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Críticas, Recomendaciones y Entrevistas de Música

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Presentado por: Dirigido por: Alberto Martínez Arias Alberto Martínez Arias

'El ojo crítico' es el informativo cultural decano de la radio española que acaba de cumplir su trigésimo quinta temporada ininterrumpida en la antena de Radio Nacional de España y mantiene intacta su vocación de acercar la cultura al mayor número posible de oyentes. Además del compromiso con la difusión de todas las expresiones artísticas y culturales, los premios anuales que concede 'El ojo crítico' quieren reconocer el talento de los jóvenes artistas así como premiar la trayectoria y el valor de una carrera profesional. A los premios anuales se suma el premio bienal iberoamericano, que esta temporada llega a su tercera edición.

FICHA TÉCNICA

Emisión: Radio Nacional, de lunes a viernes, de 18.00 a 19.00 horas

Dirección y presentación: Alberto Martínez Arias

Subdirección: Chema Forte

Redacción: Área de Cultura de los Servicios Informativos de RNE

Escriba al programa El ojo crítico: ojocritico.rne@rtve.es

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Presentado por: Dirigido por: Alberto Martínez Arias Alberto Martínez Arias 'El ojo crítico' es el informativo cultural decano de la radio española que acaba de cumplir su trigésimo quinta temporada ininterrumpida en la antena de Radio Nacional de España y mantiene intacta su vocación de acercar la cultura al mayor número posible de oyentes.

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FICHA

CALIFICACIÓN

Nivel de técnica: 8,5/10

Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8,5/10

Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10

Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 9/10

Calidad presentación (carátula, libreto, etc...): 7/10

Calidad musical: 9/10

Nivel de feeling: 10/10

Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10

Ganas de hacer "headbanging": 8/10

PUNTUACIÓN: 9,25/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 8,9/10

INTRODUCCIÓN

Ha tardado pero al final lo ha conseguido; David Palau nos presenta la tercera aventura de su banda Güru. En el periodo transcurrido entre y éste, Palau ha seguido trabajando para grandes nombres de la música española, pero no tanto como antaño; de hecho, y sin abandonar su condición de sesionero o acompañante, hemos podido ver cómo revindicaba su faceta más rockera, trabajando en directo para gente de muy alto nivel como el cantante de Toto, Bobby Kimball, el teclista de Chicago, Bill Champlin o el guitarrista y productor Tommy Denander.

A nivel de miembros involucrados, parece que Güru ya ha alcanzado cierta estabilidad, puesto que pese al baile de nombres del primer al segundo disco, ahora nos encontramos con tres cuartas partes de los músicos que grabaron el anterior: David Palau -guitarras, teclados y coros-, Dagarod -voz- y Jordi "Kako" Vericat -bajo-. Se incorpora como nuevo integrante el multiinstrumentista Joan Barbé, que en esta ocasión ejerce de baterista. En su web -enlace aquí- puede verse un amplio currículum como músico de sesión y productor, en el que destaca su principal banda, Projecte Mut, formación de pop e indie rock. Pero la verdad sea dicha, y sin menospreciar a ese grupo, lo que nos interesa de Barbé es su disco en solitario de 2.012 llamado "Alter Ego", probablemente el puto mejor disco de jazz fusión de los últimos diez años.

Una imagen vale más que mil palabras:

Brutal, ¿verdad? Y volviendo a "Red", éste también cuenta con las colaboraciones de la leyenda del jazz y la fusión Josep Mas "Kitflus", que se ha encargado de la parte orquestal -cuerdas y tal-, el teclista Hugo Bistolfi de los célebres metaleros argentinos Rata Blanca y del mencionado Tommy Denander, músico que entre sesiones y proyectos propios se acerca mucho a Steve Lukather en cuanto a grabaciones realizadas. Echadle un ojo en Wikipedia para que veáis que no es una exageración.

La primera toma de contacto con el nuevo disco dejó al equipo de Guitar Xperience estupefactos y con la sensación de "¿pero qué cojones es esto?", acompañado de un "Palau, ¿qué puñetas has hecho?". Desde luego, si querían crear polémica y controversia lo consiguieron con creces.

Retrotraigámonos unos pocos años. 2.012. Van Halen editan el disco más esperado en materia rockera de los últimos 15 años, "A different kind of truth". Se cumple la teoría esa que dice que cuanto más espere uno un disco, peor será el single de presentación del mismo. "Tattoo" era un medio tempo poco inspirado, con una voz de ultratumba en los coros por parte de Eddie espantosa, un solo de guitarra simplón, un "Diamond" Dave cantando con el piloto automático, un estribillo sin ninguna gracia y encima ¡no estaba Michael Anthony!
Días después y tras varias escuchas, resulta que la teoría comentada antes se había ido al garete porque se le acababa descubriendo algo adictivo a "Tattoo", algo imposible de definir, ya que todo lo negativo seguía ahí, pero igualmente el tema se te había metido en la cabeza.

Bien, Palau anuncia la publicación del single "Rockstar" en formato videoclip. Llega el día, le damos al play, comienza un riff de guitarra puro estilo Vai con una nota de tapping que llega en el momento justo. Todo perfecto, todo en su sitio. Veinte segundos magistrales con un Dagarod que pone la guinda vociferando esta declaración de intenciones: "Here we goooooooooooo yeaaaah!". Entonces todo cambia: Dagarod comienza a cantar en castellano y ya en la segunda frase escuchamos un muy rancio y castizo "carajo".

.
TTTTTermina la canción y hemos escuchado el término "puto" un montón de veces dentro de una letra crítica, actual pero con cierto sentido del humor, y hemos visto también a un par de actores interpretando varios roles de forma paródica. Y entonces llega esa incómoda sensación de no saber dónde se ha metido la que era la mejor banda de A.O.R. y hard rock melódico y técnico del país; la fusión perfecta de Journey, Toto y Mr. Big acababa de transformarse en la versión metalera de los Mojinos Escozíos.
Sin llegar a los extremos de la canción de Van Halen, nos habíamos quedado traspuestos.

Pero Palau es Palau y Güru es Güru, y los adoramos, así que le seguimos dando la oportunidad. Días después estábamos vibrando con una guitarra rítmica impresionante y una guitarra solista que sorprendía con una primera mitad neoclásica, nos daban ganas de hacer headbanging con la poderosa sección rítmica de Vericat y Barbé, Dagarod se reafirmaba como uno de los mejores vocalistas europeos y la letra... ¡joder con la letra! Aunque un "bitch" o un "fuck" suene mejor en inglés que en español, era imposible no estar de acuerdo en el claro mensaje que transmite, un maldito fenómeno que padecemos los que andamos mucho en por las redes sociales.

Así de esa manera, "Rockstar" pasaba de ser un WTF? en toda regla al single más pegadizo de los últimos años y con un estribillo que se te mete en la cabeza y se queda ahí sin pedir permiso, repitiéndose en bucle horas y horas. En mi caso, no experimentaba esa sensación de oír un tema mentalmente muchos días seguidos desde que me encontré con "The dissident" de Slash featuring Myles Kennedy & The Conspirators, aparecido en su álbum "World on fire". Y "Rockstar" tiene diez veces más capacidad de aparecer espontáneamente en tu cabeza que el tema del amigo Slash.

Y ahora sí, tras esta "breve" intro, vamos a ver qué nos encontramos en "Red".

ANÁLISIS DE LAS CANCIONES

Como se ha comentado al principio, puede chocar oír a Dagarod en castellano, pero tras un par de escuchas, enseguida se llega a la conclusión de que estamos ante el single perfecto y una de las mejores canciones de heavy metal y hard rock que hemos escuchado en años. Desde la muy "vaiana" introducción al pegadizo e inolvidable estribillo, pasando por la excelente guitarra rítmica, el variado solo de la guitarra (con una sorprendente primera mitad neoclásica) y la letra, esa letra tan real, crítica, cínica y con la que muchos nos podemos sentir identificados, este "Rockstar" pone el listón altísimo para el resto del álbum.
Sólo le pondría una pega, y es el inspirado solo de guitarra que suena al final de la canción, pero que al sonar por debajo del último estribillo vocal queda en segundo plano, y es una pena, porque sonaba de muerte.

Seguimos con un hard rock de libro en la que la banda nos cuenta la historia de toda una "femme fatale", seductora y peligrosa. El tema tiene un aire de lo más macarra y chulesco, y es la primera vez que nos encontramos algo así, con un Dagarod que en algunos momentos me ha recordado a Carlos Tarque de los M-Clan.
De todas formas, tampoco estamos ante una muestra de sleazy rock a lo Mötley Crüe, no llegamos a esos extremos, puesto que David Palau se encarga de poner el toque de sofisticación con un solo de guitarra excelente, que viene acompañado de un pre-solo aún más largo y aún más excelente.
Y no quiero terminar el comentario de esta canción sin mencionar el tremendo trabajo de Jordi Vericat al bajo.
"Rockstar" había puesto el listón altísimo, pero "Ella" lo consigue mantener... ¡y de qué manera!

3.- No puede ser. Tras dos canciones con un enfoque algo fuera de lo habitual en Güru, volvemos al terreno en el que Palau y los suyos se mueven como pez en el agua: el A.O.R. y el hard rock melódico más sofisticado. Una composición musicalmente maravillosa con claras influencias de Toto, Journey y Whitesnake, y que recuerda al excelente "Straight to your heart" que apareció en .
Es obligado destacar la letra, con un punto romántico precioso pero sin caer en lo ñoño, así como el melódico solo de guitarra de Tommy Denander y el excelente acompañamiento de teclados y cómo éstos envuelven al resto de instrumentos.

Llegamos a la primera balada del disco. Letra ultra romántica, casi dramática y con un exceso de azúcar que puede gustar o no, según lo sensible que uno sea. Si bien a nivel musical no es un tema tan inspirado como otros del disco, es imposible no fijarse en la impresionante interpretación de Dagarod. Que a nivel heavy es una bestia eso ya lo sabemos, pero hay momentos de tranquilidad absoluta en los que el joven vocalista sabe adaptarse a esa situación con absoluta solvencia, interpretando a la perfección lo que dice la letra.
Mil y un matices y grados de intensidad vocal para lo que es una interpretación que debería estudiarse en las escuelas de música.

5.- Hipócrita. Curiosa canción, ya que va alternando una parte acelerada y muy técnica con una tremenda parte rítmica de Palau y cierta influencia de Mr. Big con otra más lenta y vacilona, deudora de los mejores Toto.
El solo de guitarra central es el más sorprendente del disco, con un uso del delay muy extremo que recuerda a algunos pasajes del tema "Touching tongues" de Steve Vai de su álbum "Sex & Religion". Es curioso que la canción demandaba un tipo de solo de guitarra bien acelerado, como el que suena debajo del último estribillo, pero éste queda de fábula.
La letra también es de esas que da que pensar, por lo mucho que puede verse reflejada mucha gente al escucharla.

Bajamos las revoluciones con este medio tempo muy comercial y radiable, y que oscila entre el A.O.R., el westcoast rock e incluso el pop. La letra vuelve a ser romanticona, pero en esta ocasión la cantidad de azúcar es algo excesiva.
No obstante, la excelente pericia técnica de todo el grupo y las cuerdas del maestro Kitflus consiguen que el tema teniendo su atractivo.

Curioso que todo el disco sea cantando en castellano y se llame en vez de "Rojo". Y esa curiosidad se extiende a esta canción, que también se titula en inglés. Al margen de esto, si hablamos de técnica pura y dura, es posible que sea el mejor corte del todo el álbum, ya que estamos ante una composición que va del hard rock al heavy metal pasando por el rock progresivo, con un Palau que inicia el tema con una compleja línea de fingerpicking, sigue con una variada sección rítmica con diferentes cambios de tempo y termina con el que es uno de los mejores solos que ha creado jamás.
Toda una fiesta para amantes de la pirotecnia y con una letra emotiva.

Llegamos ahora al corte más breve del disco -no llega a los tres minutos-. Se inicia con una percusión electrónica, una guitarra funky y David Palau cantando, antes de dar paso a un tema de hard rock muy contundente con algunos riffs a lo Extreme.
Si bien está claro que Dagarod es mejor cantante que Palau, éste siempre se ha caracterizado por una gran expresividad y un tono de voz muy personal, y aunque Dagarod lleve la voz principal, la alternancia con la voz en el estribillo de Palau queda fantástica.
A destacar también el solo de teclado de Hugo Bistolfi, bastante tranquilo y relajado en comparación con la onda del tema.

9.- Despertar. Penúltimo tema del álbum y con una letra emparentada con la de "Red". Volvemos al estilo Toto, en un medio tempo entre funky, A.O.R. y westcoast con un pegadizo estribillo y que habría encajado a la perfección en el primer álbum de la banda, y que en mi opinión, hubiese sonado mejor en la voz de Pau Sastre, el primer vocalista del grupo; lo cual no significa que Dagarod lo haga mal, ni mucho menos.
En cuanto a asuntos técnicos, el catalán vuelve a sorprender en la primera parte del solo, con una sección inicial de bendings bastante complicados de ejecutar y un desarrollo posterior maravilloso. Otro solo de David Palau junto al de "Red" para enmarcar.
Y ojo a Barbé, porque la batería del tema tiene más complicación de lo que aparenta.

10.- Que me me dejes hacerlo. Segunda balada del álbum, relajada, y con guitarras acústicas que hasta el momento no habían aparecido. De todas formas, también hay una parte rockera con un tempo algo más rápido, en la que es imposible no destacar la orquestación de Kitflus y el colchón de teclado y piano.
A nivel de letra no impacta tanto como el dramatismo de "Quédate", pero sigue siendo una gran balada.

11.- Buenos tiempos. Medio tempo nostálgico para finalizar este gran trabajo. Pese al aire tan americano del estilo de Güru, este final recuerda mucho al rock clásico español; de hecho, desde el primer momento imaginaba su letra nostálgica cantada por un Carlos Tarque o un Miguel Ríos.
Curioso fin de fiesta con una canción algo diferente al resto del disco, pero no menos excelente.

CONCLUSIÓN

Obra maestra. Sin dudas. Palau sigue demostrando que las miles de horas colaborando para artistas que en algunos casos son criticados por su posición en el mainstream más variopinto, le han servido para controlar todos y cada uno de los aspectos de una producción musical, y su bagaje rockero personal, para saber qué es lo que necesita el público español. Y no voy a menospreciar ni mucho menos a otras bandas del género, que hay pocas pero las hay, pero el A.O.R. técnico y el hard rock melódico no es el género más practicado entre los grupos españoles.

es un trabajo excelente. Palau tiene algunos de los mejores momentos a nivel de guitarra que le hemos oído en mucho tiempo, desde las rítmicas de "Rockstar", el pre-solo de "Ella" que es más largo y emocionante que el propio solo o los solos de "Red" y "Despertar".
Dagarod demuestra que aún puede cantar mejor, ya que, quizás debido a las letras en español, se le aprecian matices interpretativos que no le habíamos escuchado hasta el momento.
Y la base de Vericat y Barbé aporta el toque necesario en cualquier momento, desde la garra del hard rock, la furia del heavy o los momentos de A.O.R. más sutiles y relajados.

Pero Guitar Xperience no sería lo que es, para bien o para mal, si nos limitáramos a una sucesión de alabanzas sin freno. También hay elementos susceptibles de crítica. recuerda en cierto modo a, en el sentido de ser un enorme trabajo a nivel de composición pero con poco riesgo (si descartamos como riesgo practicar un género que salvo tres o cuatro grandes nombres extranjeros, no triunfa en España). Y digo poco riesgo en el sentido de cierta linealidad o semejanza entre todos los temas, lo cual no significa que no fuera un discazo. Pero enteníamos tres ejemplos de, como si estuviéramos en una película, "giro de guión": una composición A.O.R. de estribillo bestial y elementos electrónicos como fue "Angry song", la mezcla de heavy metal neoclásico y power metal de "Won't B 2gether" o "Break the spell", que parecía la imposible fusión en clave progresiva de Toto y Extreme.
Aquí no pasa eso, y aunque haya mencionado que temas como "Rockstar", "Ella" o "Buenos tiempos" son algo diferentes al resto, no lo son tanto comparadas con las tres del párrafo anterior.
Esta linealidad tampoco es algo negativo, teniendo en cuenta lo grandes canciones que son, pero tras el impacto de la escucha de "Rockstar" no hay otro tema que te haga exclamar y preguntarte "¡Ostia!, ¿esto qué es?", como pasaba con, por ejemplo, "Won't B 2gether".

Otro detalle criticable es la concepción en sí del álbum en castellano; y es que no puede haber algo más americano que un disco de hard rock y A.O.R., y en castellano cuesta mucho acostumbrarse. Quizás tenga la culpa la histórica falta de referentes en este género en España. Hoy en día nadie se lleva las manos a la cabeza si escucha un disco de heavy metal de Lords of Black en inglés y otro de Barón Rojo en castellano. Pero lo cierto es, que si salimos de España y nos vamos a países del norte de Europa con amplia tradición en hard rock, A.O.R. e incluso sleazy rock, será raro encontrar alguno que cante en su idioma de origen y no en inglés.
Y más raro aún es que si el disco es todo cantado en castellano, encontrarnos que se titula y no .
De todas formas, el mismo Palau ya ha comentado que para final de año saldrá la versión en inglés, por lo que tendré que esperar para ver si estoy equivocado en mi apreciación.

No obstante, lo negativo comentado tampoco empaña la grata experiencia de escuchar este disco. Precisamente, la crítica al castellano se contrarresta con la diversión y complicidad que se ha visto aumentada en directo entre el grupo y el público, al poder corear éste las canciones con más facilidad, así como la multitud de nuevos matices que pueden apreciarse en la voz de Dagarod.

En cuanto a las puntuaciones que aparecen al principio del artículo, podréis comprobar que son exactamente las mismas dadas a y a -enlaces a sus respectivas críticas y -. Los artistas, en una comprensible maniobra publicitaria, siempre mencionan a su último trabajo como lo mejor que han hecho, y la memoria de una parte del público es frágil, y por algunos comentarios que he leído, parece que Güru con hayan descubierto el fuego. Ni lo uno ni lo otro. es un inmenso trabajo y y siguen siendo unos inmensos trabajos como el primer día. Y los tres forman una trilogía indispensable y de la misma calidad sin que uno destaque por encima del otro.

Así que sólo puedo agradecer a David Palau y los suyos por seguir alegrando nuestros oídos y espíritus, maltrechos por tanta mediocridad imperante con una propuesta tan creativa.

PD: Dado que por el momento no hay más videoclips del álbum, ni nadie lo ha pirateado y troceado en YouTube, no podemos adjuntar más ejemplos sonoros aparte de "Rockstar" y os tocará pasar por caja. Pero incluimos a modo de cierre un vídeo con extractos de los solos de guitarra, lo cual es genial, por cierto.
TEXTO: Albert Sanz
FOTOS: Güru

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FICHA Artista: Güru Sello: Autoproducción Año: 2.016 Estilo: Hard rock, westcoast rock, A.O.R., heavy metal . CALIFICACIÓN CALIFICACIÓN TÉCNICA Nivel de técnica: 8,5/10 Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8,5/10 Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10 Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 9/10 Calidad presentación (carátula, libreto, etc...): 7/10 PUNTUACIÓN: 8,6/10 CALIFICACIÓN MUSICAL Calidad...

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Hace unos meses descubrí a Hippo Campus con "South" , y me sorprendieron gratamente con este un EP que te atacaba sin miramientos. Pero resultó cuanto menos curioso comprobar después de escucharlo que estas melodías fueron confeccionadas por cuatro chicos que buscaban abrirse espacio en la escena musical a golpe de power pop, melodías brillantes y mucha energía.

El debut se ha titulado "Landmark" y llegó a finales de febrero. Es cierto que se han amilanado queriendo dar un paso adelante en su producción perdiendo parte de esa energía desbocada con la que contaban en temas anteriores en aras de entregar cortes de un pop más maduro, pero uno no puede hacer más que salir contento de escuchar este álbum.

Os lo recomiendo con creces, será un buen disco de este 2017 y, desde luego, una buena primera referencia para Hippo Campus. La crítica que le hice para El Quinto Beatle la podéis encontrar aquí.

Hippo Campus - "Landmark" (GRAND JURY (RED), 2017)

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Aún recuerdo cuando escuché por primera vez a Xiu Xiu. Me metí de lleno en aquel "Angel Guts: Red Classroom" que publicaron en 2014 y fue demasiado para mí, la verdad. Un álbum demasiado abrasivo, con melodías analógicas que se clavaban en ti, con un Jamie Stewart que resultaba aterrador en temas como "Cinthya's Unisex" o "Black Dick".

La cuestión es que aún así decidí darle una oportunidad al grupo y seguir investigando su obra, y me encontré discos y apuestas muy interesantes. Desde el "Knife Play" de 2001, en cada trabajo han ido reafirmando su sonido pasando de melodías más abrasivas a momentos más pop incluso (sirvan " Dear God, I Hate Myself" y "Fabulous Muscles" como ejemplos). Después de haber indagado en su obra tenía muchas ganas de ver el nuevo lanzamiento de este grupo, y después de publicarse aquella revisión de la banda sonora de Twin Peaks (que por cierto, forma parte de mi top de álbumes del año pasado), el material inédito se esperaba con más ganas.

Entonces llegó febrero de 2017 y, con él, "Forget", el álbum pop de Xiu Xiu. Jamie Stewart dejó de escribir música durante un tiempo e investigó las composiciones de otros grupos de carácter más amigable; y eso se nota en cada uno de los temas que conforman este elepé en los que entran en comunión los vibrato de Stewart, la oscuridad previa de la banda y las estructuras pegadizas. Muy buen trabajo del que hablo en El Quinto Beatle.

Xiu Xiu - "Forget" (Polyvinil, 2017)

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Era cerca de la una de la mañana de un sábado cuando volví a casa y decidí que ese era el momento de escuchar el disco, una semana después de haberse estrenado. Una semana en la que estuve indagando en su obra: en su etapa como Justin Vernon, en sus álbumes con Volcano Choir, sus escapadas con James Blake o Kanye West o los experimentos bizarros con Jason Feathers y Gayngs.

Pero todos estos escarcios siempre se veían algo ensombrecidos por el momento clave de la carrera del músico.Pensaba en la cabaña al noroeste de Eau Claire donde entró Justin Vernon y salió Bon Iver con "For Emma, Forever Ago". El nacimiento del mito. La mezcla de soledad, folk y falsetes que marcó al mundo y al propio Vernon. A partir de entonces tuvo una pauta para seguir: hacer canciones que reflejasen sus inseguridades y sentimientos desde un punto de vista que ora abraza lo abstracto, ora te agarra de la camisa y te zarandea para que captes cada ápice del mensaje (oh, 'Skinny Love').

Ahora llega un nuevo hito: "22, A Million". ¿Qué quedaba por hacer después de haberte asentado como genio y figura del alt-folk con ese debut y el posterior "Bon Iver Bon Iver"? Ni él mismo lo sabía. Y se notan los ataques de ansiedad que sufrió por ello. Este es un álbum que, aunque a nivel melódico sea explosivo, vanguardista e innovador con la introducción de una vena más electrónica bajo la que subyacen capas discretas de folk, si miramos a las letras, aún vemos al hombre que hace años se planteaba qué era el amor y se metió en una cabaña a hacer canciones como si de una prescripción médica se tratara.¿La única diferencia? La madurez y un cambio de perspectiva que hace que, además de mirar al pasado y hable sobre él, mire al futuro y al devenir. Canta a la soledad futura, no a la presente o a la pasada. Canta desgarrado, canta con vocoder, canta con melodías en ocasiones ininteligibles por la superposición vocal, pero lo importante es lo que subyace: un mensaje de sinceridad y profunda reflexión sobre la dualidad del ser humano.

Es, una vez más, la expulsión de los demonios de Vernon, la apertura en canal de un artista, el dejarte entrar en él a veces con melodías complicadas y recargadas y a veces bastándole un vocoder al más puro estilo Imogen Heap. Es la soledad en la inmensidad. Es el uno entre un millón. Es el motivo por el que me emociona este álbum: serlo todo y a la vez nada. Pero para un análisis mucho más exhaustivo, aquí la crítica que hice hace una semana para El Quinto Beatle.

Bon Iver - "22 A Million" (2016, Jagjaguwar)

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Ya hablé en este blog, en uno de aquellos descubrimientos de la semana, de Låpsley, una de mis artistas revelación de 2015 que consiguió cautivarme a base de minimalismo melódico en la línea de un grande de la electrónica alternativa: James Blake.

Tuve la oportunidad de hacer la crítica de "Long Way Home", el debut que estuve esperando desde que la descubrí en enero de 2015, para El Quinto Beatle. Crítica hecha con cierta distancia, una vez pasado el hype del álbum recién estrenado y de la ligera decepción que me llevé cuando abrazó sonidos que distaban de lo que enseñó en "Understudy" aunque recuperara 'Falling Short'. Ordené ideas, analicé letras y valoré el conjunto y, la verdad, puede que no se encuentre en el top 10 de mejores álbumes de este año, pero para mí será una mención de honor porque lo merece para mí. Aquí la crítica en El Quinto Beatle y aquí la audio-crítica en dos minutos en YouTube.

Låpsley - "Long Way Home" (2016, XL Recordings)

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Esto es algo que debería haber hecho hace tiempo, y espero que me perdone mi referente en el mundo blogger, Mar, de la cual he sacado la idea.

La cosa es que como ahora estoy metido en las otras webs donde colaboro, no tengo tiempo ni ideas para escribir en este blog, así que aprovecharé para enlazar los escritos que firmo en las páginas webs donde estoy actualmente (¿Recuperar incluso escritos antiguos? Habrá que verlo). En cualquier caso, todo acompañado de algún comentario off the record o reflexión oportuna que se haya quedado detrás de las cámaras.

Tal vez este primer artículo no de para mucha reflexión ajena al original, pero me hace ilusión compartirlo. Se trata de la crítica del primer EP en solitario de Ramiro Nieto, batería y voz de The Right Ons, batería actual de Zahara en su gira, productor, junto a Martí Perarnau -cantante de Mucho- en el equipo de producción Rams&Martí. Este fue el principal motivo que me llevó a hacer esta crítica, en profundizar en personas de las que me han hablado muy bien en su faceta de productor los propios músicos con los que han trabajado. Por lo demás, todo lo que he pensado de este EP de cuatro temas y titulado "Oxidarme" lo puedes encontrar pinchando aquí o en la misma portada, que te llevará a la crítica publicada en Hipsterian Circus.

Ramiro Nieto - "Oxidarme" (2016, autopublicado)

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Han pasado algunos años desde que Daughter aparecieran en mi vida. Sería con una descarga gratuita de Landfill a través de iTunes. En este tema encontré a un grupo que tenía cierto encanto, pura esencia acústica pero con una sobriedad y unos toques lo-fi que no me esperaba encontrar en aquel entonces.

Este Landfill pertenece al primer EP lanzado por el grupo en 2011, "His Young Heart", donde jugaban con una temática similar a la que se encontraba últimamente en el panorama en el que se desenvolvían. No ofrecían nada nuevo, pero mantenían a punto la maquinaria. El problema vendría dos años después, cuando ya decidieron presentar su primer álbum, "If You Leave", que poco tenía que ofrecer. Por un lado, era un disco que a nivel melódico se dejaba caer sin dejar huella alguna (tal vez momentos rescatables como 'Amsterdam' o 'Youth', pero imposible acordarse de más). Y, por otro, ya empezaban a despertar nuevas tendencias y esa vena tan acústica se empezaba a dejar de lado.

Han tenido que pasar tres años para que Daughter volvieran con una nueva jugada que hiciera que recuperaran el lugar que se merecían. Ahora llegan con "Not To Disappear", un álbum donde ponen las cartas sobre la mesa para dejar patente su posición. En un aspecto físico sobre todo. Porque si "If You Leave" pasaba sin dejar rastro, en este nuevo álbum encontramos momentos que consiguen calar y encandilarte.

Culpa de ello la tienen ese toque electrónico que han transmitido a todos los rincones de la producción de este álbum. Atrás quedaron los momentos más acústicos, este es un álbum que juega con la intensidad. Encuentra un equilibrio muy bueno en el orden de los temas para que ni nos sobrecarguemos de punteos de guitarra eléctrica ni para que caigamos en un letargo eterno de sintetizadores envolventes.

Tal vez se podría establecer algún paralelismo con unos London Grammar si estuvieran finos de LSD y estuviera la cantante recién levantada. Me explico. London Grammar recordaba a unos The xx por el minimalismo de su obra, en este "Not To Disappear", los momentos que no están cubiertos por capas envolventes de sintetizadores que crecen cuando menos te lo esperas y guitarras que se funden en ecos en la línea melódica de la vocalista Elena Tonra también tienden a recordar a esa cimentación. Porque dentro de una producción tan sobrecargada (en un buen sentido), encontramos momentos que tienden a una desnudez que busca el revelar la faceta más cercana del grupo.

Pero en realidad, es mucho más que esto, porque encuadrar en un género el nuevo álbum de Daughter tiene una importante dificultad. Basándose en el dream popen el que más o menos se iban desenvolviendo, encontramos momentos que apelan más al rock como es 'Fossa', o momentos que apelan a un synthpop mezclado con shoegaze como es 'Alone/With You', uno de mis momentos favoritos con una de las mejores líneas de sintetizador que he escuchado últimamente.

"Not To Disappear" es un álbum para disfrutar en su conjunto. Tiene momentos fácilmente extraíbles, pero es en la escucha global donde cobra todo su sentido y eres partícipe de la evolución melódica que hacen a lo largo de diez temas que consiguen calar en el oyente y a la vez resultar en un obra ligera que necesitas escuchar una y otra vez.

Y hablemos de la letra. En el mar de guitarras eléctricas y sintetizadores que van y vienen , se erige la voz tranquila de Elena Tonra. Nada de salidas de tono, nada de intensitos, nada de coros innecesarios. La voz ataca directa, modula lo justo y necesario. No bsuca robar el protagonismo en una liga a la que no pertenece y acaba funcionando mejor como secundario mientras canta a la soledad y al amor en unos ámbitos que desprenden pura melancolía.

Ya desde el momento cero, se nos presenta un personaje (si evitamos la personificación de Elena en la criatura que habita el álbum) decepcionado, que busca nuevas salidas, nuevos entretenimientos que hagan que se distraiga y evitar pensar, pero al final acabará cediendo. Porque si en 'Numbers' nos describe el intento de olvidarlo todo a base de alcohol, en los temas posteriores empezará una secuencia de lamento. Lamento por el futuro en el que olvida su pasado ('Doing The Right Thing', un tema duro protagonizado por el alzheimer), lamento por un amor que la abandona y no busca otra cosa que pasar página ('How'), lamento por la actitud desagradecida de un hijo (u otra posible interpretación, aquella relación en la que se da todo a alguien que actúa como un parásito, 'Mothers'), o el lamento a la soledad sin solución, el odio a dormir sola y el odio a dormir "contigo" ('Alone/With You'). Pero toda esta temática acaba buscando cierta salida, o al menos consuelo, en 'Made Of Stone', donde este personaje que habita el álbum acaba preguntándose si, a pesar de todo, no debería estar sintiendo todo lo que ha vivido con más intensidad. Todo esto para acabar dándose a sí misma un mensaje de alivio tras equipararse con el resto de la gente que habrá vivido lo mismo en sus circunstancias, porque "you'll find love kid, it exists".

Sigo pensando, después de todas las escuchas que le he podido dar al álbum, en la forma en la que consiguen, a pesar de todo ese apartado lírico tan funesto, conseguir transmitir una esperanza que empieza en oscuridad y se metamorfosea en juegos de claroscuros, como en la explosiva 'How'. Es imaginería como esta la que hace que un álbum adquiera un nuevo sentido para mí y haga que trascienda entre el resto de álbumes que me puedo echar a la cara.

Originalidad

- En el álbum: Consigue algo muy difícil, y es entregar un álbum fácil de asumir y en el que se identifica una línea temática en la que cada tema consigue transmitirnos algo nuevo. Nada de linealidad ni de caída en lo aburrido. 1/1

- Con respecto al resto: Por poner una referencia, tal vez esa a London Grammar, pero muy tenue. Por lo demás, no se me ocurre ninguna comparación directa de este álbum con otros. 0,75/0,75

- Con respecto a lo anterior del artista: Han hecho muy bien en cambiar el tercio con este álbum. Cuando se parte de con una vena de un carácter acústico como hicieron con "If You Leave" tienes dos opciones: o te renuevas y entregas una obra maestra o sigues en tu zona de confort y seguir haciendo el mismo disco una y otra vez. Y Daughter ha escogido sabiamente la primera opción. 0,75/0,75

Impresiones:

- Primera impresión: Un álbum que suena tan bien que al acabar lo primero que dices es "¿Ya?". Tiene un sonido que consigue cautivarte, y, sobre todo en la primera escucha, los momentos que puedan apagar el ritmo un poco o hacer que te recuerde a algo que has escuchado antes se ven inmediatamente compensados por un tema que gira en parte la temática y consigue re-engancharte. 1,1/1,5.

- Tema a tema en profundidad/Impresión General: Como ya he dicho, es un álbum que esta diseñado para su escucha a nivel global, pero este hecho no ha impedido que Daughter se haya marcado buenos temas por solitario. Pero tienden a esa posición de equilibrio que es el conjunto, el entender la temática global, el saber por qué esta guitarra suena tan parecida a la de este otro tema. Esto es un arma de doble filo, tiene tanto de bueno como de malo. Por lo demás, en lo que respecta a la producción, han pegado un salto inconmesurable de su anterior trabajo a este, apostando por la electrónica onírica (sin caer en el sueño por lo aburrido) y por el indie pop/rock barroco (sin caer en la intensidad desmesurada que rompiera el equilibrio del álbum). La voz de Elena se eleva con la seguridad de saber que se encuentra ante un trabajo con mucho potencial. Y eso se nota. 4,2/5.

-Lista de reproducción y compra: Voy por mi casa cantando el estribillo de 'Doing the Right Thing' y pensando en la progresión de sintetizadores de 'Alone/With You'. Si no me las puedo quitar de mi cabeza, ¿cómo no van a estar en mi lista de reproducción? Y también se trata de una compra altamente recomendable: el salto mortal de un grupo con un nombre aún forjándose y que ha sabido apostar por un camino que le ha correspondido bien. 1/1.

Puntuación total: 8,8/10

Daughter - "Not To Disappear" (2016, 4AD)

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Pasa algo cuando intentas hacer una crítica del último álbum de un artista que lleva sacando trabajos desde 1967 de los cuales sólo has oído sus mejores momentos. Y, en mi caso, "The Next Day", al que le di un par de vueltas en su momento.

Así que partimos de esas referencias. Unas referencias que me han permitido dar fe de lo que fue en su momento David Bowie, las personalidades tan distintas que había en su producción, su carácter innovador y su estado de Dios de la música. En "Blackstar" solo tenía que demostrar que seguía siendo él mismo. Ese espíritu que nada a contracorriente en las tendencias y que sabe coger lo mejor de cada casa y hacer de ello su bandera.

"Blackstar" es un álbum que consigue dar una vuelta a lo que nos presentó en su comeback de 2013. Si aquel álbum estaba lleno de riffs de guitarra eléctrica con momentos muy interesantes pero sobre el que volaba la sombra de ser un intento de rejuvenecer a un artista, en "Blackstar" decide recoger toda su experiencia y entregarla en un bote que lleva por etiqueta la madurez y la libertad de poder hacer lo que quiera. No todos pueden abrir un álbum con un tema de 9 minutos y conseguir que sea de lo más apetecible del álbum.

Me remito de nuevo al término libertad, un aspecto que encontramos tanto a nivel melódico como a nivel lírico, del cual trataré más adelante. Es un álbum que ha sido etiquetado muy ciertamente de art-rock y jazz experimental. Esto es debido a la amalgama de sonidos que encontramos, desde momentos más rockeros como en 'Tis a Pity She Was a Whore' o 'Girl Loves Me', a los momentos de saxofón tan mágicos que aparecen en 'Blackstar' o 'Lazarus', la sección más electrónica que es 'I Can't Give Everything Away' o ese momento más breakcore en el cierre de 'Sue (Or In a Season Of Crime)'. Y con esto acabo de repasar los siete temas que componen este álbum, de estilos tan diferentes pero que tienen ese toque Bowie que consigue mantenerlos coherentes.

Por terminar de tratar el apartado melódico, es un álbum de 41 minutos y 7 cortes que resulta muy fácil de digerir. Sabe jugar muy bien con los momentos de mayor y menor intensidad haciendo que el oyente se encuentre cómodo. Por ejemplo, poner entre 'Tis a Pity She Was a Whore' y 'Sue (Or In a Season Of Crime)' otro de los temas bandera de este álbum como es 'Lazarus', es una excelente decisión, al crear una transición entre dos de los temas que mantienen una estética más similar, culpa de ello la tendrá el hecho de que fueron temas ya lanzados en 2014. La recta final y la manera en la que transicionan 'Dollar Days' y 'I Can't Give Everything Away' es digna de mención, siendo este último tema un acertado broche de oro. Algunos momentos que me han hecho guiñar un ojo de incertidumbre es la introducción de 'Girl Loves Me' con un Bowie con una parte vocal que resulta extraña las primeras veces, tanto por la producción en sí como por el hecho de cantar en el dialecto usado en La Naranja Mecánica; aunque con el paso de las escuchas, acaba resultando del todo hipnótica con una interesante mezcla melodía-letra.

Y ahora, hablemos de la letra. En ella encontramos a dos David Bowie, por decirlo de algún modo. Uno que lleva su vena más de artista, el mero entrepreneur, que habla de temáticas en las que no busca la personalización. Habla de un "yo" metafórico que puede o no ser referencia directa a su persona. Pero es entonces cuando encontramos el trasfondo de este álbum: la realidad, la de que David Bowie se moría y lo sabía. Los oyentes escuchábamos una temática que jugaba con la vida y con la muerte, pero lo asociábamos a un mero aspecto de madurez y nuevas preocupaciones: el dejar de hablar de las ideas de sus personajes y poner en su propia boca las suyas. Pero no dejábamos de pensar que serían pensamientos que uno tiene en cualquier momento. Como en todos sitios se ha dicho, este aspecto cobra un nuevo sentido a la muerte del artista. El ejemplo más claro donde se ve esto: 'Lazarus' y la apertura con "look up here, I'm in heaven, I've got scars that can't be seen".

En resumen, una obra con la que David Bowie se despide por la puerta grande, con un estilo original y propio y con el que deja patente a nivel lírico lo que vivía él mismo en sus últimos momentos, dejando a parte personajes y demás personalidades. En este aspecto, es un álbum auténtico del que poco más podemos decir, así que pasemos a la valoración:
Originalidad:
-En el álbum: Juega de una manera muy interesante creando transiciones entre aquellos temas que se puedan parecer más para dar tiempo a asimilarlos. Y por otro lado, en cada tema somos partícipes de algo nuevo, algo difícil de conseguir cuando lo primero que te encuentras es una obra de diez minutos de duración. En el resto del álbum encontramos oportunas referencias estilísticas a este primer tema, pero en ningún momento crean momentos de confusión y resulta del todo agradable. 1/1.

-Con respecto al resto: Es Bowie, debería ser sinónimo de originalidad con el resto del mundo. 0,75/0,75.

-Con respecto a lo anterior del artista: Atrás quedaron épocas de glam y épocas más rockeras a la antigua usanza. Lo mismo con los momentos más electrónicos. Un álbum nuevo en el panorama y nuevo en la propia producción del músico. 0,75/0,75.
Impresiones:
-Primera impresión: Un álbum que me resultó agradable desde el primer momento, que consiguió convencerme para darle múltiples escuchas el mismo fin de semana que salió. Ya mencionaba con anterioridad ese momento que te hace guiñar un ojo en un primer momento, pero son momentos minoritarios. 1,2/1,5.

-Tema a tema en profundidad/Impresión general: Cortes con una producción intachable y de los que quiero destacar el apartado instrumental, sobre todo en 'Blackstar' y 'Lazarus', con dos cierres que hace que se desvanezca la escena en un mar de instrumentación de viento y guitarras eléctricas. En lo que respecta al resto, me parece que ha encontrado un muy bien equilibrio y ha sabido innovar sin pasarse de rosca. Hay algunos momentos que hacen que me impidan ponerle la máxima nota, pero en definitiva es un must que hay que escuchar. 4,5/5

- Lista de reproducción y compra: La mayoría forman parte de mi lista de reproducción, incluso 'Blackstar', donde la longitud no supone en absoluto un handicap. Y evidentemente me lo compraría, tanto por su estilo como para lo que representa en la producción de David Bowie. 1/1.
Puntuación Total: 9,3/10
David Bowie - "Blackstar" (2016, ISO)

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Hace unos meses descubrí a Hippo Campus con "South" , y me sorprendieron gratamente con este un EP que te atacaba sin miramientos. Pero resultó cuanto menos curioso comprobar después de escucharlo que estas melodías fueron confeccionadas por cuatro chicos que buscaban abrirse espacio en la escena musical a golpe de power pop, melodías brillantes y mucha energía.

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Llegó el esperado momento. Este sábado La 1 decidió rescatar uno de los formatos más exitosos y longevos de su etapa dorada. Se trata de 'Sábado sensacional', una gala musical al más puro estilo 'Noche de fiesta', en la que no faltaron actuaciones musicales, pequeños sketches, bromas y espectáculos de todo tipo.

Como no podía ser de otra forma, el programa estuvo dirigido por José Luis Morenoy presentado por Ana Obregón, Mar Saura, Pablo Puyol y Josep Lobató. Aunque la cadena pública tenía previsto su estreno para el pasado 19 de julio, finalmente ofreció el programa este sábado 9 de agosto generando una gran cantidad de críticas entre los espectadores.

Principalmente, las quejas se centraron en varios aspectos. Algunas personas no estaban de acuerdo en darle cabida a Isabel Pantoja en una televisión pública, después de haber sido condenada por la justicia por blanqueo de capitales. En la misma línea, hubo quien criticó que Moreno ganara dinero de los fondos públicos, cuando el empresario ha sido acusado en numerosas ocasiones de no pagar a sus empleados.

#buenosdias y espero que el programa #sabadosensacional pronto lo quiten. No se puede amparar a la defraudadora de #marbella
? Victor Aranda (@VictorArandaLeo) agosto 10, 2014

Otras quejas, en cambio, estuvieron más enfocadas al estilo y el aspecto de la gala, más propia de los años 90 que de la actualidad. En este sentido, los grafismos, la tipografía empleada en los rótulos y el tono de los presentadores coparon la mayoría de críticas.

No he visto tanta caspa junta ni en el anuncio de H&S
#SábadoSensacional? Bérnar GM (@bernargimenez) agosto 9, 2014

José Luis Moreno, icono de las galas musicales televisivas en España

El productor Jose Luis Moreno se ha caracterizado por ser todo un experto en la organización de galas de variedades. Tras triunfar en las cadenas autonómicas ('Entre amigos') trasladó la fórmula a Televisión Española y así nació 'Noche de fiesta'. El programa que La 1 emitía en la noche de los sábados mezclaba actuaciones musicales, sketches, desfiles de moda, concursos... Pese a las críticas, debido a su enorme éxito, el programa se mantuvo en parrilla durante seis temporadas entre 1999 y 2004.

Además, el productor también se ha encargado organizar en los últimos años las galas navideñas de Telecinco, así como los especiales del día de Reyes que programaron La 1 en 2012 (15,2%) y Telecinco en 2014 (8,7%).

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'Sábado sensacional' genera numerosas críticas en la red

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Llegó el esperado momento. Este sábado La 1 decidió rescatar uno de los formatos más exitosos y longevos de su etapa dorada. Se trata de 'Sábado sensacional', una gala musical al más puro estilo 'Noche de fiesta', en la que no faltaron actuaciones musicales, pequeños sketches, bromas y espectáculos de todo tipo.

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Música y prensa

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RedIRIS - MUSPRES - Información sobre MUSPRES

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BLOGOFENIA.COM: web musical con críticas de discos y crónicas de conciertos.

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Web musical donde encontrarás todo tipo de críticas de discos y crónicas de conciertos; somos diferentes...