synchronisées, est fait avec le logiciel iMovie, gratuit sur iOS.

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Proposé par A coeur joie

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Cette page est une page d'information sur la pratique vocale amateure en cette période de crise sanitaire liée à la COVID19.

Vous y trouverez nos différentes prises de positions depuis le début de la crise et des outils d'aide à la reprise.

26 août 2021

Mises à jour 30/08 : les distances à respecter en cas de retrait du masque, sous régime de passe sanitaire. 01/09 : précisions sur registre des contrôles.

​

La rentrée chorale est enfin là. La diffusion des vaccins et leur efficacité contre les formes graves a considérablement réduit le risque pour les personnes vaccinées. C'est une excellente nouvelle. Néanmoins, le virus est toujours actif et impose des modalités de reprise bien réfléchies, responsables et concertées. Par ailleurs, des mesures réglementaires viennent conditionner cette reprise, et doivent être prises en compte.

Nous listons ci-dessous successivement :

La situation réglementaire (ce que l'Etat impose)

Les recommandations officielles (ce que l'Etat recommande)

Les recommandations d'A Cœur Joie

​

​

Cadre général

​

Cadre national : Décret du 1er juin 2021, et ses amendements successifs

​

L'activité chorale est à nouveau autorisée

Applications des règles de distanciation définies par l'article 1, annexe 1

Si port du masque = 1 mètre

Si absence de masque = 2 mètres

Si activité sous pass sanitaire, et retrait du masque = 1 mètre

​

Les " Activités de loisir " nécessitent la présentation et le contrôle d'un pass sanitaire (loi 2021-689 applicable jusqu'au 15/11/2021)

pour les plus de 18 ans

à compter du 30/08/2021 pour les personnels en contact, y compris bénévoles (art 47.1 IV)

à compter du 30/09/2021 pour les plus de 12 ans

​

Attention : des règles spéciales s'appliquent pour l'enseignement dans les établissements d'enseignement artistique publics : pas de pass sanitaire (mais pass requis en associatif). La COFAC devrait publier des éclaircissements sur ce cas de figure particulier.

​

Port du masque

Quand le pass sanitaire est exigé, le masque est non obligatoire. Par ailleurs, l'Art. 45 III définit une exception légale au masque pour la pratique d'activités artistiques.

Important : Les préfets, exploitants de lieux et organisateurs peuvent " durcir " conditions (masques principalement). Renseignez-vous localement !

​

Le pass sanitaire

​

Sous forme papier ou numérique, il justifie d'un examen de dépistage récent, du statut vaccinal ou d'un rétablissement récent. Son application est définie dans l'art 47-1 du décret 2021-699 du 1 juin.

​

Il s'applique dans les Établissements Recevant du Public mais aussi à l'extérieur si il y a contrôle d'accès. Il concerne les " activités culturelles, sportives, ludiques ou festives ". Il doit être contrôlé à chaque répétition par le gestionnaire de salle ou par l'organisateur (le chœur).

​

Le contrôle doit s'effectuer grâce à une application gratuite : "Tous Anti Covid Vérif"

​

​

Le responsable (président.e) doit désigner les personnes habilitées au contrôle du pass (et non de l'identité), et tenir un registre contenant le nom des personnes habilitées au contrôle et les dates et heures des contrôles. Il n'est pas autorisé de demander ou conserver des informations sur le statut vaccinal des individus.

​

Page d'info du Gouvernement

​

​

​

Le Ministère de la Culture recommande des mesures supplémentaires en ce qui concerne le chant choral. Ces mesures sont souvent reprises par les exploitants de lieux.

​

Pour le chant choral

Sources Ministérielles :

Page d'info du Ministère

Guide pour la reprise

​

​

En complément des obligations légales et des préconisations officielles, dans la continuité de notre travail de veille scientifique et de nos recommandations émises depuis avril 2020, nous proposons les éléments de réflexion suivants pour l'organisation de vos répétitions. Nous insistons sur la nécessité d'une démarche de réflexion partagée dans le chœur.

​

L'objectif est de maximiser l'interaction musicale, tout en limitant le risque sanitaire au minimum, en gardant à l'esprit que le chant génère un peu plus d'aérosols que d'autres activités.

​

​Implantation et équipement du chœur :

Travail en plein air : conseillé, avec maintien des distances

Travail en salle : veiller à assurer un renouvellement d'air maximal par l'ouverture des portes et fenêtres. L'objectif est de créer un courant d'air qui remplace l'air vicié par de l'air neuf. L'utilisation de capteurs de CO² (environ 100 à 150€) permet d'évaluer la saturation de l'air vicié, et son évolution au fil de l'activité. Ils permettent ainsi de déclencher des pauses pour aération supplémentaire (seuil recommandé par le ministère pour pause et aération supplémentaire : 800ppm).

Favoriser une distance maximale entre les chanteurs, idéalement de 2 mètres entre chanteurs, 3 à 5 mètres avec le chef de chœur

Favoriser le port du masque chirurgical ou FFP2, bien positionné

​

​​Interactions sociales :

Application des gestes barrières, principalement dans les moments et espaces de socialisation, gestion des circulations et matériels, etc.

Limitation de la taille des groupes et prudence avec les participants à facteur de risque sanitaire particulier.

15 juin 2021

​

Agir : Préconisations sanitaires pour une reprise de l'activité chorale

En complément des obligations légales et des préconisations officielles, dans la continuité de notre travail de veille scientifique et de nos recommandations émises depuis avril 2020, nous proposons les éléments de réflexion suivants pour l'organisation de vos répétitions d'ici à la fin de l'épidémie.

L'objectif est de maximiser l'interaction musicale, tout en limitant le risque sanitaire au minimum, en gardant à l'esprit que le chant génère un peu plus d'aérosols que d'autres activités.

​

Implantation et équipement du chœur :

Distance de 2 mètres entre chanteurs, 3 à 5 mètres avec le chef de chœur

Port du masque chirurgical ou ffp2, bien positionné

Travail en plein air : conseillé, avec maintien des distances

Travail en salle : veiller à assurer un renouvellement d'air maximal par l'ouverture des portes et fenêtres. L'objectif est de créer un courant d'air qui remplace l'air vicié par de l'air neuf. L'utilisation de capteurs de CO² (environ 100 à 150€) permet d'évaluer la saturation de l'air vicié, et son évolution au fil de l'activité. Ils permettent ainsi de déclencher des pauses pour aération supplémentaires (seuil recommandé par le ministère pour pause et aération supplémentaire : 800ppm).

​​

Interactions sociales :

Note sur les tests et vaccins

​​

Situation réglementaire

Le décret du 1 juin 2021 limite l'activité des chorales non professionnelles.

L'activité de chant collectif amateur devrait être à nouveau rendue possible à compter du 30 juin 2021 (sous réserve des décrets à venir).
La réglementation délègue aux responsables d'établissement recevant du public l'application des décrets, et l'accueil d'activités. Dans bien des cas, leur lecture des contraintes légales peut vous être favorable et permettre l'accueil de vos répétitions.

Références utiles

Décret n° 2021-699 du 1er juin 2021 prescrivant les mesures générales nécessaires à la gestion de la sortie de crise sanitaire

Pages du Ministère de la Culture et de la Communication

Pages du Ministère chargé de la Vie Associative

Les guides du projet PIC-PIV

​

Le 17 juin 2021

Pour défendre la cause des trois millions et demi de Français qui pratiquent le chant collectif, quatre organisations ont rédigé une lettre commune au premier ministre pour l'interpeller sur ce traitement d'exception, et en appeler à une véritable concertation.

À Cœur Joie

Institut français d'Art Choral

Confédération Musicale de France

Plate-forme Interrégionale d'échange et de coopération pour le développement culturel

​

De nombreuses organisations se sont déjà jointes à cet appel, que nous invitons chacun à soutenir et relayer auprès de ses élus et représentants.

La liste des organisations qui soutiennent notre démarche est régulièrement mise à jour sur les sites Internet des 4 signataires initiaux du courrier, n'hésitez pas à vous faire connaître. Nous pourrons ainsi mieux vous informer des suites de cette démarche.

Monsieur le Premier Ministre,

​

La quasi-totalité des activités des Français est aujourd'hui rendue possible par vos différents décrets organisant les étapes du déconfinement, sous condition d'application de protocoles stricts et encadrés. A cette approche rationnelle et responsabilisante, votre décret du 7 juin dernier fait une exception majeure : le chant choral.

​

Pourtant, plus de trois millions et demi de Français, 5% de la population, pratiquent le chant choral. Dans nos villes, dans nos campagnes, c'est une activité collective, populaire et exigeante qui mobilise des énergies bénévoles et irrigue toute une économie professionnelle (chefs de chœurs, instrumentistes, pédagogues, compositeurs, éditeurs, organisateurs d'événements, organisations chorales, et autres secteurs connexes). Ces 5% de Français n'ont pu pratiquer depuis maintenant 15 mois.

​

Or, dès le printemps 2020, le secteur choral a proposé des protocoles stricts qui prenaient en compte le risque de transmission aérienne, bien avant que, d'ailleurs, la question ne devienne un enjeu public. Depuis, hors périodes de confinement, les chœurs qui ont pu reprendre s'astreignent à chanter avec masques, en respectant des distances élargies à 2 mètres et avec des consignes de renouvellement d'air diffusées par nos organisations. C'est ainsi un secteur particulièrement responsabilisé qui est aujourd'hui visé par cette interdiction soudaine, au moment même où la quasi-totalité des activités culturelles et sportives peuvent reprendre. Cet empêchement d'exercer leurs droits culturels génère un fort sentiment d'injustice chez les choristes, et une grande colère dans un milieu habituellement peu vindicatif.

​

Faute de consultation, les instances scientifiques qui guident votre réflexion ne semblent pas prendre en compte l'évolution des pratiques chorales et des protocoles appropriés que nous avons su mettre en œuvre. Le contexte de la pratique chorale en ce début d'été 2021 ne ressemble pas à celui de février 2020. Les chœurs, amateurs comme professionnels, confortés par des études et travaux de recherche, ont fait la démonstration de leur capacité à appliquer des protocoles permettant de garantir la sécurité sanitaire des chanteurs, sans clusters majeurs. A l'instar de la réouverture des restaurants et de la reprise d'autres pratiques artistiques et culturelles, nous demandons une reprise conditionnée plutôt qu'une interdiction généralisée.

​

Après plus d'un an d'arrêt forcé, notre secteur demande à être enfin consulté et pris en compte au niveau d'arbitrages sanitaires qui se font, in fine, à votre niveau. Malgré le soutien du Ministère de la Culture et de sa nouvelle délégation générale à la transmission, aux territoires et à la démocratie culturelle, ces arbitrages ont été constamment défavorables à la pratique chorale des Français.

Cette fin de printemps était une occasion importante de relancer la dynamique des chœurs avant la pause estivale, et d'assurer les meilleures conditions de rentrée. Contre toute attente et d'un trait de plume, le décret du 7 juin a empêché toute activité chorale d'ici l'été et met, de fait, cette rentrée en danger.

​

Il y a urgence :

aujourd'hui, nous vous invitons à une consultation diligente des organisations représentatives du secteur choral, pour permettre au plus vite une reprise lisible, claire et ordonnée de l'activité chorale en France.

Il y a urgence : pour que, demain, cette prise en compte de notre secteur, de sa maturité, de son sens de la responsabilité, de sa capacité à contribuer à l'élaboration des textes réglementaires devienne une évidence pour l'Etat et ses instances dans les territoires.

​

Il y a urgence :

un message clair doit être adressé aux collectivités pour qu'elles facilitent et soutiennent l'accès à des salles permettant le respect des distanciations et des normes de ventilation pour les pratiques en amateur. Il en va de la rentrée chorale, il en va du risque d'une nouvelle année de silence, inédite dans le pays qui a vu naître le chant choral.

​

Il y a urgence :

de nombreuses questions au gouvernement sur le sujet, portées par nos députés et sénateurs, sont restées sans réponse. Nos organisations ont donc décidé de vous interpeller directement pour briser ce mur du silence qui affecte au moins 5% de vos administrés.

​

Dans l'attente de votre réponse, recevez, Monsieur le Premier Ministre, nos respectueuses salutations.

​

À Cœur Joie - Alain Louisot, Président

Institut français d'Art Choral - Jean-Christophe Michel, Président

Confédération Musicale de France - Christophe Morizot, Président

Plate-forme Interrégionale d'échange et de coopération pour le développement culturel - Anne-Marie Jean, Présidente

Organisations soutenant cette lettre ouverte

Si votre organisation est active dans le secteur choral et que vous souhaitez être ajouté à cette liste de soutien, merci de nous le faire savoir par retour d' email.

​

​

Signataires reçus après l'envoi du courrier (mise à jour 9 juillet 2021) :

​

Chœur Cerebellia | Silvana Charles, présidente

Maîtrise de Toulouse | Mark Opstad, Directeur Artistique | www.maitrisedetoulouse.fr

Fédération Chant choral en Finistère | Laure Leyzour, Présidente | http://www.chantchoral29.fr

Chœur Give Me Fives | Catherine Lapirot, Présidente | https://www.facebook.com/GivemeFives

Octopus Fédération des musiques actuelles en Occitanie | Pierre Gau et Isabelle Petit co-présidents | https://federation-octopus.org

Association Musicale de Grézieu-la-Varenne | Françoise Gibert, Présidente | https://amgrezieu.fr/

Ensemble Vocal Valettois "Cœurs en Chœur" | Frédéric Verfaillie, Chef de Chœur

Festival Les BaroQuiales | Jean-Sébastien Beauvais | www.lesbaroquiales.com

Les Dames de Choeur | présidente : Catherine GUILLAUME | www.facebook.com/lesdamesdechoeur

Cadence pôle musical régional Grand Est | Daniel Chapelle, Président | https://cadence-musique.fr

La Sarabande | Catherine Guimard, présidente et Antoine Cazé, chef de chœur | https://lasarabandeorleans.wixsite.com/la-sarabande

Ensemble Vocal Tiff Notes | Antoine da CUNHA, Président et Charles de CHAMPEAUX, Trésorier | http://Www.tiffnotes.fr

Mélodie | Robert Kelner, chef de chœur

Chœur et mouvement | Brigitte Chambard, Directrice musicale | https://choeuretmouvement.6temflex.com

Schola René d'Anjou | Isabelle TIREL, Présidente

Association du Taillis | Cécile Berne, Cheffe de chœur | https://www.association-du-taillis.net/

Confrérie Vigneronne De La Bievre | Jean-Michel Legros, Président

The International Singers | Michael Lavin, Président

Musique en pays de Gurçon | Jean-Pierre Joyeux, Président

Les Choeurs de France | Annie Garnier, Présidente | www.choeurs-de-france.fr

Association Parlamuse | Pierre-Arnaud Larnier, Directeur artistique |

Renanim Dijon | Anne Sananes, Présidente | https://renanim.net/dijon/

Atout Choeur | Béatrice Monteil, Présidente

Vocanantes | Claudette Le Floc'h, Présidente | https://www.vocanantes.fr/

Calle Sol | Patricia Gajardo, cheffe de chœur

Battements de Chœur | Florence Cordier, présidente et Cécile Berne, cheffe de chœur | http://www.battements-de-choeur.com/

The Gospel Band |Bernard Peyramayou, Président | https://thegospelband.wixsite.com/thegospelband/

Conservatoires de France | Florence Paupert, Présidente | https://conservatoires-de-france.com

Musiques à l'Usine | Alain DESSEIGNE, Président | http://www.musikalusine.fr/

Chœur de chambre Mélisma | Viviana Azar, Directrice artistique | http://www.choeur-melisma.com/

Chœur Foliephonies | Viviana Azar, Directrice artistique | http://foliephonies.eu/

Choeur Mixte Du Confluent | Annick Millioud, Presidente | https://choeurmixteduconfluent.fr

La voix libre Nantes | Ghislaine Usureau, Présidente | https://chorale-la-voix-libre-nantes.business.site

Fédération des Choeurs du Pays Basque | Pantxoa Daguerre, président | https://www.federation-choeurs-pays-basque.com/

Les Chanteurs d'Argoat de Loudéac | Béatrice LE GUEN, Présidente | http://chanteursdargoat-leplaisirdechanter.over-blog.com/

Le Chœur Du Bon Pays | Gérard Besançon, Président | https://www.lechoeurdubonpays.fr

Harmony Chœur | Gilles Cordesse, Président

Destinations Choeurs | www.destinations-choeurs.fr

HELIOS, chœur du conservatoire de Nevers | Marie-José BLOCH, Présidente | https://www.facebook.com/choeursconservatoirenevers/

Les Bayard | Jean Besacier, Président

La Chorale du Roy d'Espagne | Jean-Pierre Hayot, Président | www.choraleduroydespagne.fr

Voix si voix la | Didier Brut, président | http://www.voixsi-voixla.com/

L'Oiseau Lyre | Christian Leroy, Président | http://choraleoiseaulyrepouxeux.fr

Espace Musical VIRTUOSE | Emiliya Archimbaud, Présidente | http://virtuose12.free.fr

Chorale Emma Calvé | Jeannette Trepp, Présidente | https://emma-calve-millau.blog4ever.com/

Chorale Au Chœur des bois | Jean Claude Chauvin, Président

Chœur Ardent | Evelyne Dodeur, cheffe de chœur

Vocame, Atelier de la Chanson | Julien DIEU, Président | https://vocame.wixsite.com/vocame79

Le Choeur des Fifres | Christian Flon, Vice Président

Enfance et Musique | Marc Caillard , président-fondateur | https://www.enfancemusique.asso.fr/

Académie d'Art Vocal à l'Eden Palace de Pontivy | Guillaume Morel Président | https://www.academiedartvocal-edenpalace.com

Collectif Chefs de Chœurs et Pédagogues de la Voix | Sarah Cattan

Massilia Sounds Gospel | Greg RICHARD, chef de chœur | www.massilia-sounds-gospel.net

Association le Chant du Voisin | Muriel Thomas, Présidente | http://www.lechantduvoisin.fr

Schola Cantorum de Nantes | Annie LE GUEVEL, présidente | https://scholacantorumdenantes.jimdofree.com/

Association KALEÏVOXCOPE | Marite CHARBONNIER, présidente

Carol En Musique / Le Choeur Transfrontalier De Cerdagne | Michel Komaroff, Vice-Président

Hauts de Scènes Chansons Française | Stéphane Lévy, Chef de choeur

Les Choeurs du Lauragais | Liliane Rio, Présidente

Chorale populaire de Paris | Brigitte Tehoval, Présidente

Festival de la voix de Châteauroux | Régis Gattin, Président | https://www.festivaldelavoixchateauroux.fr/

Choeur Polyphonia | Stéphane Pot, Président

EONIA | Béatrice Giros, Présidente et Emmanuèle Dubost, cheffe de chœur

Chœur en Scène | Emmanuèle Dubost, directrice artistique | http://choeurenscene.fr/fr/

Le Philharmonia de Lyon | Pierre Patriarca, Président | https://www.philharmonia-lyon.fr/

Chorale St Loup de Varces | Hervé Préchac, Chef de chœur

Association Vocal Swing | Brigitte Bonas, secrétaire

Chorale Full Bloom de l'association CRISTER'ART | Christelle Doy, cheffe de chœur | http://www.cristerartgospel.fr/11-activites/7-chorale-full-bloom-gospel

Chœur Gospel Kids de l'association GOSPEL HEART & ART | Alfonso Nsangu, maître de chœur | | https://www.gospelkids.fr/#association

Chœur du Campus Paris-Saclay | Gérard Adamczewski, Président | https://www.scm.espci.fr/

Choeur Slava | Eva Penant, présidente

La Puce à l'Oreille - La Rochelle | Samuël Perrot, coordinateur, chef de choeur | http://www.lapucealoreille.net

La Ritournelle de Neuville sur saône | Christophe Mousset, président

Musicatreize Centre d'Art Vocal | Olivier Enguehard, Directeur délégué | https://www.musicatreize.org/

Groupe Vocal Algo'rythmes | Josep Catala, Président

Choralensemble | Estela Bernstein, Présidente | https://choralensemble69.fr/

La Croch' Coeur de Metz | Michel Volle Président

Notre dernière prise de position

8 juin 2021

Le gouvernement a publié le décret valable à compter du 9 juin 2021. Que l'on peut trouver en cliquant ici

Pour la première fois, il vient interdire la pratique de " l'art lyrique en groupe " non professionnel (en dehors du cadre de l'enseignement, où il était déjà malheureusement visé).

Art. 45 I 4 ° :" Les règles mentionnées au présent II ne font pas obstacle à l'activité des artistes professionnels, ni, dans la limite de 50 % de la capacité d'accueil de l'établissement, aux autres activités physiques et sportives, ludiques, culturelles ou de loisirs, à l'exception des sports collectifs, de combat et de l'art lyrique en groupe. "

​

Qu'est-ce que " l'art lyrique en groupe " ?

Le terme d'art lyrique en groupe est évidemment ambigu. Mais il apparait que le gouvernement vise bien l'ensemble des pratiques chorales :

​

" Les pratiques vocales reprennent uniquement en pratique individuelle avec un protocole renforcé. Les pratiques vocales collectives (par exemple, les chorales) ne sont pas autorisées avant le 30 juin (avec un protocole adapté). " (source : page d'info du ministère).

​

Chacun pourra jouer sur les mots, mais c'est là l'esprit qui semble animer le gouvernement. C'est ainsi que semblent l'interpréter bien des préfectures.

Quelle conséquence pour la pratique chorale amateur ?

Concrètement, cela veut dire que à compter du 9 juin, il serait illégal de répéter dans des établissements ERP L, des églises ou des établissements de plein air.

​

Par ailleurs, il est toujours interdit de se rassembler à plus de 10 dans l'espace public, en dehors de manifestations artistiques déclarées.

​

Pourquoi c'est intolérable ?

Alors que nous sommes dans une phase annoncée d'assouplissement des contraintes pesant sur la vie des Français, le chant choral amateur serait ainsi le seul secteur à voir son activité soudainement interdite.

​

Le décret du 19 mai n'interdisait pas la pratique chorale, et ne faisait que donner des indications de jauges, de pratique assise, etc. Sur cette base, et dans la mesure où ce qui n'est pas interdit est autorisé, de nombreuses chorales ont organisé une reprise du chant en appliquant des protocoles sanitaires sérieux, validés en cadre professionnel, et en louant parfois à grand frais des salles adaptées. Doivent-elles aujourd'hui risquer l'illégalité, ou obtempérer en grevant leurs maigres trésoreries ?

​

D'un point de vue sanitaire, répéter en extérieur pose un risque minime. C'est pourtant toujours interdit, quand de grands rassemblements debout sont possibles, et que les transports en commun continuent d'être bondés.

​

Le secteur choral s'est mobilisé depuis avril 2020 pour échanger, informer, proposer des protocoles, expérimenter en vue d'une reprise responsable et ordonnée. Peut-être plus que d'autres, les chanteurs sont bien conscients de l'importance de la santé de leurs bronches, et avant bien d'autres, se sont mobilisés pour trouver des solutions sanitaires.

​

Nous appelons depuis des mois à un "décret de la reprise" équitable et lisible. Force est de constater que le gouvernement n'a même pas daigné répondre aux questions posées à notre invitation par de nombreux députés et sénateurs. Mais le décret leur répond aujourd'hui : " chanteurs, nous ne vous faisons pas confiance pour préserver votre propre santé ".

​

C'est un bien triste message envoyé à 3,5 millions de français.

Côme Ferrand Cooper

Directeur

Prises de position

​

Retrouvez ici toutes nos prises de position depuis le début de la crise :

Guide d'aide à la reprise ​

En avril 2020, nous avons publié un guide d'aide à la reprise, vous y trouverez trois grandes sections :

​

# data[].attributes.attachment_link.description
À Cœur Joie, 1ère association française de chant choral Positions et propositions concernant la pandémie COVID

# data[].attributes.headline
Guide des bonnes pratiques: Covid /Percussions

# data[].attributes.subject
Guide des bonnes pratiques: Covid /Percussions

# data[].attributes.body
Règlementation française

# data[].attributes.headline
Guide Sanitaire pour les ensembles instrumentaux

# data[].attributes.subject
Guide Sanitaire pour les ensembles instrumentaux

# data[].attributes.headline
Droit d'auteur et enseignement de la musique. Québec 2ème partie

# data[].attributes.subject
Droit d'auteur et enseignement de la musique. Québec 2ème partie

# data[].attributes.body
Article page 4

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Des films agités pour bien cogiter : Les animations des Fondamentaux - Réseau Canopé

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Vous êtes déjà abonné aux Fondamentaux pour l'international ? Connectez-vous Votre site Les fondamentaux évolue. Il est de nouveau accessible par abonnement. En savoir plus Des films agités pour bien cogiter En classe ou à la maison créez des moments d'apprentissage uniques et ludiques en français, mathématiques, sciences, technologie ...

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Droit d'auteur et enseignement de la musique. Québec 1ère partie

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Droit d'auteur et enseignement de la musique. Québec 1ère partie

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Article page 5

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Portrait de Claude Debussy, compositeur français et pianiste, 1909, © Getty ©Getty

Aujourd'hui, place au répertoire de la musique française : Debussy, Poulenc, Fauré et Ravel. Avec à l'affiche les chefs Marek Janowski et Myung-Whun Chung, et en solistes les soeurs Buniatishvili, le pianiste Jean-Yves Thibaudet ou encore la mezzo-soprano Marianne Crebassa.

Aujourd'hui, place au répertoire de la musique française : Debussy, Poulenc, Fauré et Ravel. Avec à l'affiche les chefs Marek Janowski et Myung-Whun Chung, et en solistes les soeurs Buniatishvili, le pianiste Jean-Yves Thibaudet ou encore la mezzo-soprano Marianne Crebassa.

Programmation musicale

Francis Poulenc
Concerto pour deux pianos en ré mineur
Khatia et Gvantsa Buniatishvili, piano
Orchestre Philharmonique de Radio France
Dir. Mikko Franck
Grande salle Pierre Boulez, Philharmonie de Paris, 23 novembre 2018

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Retrouvez plus de 4000 œuvres dans la rubrique Concerts en replay

Programmation musicale

3 mélodies L 85 (81) : 1. La mer est plus belle que les cathédrales - pour mezzo-soprano et piano

Claude Debussy (Compositeur)

3 mélodies L 85 (81) : 1. La mer est plus belle que les cathédrales - pour mezzo-soprano et piano

Marianne Crebassa (Mezzo-soprano), Fazil Say (Piano)

Label ERATO (190295768973)

3 mélodies L 85 (81) : 3. L'échelonnement des haies moutonne à l'infini - pour mezzo-soprano et piano

CLAUDE DEBUSSY (Compositeur)

3 mélodies L 85 (81) : 3. L'échelonnement des haies moutonne à l'infini - pour mezzo-soprano et piano

Label ERATO (190295768973)

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A la française ! Debussy, Poulenc, Fauré et Ravel

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Aujourd'hui, place au répertoire de la musique française : Debussy, Poulenc, Fauré et Ravel. Avec à l'affiche les chefs Marek Janowski et Myung-Whun Chung, et en solistes les soeurs Buniatishvili, le pianiste Jean-Yves Thibaudet ou encore la mezzo-soprano Marianne Crebassa.

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En plus du grand dossier consacré aux figures de la musique américaine, France Musique vous propose une plongée dans l'univers musical foisonnant des Etats-Unis en ce 4 Juillet, journée consacrée à l'Inpendance Day.

Comme le note si justement Renaud Machart dans l'introduction de son dossier sur la musique américaine dans le magazine Diapason du mois de janvier : " l'identité musicale des Etats-Unis s'est bâtie au gré des évolutions de la société et, surtout, des personnalités qui l'ont nourrie ". Une identité musicale teintée de grandes plaines, de villes effervescentes, de rêves, de cinéma...

Auteur de biographies sur Léonard Bernstein, John Adams, et Stephen Sondheim (aux éditions Actes Sud ), mais également producteur sur France Musique, Renaud Machart a nourri la thématique récemment sur les ondes, à travers deux émissions à réécouter : sur Ruth Crawford Seeger et sur Henry Cowell.

Avant de se plonger dans les riches écrits de Renaud Machart, ou dans l'initiation aux Symphonies du Nouveau Monde proposée par le musicologue Nicolas Southon, France Musique a réuni ici une petite liste d'écoute de pièces des figures les plus populaires de la musique américaine, de la mythique Rhapsody in Blue de George Gershwin aux Different Trains de Steve Reich.

A chacun son Amérique... Bonne écoute !

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* Sur le même thème *

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De George Gershwin à Steve Reich, une "playlist" américaine

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Les compositeurs du Nouveau Monde sont à l'honneur aujourd'hui 4 Juillet, fête nationale aux Etats-Unis, qui célèbrent l'Independance Day.

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Toutes les infos jour par jour La passion selon... - RTBF.be

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Retrouvez les infos de façon simple et rapide et recherchez par date précise l'actu qui vous intéresse via nos pages archives.

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Astor Piazzolla jouant au "North Sea Jazz Festival" ©Getty - Paul Bergen / Contributeur

En cette toute fin d'année 2021, année marquant le centenaire de sa naissance, nous consacrons notre émission à l'immense Astor Piazzolla... De Buenos-Aires à Paris en passant par New-York, il va révolutionner l'usage du bandonéon et, par là-même, celui de l'accordéon !

En cette toute fin d'année 2021, année marquant le centenaire de sa naissance, il était impossible de ne pas consacrer un numéro de l'émission à l'immense Astor Piazzolla... De Buenos-Aires à Paris en passant par New-York, il va révolutionner l'usage du bandonéon et, par là-même, celui de l'accordéon !

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Histoire de famille... l'oncle Piazzolla

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En cette toute fin d'année 2021, année marquant le centenaire de sa naissance, nous consacrons notre émission à l'immense Astor Piazzolla... De Buenos-Aires à Paris en passant par New-York, il va révolutionner l'usage du bandonéon et, par là-même, celui de l'accordéon !

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Un menuet de C. T. Pachelbel trouvé dans un "American Copybook" anonyme de 1739 ©Getty

Mini documentaire radiophonique de cinq minutes sur le fils de Johann Pachelbel parti en Amérique pour organiser des concerts à New York et devenir organiste à Charleston en Caroline du Sud. Au programme : quelques extraits musicaux composés par cet exilé baroque loin de son Allemagne natale.

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Tendez l'oreille ! Charles Theodore Pachelbel, le fils parti en Amérique

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Mini documentaire radiophonique de cinq minutes sur le fils de Johann Pachelbel parti en Amérique pour organiser des concerts à New York et devenir organiste à Charleston en Caroline du Sud. Au programme : quelques extraits musicaux composés par cet exilé baroque loin de son Allemagne natale.

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Toutes les infos jour par jour La passion selon... - RTBF.be

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Heitor Villa-Lobos, un classique brésilien

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« Le folklore, c’est moi. Mon œuvre est la conséquence d’une prédestination. Elle est de grande quantité parce que fruit d’une terre immense, ardente et généreuse. »

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Pendant dix ans, les deux protégés de Louis XIV vont former un duo de choc.
L'amitié des deux artistes fut aussi sincère que féconde. C'est que le parisien et le florentin ont partagé le même caractère jovial, un amour commun de la comédie et un sens aiguisé du spectacle...

Extraits musicaux

Jean-Baptiste Lully : Le Bourgeois gentilhomme
- Air n°2 (Acte IV)
- Quels spectacles charmants
Le Poème harmonique dirigé par Vincent Dumestre
DVD Alpha

Jean-Baptiste Lully : Le Mariage forcé, récit de la beauté, " Si l'Amour vous soumet à ses lois inhumaines "
Capriccio Stravagante dirigé par Skip Sempé
Disque : " Lully : divertissements " (Harmonia Mundi)

Jean-Baptiste Lully : Monsieur de Pourceaugnac, " Piglia lo su "
Les Paladins dirigé par Jérôme Corréa
Disque " Molière à l'opéra " (Glossa)

Jean-Baptiste Lully : Le Bourgeois gentilhomme
- Première entrée le donneur de livres
- Marche pour la cérémonie turque
Le Poème harmonique dirigé par Vincent Dumestre
DVD Alpha

Jean-Baptiste Lully : Psyché
- Entracte : air (Acte I, scène 4)
- Aimable jeunesse (Acte II, scène 6)
Boston Early Music Festival Orchestra dirigé par Paul O'Dette
CD Radio Bremen

Jean-Baptiste Lully : Cadmus et Hermione, ouverture
Le Poème harmonique dirigé par Vincent Dumestre
DVD Alpha

Retrouvez Molière et les protagonistes de cet épisode, en prolongeant l'expérience sur le siteExpodcast.cmbv.fr. Au programme : des archives, des vidéos, des rencontres et bien d'autres découvertes ! Un podcast duCentre de Musique baroque de Versailles en coproduction et partenariat avecFrance Musique et laComédie-Française, et en partenariat avec leChâteau de Versailles.

Ecriture et voix : Suzanne Gervais
Avec la participation des comédiens-français : Eric Genovèse, Florence Viala, Loïc Corbery et Pierre Louis-Calixte
Conseil scientifique : Catherine Cessac
Équipe de réalisation Radio France : Olivier Guerin, Claire Levasseur et Cedric Chatelus

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Épisode 3 : Molière et Lully, les deux Baptiste

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C'est le compagnonnage artistique le plus fameux du 17e siècle. Entre 1661 et 1671, Molière et Lully s'affirment comme les deux principaux artisans de l'éblouissement de tous les instants des fêtes royales... Ensemble, pour le bon-plaisir du roi, ils vont perfectionner le genre de la comédie-ballet.

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Épisode 1 : Molière, musicien et danseur

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Comédien, auteur, directeur de troupe, metteur en scène… Molière se sera frotté à tous les postes du théâtre mais aussi à ceux de danseurs et de chanteurs occasionnels. Dans ce premier épisode, plongez dans la jeunesse de Jean-Baptiste Poquelin !

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Les expérimentations musicales d'Henry Cowell

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Les expérimentations musicales d'Henry Cowell

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Au fond de l'océan, Manaunaun attend en rêvant. Chacun des mouvements de ce colosse endormi est à l'origine des vagues et des tempêtes. Les Irlandais sont les seuls à croire en ce Dieu qui encercle leur île. En 1912, un Américain d'origine irlandaise âgé de 15 ans nommé Henry Cowell, lui a même consacré une pièce inouïe : The Tides of Manaunaun, les marées de Manaunaun.

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Une pièce pour piano seul qui utilise de manière lancinante la technique du cluster. Pour accompagner une fausse mélodie folklorique jouée à la main droite, le pianiste utilise un accompagnement novateur qui consiste à jouer avec la paume de sa main ou son avant-bras toutes les notes contenues entre deux notes extrêmes. Toutes les notes sont jouées d'un coup, on obtient donc un bruit blanc, un " tone cluster ", la meilleure manière de représenter la houle ainsi qu'un Dieu oublié selon le jeune Henry Cowell !

Comme Jean-Féry Rebel qui avait aussi utilisé un cluster pour évoquer le chaos dans son ballet les Elémens en 1738, Henry Cowell est persuadé que la meilleure manière d'évoquer un phénomène divin ou paranormal est de faire entendre une musique nouvelle. De sortir des sentiers de la tradition. En 1925, il compose donc une autre pièce pour piano pareille à nulle autre et intitulée The Banshee.

Dans la culture irlandaise, la banshee est une créature féminine qui vient voir les Hommes pour leur annoncer un décès dans leur famille. Pour représenter musicalement cette messagère de la mort, Henry Cowell demande donc au pianiste de frotter ses mains sur les cordes d'un piano afin de provoquer un son aux allures de chant d'outre-tombe...

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Henry Cowell était un sorcier, un magicien des sons. En demandant au musicien de pincer ou de laisser glisser un ongle sur les cordes, Henry Cowell métamorphose le piano en une harpe éolienne avec la pièce Aeolian harp composée en 1923.

Le vent a aussi soufflé à Henry Cowell l'invention de la première boîte à rythme de l'Histoire mais aussi des œuvres répétitives à l'extrême (Anger Dance) ou polytonales (Casual Developments) qui inspirèrent, Bela Bartok ou Cage entre-autre, comme si Cowell avait un peu eu raison avant tout le monde...

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Les expérimentations musicales de Henry Cowell

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Le 10 décembre 1965 disparaissait le compositeur américain Henry Cowell (1897-1965). Un musicien peu connu du grand public et qui a pourtant eu une influence considérables sur la création musicale au siècle dernier.

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Moyen-Âge authentique de Charles d'Orléans dans ses  Vieilles chansons, ou Moyen-Âge fantasmé comme dans  Le Pas d'armes du roi Jean de Victor Hugo, son poète préféré. Et surtout l'Antiquité déjà abordée dans  Samson et Dalila, et que l'on retrouve dans ses poèmes symphoniques  Phaéton ou  La Jeunesse d'Hercule.

Exposition

La Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris célèbrent le centenaire de la disparition de Camille Saint-Saëns (1835 - 1921) à travers l'exposition Saint-Saëns : un esprit libre, première grande rétrospective consacrée à ce musicien. On lui doit Le Carnaval des animaux ou la Danse macabre, qui l'ont rendu extrêmement populaire ; mais Saint-Saëns composa pas moins de 600 œuvres, dont 13 opéras. Il fut à la fois un pianiste virtuose, un compositeur de génie et l'un des meilleurs représentants de la culture française. A travers plus de 200 pièces - manuscrits musicaux, correspondances, photographies, objets, tableaux, maquettes de décors et de costumes -, l'exposition mène à la redécouverte d'un artiste étonnant, figure marquante de notre histoire culturelle mais aussi esprit libre.

Programmation musicale

Camille Saint Saëns / Victor Hugo
Le pas d'armes du roi Jean - ballade pour baryton et orchestre
Tassis Christoyannis : Baryton
Orchestre de la Suisse Italienne
Markus Poschner, direction
Alpha 143004

Camille Saint Saëns
Psaume 18 coeli enarrant op 42 : Sextuor
Françoise Pollet : Soprano, Magali Chalmeau-Damonte : Mezzo-soprano, Roselyne Cyrille : Alto, Jean Luc Viala : Ténor, Nicolas Rivenq : Baryton, Bernard Deletré : Baryton, Philippe Cantor : Baryton, Mario Hacquard : Baryton
Françoise Lieutaud : Harpe
Orchestre National d'Île de France
Jacques Mercier, direction
Adda 581165

Camille Saint Saëns / Victor Hugo
La lyre et la harpe op 57 : Jouis (Baryton)
Didier Henry : Baryton
Orchestre National D'Île De France
Jacques Mercier, direction
La lyre et la harpe op 57 : Soutiens ton frère qui chancelle (Solistes)
Françoise Pollet : Soprano, Hélène Perraguin : Mezzo-soprano, Daniel Galvez-Vallejo : Ténor, Didier Henry : Baryton
La lyre et la harpe op 57 : Epilogue (Choeur)
Choeur Regional Vittoria d'Ile de France
Orchestre National D'Île De France
Jacques Mercier, direction
ADES 204222

Camille Saint Saëns
La muse et le poète op 132 - pour violon violoncelle et orchestre
Joshua Bell : Violon, Steven Isserlis : Violoncelle
Orchestre Symphonique Du NDR De Hambourg
Christoph Eschenbach, direction
RCA 09026 63518 2

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Camille Saint-Saëns (8/8) : Antiquité et Moyen Age

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En 1920, quelques mois avant sa mort, Saint-Saëns fut reçu en Grèce comme un chef d'état, et médita longuement sur le Parthénon d'Athènes. Nombre de ses partitions parcourent l'Antiquité, mais aussi le Moyen-Âge, pour un voyage vers l'ailleurs, comparable à l'orientalisme précédemment évoqué.

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Portrait de Leos Janacek (Hukvaldy, 1854-Ostrava, 1928) - DeAgostini/Getty Images

Le style de Leoš Janáček (1854-1928) est reconnaissable entre mille. L'auteur de Jenufa ou de "La Petite renarde rusée" se distingue par une écriture en courts motifs musicaux qu'il répète et superpose afin de créer un édifice symphonique. Un geste musical quasi-systématique, tranchant et moderne.

Leoš Janáček (1854-1928) avait une manière bien à lui de composer et d'organiser le temps musical. Ce qu'aimait Janáček, c'était composer avec des ostinatos. Utiliser des petites phrases musicales, des motifs qu'il répétait en boucle et superposait et modifiait avec le temps. Premier exemple : le début de sa Sinfonietta, une de ses dernières oeuvres composée en 1926. Tout commence par un motif joué par deux euphoniums. Par-dessus ces accords, deux trombones basses et des timbales font leur entrée avec leur propre motif suivi d'un troisième motif interprété par 9 trompettes dans les aigus.

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Cette esthétique est très éloignée des développements mélodiques imperceptibles ou des sonorités impressionnistes d'un Debussy par exemple . Avec cette Sinfonietta tout se passe comme si Janáček jouait aux legos et assemblait des blocs de thèmes très clairement hétérogènes. Un manière de composer que l'on retrouve aussi dans sa grande Messe Glagolithique. Là encore, même geste musicale, même superposition de petites cellules, de boucles sonores qui se répètent et se superposent en blocs délimités. Une ligne claire composée d'un appel de cuivre puis des vagues tournoyantes de cordes en ostinato.

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L'arrivée progressive d'instruments et la superposition de petits motifs ou de riffs musicaux est un geste de composition que l'on retrouve dans de nombreuses musiques d'aujourd'hui. Les logiciels de composition et les trackers incitent d'ailleurs les musiciens à "empiler" des boucles instrumentales. Un exemple avec Nicolas Repac et son titre Revue Noire qui débute par une boucle de batterie, un motif de piano et une phrase musicale jouée par un ensemble de jazz, d'une ligne de basse... Une manière de composer qui n'est pas si éloignée de celle de Janáček en son temps.

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Programmation musicale

Les tribulations d'un chinois en Chine : Suzy et Cornelius

Georges Delerue (Compositeur)

Les tribulations d'un chinois en Chine : Suzy et Cornelius

Album Le cinema de Philippe de broca 1959-1968 (2003)

Label UNIVERSAL MUSIC (LABEL & DISTRIBUTEUR)

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Leoš Janáček : un style musical singulier

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Le style de Leoš Janáček (1854-1928) est reconnaissable entre mille. L'auteur de Jenufa ou de "La Petite renarde rusée" se distingue par une écriture en courts motifs musicaux qu'il répète et superpose afin de créer un édifice symphonique. Un geste musical quasi-systématique, tranchant et moderne.

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Si l'on sait que Josquin Desprez disparaît le 27 août 1521 à Condé-sur-l'Escaut, il est plus difficile de savoir la date de sa naissance, que l'on situe entre 1450 et 1455. Sa vie nous est encore mal connue et même son nom nous échappe : Josquin Desprez, des Près ou encore Judocus Pratensis. Pourtant il nous reste une œuvre capitale, aussi impressionnante par sa maîtrise que par sa sensibilité.

Enquête sur Josquin

Pour connaître la vie de Josquin Desprez il faut de la rigueur historique et pas mal d'imagination. Cette existence de musicien à l'orée de la Renaissance, nous n'en connaissons que les fragments attestés par des documents administratifs, la majeure partie restant inconnue ou complétée par les hypothèses des musicologues.

Où est-il né ? Peut-être dans le Hainaut (aujourd'hui à la frontière entre France et Belgique) ou bien à Beaurevoir, près de Saint-Quentin, sans doute vers 1450. Dans quelles conditions ? Personne ne le sait, mais on le retrouve comme enfant de chœur à l'église Saint-Géry de Cambrai. Entre temps il a vraisemblablement été élevé par son oncle et sa tante à Condé-sur-l'Escaut, à une quarantaine de kilomètres de là. A Saint-Géry, encore tout jeune, il apprend son métier de chanteur et découvre la composition.

On sait qu'à cette période, deux stars de la musique sont passées par Cambrai : Dufaye et Jean de Ockeghem, de là à imaginer une rencontre, voire un enseignement... On peut toujours rêver, d'autant que, bien des années plus tard, Josquin composera une magnifique déploration pour la mort d'Ockeghem " Nymphes des bois " où se mêlent pastiche du vieux maître, mythologie et thème de requiem.

Sur la route

Le musicien quitte la maîtrise en 1466 et là, on perd sa trace pendant dix ans. Dix années où probablement il mène une existence de vicaire itinérant. Il réapparaît à la cour de René d'Anjou en 1476, à Aix en Provence. Dans cet environnement cultivé, il compose probablement des motets et un livre de musique pour la chapelle. Malheureusement ce dernier meurt en 1480 et Josquin disparaît à nouveau. Est-il passé en France, chez Louis XI, qui hérite de la Provence et fait venir à lui les meilleurs chanteurs de la cour du Roi René ? On peut l'imaginer.

Dans tous les cas, il est probable qu'à ce moment - ou bien dans les années 1500 - il ait été musicien à la cour de France car une anecdote, à prendre néanmoins avec précaution, en témoigne. Le Roi aurait voulu chanter et demande à Josquin de composer pour lui. Seulement, le suzerain est incapable de refaire une mélodie, le musicien aurait alors rusé et écrit une chanson, " guillaume se va chauffer ", où la " voix du prince " n'a qu'une note à chanter en continu, tout le charme venant de l'ornementation des autres chanteurs.

De Rome à Condé-sur-l'Escaut

Ce qui est sûr c'est que de 1484 à 1485 il suit le cardinal Sforza d'abord à Milan puis à Rome, premier contact avec la ville papale et sa musique. La réputation de Josquin commence à s'établir mais il choisit de partir, peut-être en Hongrie, pour revenir en 1489. À ce moment-là, c'est la gloire : il travaille à la chapelle du Pape Innocent VIII, qui n'a d'ailleurs d'innocent que le nom car à la cour pontificale règnent la corruption et le népotisme. Est-ce que Josquin échappe à cette atmosphère d'intrigue ? Difficilement sans doute mais avec son collègue Marbrianus de Orto, tous deux révisent les manuscrits de la Chapelle Sixtine et enrichissent le répertoire. Le style de Josquin évolue pendant cette période vers une certaine maturité.

Au tournant du siècle la documentation manque : rentre-t-il en France dans la cour de Louis XII ? Ou bien part-il à Lyon voire en Lorraine ? Ce qui est certain c'est qu'il est engagé par Hercule Ier d'Este, prince mécène qui voulait recruter les meilleurs artistes pour sa cour, pour qui il va composer une partie importante de son œuvre.

Il revient pourtant dans le Nord de la France, à Condé-sur-l'Escaut, peut-être la ville de son enfance. C'est là qu'il vit ses dernières années comme chanoine de cette bourgade, une vie sans doute interrompue par des séjours à la cour de Marguerite d'Autriche qui se trouve à quelques kilomètres de là, en Belgique. À sa mort le 27 août 1521 il est l'un des musiciens les plus célèbres de toute l'Europe.

Josquin intime

Au terme de cette enquête, le vrai visage de Josquin demeure presque inconnu. On trouve bien un portrait de lui qui nous le montre jeune, coiffé d'un turban et l'air un peu grave mais il a été probablement réalisé après sa mort.

Un détail nous laisse entrevoir l'homme qu'il devait être : alors qu'Hercule d'Este cherche à l'attirer à sa cour, un de ses employés écrit au Prince pour lui conseiller d'engager plutôt un autre artiste, Heinrich Isaac. Ce dernier prendrait moins cher, serait plus sociable et composerait à la demande alors que Josquin travaillerait selon son bon vouloir. Notre musicien serait-il un homme un peu trop conscient de son talent ? En tout cas il est incapable de rester plus de quelques années à la même place : hasards de l'Histoire ou amour de sa liberté ? Peut-être tout simplement un mauvais caractère.

C'est encore sa musique qui nous permet de mieux le connaître. Il est capable d'audace comique comme dans La Missa l'Ami Baudichon, l'une de ses premières messes qui repose sur une chanson populaire assez paillarde, curieux mélange des genres. Mais d'autres de ses compositions nous le montrent ayant un certain goût pour la déploration. Le contre-ténor Dominique Visse déclare à son propos : " Ce qui caractérise Josquin Desprez, c'est la mélancolie ", peut-être un trait de caractère ?

C'est en tout cas ce qu'on peut penser à l'écoute de Mille Regretz l'une de ses plus fameuses compositions dont on dit que Charles Quint en était mordu. On a récemment douté que Josquin en soit l'auteur mais peu importe quand on entend les voix du Hilliard Ensemble s'accorder et s'entremêler aussi magiquement pour dire ces quelques vers :

Mille regrets de vous abandonner
et d'être éloigné de votre visage amoureux.
J'ai si grand deuil et peine douloureuse
qu'on me verra vite mes jours terminer.

Un homme entre deux mondes

Josquin Desprez vit à la charnière entre deux époques, le Moyen-Âge et la Renaissance et " possède dans la plénitude tous les caractères que l'on attribue à l'une et à l'autre époque " comme l'écrit Jacques Chailley. Il est vrai que notre compositeur parcourt une bonne partie de l'Europe : La France, les Flandres, l'Italie et peut-être même l'Espagne. Dans ses pérégrinations, il dessine ce qui sera le cadre de la future Europe humaniste du XVIe siècle.

À cette époque circulent déjà des idées de réforme de l'Église catholique, on entend notamment le moine Savonarole prêcher la pauvreté et la corruption des puissants. Soutenu par Hercule d'Este au moment où Josquin est à son service, ce dernier compose un Miserere qui fait probablement référence à l'un des derniers textes du prêcheur. Josquin Desprez partageait-il le regard critique du moine sur l'Eglise, lui qui avait connu de près Rome et la vie de la cour papale ? Quoi qu'il en soit Savonarole finira pendu et brûlé à Florence après avoir mis en place dans cette ville une forme de régime théocratique.

Une publicité formidable

À sa mort, la célébrité du compositeur est telle que l'Italien Cosimo Bartoli le compare à Michel-Ange : " De Josquin, on peut dire qu'il fut, en musique, un monstre de la nature comme le fut en architecture, en peinture, en sculpture, notre Michelangelo Buonarroti ". Et ce succès ne se démentira pas pendant tout le XVIe siècle. Si Josquin doit sa renommée à son talent, une invention lui fait bénéficier d'une publicité inédite qui participera à faire de lui une référence pour l'Europe entière. Cette invention, c'est l'imprimerie musicale.

Finis les magnifiques manuscrits copiés à seulement quelques exemplaires, place à la modernité. En 1498 Ottavione Petrucci obtient le privilège de publier de la musique et s'installe à Venise. Il sort d'abord une anthologie de chansons profanes en 1501 où l'on trouve déjà des compositions de Josquin. L'année suivante, c'est notre compositeur qui est choisi pour la première édition d'un volume consacré à l'œuvre d'un seul auteur. Les messes de Josquin ont un tel succès qu'elles sont bientôt rééditées et que d'autres recueils suivront en 1505 et 1514.

Contrepoint et Cantus Firmus

Josquin a écrit une vingtaine de messes, à peu près 70 chansons et pièces profanes ainsi qu'une centaine de motets. L'œuvre du compositeur hérite de la tradition de Dufay et d'Ockeghem une certaine rigueur mathématique voire une virtuosité intellectuelle mais que notre musicien sait adoucir pour plus d'élégance et de fluidité.

Il développe le style " en imitation continue " et assouplit l'usage du cantus firmus, qui était un thème mélodique souvent donné au ténor reprenant des motifs connus de chanson populaire ou bien de musique liturgique et que le compositeur prenait pour base de son œuvre. Maître du contrepoint, il enrichit les compositions en osant des pièces à cinq, six voire huit voix.

On peut prendre comme exemple de sa virtuosité la Missa Hercules dux Ferrarie dont le cantus est formé des voyelles du nom du dédicataire (ré, ut, ré, ut, ré, fa, mi, ré) ou bien encore la messe Pange lingua, l'un de ses ultimes chefs d'œuvre, où son attention aux mots et son sens du figuratif font des merveilles. Il sait également se réinventer sans cesse, comme le prouve l'intégralité de ses messes qu'ont enregistrée The Tallis Scholars et leur chef Peter Phillips entre 2001 et 2020. Lionel Esparza revenait sur leur entreprise dans son émission Disques de légende.

500 ans !

Un demi-millénaire plus tard la musique de Josquin vit encore. Parmi les célébrations pour cet anniversaire hors norme, on peut noter le disque de l'Ensemble Clément-Janequin dirigé par Dominique Visse qui chante depuis longtemps cette musique.

Il y a également l'album de Stile Antico consacré uniquement au compositeur picard publié chez Decca.

À noter que France Musique a diffusé le 26 août deux concerts des BBC Proms de Londres dédiés au compositeur français.

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Josquin Desprez, itinéraire du Prince des Musiciens

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Il y a 500 ans s'éteignait Josquin Desprez, compositeur picard du début de la Renaissance dont la renommée s'étendait sur toute l'Europe. Il a laissé plus d'une centaine d'œuvres, messes ou pièces profanes, qui ont marqué l'histoire de la musique.

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Roger Muraro © Jean-Baptiste Millot

Chers amis, c'est l'heure de l'intimité et des confidences. Et comme toute confidence vient au gré des souvenirs, ne m'en veuillez pas des allers-retours que je pourrai faire dans la chronologie de mes aventures...

Connaître Messiaen, travailler sa musique, ont pu, pour moi, répondre à un certain nombre de questions... Mais quid de la musique d'autres compositeurs ? Que me racontent-ils ? Pourquoi certaines œuvres m'apparaissent-elles plus accessibles que d'autres ? Et pourquoi éprouvé-je le besoin de me confronter à ce qui m'est opposé, trouver derrière un ciel souvent nuageux une lumière qui ne s'éteint pas ? La pandémie a fait son chemin : ces séquences pour France Musique s'adressent avant tout à moi-même. Un parcours avec Scriabine, Brahms, Chopin, ceux qui me résistent parfois et ceux que je croyais connaître : Albeniz, Falla, Debussy... jusqu'au tandem Berlioz-Liszt !
A mon piano, évoquer leur vie, leur esthétique, les événements historiques qui me parlent, jouer, me tromper, recommencer sans cesse... Voici sans fausse exhibition le travail d'un pianiste qui ne devrait peut-être pas dire ça...

Une série réalisée avec le précieux concours de l' Ecole Normale de Musique de Paris Alfred Cortot et en partenariat avec le magazine Pianiste

Parler d'Olivier Messiaen, c'est avant tout évoquer une expérience personnelle hors du commun : j'ai eu le privilège de côtoyer le compositeur à l'occasion de voyages, de tournées, et j'ai pu partager quelques moments plus intimes durant les vacances d'été. Mon Messiaen, en deux parties, c'est un regard qui pourrait instruire certaine jeune génération...

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Programmation musicale

Traditionnel / Jean Wiéner
Yankee Doddle (générique de l'émission Histoires sans paroles)
Jean Wiéner, piano / NN, flûte
Playtime Records

Olivier Messiaen
Vingt Regards sur l'Enfant Jésus : XVII. Regard du silence
Yvonne Loriod, piano
Decca

En ligne

Le site de Roger Muraro

Roger Muraro, le chant de l'âme : entretien paru dans le magazine Pianiste

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Chers amis, c'est l'heure de l'intimité et des confidences. Et comme toute confidence vient au gré des souvenirs, ne m'en veuillez pas des allers-retours que je pourrai faire dans la chronologie de mes aventures...

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A l'époque, elle s'appelle Eunice Waymon. Elle manifeste très tôt un don pour la musique. A trois ans, elle reproduit à l'oreille et à la perfection les gospels qu'elle entend à l'église. Devant ce don de Dieu, les habitants de la ville, noirs et blancs réunis, se cotisent pour lui payer des cours de musique. Et c'est ainsi que pendant cinq ans, la jeune Nina Simone suivra un strict enseignement de piano classique auprès d'une professeure anglaise, Mrs Muriel Massinovitch.

Miz Mazzy, comme elle la surnomme, lui apprendra le maintien, la position des doigts, la façon de saluer mais surtout Jean-Sébastien Bach. Pourquoi Bach ? Nina Simone raconte que " Bach est un maître, il est ce qui se rapproche le plus de Dieu." Depuis cette rencontre avec le maître allemand, elle n'a qu'un désir : devenir la première concertiste noire des Etats Unis.

L'Amérique des années 1950 ne lui permettra pas de réaliser son rêve : elle est refusée au Curtis Institute de Philadelphie, parce que noire. Cette blessure ne cicatrisera jamais, elle en conservera une rage qui ne cessera de grandir.

Loin d'oublier ses années d'apprentissage, elle s'en inspirera pour créer un genre inédit empreint de jazz, de gospel... et d'improvisations éblouissantes autour de Bach ! Et c'est dans les bars d'Atlantic City, loin des églises et des salles de récitals, qu'Eunice éprouvera son style et entamera sa mue, devenant Nina Simone.
Nina Simone : un nom d'emprunt, pour que sa mère n'apprenne pas qu'elle joue la musique du diable dans des lieux de perdition.
Dans cette première émission, nous suivrons ses pas et ses premières gammes, de la petite fille à l'artiste accomplie qui donnera un concert mythique au Carnegie Hall de New York en 1963. Ce soir-là, Nina déchirera sa blanche chrysalide. Elle deviendra une musicienne complète et assumera désormais son identité de femme noire en colère.

Liste des titres diffusés

1. Nina Simone, Love Me or Leave Me

2. Nina Simone, Little Girl Blue

3. God be with you till we meet again, Londonderry Choir,

4. Ain't Gonna Study War No More, Nat King Cole

5. Nearer Blessed Lord, Nina Simone

6. Nobody knows you when you're down and out, Nina Simone

7. Prélude n°1 en do majeur de JS Bach, Sialovtav Richter

8. Mood Indigo, Duke Ellington

9. Partita n°2 in C minor, BWV 826-6 Capriccio, JS Bach, Martha Argerich

10. Mood Indigo, Nina Simone

11. Nina Simone, The Turning Point

12. Etudes, op25, n°1, Chopin, par Lang Lang

13. Etudes, op10, n°3, Chopin, par Lang Lang

14. You'll Never Walk Alone, Nina Simone 15. Hazel Scott, fantaisie de Chopin

15. La Passion Saint Matthieu, JS Bach, Marian Anderson

16. Nina Simone, Good Bait

17. Nina Simone, I love you Porgy

18. Nina Simone, I Want A Little Sugar In My Bowl

19. Nina Simone, My Baby Just Cares For Me

20. La Traviata, Acte 3 Addio del Passato, interpreté par Maria Callas

21. Nina Simone, Since My Love has Gone

22. Nina Simone, theme from Sanson and Delilah, Live at Carnegie Hall

23. Nina Simone, Black Swan, Live at Carnegie Hall

24. Nina Simone, Sinnerma

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De la musique de Dieu à la musique du diable : épisode * 1/2 du podcast Nina Simone, l'art de la fougue

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AUDIO * 1/2 : De la musique de Dieu à la musique du diable . Nina Simone, l'art de la fougue est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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Ce compliment a d'autant plus de valeur qu'il vient de Franz Liszt en personne.
Qu'elle soit écrite pour le piano, pour les cordes frottées ou pour les vents, la musique de chambre de Saint-Saëns est un pan essentiel de son œuvre. Dans ce domaine, les réserves de Marcel Proust (en contradiction avec les louanges de son amant Reynaldo Hahn) n'ont pas empêché l'auteur d' A la Recherche du temps perdu de s'inspirer partiellement de la  Première Sonate pour violon et piano de Saint-Saëns, pour la  " petite phrase "  de Vinteuil...

Exposition

La Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris célèbrent le centenaire de la disparition de Camille Saint-Saëns (1835 - 1921) à travers l'exposition Saint-Saëns : un esprit libre, première grande rétrospective consacrée à ce musicien. On lui doit Le Carnaval des animaux ou la Danse macabre, qui l'ont rendu extrêmement populaire ; mais Saint-Saëns composa pas moins de 600 œuvres, dont 13 opéras. Il fut à la fois un pianiste virtuose, un compositeur de génie et l'un des meilleurs représentants de la culture française.
A travers plus de 200 pièces - manuscrits musicaux, correspondances, photographies, objets, tableaux, maquettes de décors et de costumes, l'exposition mène à la redécouverte d'un artiste étonnant, figure marquante de notre histoire culturelle mais aussi esprit libre.

Camille Saint-Saëns en festival

Festival de Royaumont du 21 août au 3 octobre 2021

Vidéo

Saint-Saëns : Concerto pour piano et orchestre n°2

Bibliographie

Le carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns de Elodie Fondacci (Auteur), Michel Hasson (Auteur)
Éditeur ‏ : ‎ PHILIPPE AUZOU; Illustrated édition

Programmation musicale

Camille Saint Saëns
Le carnaval des animaux : 13. Le cygne - pour violoncelle et piano
Pauline Bartissol (violoncelle)
Laurent Wagschal (piano)
Ensemble le Déluge
AD VITAM RECORDS AV210215

Camille Saint Saëns
Tarentelle en la min op 6 - pour flûte clarinette et piano
Philippe Bernold (flûte traversière)
Ariane Jacob (piano)
Philippe Berrod (clarinette)
SAPHIR PRODUCTIONS

Camille Saint Saëns
Quintette en la min op 14 : 3. Presto - pour piano et quatuor à cordes
Ensemble Nash
Ian Brown (piano) Marianne Thorsen (violon) Benjamin Nabarro (violon) Lawrence Power (alto) Paul Watkins (violoncelle)
HYPERION CDA67431/2

Camille Saint Saëns
Trio n°1 en Fa Maj op 18 : 2. Andante- pour violon violoncelle et piano
Leonid Kogan (violon)
Mstislav Rostropovitch (violoncelle)
Emil Gilels (piano)
DOREMI DRH-7921

Camille Saint Saëns
Septuor en Mi bémol Maj op 65 : 4. Gavotte & final - pour trompette 2 violons alto violoncelle contrebasse et piano
Marc Bauer (trompette) Jacques Duhem (violon) Luc Héry (violon) Raymond Glatard (alto) Carlos Dourthe (violoncelle) Gabin Lauridon (contrebasse)
Jean François Heisser (piano)
MUSIFRANCE 2292-45772-2

Camille Saint Saëns
Wedding-cake op 76 - valse pour piano et cordes
Jacques Duhem (violon) Luc Héry (violon) Raymond Glatard (alto) Carlos Dourthe (violoncelle) Gabin Lauridon (contrebasse)
Jean-François Heisser (piano)
MUSIFRANCE 2292-45772-2

Camille Saint Saëns
Quatuor avec piano n°2 en Si bémol Maj op 41 : 3. Poco Allegro più tosto moderato
Quatuor Gabriel
ANIMA RECORDS ANM081100002

Camille Saint Saëns
Quatuor à cordes n°1 en mi min op 112 : 2. Scherzo
Quatuor Modigliani
MIRARE MIR 188

Camille Saint Saëns
BO de L'assassinat du duc de Guise op 128 (film d'André Calmette) : 5ème tableau
Ensemble Musique Oblique
Harmonia Mundi HMC 901472

Camille Saint Saëns
Sonate en Sol Maj op 168 : 4. Allegro moderato - pour basson et piano
Solistes de l'Orchestre de Paris
Marc Trénel (basson)
Pascal Godart (piano)
INDESENS INDE010

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Camille Saint-Saëns (6/8) : La musique de chambre

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" On peut être aussi musicien que Saint-Saëns, on ne peut l'être davantage. On a dit très justement que sa musique de chambre se place non loin de celle de Mozart et de Haydn. En tout cas, c'est la seule qui, dans ce domaine, ait égalé les Allemands ".

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Serge Gainsbourg et Marilu Tolo sur le tournage du Roman d'un voleur de chevaux d'Abraham Polonsky (1970). ©Getty - Sunset Boulevard/Corbis

Serge Gainsbourg était un grand amateur de musique classique et s'est même inspiré d'airs de Chopin, Brahms ou Beethoven pour écrire de nombreuses chansons ! Un amour de la musique classique qui lui vient de l'enfance et de ses premières leçons de piano.

Rediffusion de l'émission du 2 mars 2021

**Retrouvez tous les détails de cette émission en cliquant ici

Programmation musicale

Kazakhstan : Aksak Koulan (le kouloan boiteux)

M. Aoubakirov (Dombra (luth))

Kazakhstan : Aksak Koulan (le kouloan boiteux)

Album Voyage en URSS vol. 4 Estonie - Lettonie - Kazakhstan (1990)

Label Chant du monde (LDX 274923)

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Archives : Gainsbourg au piano avec Chopin (R)

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Serge Gainsbourg était un grand amateur de musique classique et s'est même inspiré d'airs de Chopin, Brahms ou Beethoven pour écrire de nombreuses chansons ! Un amour de la musique classique qui lui vient de l'enfance et de ses premières leçons de piano.

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L'art polyphonique et les inspirations classiques de Paul Simon et Art Garfunkel ©Getty - Gary Null/NBCU Photo Bank/NBCUniversal

The Sound of Silence, Mrs Robinson, Bridge Over Troubled Water... Aujourd'hui Max Dozolme nous parle d'un duo de chanteurs folk synonyme de ballade et de polyphonie vocale : Paul Simon et Arthur Garfunkel. Deux troubadours modernes qui s'inspirent et reprennent des airs anciens...

Rediffusion de l'émission du 4 mars 2021

**Retrouvez tous les détails de cette émission en cliquant ici

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Simon et Garfunkel : Renaissance et polyphonies baroques (R)

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The Sound of Silence, Mrs Robinson, Bridge Over Troubled Water... Aujourd'hui Max Dozolme nous parle d'un duo de chanteurs folk synonyme de ballade et de polyphonie vocale : Paul Simon et Arthur Garfunkel. Deux troubadours modernes qui s'inspirent et reprennent des airs anciens...

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Les débuts

Le jeune Arvo Pärt commence la musique par l'étude du hautbois et de la percussion, qu'il apprend peu à peu à maîtriser. Il entre par la suite au Conservatoire de Tallin, dans la classe composition de Heino Eller, un compositeur peu connu en France, mais qui représente une sorte de héros musical national, équivalent de Sibelius en Finlande.

A cette époque, Arvo Pärt expérimente. Il teste les limites de son style et s'essaie également à la technique du collage, comme dans son Credo, pour piano, chœur et orchestre de 1968. Avec Credo, Arvo Pärt emprunte au 1er Prélude de Bach et le sature de l'intérieur, l'étend, le ressert, l'étire, le pulvérise.

Mais cette musique aux sonorités pour le moins inattendues dans l'URSS des années 1960, n'est pas du goût de tout le monde...

Mon Credo n'avait de commun avec celui de la messe que le premier mot (...) J'ai subi plusieurs interrogatoires au cours desquels les enquêteurs répétaient souvent la même question : "Quel buts politiques poursuiviez-vos avec ce travail?"

Les doutes

Arvo Pärt se voit contraint de ne plus faire jouer son Credo, et tombe alors dans une phase de doute intense. En effet, en plus de ses démêlés avec le Parti et son départ forcé de l'Estonie pour Vienne, puis Berlin, il est conscient d'une chose : sa musique ne reflète pas encore pleinement le plus profond de sa pensée musicale et esthétique.

En quête d'une identité esthétique

C'est dans la relecture attentive du chant grégorien et des chef-d'œuvres polyphoniques du Moyen-Age et de la Renaissance, qu'Arvo Pärt puise une fraîcheur qui répond enfin à son besoin de plénitude, et de hauteur de vue. En somme de spiritualité, du fait - peut-être, de l'importance dans son esprit de la pureté de la ligne mélodique.

Une nouvelle écriture musicale

Au cours de 8 années de silence artistique, d'une retraite où il s'est ardemment plongé dans l'étude des musiques anciennes, et durant laquelle il quitte le protestantisme luthérien pour se donner tout entier au catholicisme orthodoxe dans lequel il trouve le moteur à sa créativité, Arvo Pärt invente.

Il va nommer cette nouvelle manière d'écrire " tintinabulli ", du nom des " tintinabules ", ces petites cloches utilisées dans la liturgie catholique. Le style tintinabulli d'AP consiste en l'association systématique de deux voix (l'une étant " mélodie " et l'autre " tintinabulli "), jouées toujours en homorythmie (c'est-à-dire le même rythme par tout le monde ensemble), aboutissant ainsi à un tout indissociable, comme deux faces d'une même personnalité.

Für Alina, pour piano, est exactement construite sur ce modèle : la main droite - la mélodie, qui est plus aigue - ressemblera ainsi faussement à du chant grégorien, tandis que la main gauche, qui est plus grave - la voix " tintinabulli " - serait assimilable à des cloches, à un carillon.

Arvo Pärt, maître de la musique chorale

Ceci dit, AP n'est pas reconnu tant pour sa musique instrumentale que pour sa musique chorale. En effet, pour un compositeur balte, difficile de passer à côté de l'idiome choral qui fait partie intégrante du paysage musical (tout comme dans les pays anglo-saxons).

Dans son De Profundis, de 1980, pour chœur d'hommes, percussions et orgue, l'homorythmie évoquée tout à l'heure est capitale. Variant les alliages entre les voix, AP ne déroge jamais au fait de faire entendre le texte en un seul bloc, aux couleurs harmoniques évoluant lentement, et jouant avec délice entre sonorités douces (des consonnances) et sonorités plus dures (des dissonances).

Dans son Da Pacem Domine, Arvo Pärt fait s'enchaîner les accords comme un kaléidoscope coloré, à la fois statique et constamment changeant. Aucune mélodie, aucune variante de timbre, seulement une musique purement harmonique, qui nous fait littéralement goûter chaque accord avec une saveur constamment renouvelée.

Commande de Jordi Savall pour son ensemble Hesperion XXI, le Da Pacem de Pärt a été écrit en réaction aux attentats du 11 Mars 2004 à Madrid.

Je crois qu'il faut se rendre à l'évidence : l'homme de notre époque ressent le besoin d'expirer, et non plus seulement d'inspirer. Le besoin d'une manière de pensée qui ne soit pas conflictuelle.

Programmation musicale

Toutes les textes lus durant l'émission sont extraits de Arvo Pärt, ouvrage de Enzo Restagno et Leopold Brauneiss, traduit en français par David Sanson, et publié chez Actes-Sud/Classica en 2012.

Merci à Laurent Lederer pour ses lectures.

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A l'occasion du week-end que consacre la Maison de la Radio à Arvo Pärt les 10 et 12 janvier 2020, Thomas Vergracht plonge ce soir dans l'univers du compositeur estonien.

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Camille Saint Saens: Entre Dieu et Démons

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Camille Saint Saens: Entre Dieu et Démons

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Ce qui ne l'a pas empêché de laisser à la postérité des musiques sacrées de toute beauté, comme son  Requiem ou son  Oratorio de Noël. Ce qui ne l'a pas empêché non plus de jouer avec la mort et les démons, dans sa célèbre et toujours savoureuse  Danse macabre.

Exposition

La Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris célèbrent le centenaire de la disparition de Camille Saint-Saëns (1835 - 1921) à travers l'exposition Saint-Saëns : un esprit libre, première grande rétrospective consacrée à ce musicien. On lui doit Le Carnaval des animaux ou la Danse macabre, qui l'ont rendu extrêmement populaire ; mais Saint-Saëns composa pas moins de 600 œuvres, dont 13 opéras. Il fut à la fois un pianiste virtuose, un compositeur de génie et l'un des meilleurs représentants de la culture française.
A travers plus de 200 pièces - manuscrits musicaux, correspondances, photographies, objets, tableaux, maquettes de décors et de costumes, l'exposition mène à la redécouverte d'un artiste étonnant, figure marquante de notre histoire culturelle mais aussi esprit libre.

Camille Saint-Saëns en festival

BWd12 : Festival de musique de chambre à Saint-Victor-sur-Loire, du 27 au 29 août 2021

Bibliographie

Saint-Saëns de Jacques Bonnaure (Auteur), Jean-François Heisser (Préface)
Éditeur ‏ : ‎ Actes Sud

Programmation musicale

Camille Saint Saëns
Danse macabre op 40 - poème symphonique
Lorin Maazel (violon)
Orchestre National de France
Lorin Maazel (direction)
CBS MYK 42610

Camille Saint Saëns
Improvisation op 150 n°7 - pour orgue
Vincent Genvrin (orgue)
EDITIONS HORTUS HORTUS 015

Camille Saint Saëns
Messe op 4 : Kyrie - pour solistes chœur et orgues
Simon Colston (soprano) **Anthony De Rivaz (**contre-ténor) John Vickers (contre-ténor) Trevor Owen (ténor) Brian Harvye (basse)
Roy Massey (grand orgue)
Paul Trepte (petit orgue)
Chœur de la Cathédrale de Worcester
Donald Hunt (direction)
DECCA ELOQUENCE 4828798

Camille Saint Saëns
Oratorio de Noël op 12 : 7. Tecum principium
Antonia Bourvé (soprano) Marcus Ullmann (ténor) Jens Hamann (Baryton)
Romano Giefer (orgue)
Les Favorites Holger Speck (direction)
CARUS 83.352

Camille Saint Saëns / Louis Gallet
Le déluge op 45 : 2. L'arche et le déluge
Daniel Galvez-Vallejo (ténor)
Choeur Régional Vittoria d'Ile de France
Orchestre National d'Ile de France
Jacques Mercier (direction)
Adda 581261

Camille Saint Saëns
Requiem op 54 : 8. Agnus Dei - pour soprano double chœur quintette à cordes 4 vents harpe et orgue
Pascale Mélis (orgue)
Madrigal de Paris
Ensemble Jeunes Solistes de Boulogne
Pierre Calmelet (direction)
SM CLASSIQUE D3094

Camille Saint-Saëns
Prélude et fugue en UT Maj op 109 n°3 : 1.Prélude / 2. Fugue
Ben van Oosten (orgue)
MDG 316 1767-2

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Camille Saint-Saëns (5/8) : Dieux et démons

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S'il fut pendant vingt ans l'organiste titulaire de La Madeleine à Paris, Saint-Saëns prit de grandes distances avec le catholicisme de son enfance.

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Saint-Saëns : un esprit libre

Saint-Saëns : un esprit libre

Saint-Saëns : un esprit libre

Un esprit libre ! L'expression peut surprendre mais elle convient pourtant pour qualifier l'interprète, pianiste et organiste à la renommée internationale, doublé d'un compositeur s'étant illustré avec bonheur dans tous les genres, celui qui est joué sur tous les continents et apprécié par les plus grands artistes de son temps. Les générations qui lui ont succédé ont transmis l'image d'un musicien aux idées figées, pétri d'académisme, ont dressé de lui le portrait d'un nationaliste aigri, d'un compositeur éclectique, auteur prolifique d'une musique dite " facile ". Mais elles ont oublié que Saint-Saëns était dans ses jeunes années un agitateur, considéré comme le porte-drapeau des " avancés ", et qu'il faisait entendre la voix d'une certaine modernité en bousculant les habitudes et les institutions.
Celui qui a vécu " l'enfance de Mozart et la vieillesse du Titien " durant 80 années d'activité, est aussi un écrivain à la parole franche, à la plume nerveuse et passionnée, un " passeur " qui ouvre les horizons de ses contemporains à d'autres répertoires, et un témoin privilégié de l'évolution du monde musical. C'est une personnalité originale, insaisissable, à l'esprit indépendant, un nomade toujours en voyage, qui aura fortement marqué la vie musicale de son temps, car " chacun savait que Saint-Saëns était là ".
Cette exposition, présentée à l'occasion du centenaire de la disparition de Camille Saint-Saëns, permet de découvrir les jalons de son parcours et de son œuvre, à travers les riches collections de manuscrits léguées à l'État et conservées par la Bibliothèque nationale de France et les souvenirs et archives donnés par le musicien à la ville de Dieppe.

VISITER LE PALAIS GARNIER

L'Opéra national de Paris vous propose de découvrir, lors d'une visite, les richesses des espaces publics du Palais Garnier.

POUR ALLER PLUS LOIN...

Pour accompagner l'exposition, la commissaire Marie-Gabrielle Soret propose une série de six podcasts afin de mieux appréhender cet artiste singulier.

Marie-Gabrielle Soret, département de la Musique, BnF

Scénographie et conception lumière

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Saint-Saëns : un esprit libre - Expositions - Visites

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Le Palais Garnier et l'Opéra Bastille. Programmation, Billetterie, Informations pratiques.

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En octobre prochain, nous allons célébrer le centenaire de la naissance de Georges Brassens. L'essentiel des festivités va se dérouler à Sète, ville où le chanteur est né et est inhumé. Radio France sera de la partie bien sûr, à travers des émissions locales et des émissions nationales.

Mais dès cet été, France Musique se met en quatre pour préparer cet anniversaire, Tour de chant ne pouvait donc pas mieux faire que de proposer aux auditeurs une sélection de tous ces beaux moments de scène des années 50 aux années 70, et de les accompagner d'extraits d'entretiens à la radio, et parfois même à la télévision, où l'auteur-compositeur explique précisément la genèse de ses chansons.

Programme musical

Ici l'on pêche Jean Tranchant, 1934
(p & m : Jean Tranchant)

La vieille marquise + Tout est au duc + Le petit oiseau Georges Brassens et Charles Trenet, document INA 1966
(p & m : Charles Trenet)

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Georges Brassens en scène (1/8) - Duos inédits

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Si Brassens nourrit son oeuvre de nombreuses influences, il est rare de l'entendre dans d'autres répertoires que le sien. Découvrez des duos inédits de Brassens avec Charles Trenet et Tino Rossi grâce à des enregistrements méconnus conservés par l'INA.

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Une aria peut parfois en cacher une autre. C'est ce que semble vouloir nous dire Nino Rota dans cet extrait de son Concerto pour cordes composé en 1965. Une page musicale qui semble se souvenir de la célèbre aria de la Suite en ré majeur de Bach.

" Le plagiat en musique n'existe pas. La matière musicale est à la disposition de tous " disait Nino Rota. Un compositeur connu pour avoir écrit les bandes originales du Parrain de Coppola, du Guépard de Visconti et de nombreux films de son acolyte Federico Fellini. Mais saviez-vous que la valse brillante que l'on entend dans le Guépard de Visconti est une orchestration d'une valse pour piano de Verdi ? Et ce thème extrait du film La Strada ? Il ne vous fait pas penser à une autre œuvre ? Cherchez bien..

Comme vous l'avez peut-être remarqué, ce thème extrait de la Suite pour orchestre "La Strada" est très largement inspiré de la "Danse sacrale" du Sacre du Printemps de Stravinsky, un ami de Nino Rota à qui l'on doit ces accords lapidaires et imprévisibles.

Tout comme Stravinsky, Nino Rota avait l'art de mêler les styles et les époques, de multiplier les citations pour écrire une musique qui nous semble étrangement proche et en même temps totalement originale, une musique nouvelle et que l'on reconnait pourtant ! C'est, par exemple, le cas de ce thème de la Dolce Vita ...

Un thème qui ressemble beaucoup à la complainte de Mackie extraite de L'Opéra des Quat'sous du duo formé par Bertold Brecht et Kurt Weill. Cela s'explique par le fait que Fellini écoutait en boucle cette chanson sur le tournage de la Dolce vita. Il avait tourné les images au son de cette musique et comme à son habitude, il avait demandé à Nino Rota d'écrire une partition similaire.

" Je suis absolument convaincu qu'il n'y a rien de tel que le plagiat en musique. Le matériel musical est un bien collectif : si quelqu'un s'en empare et l'adopte, il ne doit la reconnaissance qu'à son prédécesseur " disait Nino Rota, un compositeur et pédagogue très cultivé comme le rappelle Riccardo Muti. Celui qui fut son élève se souvient d'une soirée où il avait défié Sviatoslav Richter dans un jeu de citations de thèmes classiques au piano. Mais l'histoire ne dit pas qui a gagné !

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Nino Rota : l'art du pastiche musical de Verdi à Stravinsky

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Il y a 44 ans jour pour jour, le 22 juin 1977 était créé à Spoleto en Italie, l'opéra " Napoli milionaria " d'un certain Nino Rota. Un compositeur maître du pastiche et de la citation musicale.

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Sun Ra, Egypte ancienne et groove futuriste

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Sun Ra, Egypte ancienne et groove futuriste

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Sun Ra, Egypte ancienne et grooves futuristes

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Enregistré en une nuit au Blank Tapes Studios de New York, le 17 juillet 1978, après que l'Arkestra soit apparu au Saturday Night Live Show, "Lanquidity", avec ses couleurs funk est unique dans le catalogue de Sun Ra.

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La musique, une tradition familiale depuis plusieurs générations

Luciano Berio n'est pas le seul Berio à s'adonner à la musique et à en faire carrière. Les Berio sont musiciens et compositeurs depuis la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le petit Luciano est initié à la musique par son père Ernesto et par son grand-père Adolfo, tous deux organistes et compositeurs.

Mais le fait d'être entouré par autant de musiciens ne fera pas pour autant de la musique la première passion de Luciano. " Pendant un instant, j'ai voulu m'évader de cette prison musicale, qui était certes une prison très agréable. J'ai eu ce doute mais c'était très bref. "

De "blessé" de guerre à compositeur

Alors que Berio commence à s'intéresser à la musique, et notamment au piano, la Seconde Guerre mondiale bat son plein. Il est alors conscrit dans l'armée italienne. Mais il rejoint l'effort de guerre tardivement, et n'est soumis à aucune formation ni entrainement. Lorsqu'on lui présente sa première arme, il tire accidentellement et se blesse la main droite. Luciano est envoyé à l'hôpital où il restera pendant trois mois.

Après la guerre, il rejoint le conservatoire de Milan et entre directement en cinquième année d'un cursus musical de 10 ans. Sa main blessée le contraint de faire une croix sur la carrière de pianiste : il se consacre donc à la composition, pour le plus grand bonheur de l'histoire de la musique.

Cathy Berberian, muse et voix de Berio

En 1950, lors de sa dernière année au conservatoire de Milan, Berio accompagne au piano une jeune chanteuse américaine pour un enregistrement. Cette dernière s'appelle Cathy Berberian. Seulement quelques mois plus tard, Berio et Berberian décident de se marier.

Si l'idée d'écrire pour la voix obsède Berio depuis des années, ce n'est qu'en 1958 qu'il décide de faire appel aux talents musicaux de sa femme. En résidence au Studio di Fonologia Musicale fondé par Berio et Bruno Maderna en 1955, le compositeur John Cage avise Berio de se servir de la merveilleuse voix de sa femme.

Ainsi commence la fructueuse collaboration entre Berio et Berberian. En 1960, Cathy fait ses débuts américains au festival de Tanglewood avec une œuvre de son mari : Circles. Elle participe également aux créations d' Epiphanie (1962) et Visage (1961). Malgré leur divorce en 1964, le duo continuera à collaborer. L'amour musical est éternel.

Antifasciste curieux

Né en 1925, Berio arrive l'année de l'instauration en Italie de la dictature fasciste de Benito Mussolini. Le jeune Luciano grandit donc sous le régime totalitaire de ce dernier. Enfant des provinces italiennes, son accès limité aux développements culturels et musicaux en Europe n'est qu'exacerbé par la répression culturelle de Mussolini. Alors que le père Berio porte le Duce dans son cœur, Luciano le musicien en herbe ne pardonnera jamais au dictateur d'avoir muselé la culture musicale italienne.

Il compensera ce manque de culture et de découvertes musicales lors de sa jeunesse par une curiosité et une ouverture d'esprit absolues. Ainsi, de la musique baroque au rock, en passant par l'opéra, le jazz, la musique pop et les œuvres inachevées des grands compositeurs classiques, la musique de Berio est ouverte à toute influence pour devenir un reflet de l'expérience humaine.

Ré-inventeur du passé

Contemporain de Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen et Henri Pousseur, Luciano Berio rejoint le mouvement de la révolution musicale. Mais tandis que la nouvelle génération de compositeurs souhaite faire table rase du passé, Berio lui préfère le réinventer.

Compositeur aux influences éclectiques, il se tourne ainsi vers le passé autant qu'il explore les possibilités de la musique électronique et de la musique vocale expérimentale. Il conçoit ainsi une philosophie musicale d'un " souvenir du futur " afin de revisiter notre relation avec le passé et de le redécouvrir comme partie intégrante de l'avancée vers le futur. Il incorpore de nombreuses œuvres de nombreux compositeurs passés, dont l' Inachevée de Schubert dans Rendering mais aussi la musique de Purcell ( Hornpipe), Verdi ( 8 Romanze) et Mahler ( Sinfonia).

Fan des Beatles

Le 24 février 1966, Berio est invité à l'Institut culturel italien à Londres pour présenter son œuvre et animer une discussion autour de la musique électronique. Dans le public, au premier rang, se tient alors le chanteur et musicien britannique Paul McCartney. Fasciné par les nouvelles expérimentations faites avec l'électronique, et par conséquent par la musique de Luciano Berio, McCartney assiste au colloque alors que les membres des Beatles font une pause de trois mois au début de 1966.

Profondément marqué par cette rencontre, McCartney repart la tête pleine d'idées, qu'il ne manquera pas d'inclure aux futurs enregistrements des Beatles à commencer par l'album enregistré en avril 66 : Revolver. Considéré comme le point de départ de la période expérimentale du groupe, l'album est influencé par les idées musicales avant-gardistes de l'époque.

L'influence de cette rencontre est entièrement réciproque et Berio écrira ensuite un article sur les Beatles dans la Nuovo Rivista Musicale Italiana intitulé Commenti al Rock. Il signera également trois arrangements de chansons des Beatles à la demande de Mario Labroca, directeur du festival musical de la Biennale de Venise : Michelle I & II, Ticket to Ride et Yesterday.

Professeur du bassiste de The Grateful Dead

En 1962, Darius Milhaud demande à Berio de le remplacer au Mills College à Oakland. L'année suivante, il est engagé comme professeur de composition. Cette expérience ne manquera pas d'influencer ses étudiants mais aussi de marquer la vie du compositeur à plusieurs reprises.

Parmi les nombreux inscrits à ses cours : Phil Lesh, futur membre fondateur du groupe de rock The Grateful Dead. Alors jeune compositeur, Lesh est fasciné par la musique et les idées du professeur Berio. Il participe même à l'interprétation de Différences à l'Ojai Music Festival en Californie en 1963, aux côtés du compositeur. Fortement influencé par ses études, Lesh intégrera ensuite les idées d'expérimentation et d'improvisation de Berio dans la musique de The Grateful Dead.

Berio compte également Steve Reich parmi ses jeunes élèves, dont il suivra par la suite la carrière avec grand intérêt. Et c'est au Mills College que Berio croisera Susan Oyama, jeune étudiante en psychologie qui deviendra sa seconde femme.

Au Mills College, Berio fera même la découverte de l'album " Jazz Sebastian Bach " des Swingle Singers lorsque la professeure de la classe d'â côté diffuse cette musique pour ses étudiants. Quatre ans plus tard, il composera sa célèbre Sinfonia avec en tête cet ensemble vocal pour sa création, aux côtés du New York Philharmonic.

Ami des auteurs

Compositeur éclectique, la fascination de Luciano Berio ne s'arrête pas à la musique. Il se lie d'amitié dans les années 1950 avec l'écrivain italien Umberto Eco, lui-même passionné de musique. Ensemble, ils produisent en 1958 l'œuvre électronique pour radio Thema (Omaggio a Joyce). Hommage à l'écrivain James Joyce, pour lequel Berio et Eco se passionnent, Thema s'inspire du chapitre " Les Sirènes " d' Ulysse de Joyce. L'œuvre, mêlant voix de récitant et bande magnétique, est l'une des premières à faire une telle association.

En 1960, il met en musique trois poèmes de l'américain E. E. Cummings pour son œuvre Circles pour voix de femme, harpe et deux percussionnistes. Il collabore également avec le poète italien Edoardo Sanguineti en 1965 pour Laborintus II , pour voix, ensemble et bande magnétique. En 1977 il compose les opéras La Vera Storia (1977-78) et Un Re in Ascolto (1984) sur des livrets du romancier italien Italo Calvino.

Une musique pour tous les âges

Pour certains, une musique moderne implique un niveau de complexité de composition mais aussi d'interprétation, faisant ainsi appel à un interprète de qualité capable d'affronter l'œuvre en question. Mais la musique de Berio s'adresse souvent à n'importe quel interprète, peu importe son âge et son niveau d'interprétation.

Au-delà d'une volonté d'accessibilité, Berio se consacre également à la musique précisément pour les jeunes étudiants. De 1979 à 1983, il compose 34 Duetti per dui Violoni pour les jeunes amateurs et musiciens en herbe. Dans la même veine que les 44 Duos pédagogiques pour deux violons de Béla Bartók, il imagine une série de courtes compositions pour des interprètes de différents niveaux.

Bien évidemment, un jeune violoniste sur un petit violon ne peut pas produire le même son qu'un violoniste adulte sur un violon de taille normale, et vice versa. Mais c'est précisément l'intention de Berio qui souhaite profiter de la variété et l'individualité de chaque interprète, peu importe son nouveau, afin de créer une tension dramatique à travers l'interprétation de l'œuvre.

Le cépage Berio

Berio apprécie tous les plaisirs de la vie, notamment la cuisine et les cigares. Mais c'est le vin qu'il affectionne tout particulièrement, au point de cultiver ses propres vignes dans son jardin à Radicondoli en Italie.

Après son divorce de Susan Oyama en 1971, Berio quitte les Etats-Unis pour retourner en Italie. Il s'installe à Radicondoli, près de Sienne, et achète une maison à rénover. C'est dans le jardin qu'il commence sa propre production de vin, qu'il maintiendra jusqu'à sa mort en 2003.

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Luciano Berio : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur de Sinfonia

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Il est l'un des plus grands compositeurs italiens du XXe siècle, mais saviez-vous que Berio était marin dans l'âme ? Fan des Beatles ? Professeur de Steve Reich et du bassiste de The Grateful Dead ? Voici 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur Luciano Berio.

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Duke Ellington : 10 (petites) choses à savoir sur ce géant du jazz

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Si le duc n’est pas au sommet de l’échelle de la noblesse, c’est le Duke qui trône dans le monde du jazz ! Voici 10 (petites) choses à savoir sur Edward Ellington, surnommé le « Duke », une des plus grandes figures de l’histoire du jazz.

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Sarah Willis, grande corniste, membre de l'Orchestre philharmonique de Berlin, Sarah Willis dont la passionnante chaîne Youtube est suivie par près de 45 000 personnes... En plus de tout cela, Sarah enseigne aussi son instrument dans différentes écoles, dont la New World Symphony à Miami. Un vol direct de Miami à La Havane dure moins d'une heure, ce qui a permis à Sarah, il y a quelques années, de commencer à donner quelques cours de cor à Cuba, dont elle est tombée amoureuse !

Lors de son premier voyage à La Havane, il y a quelques années, Sarah Willis a entendu cette phrase : " Mozart aurait pu être cubain ". Une affirmation qui a tout de suite fait germer un projet un peu fou : mélanger les œuvres du compositeur autrichien avec la musique traditionnelle cubaine, dont elle raffole.

Sarah Willis a bien vite rencontré les musiciens du Havane Lyceum Orchestra et leur chef Jose Antonio Mendez Padron et le projet a pu se concrétiser : faire fusionner certaines des œuvres les plus connues de Mozart et le rythme du mambo ! Pour cela, Sarah a fait appel à l'arrangeur australien Joshua Davis. L'aventure de la corniste à Cuba a fait l'objet d'un très beau documentaire à découvrir en ce moment sur arte.tv, une vraie échappée belle au rythme des percussions où, entre deux extraits de concert, on suit la corniste et les jeunes musiciens du Havane Lyceum Orchestra dans les rues colorées de La Havane : au croisement d'une rue, Sarah et les musiciens s'arrêtent, improvisent, chantent ou commencent à jouer l'une des pièces favorites de Sarah, le rondo du Concerto n°3 de Mozart, pimenté avec les sonorités chaudes de la musique locale.

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Un disque " Mozart Y Mambo " est paru chez Alpha, l'an dernier, très beau disque, qui fait la part belle à la virtuosité des musiciens cubains, comme Yuniet Lombida, l'un des meilleurs saxophonistes du pays. Si vous voulez mettre du mambo dans votre week-end, je ne peux que vous conseiller le documentaire et le disque, disponible sur toutes les plateformes de streaming... Et si avec ça les clubs cubains ne diffusent pas bientôt la musique de Mozart !

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Mozart sauce Mambo : le projet cubain de la corniste Sarah Willis

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On finit la semaine à La Havane, où la corniste américano-britannique Sarah Willis a noué une collaboration détonante avec un orchestre cubain.

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Rencontres américaines avec Edgard Varèse

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Rencontres américaines avec Edgard Varèse

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Edgard Varèse en 1955 ©Getty - Bettmann / Contributeur

Nouvelle escale américaine du producteur Claude Samuel, qui avait posé son micro à New-York, en plein de cœur de Greenwich village, dans l'atelier "boutique" du compositeur Edgard Varèse...

J'ai toujours été intéressé par le côté vibratoire et physique des sons...

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Programmation musicale

Leon Kirchner (Indicatif de l'émission)
Concerto pour violon, violoncelle et dix instruments à vent et percussion
Tossy Spivakovsky, violon
Aldo Parisot, violoncelle
Orchestre dirigé par Leon Kirchner

Edgard Varèse
Ionisation (1929)
Orchestre philharmonique de New-York, dir. Pierre Boulez

Bela Bartók
Quatuor à cordes n°2 op 17 : 1. Moderato (1915-1917)
Quatuor de Budapest

Edgard Varèse
Amériques (1927)
Orchestre philharmonique de New-York, dir. Pierre Boulez

Edgard Varèse
Déserts (Extrait)
Columbia Symphony Orchestra, dir. Robert Craft

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Rencontres Américaines avec Edgard Varèse : Une archive de 1964

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Nouvelle escale américaine du producteur Claude Samuel, qui avait posé son micro à New-York, en plein de cœur de Greenwich village, dans l'atelier "boutique" du compositeur Edgard Varèse...

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Wagnérisme : le pour ou contre du XIXe siècle !

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Documents d'analyse de l'œuvre de Max Richter Ressources proposées par l'académie d'Orléans-Tours : Annexe 1 : article sur l'interprétation comme recomposition Annexe 2 : Analyse des motifs sélectionnés par Richter comparés à Vivaldi Annexe 3 : Réduction de Spring I avec motifs en couleur Annexe 4 : motif 1 et ses variations Spring I Étude sur l'album Recomposed de Max Richter Partition Richter

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Au-delà de cet arrangement pour orchestre de Light My Fire par le violoniste Nigel Kennedy en 2000, on retrouve dans les disques originales des Doors plusieurs reprises et citations à la musique classique. Un style musical que Jim Morrison appréciait particulièrement et qui l'inspire pour écrire sa musique résolument rock.

L'une des incursions les plus connues et évidentes des Doors dans l'univers classique apparaît dès leur premier album en 1967. A côté de la marche harmonique aux accents baroques de Light my Fire se dévoile la chanson Alabama Song extraite de Mahagony de Kurts Weill et de Bertold Brecht !

Montre moi le chemin du prochain bar à whisky... Les addictions de Jim Morrison trouvent un écho à la chanson de Brecht et Weill. Une version qui fait entendre un instrument étrange, le Marxophone, un cithare dont les cordes métalliques sont frappées rapidement par de petit marteaux actionnés à la main. Dans cette version, c'est le claviériste du groupe Ray Manzarek qui joue de cet instrument inventé au début du XXe siècle par l'Américain Henry Marx, et qui accompagne la voix de Jim Morrison.

Un an après The Doors, en 1968, le groupe sort son troisième album : Waiting For The Sun, un disque dans lequel ont peut entendre un souvenir d'une Espagne rêvée et bien classique.

Dans Spanish Caravane, The Doors font appel aux sonorités caractéristiques de la guitare acoustique de Robby Krieger, le guitariste du groupe. Un musicien qui savait jouer du flamenco et qui connaissait ses classiques. Pour apporter une touche de couleur locale et d'exotisme, Robby Krieger cite donc explicitement la pièce pour piano Asturias du compositeur espagnol Isaac Albeniz. Sur cette musique sans paroles, Jim Morrison demande à une caravane de nous faire voyager en Espagne. Un voyage aux allures psychédéliques !

Pendant qu'ils enregistrent l'album Waiting for the Sun, le groupe poursuit leur rêve d'union entre classique et rock avec une reprise d'une musique faussement baroque. L'Adagio d'Albinoni, une œuvre composée en réalité au XXe siècle par Remo Giazotto. La version des Doors souligne bien le caractère anachronique de cette musique. Pourtant, A Feast of the Friends n'est pas intégrée à Waiting for the Sun, puisqu'il faudra attendre dix ans ans pour que cette musique soit découverte à l'intérieur d'un disque d'enregistrements inédits : An American Prayer.

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Max Dozolme explore la discographie d'un groupe rock légendaire : The Doors, à la recherche de leurs incursions plus ou moins explicites dans l'univers classique !

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A partir d’un Aria des Variations Goldberg BWV 988, Jean-Sébastien Bach compose une série de variations pour clavecin à deux claviers publiées à Nüremberg en 1741 comme la quatrième partie de la Clavier-Übung. Ce sont les fameuses Variations Goldberg, ainsi nommées d’après Johann Gottlieb Goldberg.

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Ephéméride

" La femme silencieuse " de Georges Auric est créée le 24 novembre 1925 au Théâtre de l'Atelier à Paris

" les Cinq Bagatelles " pour piano 4 mains, font parties de la musique de scène de " La Femme silencieuse " de Marcel Achard d'après un texte de Ben Jonson, créée le 24 novembre 1925 au Théâtre de l'Atelier, et sont emblématiques de l'esthétique du Groupe des Six.
Elles sont aussi présentes dans " Le Dompteur " d'Alfred Savoir, créé le 18 décembre 1925 au Théâtre Michel. Georges Auric en réalisera aussi une version pour 7 instruments, donnée le 2 mai 1926 à un concert Auric-Poulenc à la Salle des Agriculteurs.

Pièce de : Marcel Achard, d'après Ben Jonson
Musique : Georges Auric
Mise en scène : Charles Dullin
Décors et costumes : Jean Hugo
avec Charles Dullin (Morose)
Louis Allibert (Eugène Dauphin)
Yvonne Vibert (Lady Juliet)

Les tuyaux de Kerscho !

L'Orchestre Philharmonique de Strasbourg et le violoncelliste Victor Julien-Laferrière sont sur Arte ce jeudi 26 novembre à 20h

La musique continue ! : l'Orchestre philharmonique de Strasbourg poursuit son partenariat avec Arte Concert afin d'entretenir les liens avec son public avec des captations de concerts de qualité.
Le violoncelliste Victor Julien-Laferrière, vainqueur du Concours Reine Elisabeth en 2017 et couronné soliste instrumental de l'année aux Victoires de la Musique Classique 2018 est l'invité de ce concert intitulé " Sous le signe de la passion ". Il interprétera le Concerto pour violoncelle en la mineur de Schumann, au programme aussi : l'ouverture de Ruy Blas et la Symphonie n°4 en la majeur " Italienne " de Mendelssohn.
Avec l'Orchestre philharmonique de Strasbourg, ils seront sous la direction du jeune chef iranien Hossein Pishkar.
Rendez-vous le 26 novembre 2020 à 20h pour un concert exceptionnel en livestream :

Akhnaten de Philip Glass à l'Opéra de Nice sous la direction musicale de Léo Warynski

On découvre sur youtube la nouvelle production d' " ", dont la captation a eu lieu le dimanche 1er novembre sur la scène de l'Opéra de Nice, dans le cadre du Festival du MANCA, la mise en scène et la chorégraphie ont été confiées à Lucinda Childs et la direction musicale à Léo Warynski.
Akhenaton fut l'un des pharaons les plus marquants de l'Égypte ancienne, Il a réussi à imposer l'un des premiers monothéismes de l'histoire, faisant de Râ, le dieu soleil, la seule et unique divinité de son royaume.
Quand le compositeur américain Philip Glass décide de consacrer plusieurs opéras à de grandes figures de l'histoire, Akhenaton s'impose et clôt une trilogie qui compte " Einstein on the Beach" (1976) et "Satyagraha (1980)". Utilisant des textes de l'époque, dont un poème d'Akhenaton lui-même, l'ouvrage parcourt son règne depuis son accession au trône jusqu'à sa chute. Akhnaten recèle quelques moments phares de la musique minimaliste, comme la scène du couronnement.

Les chanteurs, Fabrice Di Falco (Akhnaten), Julie Robard-Gendre (Nefertiti), Patrizia CiofiReine (Tye), Joan Martín-Royo (Horemhab), Frédéric Diquero (Amon), Vincent Le Texier (Aye), Lucinda Childs (Amenhotep-rôle parlé), sont sous la baguette de Léo Warynski et Lucinda Childs, fidèle de la première heure de Philip Glass (elle dansait déjà lors de la création d'Akhenaton en 1984 à Stuttgart !), signe la mise en scène.

Sur le site de l'Opéra de Nice on trouve d'autres choses dont une interview de Lucinda Childs

Quelle musique entendez-vous sur la peinture "La plage à Cabourg" de René-Xavier Prinet ?

Allegretto vous propose de participer à la programmation musicale du vendredi 27 novembre en nous faisant part des musiques que vous inspire ce tableau.

Il est visible au sein de l'exposition " Derniers impressionnistes, le temps de l'intimité " présentée au Musée Lodève, jusqu'au 28 février 2021.

La chronique : " Les grands Macabres " :

pour retrouver la chronique de Bertrand Dicale : " Freddie Mercury, l'idole fauchée par le sida "

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Avec Darius Milhaud, Louis Durey, Georges Auric, Arthur Honegger, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre, les Six d'un groupe de jeunes musiciens, qui rejetait Wagner et adorait Satie, réunis autour de Jean Cocteau de 1916 à 1923.

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Schott Bradley, le compositeur des Tex Avery

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Schott Bradley, le compositeur des Tex Avery

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Si vous êtes familiers de l'univers des cartoons, vous connaissez sans doute le générique qui ouvre chaque épisode de Tex Avery, composé par Scott Bradley ! Cependant, il n'est pas seulement l'auteur de ce générique, il a aussi écrit un grand nombre de musiques pour les premiers cartoons de Tex Avery de la Metro Goldwin Mayer, les concurrents des Looney Tunes de la Warner.

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Après avoir été pianiste pour Disney dans les années vingt et après avoir écrit quelques œuvres symphoniques, Scott Bradley se passionne pour la musique de dessin animé et offre une orchestration très virtuose aux épisodes de Droopy, le chien triste et neurasthénique. Il est surtout la signature musicale du plus célèbre des duo de souris et de chat : Tom et Jerry dont il a composé la musique de la quasi-totalité des premiers épisodes, soit plus d'une centaine de dessins animés !

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Scott Bradley est l'un des plus brillants représentants de ce que l'on appelle le " Mickey Mousing ", cette manière de composer une musique en suivant seconde après seconde les actions qui se passent à l'écran. Quand on écoute la musique très dynamique de Scott Bradley sans l'image, j'ai l'impression d'entendre la musique de celui qui fut son professeur : le très sérieux Arnold Schoenberg !

Dans cet extrait de Puttin on the Dog, dessin animé de 1944 dans lequel Tom et Jerry se courent après dans dans un chenil, il s'agit de Scott Bradley !

Ici, c'est un extrait du concerto pour violon de Schönberg. Dans les deux cas, la musique très chromatique, dissonante et semble sans trajectoire. Nous ne sommes ni dans la tonalité d'un do majeur ou d'un do mineur, nous sommes sans tonalité, c'est de la musique atonale. Comme quoi les Cartoons nous préparent à l'écoute de la musique de Schoenberg !

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La musique de Cartoons de Scott Bradley nous invite aussi à découvrir dès notre plus jeune âge la musique de Franz Liszt. C'est le cas de l'un des épisodes les plus célèbres de Tom et Jerry : The Cat Concerto (le Concerto du Chat), un dessin animé dans lequel Jerry la Souris, sabote l'interprétation de la seconde rhapsodie hongroise de Liszt interprétée par Tom le Chat ! Un épisode qui obtient l'Oscar du meilleur court métrage d'animation en 1947, l'arrangement de la rhapsodie par Scott Bradley n'étant pas étrangère au succès de cet épisode.

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Schoenberg, Liszt, Scott Bradley et les cartoons

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Max Dozolme dresse le portrait d'un compositeur, arrangeur, pianiste et chef d'orchestre américain né il y a 129 ans, le 29 novembre 1891 : Scott Bradley, le compositeur des studios de Tex Avery !