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A través de les obres d'art es representen els sentiments dels autors que, alhora, reflecteixen la situació històrica o l'època. L'art és una font històrica que ens ajuda a entendre (ens informa) del passat.

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L’art és un llenguatge universal i simbòlic que, a través de formes, colors, moviments o sons, permet expressar emocions, idees i visions del món que sovint van més enllà del que poden transmetre les paraules.

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L'art funcional s'utilitza per expresar tota mena de idea o sentiment per transmitir-ho de forma subjectiva

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Abans l'art representava coses boniques per la seva bellesa, física o estètica, però a partir del segle XIX es valora més el missatge i el significat darrere de l'obra que vol transmetre l'autor que l'objecte representat.

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lloc d'interès, aigües termals de Dorres

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lloc d'interès, aigües termals de Dorres

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BAINS DE DORRES | Turisme Pirineus Orientals

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bains de dorres | dorres | banys d'aigües calentes sulfuroses

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BAINS DE DORRES | DORRES | Banys d'aigües calentes sulfuroses

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Que faci bon temps o amb qualsevol temps, sempre dona gust submergir-se dins de l'aigua de 38 o 39 graus de les dues piscines exteriors. La temperatura de l'aigua protegeix del fred exterior . Quan es surt de l'aigua, la sensació d'escalfor segueix per uns minuts.

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arcs apuntats

timpà amb relleu

escultures religioses

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columnes corinties, cupula, estil medieval

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Skyscraper, front view, futurism style, World War II, Cyberpunk style, geometric form, artistic colours, streets, cloudy

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Resultat que ens ha donat la IA

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Per remodelar amb l'IA hem donat a aquestes instruccions: public building museum,public building stadium,Mediterranean style,Gothic style,bionic structure,landscape integrated,polished concrete,stone,granite,glass curtain wall,vertical frame,pool,podium,sunny

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pilastres,cupula,arc de mig punt, voltes de creueria

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Esglèsia catòlica de Sant Bartolomé (Mallorca)

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Esglèsia catòlica de Sant Bartolomé (Mallorca)

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arc apuntat, mur de maons d'isòdom, mainell, pilastres

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Per remodelar amb IA he donat les següents instruccions al LookX AI Cloud:Ionic style, Cyclopean walls, stone gargoyles, ogee arches, cornice, stone, marble, lineal form.

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Baroque style, Paintings and sculptures, Arch Collection, house

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Planta central el·líptica

Carreus regulars isòdoms i a soga

Arcs de mig punt

Columnes corínties

Pilastres al final dels arcs

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Planta central circular

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Pilastres al final de les voltes

Columna dòrica

Voltes d'aresta

Cúpula

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https://www.lookx.ai/pc/muse/list/2978dfe1a5fb124e29f362c1d4f59945

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Per a mi l'art és una visió humana de la realitat. Procedim dins del nostre cervell una idea des d'un pla tangible o metafísic. És el que ens entra en els nostres ulls i el que procedim posteriorment amb el nostre cervell. Tot el procediment forma part de la creació de l'art. El resultat d'aquest treball és el que és l'obra. La consideració del treball final no requereix l'ús de la raó obligatòriament. Es pot comprendre amb les emocions, o fins i tot sentiments.

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Per mi l'art va més enllà de la pròpia imatge, descriu la personalitat, les emocions i la manera de veure el món d'un artista, de manera que ho transmet a tot el món.

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Per mi l'art és subjectiu, probablement cadascú té una visió diferent tot i que, sovint et pot transmetre emocions, sentiments i diferents perspectives. L'art és el que tu consideres que és art.

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Per mi l'art és una bona forma de poder expressar i comunicar qualsevol idea, interès i visió a partir de diverses eines que ajudin a desenvolupar aquests aspectes.

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Per a mi, l'art és la manera en la qual les persones expressen i transmeten tant les seves idees com els seus pensaments.

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L'art per mi és una manera de representar els teus pensaments.

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Per mi l'art és qualsevol activitat realitzada amb una finalitat estètica i també comunicativa, mitjançant la qual s'expressen idees, emocions i, en general, una visió del món.

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L'art per mi és allò en què s'inverteixen hores, que es pensen els materials amb els quals serà creat i el sentit tant de l'obra en si com el que aporten altres aspectes.

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L'art per mi és una manera de mostrar com ets, les diferents emocions que sents mitjançant dibuixos, pintures o escultures si vols. Per altra banda, pots transmetre amor utilitzant poemes com a instrument o cançons.

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Per mi l'art és la forma física de demostrar al món qui ets. L'art és la impremta de la teva ànima.

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Per mi l'art es la capacitat que té una persona de poder transmetre i expresar el que sent en forma de bellesa, com per exemple un cuadre, una cançó, un poema...

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L'art per mí és...

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Giotto, el maestro precursor de la pintura renacentista 

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Giotto, el maestro precursor de la pintura renacentista 

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"La misma deuda de gratitud que contraen los artistas pintores con la naturaleza [...] la han contraído también, a mi entender, con Giotto, pintor florentino: por cuanto, habiendo quedado sepultados durante tantos años, bajo las ruinas de la guerra, los métodos de las buenas pinturas y sus lineamientos, él solo, aun cuando nacido entre artífices ineptos, con la gracia divina resucitó ese arte que se había extraviado y le dio una forma que pudiera calificarse de buena. Y, en verdad, fue un gran milagro que aquella época grosera e incapaz tuviese el poder de obrar en Giotto tan sabiamente que el dibujo, del cual poco o ningún conocimiento tenían los hombres de esos tiempos, mediante tan buen artífice volviese enteramente a la vida".

Con estas palabras empieza Giorgio Vasari, el gran historiador del arte del siglo XVI, el capítulo dedicado a Giotto di Bondone en su obra Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos. Vasari, como pintor y arquitecto plenamente renacentista, tenía motivos para estarle agradecido especialmente en el primer campo: Giotto es el primero cuya obra anuncia la llegada de un nuevo estilo artístico, aunque por aquel entonces aún no fuera consciente de ello, y se separa del estático arte medieval para crear las escenas dinámicas y narrativas que caracterizarán el Renacimiento italiano.

Para saber más

Entre historia y leyenda

Paradójicamente, de tan importante personaje no se tienen noticias fiables hasta finales del siglo XIII, cuando ya ronda los treinta años y es un maestro famoso con su propio taller y aprendices. Vasari nos ofrece bastantes detalles de su juventud que ayudan a reconstruir la historia y sobre todo el carácter de Giotto, aunque no son del todo fiables teniendo en cuenta que les separan más de dos siglos. En muchos casos se basa en fuentes anteriores, especialmente en Lorenzo Ghiberti, artista que vivió pocas décadas después de la muerte de Giotto.

Según Vasari, Giotto habría nacido alrededor de 1267 en Colle di Vespignano -localidad que hoy se llama Vicchio-, en la campiña de Florencia. Desde muy joven había demostrado un gran talento para el dibujo y el maestro pintor Cimabue lo había tomado como aprendiz con solo diez años al verle dibujar unas hermosas ovejas sobre unas piedras. Giotto se convirtió en uno de sus mejores discípulos y continuó sorprendiendo al veterano maestro, como refleja una célebre anécdota: un día, mientras Cimabue estaba fuera del taller, Giotto dibujó una mosca en uno de los lienzos en los que su mentor estaba trabajando; y tan realista era el dibujo que este, al volver, intentó espantar la mosca pensando que era de verdad.

Giotto se convirtió en uno de sus mejores discípulos del pintor Cimabue que, según Vasari, lo había tomado como aprendiz con solo diez años al verle dibujar unas hermosas ovejas sobre unas piedras.

Esta es solo la primera de varias anécdotas que presentan a Giotto como un personaje a decir poco insolente, incluso con sus propios clientes. Vasari narra que en otra ocasión, ya siendo maestro, "un grosero artesano" le pidió que le pintara un escudo de armas; Giotto, pensando que se trataba de una broma puesto que saltaba a la vista que este no era una persona de gran linaje, confió el trabajo a uno de sus discípulos.

Al ir a recoger el encargo, el artesano se encontró un escudo en el que un aprendiz había pintado diversas armas y partes de armadura. Indignado, le preguntó a Giotto "¿qué chapucería es esta que me has pintado?", a lo que este respondió: "Si eso está mal, que Dios te castigue; debes de ser un grandísimo animal [...] te vienes aquí y dices: Píntame mis armas [...] pero ¿qué armas llevas? ¿De dónde vienes? ¿Quiénes fueron tus antepasados? ¡Vamos, no te da vergüenza! ¡Empieza por venir al mundo antes de hablar de armas como si fueses el Duque de Baviera! Yo te he hecho toda una armería en tu escudo: si hay algo más, dilo y te lo haré pintar". El caso llegó a los tribunales de Florencia, que dieron la razón al maestro y obligaron al cliente a pagarle por el trabajo.

Madonna di San Giorgio alla Costa, Giotto

Aunque es difícil establecer la paternidad de las primeras pinturas de Giotto, la "Madonna di San Giorgio alla Costa" de 1295 es considerada por muchos como la primera obra atribuible al pintor. En ella aún se puede apreciar un estilo claramente medieval. Actualmente se exhibe en el Museo de la Opera del Duomo, en Florencia.

El maestro de un arte nuevo

Los primeros documentos con el nombre de Giotto proceden de los primeros años del siglo XIV. Por ellos sabemos que entonces ya estaba al cargo de su taller y se le habían comisionado varias obras. El catastro también revela que tenía varias propiedades en Florencia, por lo que se puede deducir que ya gozaba de una fama importante y mucho trabajo. La mayoría de sus trabajos en aquella época son pinturas y frescos para lugares de culto en la Toscana y Umbría, aunque algunas fuentes hablan de un periodo en Roma al servicio del papa Bonifacio VIII, tiempo durante el cual habría tenido ocasión de estudiar de primera mano las obras de arte de la antigüedad clásica.

La temática religiosa era de lejos el principal motivo pictórico en aquella época y Giotto no fue una excepción. El arte estaba muy influenciado por la rígida estética bizantina y precisamente el gran logro de Giotto fue romper ese esquema y dotar a sus cuadros de un dinamismo sin precedentes, que podría haber sido inspirado por las estatuas romanas que pudo admirar en la ciudad de los papas. Innovó con el uso de la perspectiva, de los claroscuros y la representación de detalles como las arrugas en la piel y en la ropa, técnicas fundamentales en la pintura renacentista, aunque ese término todavía no se hubiera acuñado.

El mayor logro estilístico de Giotto fue el de crear, con sus escenas, historias contadas con la pintura y no simples imágenes estáticas.

El dinamismo de sus composiciones y personajes y su uso -todavía rudimentario- de la perspectiva son la clave del mayor logro estilístico de Giotto: crear, con sus escenas, historias contadas con la pintura y no simples imágenes estáticas. Otro acierto es el de integrar sus conocimientos de arquitectura en su trabajo: se encargaba él mismo del diseño de los espacios en los que debía pintar, disponiéndolos de modo que las paredes y techos formaran lienzos del número y tamaño adecuados que necesitaba para contar la historia que tenía pensada.

Un magnífico ejemplo de esto, además de una de sus obras mejor conservadas, es el ciclo de frescos que decoran la Capilla de los Scrovegni en Padua. Pintado entre 1303 y 1305, narra una serie de historias bíblicas que, a pesar de su disparidad, forman un conjunto armonioso. En él también podemos apreciar otra de las características de Giotto, su cuidado por representar los lugares y especialmente los edificios de forma realista y proporcionada, integrándolos en la historia en vez de usarlos como un mero telón de fondo.

Capilla de los Scrovegni

La Capilla de los Scrovegni es una de las mayores joyas artísticas de Padua y contribuyó a extender las innovaciones de Giotto por el norte de Italia.

El Giotto arquitecto

Paradójicamente, una de las obras más conocidas de Giotto, el diseño del campanario para la nueva catedral de Florencia, refleja solo la última parte de su carrera. En abril de 1334 el ayuntamiento de la ciudad lo nombró superintendente de obras públicas y maestro de obras de Santa Reparata, lo que hoy se conoce como Plaza del Duomo, donde desde hacía unos 35 años se trabajaba en la construcción de la catedral de Santa Maria del Fiore y de su campanario.

Giotto tuvo poco tiempo para trabajar en ello, puesto que murió menos de tres años después, pero fue su padre a nivel artístico. A él se debe la idea del revestimiento en mármoles policromos y el ciclo de relieves que decoran sus paredes, aunque la obra fue realizada por el escultor y arquitecto Andrea Pisano, que a la muerte de Giotto tomó el relevo de las obras. Precisamente estos ciclos son un recordatorio de los diversos artistas que trabajaron en el campanario, cada uno con su estilo y preferencias temáticas, pero respetando una visión de conjunto. El uso de mármoles policromos se haría muy popular en las catedrales del Renacimiento e incluso cuando, siglos después -en el XIX-, se decidió completar finalmente la fachada de la catedral, se eligió el mismo estilo.

Campanile de Florencia

En la construcción del campanario intervinieron otros maestros de obra y artistas además de Giotto, pero él fue el artífice del proyecto; tanto es así que hoy en día sigue siendo conocido como el Campanario de Giotto.

El maestro murió el el 8 de enero de 1337 y según narra Vasari, "fue sepultado, como lo merecía por sus talentos, con grandes honores. En vida fue querido por todos y especialmente por los hombres excelentes en todas las profesiones, ya que, además de Dante, Petrarca lo honró y rindió tributo a sus obras [...] Y un comentarista de Dante que vivía en la época de Giotto dijo: "Fue y es Giotto, entre los pintores, el más grande de la misma ciudad de Florencia". Y si nos fiamos de la palabra del historiador es cierto que, a pesar de su carácter a veces insolente, Giotto fue muy apreciado por sus colegas de oficio por su talante alegre y su indudable talento para innovar. El término Renacimiento aún no había sido inventado, pero ya había perdido a uno de sus padres.

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Giotto, el maestro precursor de la pintura renacentista

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En una época aún dominada por la estética medieval, Giotto di Bondone anticipó algunas de las características de la pintura renacentista y abrió la puerta a un nuevo estilo que cambiaría la historia del arte.

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Sotheby's retira per sorpresa de subhasta un Velázquez que Bonaparte es va endur a França

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Sotheby's retira per sorpresa de subhasta un Velázquez que Bonaparte es va endur a França

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Retiran obra de Banksy menos de una hora después de que la revelara

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Una nueva obra de Banksy fue retirada de una calle de Londres poco después de que el artista la publicara en Instagram, según reportes.

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Ya cayó la noche

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Lletra de canço: La chanti que me tiene en una pata de jabón
Yo 'toy a lo que ella diga, me llevé de la emoción
Si vuelve y cruza el baño, la doblé en el callejón

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Tras celebrar los centenarios de Pablo Picasso y Joaquín Sorolla, 2024 contará con Antoni Tàpies y Eduardo Chillida como protagonistas de diversas muestras con las que museos de toda España reivindicarán sus figuras al cumplirse 100 años de sus respectivos nacimientos. Pero no serán los únicos. El arte social, el realismo y otras figuras como Zurbarán, Gabriele Münter y Suzanne Valadon liderarán las principales exposiciones llamadas a marcar las agendas artísticas de los próximos doce meses.

'Maestras', el "correctivo sin paliativos" del Thyssen al ninguneo a las mujeres en la historia del arte

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía será el encargado de albergar la exhibición del pintor y escultor catalán, que contará con más de 250 obras procedentes de centros y colecciones privadas de todo el mundo. Organizada junto a la Fundación Tàpies, abrirá sus puertas el próximo mes de febrero. Sus cuadros forman parte del grupo de los 437 títulos que podrán visitarse en la pinacoteca madrileña en 2024 y que figuran dentro de la lista de los que el Estado ha asegurado por cerca de 136.000 euros.

La institución dirigida por Manuel Segade acogerá a lo largo del año exposiciones de otros nombres como Eva Lootz, Olga de Soto, Grada Kilomba; así como las muestras colectivas Esperpento y En el aire. El museo tendrá que prescindir del Palacio Cristal como sede durante al menos tres meses, al haber tenido que cerrar por obras urgentes ante posibles desprendimientos.

Chillida Leku (Hernani, Guipúzcoa) será el epicentro de las exhibiciones que conmemorarán el centenario del nacimiento de Eduardo Chillida, cuya obra podrá visitarse en varios centros españoles y también fuera, ya que viajará a Santiago de Chile, San Diego (Estados Unidos) y Künzelsau (Alemania).

El arte social, protagonista

La gran apuesta del Museo Nacional del Prado para 2024 es Artes y transformaciones sociales en España (1885-1910), muestra con la que la pinacoteca pondrá en alza el realismo social, género clave en la pintura del siglo XIX. 300 serán las obras que coparán todo el edificio Jerónimos del 21 de mayo al 22 de septiembre, y que permitirán conocer la sensibilidad, exigencias y denuncias que palpitaban en la sociedad española y que sirvieron como materia de expresión de artistas como Darío de Regoyos, Isidro Nonell, Antonio Filloll Granell y Pablo Picasso.

Los acontecimientos sucedidos en los últimos años del siglo XIX -como las primeras reivindicaciones obreras y la pérdida de las colonias de Ultramar-, incorporaron al arte temáticas que, por primera vez, afectaban a todas las clases sociales. Asuntos como las carencias de la sanidad, la desigualdad de género y el abuso aparecen en muchos de los cuadros, en los que triunfa el estilo naturalista.

La otra exposición temporal de gran formato del Prado, programada para noviembre, será Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro, que reunirá un centenar de obras, mitad de ellas pinturas y la otra mitad esculturas; que ilustrarán la integración natural entre ambas, su triunfo en el mundo hispánico y el valor de la escultura como herramienta de persuasión. El museo dedicará igualmente exposiciones al alemán Sigmar Polke y su relación con Goya, a Pedro Pablo Rubens y a Francisco de Zurbarán. Del último exhibirá el Bodegón con limones, naranjas y una rosa como obra invitada, procedente del Norton Simon Museum de California.

En finales del siglo XIX y XX seguirá centrándose la Fundación MAPFRE en sus salas de Madrid y Barcelona, con exhibiciones para el compromiso sociopolítico de Marc Chagal, los fotógrafos Christer Strömholm, David Goldblatt, Consuelo Kanaga, Louis Stettner y Paz Errázuriz. En la segunda mitad del año habrá espacio para Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo y 31 mujeres; la exposición que Peggy Guggenheim organizó en 1943 con obras realizadas exclusivamente por artistas femeninas.

Henri Cartier-Bersson, considerado como uno de los padres de la fotografía moderna, será el último protagonista de la Fundación en Barcelona. Un hombre cuyo compromiso político le llevó a luchar por los derechos sociales y los más desfavorecidos. Su trabajo proporciona una sucesión de imágenes en las que pueden contemplarse algunos de los acontecimientos más importantes del siglo XX.

Otra de las pinacotecas que también pretende inspirar cambios sociales a través del arte es el MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Su temporada la inaugurará el proyecto 108 días de Lydia Ourahmane (Argelian, 1992); al que seguirán muestras monográficas dedicadas a figuras como Jordi Colomer, Mari Chordà y Teresa Solar, el proyecto fotográfico Archipiélago. Nuevas imágenes de la Barcelona de los barrios;y las propuestas Canción para muchos movimientos. Escenarios de creación colectiva y [contra] panorama.

Las dos últimas reflexionarán sobre cuáles son las formas de colectividad, solidaridad y trabajo infraestructural que, históricamente y en el presente, han generando formas estéticas, políticas, culturales y sociales que han acabado creando institución. Completarán el catálogo la instalación Carmen de la estadounidense Wsu Tsang (Worcester, 1982) y la Colección MACBA. Preludio, Intención poética, que incorporará obras de Antoni Tàpies, Mar Arza, Adrián Balseca y Katia Kameli, entre otros.

Más espacio para más mujeres artistas

En la línea de , con la que el Museo Nacional Thyssen Bornemisza respondió al ninguneo a las mujeres en la historia del arte; la pinacoteca reivindicará la obra de dos artistas: Isabel Quintanilla (27 de febrero - 2 de junio) y Gabriele Münter (12 de noviembre - 9 de febrero de 2025). Con la exhibición sobre Quintanilla (1938-2017) el museo dedicará por primera vez una exposición monográfica a una artista española, en este caso a una de las figuras fundamentales del realismo contemporáneo. La pintora alemana Münter (1877-1962), por su parte, fue una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el legendario grupo de artistas expresionistas con sede en Múnich.

En La mirada descentrada. Arte y colonialismo en las colecciones Thyssen (25 junio-20 octubre), el centro mostrará historias "invisibilizadas" de dominación racial, cimarronaje, lucha por los derechos civiles, el empleo de mano de obra esclavizada africana y la apropiación de tierras y materias primas, americanas, asiáticas y africanas.

El Museo Nacional d'Art de Catalunya revisará la figura de la pintora, dibujante y grabadora Suzanne Valadon (9 abril - 1 septiembre), que tuvo un papel fundamental en la París de las vanguardias de los años 1910 a 1930. Previamente, en El espejo perdido. Judíos y conversos en la Edad Media (23 de febrero-26 de mayo), que pudo verse en el Prado, profundizará en la función de las imágenes en las relaciones entre judíos y cristianos en la España medieval, entre 1285 y 1492. La Fuente de la Vida del taller de Van Eyck y los retablos que realizó Pedro Berruguete para santo Tomás de Ávila son algunas de las obras que se expondrán. La pinacoteca abrirá un nuevo espacio dedicado al Maestro de Cabestany y recuperará a uno de los exponentes del modernismo catalán, Eveli Torent.

Tras la exposición Picasso-Miró, la Fundación Miró de Barcelona ofrecerá Miró-Matisse: Más allá de las imágenes, que explorará en las similitudes y conexiones entre ambos artistas pese a sus diferencias generacionales y estilos. Al Museo Picasso de Barcelona llegarán en febrero las fotografías que Bernard Plossu tomó en los lugares picassianos de Horta de Sant Joan, Gósol, Cadaqués y la propia ciudad condal. La pinacoteca dedicada al cubista en Málaga exhibirá la obra de Marius de Zayas (1880-1961), que fue el primero que llevó las creaciones de Picasso a Nueva York, en 1911. A partir de abril ofrecerá una exposición monográfica sobre la pintora santanderina María Blanchard (1881-1932), Pintora a pesar del cubismo.

La cineasta Agnès Varda será una de las figuras que reivindique el CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, a partir del 17 de julio. Previamente estrenará Suburbia. La construcción del sueño americano (19 marzo - 8 septiembre), en la que presentará la historia cultural del mismo, explorando las diversas implicaciones políticas de su consolidación, las consecuencias ecológicas de su dependencia de los combustibles fósiles y los claroscuros de género y raciales que han marcado su trayectoria. 2024 lo cerrará World Press Photo y Amazonia. El futuro ancestral.

Arte Pop, abstracto y homenajes

El Arte Pop será una de las estrellas de 2024 en el Museo Guggenheim Bilbao, a través de la exposición Símbolos y objetos (16 febrero-15 septiembre), que mezclará piezas históricas y una selección de nueva a cargo de artistas contemporáneos que exploran el legado del pop y emplean sus formas para criticar y politizar cuestiones como el lenguaje del consumismo.

Otro de los protagonistas de la pinacoteca bilbaína serán los escultores Giovanni Anselmo y June Crespo, la pintora Martha Jungwirth, el dúo holandés Metaheven y su obra La teoría del caos; y el arte abstracto, a través de los trabajos del británico Anthony McCall y la pionera sueca Hilma af Klint. Además de Yoshitomo Nara, a quien dedicará una exhibición que recorrerá su trayectoria completa, desde sus primeros títulos creados en Japón en los ochenta, en los que aparecen elementos recurrentes de su historia privada, como la casa y sus primeras y características figuras infantiles.

La Fundación 'la Caixa', que en 2026 pondrá en funcionamiento el ArtStudio CaixaForum, espacio con el que reunirá y dinamizará las 1.069 obras de 445 artistas que forman parte de la Colección de Arte de la institución; expondrá en sus distintas sedes Arte y naturaleza, La ciencia de Pixar y Dinosaurios de la Patagonia, una inmersión en el trabajo paleontológico que conlleva leer los secretos de las rocas.

El Museo Lázaro Galdiano de Madrid dedicará muestras a la artista multidisciplinar Marina Núñez, Pablo Picasso a través de los tapetes con los que más de 250 artistas le rindieron homenaje en 1972 y Rogelio López Cuenca. Con motivo del 'Año Ramón y Cajal', PhotoESPAÑA propondrá una relectura contemporánea del legado visual del Premio Nobel de Medicina a través de las obras de cuatro artistas invitados.

popular y La fotografía en medio son las dos exhibiciones que coparán el inicio del año del IVAM de Valencia; mientras que la Fundación Juan March de Madrid, que continúa albergando Antes de América, inaugurará en abril El pequeño museo más bello del mundo, sobre el Museo de Arte Abstracto Español que fue creado por Fernando Zóbel en las Casas Colgadas del siglo XV en Cuenca en 1966. En él concedió un espacio de libertad independiente del régimen político que reafirmó a toda una generación de pintores y escultores.

Más allá de nuestras fronteras

Fuera de España, la National Gallery de Londres celebrará su 200 aniversario con una exposición sobre Vincent Van Gogh. El Museo de Orsay conmemorará en primavera los 150 años de la primera exposición impresionista con Paris 1873. Inventer l'impressionisme.

Además, en Italia habrá exhibiciones sobre Pablo Picasso en Milán y Joan Miró en Catania; en Bélgica la muestra itinerante IMAGINE propondrá una inmersión en el surrealismo y el Rijksmuseum de Ámsterdam acogerá una retrospectiva del pintor Frans Hals. El Museo Metropolitano de Nueva York, por su parte, dedicará muestras al arte cicládico, los retratos del Renacimiento, la pintura india y el arte de Harlem. El Jumez de México presentará la obra del británico Damien Hirst y el Museo de Arte de São Paulo la de Francis Bacon.

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Las exposiciones más esperadas de 2024: Tàpies, Chillida y arte social

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El Arte Pop y el abstracto tendrán también protagonismo en un año que dedicará muestras a artistas como Isabel Quintanilla y Gabriele Münter

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El grito (Edvard Munch) i Olivia Rodrigo

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El grito (Edvard Munch) i Olivia Rodrigo

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Puede parecer un matrimonio difícil de ver en un altar de iglesia, pero no debería serlo tanto. La unión entre arte urbano y espacios sacros, habitual de ver en otros países, es menos común en España, pero la obra que se acaba de instalar en la basílica del Pi demuestra que esta reunión puede dar frutos preciosos.

Desde hace unos días el altar de la la iglesia del Pi acoge el mural "Crianza", una inmensa obra creada por Aryz, uno de los artistas urbanos catalanes más importantes de la actualidad. La pintura, de 14 metros de largo por 10 de ancho, se ha colocado en la zona posterior del altar de la basílica e ilustra una mujer sosteniendo a un niño en brazos, se podrá visitar durante seis meses.

La obra, inserta en esta iglesia del año 987, puede tener muchas interpretaciones: desde la crisis de refugiados en el Mediterrñaneo hasta la imagen de una virgen, según aseguraba el archivero y conservador de la basílica, Jordi Sacasas a El Periódico.

El autor de la obra, Octavi Serra Arrizabalaga, conocido como Aryz, es un artista urbano catalán reconocido internacionalmente, con varios montajes en espacios singulares que ahora, con esta obra, instalará por primera vez en una iglesia en activo.

"Crianza" nace de un encargo que la iglesia realizó a B-Murals, un centro especializado en arte urbano, después de que una pintada apareciera en en el ábside de la fachada. A partir de aquí, se pensó en la relación entre arte urbano y espacio eclesiástico hasta llegar a esta obra.es un artista con una larga trayectoria en la calle, aunque en los últimos años también ha realizado intervenciones, sobre todo en el extranjero, que han terminado dentro de espacios singulares.La instalación esconderá la cruz pero la figura de la Virgen María quedará a la vista, así como parte de las vidrieras.

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Así es el mural de arte urbano que corona ahora la iglesia milenaria de BCN

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Aryz, uno de los artistas urbanos catalanes más importantes, ha instalado un mural llamado "Crianza" en el altar de la basílica del Pi.

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Cruzeiro de Lindoso (nort de Portugal) Original del segle X

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Cruzeiro de Lindoso (nort de Portugal) Original del segle X

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Ver en Insta

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Visiting museums to experience art in person is not an option in the era of social distancing. But that hasn't stopped people from engaging with - and using their own bodies to recreate - works by Old Masters and contemporary artists alike.

With the encouragement of museums, people have been repurposing the everyday items they have in isolation - toilet paper, cleaning products, canned goods, all materials that have come to signify the crisis - to sub in for the fancy lace collars, exquisite parasols and exotic pets that adorn the history of art.

The call for homemade art appears to have started with a Dutch Instagram account, Tussen Kunst & Quarantaine (or Between Art and Quarantine.) It gained greater traction after the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, which is closed as the city follows stay-at-home orders, amplified the challenge with some simple instructions: Choose a work of art, and find three items around your house to recreate it.

During a period when art lovers can't simply visit a museum or gallery, a new social media phenomenon has arisen as a creative outlet. Participants isolating at home amid the pandemic are encouraged to recreate a prominent work of art using everyday objects. Video by PBS NewsHour

Annelisa Stephan, the museum's assistant director of digital content, told the PBS NewsHour that there have been, to date, about 30,000 submissions to the challenge. The entries are lessons in art history made flesh, sometimes prodding participants into learning more about a particular artist, period or work of art. For families, it's a way of turning challenging times into inspiration, and even an outlet for self-expression.

"People are connecting with the shared experience that we're all having around the world at this very unusual time," she said. "I think art has a role to play in helping us make sense of this strange time and picking out our favorite art works - and recreating them - has been very powerful."
Did you recreate an artwork from household items? Share a photo of your recreation to the NewsHour's Canvas arts Facebook group here.
In that spirit, I reached out to several of the people stuck at home who made old artworks their own, starting with an homage to Frida Kahlo: a self-portrait with different pets - or in this case, many different cleaning products.

Alana Archer, an interior designer in Kelowna, British Columbia, was inspired by the 1941 Kahlo painting "Me and My Parrots," which shows four colorful parrots perched on the artist's shoulders and in her lap. The parrots almost act like guard dogs for the Mexican artist, who suffered through years of chronic pain. For her variation on the self-portrait, Archer swapped parrots for a spray bottle and detergent, all of which happened to be green.

Archer said she didn't know much about Kahlo while looking for a portrait for the challenge, but she said she was drawn to this particular painting because of the artist's posture and expression of her face, which "evoked a sense of calm resilience."

After more research into Kahlo's background and style, Archer said she understood more about Kahlo's life story. "She went through a lot of challenges, and she was extremely strong. She persevered, and actually used art as a way to get herself through things," Archer said.

There was, however, one iconic thing missing from Archer's recreation: Kahlo's unibrow. She said she didn't initially want to emulate everything about the painting - after all, it was made in about 10 minutes. But Archer has since added her own spin to more works by Kahlo, and incorporated the artist's most recognizable feature.

Archer, who is currently living with her brother and sister-in-law, said she has turned to art as a coping mechanism. She said the art challenge itself has encouraged people to "express emotions that you don't necessarily recognize or that are a little bit overwhelming."

"Being able to express all of these new feelings and frustrations and sadness and [to] embody it in artwork is a very handy tool right now," she said.

Of the vast number of submissions to the challenge, Archer said that one of her favorites was a recreation of Nicolaes Pickenoy's 1632 painting "Portrait Of A Young Woman." In that painting, the woman dons a satin outfit with intricate detailing, including a large pleated collar around her neck.

In Bryan Beasley's rework, his wife, Coco, wears a collar made of toilet paper rolls. To emulate the 17th century costume, Coco wore her husband's robe backward; a gold scarf stands in for the intricate detailing in the front, with gold tinsel for the cuffs. For the additional accoutrements, Coco holds a paper fan made by her 5-year-old daughter, Layla, who drew on flowers with crayons. Paper cut-outs form the head dress.

Beasley, a professional photographer, has seen his job opportunities dissipate amid stay-at-home orders in Los Angeles. While Coco is working during the day, Beasley is homeschooling Layla, the older of their two daughters. Beasley said the first week that classrooms had to shift online was difficult.

"I definitely had a freak-out the first week," he said. "[My daughter] doesn't look at me in the same way that she looks at her teacher, like 'Oh, this is that person's job to tell me this.'"
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The art challenge gave Beasley a creative outlet to share with his family.

The project "took my mind off everything - not working, not having to be a teacher," he said.

Layla has also posed for a recreation of Édouard Manet's "Jeanne (Spring)," utilizing a pastel, knitted blanket draped on an umbrella to mimic the couture look in the painting. Beasley said he plans on working on another recreation that incorporates the whole family.

Beasley said the submission that inspired him to do his own was a rework of Keith Haring's cover art for a 1992 remix record, which helped raise money and awareness in the fight against HIV/AIDS. The cover had all of Haring's trademark images: a colorful pop art figure, lines indicating movement, and a big red heart.

In this restaging, someone wears a green bodysuit and holds a red pillow overhead. Hands belonging to people standing out of the frame hold up sheets of paper with the bold, black lines indicating movement as seen in Haring's image. Beasley wondered if this rework was done by a group of roommates cooped up during the pandemic.

Turns out, the image was a family affair.

Marian De Gier said that she and her husband took an abrupt economic hit as job opportunities dried up.

"The creative industry seems to get hit really quick because part of it is that we're used to kind of living more month-to-month than other people maybe," she said. "It's also the first thing to go. We have a lot of friends who are actors, and they, of course, lost all their employment as well."

So an art challenge became a perfect outlet for a family of five creatives. De Gier said they recreated several artworks - each of them tailored to one family member's personality. One son emulated a Kahlo self-portrait that also incorporated animals. The daughter became a reading girl in a Jean-Honoré Fragonard painting. The father became the bushy bearded postman in a Vincent van Gogh. And De Gier herself mimicked the head tilt of a long-necked woman in an Amedeo Modigliani painting. "Always love those languid Modigliani types. Can't quite stretch my neck to match," she wrote in her Instagram caption.
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But it was her 15-year-old son, Lukas, who embodied the energy of a Haring artwork. He already owned a green suit and has gone to circus school before. (He's even ridden a unicycle down the street wearing that green suit.)

"He is a full-on, energetic person that jumps around," she said. "He's been trying to plan escape routes out of the house. We make jokes about duct taping him to the wall."

Lukas' Haring recreation involved the whole family. The father added the black duct tape on the wall. The other two children are each side of the suited-up Lukas, holding up the movement marks, and De Gier took the picture.

And despite all the uncertainty and anxiety around the pandemic, De Gier said a good counterweight to all of that has been being creative and enjoying each other's company.

"I really think that those are huge positive parts of this very strange time," she said.

One submission that caught De Gier's eye was a humorous take on John William Waterhouse's 1911 painting "The Charmer." In the original masterwork, the woman in the painting charms the fish in the water, at her feet, with a lyre. In the recreation, a mustachioed man is charming five shampoo bottles at his feet.

The lyre in the recreation isn't made from reused cardboard from some Amazon order. It's an actual lyre that belongs to singer and musician Drustan Durman, who's been staying with his girlfriend, Nicole Stanfield, in Taunton, England.

Durman has a copy of "The Charmer" on his wall. And a few months back, Durman said he was playing the lyre underneath that picture and had his foot tucked in the same position as the woman in the painting.

"I had my laptop open with the painting and I'm like, "Look like her face! Look down. Look charming."

So when the couple were thinking of which artwork to bring to life, that memory came back. With a bed sheet and some foil for the arm cuff, Stanfield, who took the photo, said it didn't take too long to make.

"I had my laptop open with the painting, and I'm like, "Look like her face! Look down. Look charming," Stanfield said, laughing.

Stanfield is a second-year nursing student, and she's signed up to work in the field through a voluntary registry. She's now waiting to be called up to possibly assist front-line staff.

Durman said he's unable to work from home because he works for a company that provides support to ambulances. Though there are a few other people in the building, he said he doesn't see anyone face-to-face.

"We're trying to stay sane, really," Stanfield said. "I've done more social media interaction in the past few weeks than I have in my entire life."

"I think the normal has just flown out the window," she added.
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Famous paintings come to life in these quarantine works of art

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Visiting museums to experience art in person is not an option in the era of social distancing. But that hasn't stopped people from engaging with - and using their own bodies to recreate - works by Old Masters and contemporary artists alike.

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El 13, 14 i 15 de setembre, el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) va obrir les portes als trenta especialistes en pintura mural medieval més prestigiosos del món. El museu, que és un referent mundial d'art romànic, va fer valer una vegada més la seva col·lecció extraordinària. Però la part més significativa d'aquestes jornades va consistir a mostrar els avenços del MNAC en les incorporacions recents d'alguns fragments inèdits de pintura en tres dels seus conjunts més destacats: Sant Climent de Taüll, Sant Pere del Burgal i Sant Joan de Boí. Aquesta actuació, és tan sols és un dels projectes del programa "Més Romànic", sobre diferents accions que es duen a terme sobre la col·lecció d'art romànic. És molt important perquè completa molt significativament la lectura de tots tres conjunts: la nova distribució i incorporació d'imatges permet al públic d'entendre com podia ser la percepció original de l'espai i recrear l'experiència primigènia de les pintures. Tot plegat, coincideix amb el centenari del redescobriment, arrencament i museïtzació de les pintures murals que conformen el nucli de la col·lecció i els nou-cents anys de la consagració de les esglésies de Sant Climent i Santa Maria de Taüll.

Cristina Martí, conservadora-restauradora del MNAC, i Carme Ramells, cap de l'àrea de Restauració i Conservació Preventiva del museu, ens ho expliquen un matí de final d'octubre. Ja han fet les intervencions als conjunts de Taüll i Burgal i ara treballen en la incorporació de quatre fragments a la sala de Sant Joan de Boí, una intervenció tècnicament molt més complicada que no pas les altres i que s'ha endarrerit més que no preveien.

Repassem un per un els treballs que hi han fet.

Carme Ramells i Cristina Martí, davant les pintures de les columnes de Sant Joan de Boí.

Sant Climent de Taüll i la figura de Caín

La incorporació de la figura de Caín al primer arc de l'absis del conjunt de Sant Climent de Taüll és una de les incorporacions més importants fins ara, atès que, durant anys, s'havia exposat exempt i emmarcat com si fos un quadre, tal com explica Carme Ramells. De fet, el fragment de Caín havia estat guardat a les reserves del museu d'ençà del 1936 (del 1923 al 1930 va estar exposat al Museu de la Ciutadella i, el 1934, en van fer el traspàs al Palau Nacional de Montjuïc, actual MNAC) i el 1995 el van exposar desvinculat del lloc d'origen de l'absis, tal com va estar exhibit fins al 2011. És cert que s'intuïa que la figura religiosa podia anar a l'arc de la mà dreta de Déu (l'arc més pròxim a l'absis), però no va ser fins a l'última restauració de Taüll, l'any 2013, que es van veure uns vestigis que demostraven que, efectivament, Caín anava a l'arc de Taüll i no pas com una representació pictòrica a part. Al mateix arc, s'hi podien veure les ofrenes de Caín i d'Abel, Caín matant Abel i Caín condemnat amb gest de penediment. Aquest darrer és el que s'hi ha incorporat.

Una de les coses més destacables d'aquest descobriment, segons Ramells, és el canvi de la gamma cromàtica del conjunt, atès que, fins ara, els tons blavosos eren els predominants i, en canvi, ara s'hi afegeixen els colors ocres de la pintura de Caín. De fet, s'ha pogut comprovar que els colors originals s'han mantingut amb molt poques alteracions i que la gamma cromàtica és molt més àmplia que no se sabia fins ara. "Les barreges de colors i la superposició de capes de colors aconsegueixen de recrear la sensació de volum", comenta Ramells. El taller del mestre de Taüll també feia servir la geometria per distribuir la composició, tècniques que demostren que l'art romànic és molt més complex que no s'havia cregut durant molt de temps.

A més, les anàlisis de quaranta mostres de l'absis i del fragment de Caín han permès d'identificar materials fins ara desconeguts. Entre els descobriments, s'han trobat restes de làmines d'estany oxidat, un material que era emprat en els frontals romànics per crear falsos daurats. També s'ha descobert que hi ha mini (mineral del qual s'extreu plom vermell) barrejat amb cinabri (mineral de color granat compost de mercuri i sofre), una mescla que s'usava sobretot en els tractats medievals quan es pintava sobre fusta. Una altra de les novetats que s'han descobert arran de les investigacions i les anàlisis químiques és que les primeres capes de pintura són al fresc i, en canvi, les darreres són pintades al sec.

Sant Pere del Burgal i els set profetes

La intervenció a Sant Pere del Burgal demostra que la recerca i el coneixement sobre les obres del museu són un procés d'evolució constant, atès que això que s'exposa ara és molt diferent d'allò que s'exposava al maig. Martí ho descriu amb aquesta claredat: "Fins que no comences el procés de restauració no t'adones de com és en realitat."

En el cas del Burgal, no s'hi incorporen figures noves, sinó que es canvia l'emplaçament de dos profetes després d'haver-ne comprovat l'emplaçament original a l'arc triomfal de l'absis gràcies a una fotografia antiga del 1923 en què apareix el restaurador Arturo Cividini: si fins ara els profetes havien estat a la part esquerra de l'absis, a la fotografia de Cividini es pot comprovar que originalment eren a la dreta. Aquesta confusió és deguda al fet que, a la part dreta de l'absis originalment hi havia un fragment de grans dimensions que representava la part inferior de cinc profetes, de manera que els dos profetes formaven part d'aquest grup de cinc. Però, durant l'actuació del Burgal, on s'exposava per primera vegada al públic aquest fragment dels cinc profetes, es va veure que els uns i els altres no encaixaven. De fet, hi havia uns vint centímetres d'encavalcament entre figures. Gràcies al procés de restauració es va poder corregir l'emplaçament de les figures i reintegrar-les en el conjunt, on també s'ha incorporat un fragment de sanefa de l'arc.

Les pintures del Burgal són importants perquè van formar part de les primeres llistes de compra de pintures romàniques que la Junta de Museus va negociar amb el bisbat d'Urgell l'any 1919. Així i tot, el bisbat havia reservat les pintures per a particulars. Per això l'any 1926 Cividini les va arrencar per encàrrec de Lluís Plandiura, que finalment les va vendre a la col·lecció de la Junta de Museus el 1932.

Els dos profetes del conjunt de Sant Pere del Burgal, col·locats al lloc d'origen.

Les quatre columnes de Sant Joan de Boí

L'equip de restauració del MNAC ara treballa en les intervencions a la sala de Sant Joan de Boí. És un procés obert al públic, igual que les altres dues actuacions. Aquesta sala és una recreació de l'interior de l'església de Sant Joan de Boí, però no n'és una reproducció exacta, sinó tan sols una museografia suggeridora perquè el visitant pugui fer-se la idea de com és l'original.

Ara hi incorporen quatre fragments de la decoració de les pintures que hi havia en quatre de les columnes de l'església i que fins ara eren desades a les reserves. Però no és un procés gens fàcil. A diferència de les altres dues intervencions, que eren en superfícies planes, aquestes s'han de fer en superfícies cilíndriques, i això ho complica molt més, sobretot per la mena de pressió que s'ha de fer sobre els fragments perquè s'adhereixin bé.

Ramells explica que en un dels assaigs generals que van fer per veure com s'incorporarien els fragments decoratius a les columnes, els equips tècnics van constatar que les pintures no encaixaven perquè les columnes de la sala no tenien les mides exactes de les originals i que, per tal, calia remodelar-les. Així doncs, a partir de les dimensions de les pintures, els restauradors han hagut de recrear i afegir el volum necessari a les columnes falses perquè els fragments s'hi adaptin a la perfecció. Cal tenir en compte que tan sols refan el lloc que ha de suportar la pintura, i no pas la columna sencera. D'aquesta manera, es manté part de la museografia. En aquest punt, Ramells explica més detalladament com es treballa amb la tècnica de l' strappo per arrencar les pintures i de quina manera després s'enganxen, en aquest cas, als conjunts del MNAC.

El procés d'arrencament per strappo és el següent: una volta fet el morter i abans no s'assequi, l'artista hi pinta a sobre. És allò que se'n diu "pintures al fresc". Això fa que la pintura es cristal·litzi i s'enganxi com una pel·lícula sobre el morter. Per arrencar-ho, s'encolen teles de cotó (teles d'arrencament) amb cola animal (obtinguda a partir de cartílags i pells) i es col·loquen sobre els frescs, de manera que la pel·lícula de pintura s'hi enganxa. Després, per fer el traspàs de les pintures a un altre suport, s'han de crear les teles de traspàs i encolar-les per enganxar-hi les pintures (adherides a les teles d'arrencament). Per adherir bé les pintures arrencades a les teles de traspàs es fa servir el caseïnat de calci, una mescla que a principi del segle XX era feta amb calç, formatge i llet. Quan les pintures s'han adherit del tot a les teles de traspàs, les teles d'arrencament es retiren i la pintura s'instal·la al nou suport.

En aquest vídeo podeu veure pas a pas el procés d'arrencament de les pintures murals de Sant Joan de Boí l'any 1978.

Ara l'equip de Martí treballa en tots aquests processos, també en els d'intervenció en la museografia actual, per adequar la forma de les columnes a les pintures.

Martí explica que l'interior de l'església de Sant Joan de Boí havia estat totalment decorat amb pintures murals romàniques. Amb els anys, l'església va ser reformada moltes vegades i per això no ha estat possible de recuperar-les totes. Però, després de les campanyes d'arrencament dels anys 1920 i 1970, el MNAC conserva tota la decoració mural romànica que en van poder extreure. La majoria són fragments de les dues naus laterals (segons que sembla, hi havia un cicle dedicat als sants), uns pocs vestigis del mur occidental (pintures en què apareixen bèsties a l'infern) i la decoració exterior de la portada. Les pintures de les columnes que adhereixen ara són, sobretot, imitació de marbrats. Tal com diu Martí, això indica que donaven molta importància als detalls i als materials nobles, atès que la pintura els servia per a evocar materials de qualitat.

Les pintures de Sant Joan de Boí són úniques, molt diferents de les d'uns altres conjunts catalans. A més, són considerades les més antigues de la Vall de Boí i del MNAC. Són datades entre els segles XI i XII i es vinculen estilísticament a la cultura artística d'Occitània i Catalunya Nord.

Una vegada acabada la intervenció de Sant Joan de Boí (Ramells i Martí calculen que serà a final de novembre), s'haurà acabat una part del projecte Més Romànic. Mentrestant, els equips tècnics del MNAC continuaran estudiant, investigant i restaurant peces i fragments pictòrics per garantir la conservació de la col·lecció d'art romànic més important del món.

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Operació romànic: el fascinant procés d'incorporació de fragments inèdits a tres conjunts d'art romànic del MNAC

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El proppassat mes de maig, el Museu Nacional d'Art de Catalunya va començar un dels projectes més importants dels darrers anys de la col·lecció d'art romànic.

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En los antiguos tiempos de la República, los romanos no eran muy exigentes con la higiene personal. En sus casas tenían apenas pequeños cuartos de baño (lavatrinae) en los que se lavaban cada día los brazos y, una vez cada nueve días, las piernas y el cuerpo entero; así al menos lo aseguraba el político y escritor Catón. Fue únicamente a principios del siglo II a.C., por influencia de los griegos, cuando los romanos adquirieron la refinada costumbre de bañarse a diario, lo que trajo consigo la necesidad de construir espacios apropiados, dotados de agua caliente.

De esta forma se construyeron en Roma cientos de baños (balnea), establecimientos privados y poco lujosos por lo general. Fue a finales del siglo I a.C. cuando empezaron a construirse también baños públicos de mayores dimensiones que los balnea, llamados termas (thermae), que brindaban gratuitamente numerosos atractivos para el entretenimiento y la salud de los ciudadanos: además de las saunas y piscinas para el baño, las instalaciones contaban con palestras, bibliotecas, pórticos y jardines, caracterizados por la grandiosa envergadura de los espacios y la suntuosidad de su decoración.

Unos baños modélicos

Las primeras grandes termas públicas de Roma fueron construidas por Marco Agripa a finales del siglo I a.C. Se hallaban en el Campo de Marte, cerca del Panteón, un gran templo que Agripa había levantado en honor del emperador Augusto y en el que se exaltaba la dinastía del soberano. Décadas más tarde, en 62 d.C., Nerón erigió un nuevo establecimiento termal. Unos años después, un incendio devastó el Campo de Marte y dañó gravemente ambas termas, lo que obligó al emperador Domiciano a ordenar su restauración.

Las primeras grandes termas públicas de Roma fueron construidas por Marco Agripa a finales del siglo I a.C.

Mientras tanto, en el monte Oppio, el hermano de Domiciano, Tito, habilitó para el público las termas de la residencia imperial de Nerón, la Domus Aurea. El poeta Marcial celebró en un epigrama la velocidad con la que se había devuelto al pueblo lo que había sido propiedad particular del "tirano" Nerón: "Aquí, donde admiramos las termas, regalo velozmente construido, la propiedad de un soberbio quitaba a los pobres un techo [...]. Roma ha sido restituida a sí misma y bajo tu gobierno, oh César, están a disposición del pueblo las delicias que antes estaban reservadas al tirano".

Los sofisticados baños de Trajano

Pero en el año 104, dos décadas después de su inauguración, las termas de Tito y los últimos reductos de la Domus Aurea ardieron en otro incendio. Sobre los restos de estos edificios, Marco Ulpio Trajano, emperador desde el año 98, erigió unos grandiosos y modernos baños, los primeros en los que quedó definida la organización de las termas imperiales, según un modelo que siguieron Caracalla y Diocleciano.

Estas termas fueron una obra muy innovadora por su decoración, por la distribución de los espacios internos y por la ubicación del complejo en una perspectiva urbana muy estudiada. Los logros arquitectónicos que en ellas se alcanzaron fueron posibles gracias a nuevos conocimientos técnicos, experimentados durante las décadas anteriores en Asia Menor y el Próximo Oriente.

Los logros arquitectónicos que se alcanzaron en las termas de Trajano fueron posibles gracias a nuevos conocimientos técnicos.

Destaca el empleo de materiales ligeros en la realización del hormigón, como tufo giallo (una piedra volcánica amarilla), fragmentos de cerámica, ladrillo y escoria volcánica procedente del Vesubio. También se perfeccionó el cubrimiento de vastos espacios con bóvedas, superando las limitaciones de las vigas de madera. Todo ello se aplicó, además de a las termas, a otros edificios patrocinados por Trajano, que se distinguen por sus plantas complejas, su altura y sus grandes espacios interiores.

Apolodoro, arquitecto imperial

Los historiadores han calificado de revolución arquitectónica los cambios en la fisonomía de Roma bajo el gobierno de Trajano. Su artífice fue el arquitecto Apolodoro de Damasco, al que se atribuye la construcción de los mayores proyectos urbanísticos del emperador: las termas, un nuevo foro imperial -el más amplio y monumental de todos-, con los mercados anejos, y la reconstrucción del Panteón, erigido por Agripa un siglo antes.

Apolodoro también diseñó el puerto hexagonal de Ostia, en la desembocadura del Tíber. Esta ingente labor constructiva coincidió con el momento en que la ciudad alcanzaba su máxima expansión territorial y demográfica. Las termas constituyeron una etapa fundamental en esta remodelación de la capital. Su localización en el monte Oppio proveyó de un complejo para el ocio a los vecinos del barrio más poblado y popular de Roma, la Suburra, que se extendía a sus pies y trepaba por las laderas de otras dos colinas cercanas, el Quirinal y el Viminal.

Apolodoro también diseñó el puerto hexagonal de Ostia, en la desembocadura del Tíber.

La construcción de los baños requirió un extraordinario esfuerzo de ingeniería. Fue necesario crear una plataforma artificial, de 330 por 315 metros, apoyada en parte sobre un sistema de bóvedas que cubría patios, jardines y estancias de la planta baja de la Domus Aurea, además de otras edificaciones vecinas, sobre la que se alzaron los edificios del conjunto termal, con una superficie tres veces mayor que la de las precedentes termas de Tito.

Millones de litros de agua

El aprovisionamiento de las grandes cantidades de agua necesarias para las termas y la evacuación del mismo volumen de líquido suponían un verdadero desafío de ingeniería hidráulica. El suministro de agua de los baños de Trajano estaba garantizado por el Aqua Traiana, un acueducto que tomaba las aguas de varias fuentes naturales próximas al lago de Bracciano (situado a 40 kilómetros al noroeste de Roma) y las conducía hasta un gran depósito situado en el ángulo nordeste de las termas. Este depósito fue conocido desde la Edad Media como Sette Sale (siete salas), ya que en aquella época quedaban al descubierto siete de las nueve galerías que lo formaban.

El aprovisionamiento de las grandes cantidades de agua necesarias para las termas y la evacuación del mismo volumen de líquido suponían un desafío.

El depósito de Sette Sale constaba de dos pisos, cada uno de los cuales estaba dividido en nueve dependencias paralelas, comunicadas entre sí por aberturas. El piso inferior tenía la función de sobreelevar las nueve galerías superiores, que funcionaban como el verdadero depósito, con capacidad para ocho millones de litros de agua. Un gran canalón excavado a lo largo de la fachada del edificio conducía el agua que se almacenaba allí hasta el interior de las termas mediante cañerías de plomo, las fistulae.

Hoy en día, los escasos restos de las termas de Trajano se hallan diseminados en un parque arqueológico acondicionado en la década de 1930. Sin embargo, es posible restituir la planta original gracias a algunos dibujos renacentistas -como los conservados en el Codex Destailleur de Berlín, fechado en el 1545- y a la Forma Urbis, un plano de Roma grabado sobre lastras de mármol, de principios del siglo III. Según la reconstrucción arquitectónica aceptada, la distribución de los diferentes espacios respondía al recorrido rutinario de los usuarios de las termas, bien conocido gracias a las numerosas anécdotas transmitidas por escritores como Marcial o Séneca.

El itinerario del bañista

En el proyecto de las termas, Apolodoro de Damasco dispuso las diferentes estancias de forma simétrica, siguiendo un eje longitudinal. El conjunto tenía una orientación nordeste-sudoeste, innovadora respecto a los baños anteriores, con el fin de proteger el complejo de los vientos dominantes y de disfrutar al máximo del calor solar en las últimas horas del día, cuando era mayor la afluencia de usuarios. El bañista ingresaba en las termas por un propileo o entrada monumental situada al norte.

Acto seguido, accedía al pórtico de una gran piscina (natatio), desde donde podía avanzar a derecha o a izquierda indistintamente, ya que todos los espacios estaban duplicados simétricamente. El bañista se encaminaba a los vestidores (apodyteria) para despojarse de sus ropas, que quedaban a cargo de un capsarius. Desde allí, desnudo y, por lo general, untado de aceite perfumado, se dirigía a la palestra, un gran patio porticado, en el que podía entrenarse físicamente e incluso participar en torneos de juego de pelota, compitiendo con los miembros de un colegio de atletas que tenía su sede en los aledaños del complejo termal, tal como atestiguan algunas inscripciones allí encontradas.

Tras desnudarse, el bañista se dirigía a la palestra, un gran patio porticado, en el que podía entrenarse.

Tras el entrenamiento físico, se iniciaba el baño propiamente dicho en salas caldeadas, unas con piscinas de agua caliente (caldarium) y otras provistas de piscinas de agua templada (tepidarium). Para refrescarse, el bañista pasaba a la gran basílica central, cubierta por tres altas bóvedas de arista y dotada de cuatro bañeras de agua fría (frigidarium). Por último, se sumergía en la natatio, una piscina descubierta de agua fría, de un metro de profundidad. Una inscripción hallada en las termas informaba de que allí fueron admitidas por primera vez las mujeres para tomar baños en público.

Terminadas las abluciones y vestido de nuevo, el bañista abandonaba el cuerpo central de las termas, destinado exclusivamente al cuidado del cuerpo, y salía a pasear por los jardines que lo circundaban, rodeados de pórticos ricamente decorados, ninfeos o fuentes monumentales y bibliotecas. Allí encontraba a conocidos con los que conversar y concretar el lugar y la hora de la cena.

Una temperatura ideal

Las estancias estaban caldeadas gracias a la prolongada exposición a los rayos del sol, que penetraban a través de los grandes ventanales con doble acristalamiento del caldarium, así como a un sofisticado sistema de circulación de aire caliente bajo el suelo y a través de las paredes y de las bóvedas, que permitía calentar al menos otras seis salas, además del tepidarium y del caldarium.

Unas calderas (praefurnia) situadas en el subsuelo calentaban las aguas del baño (suspensurae) del complejo y al mismo tiempo generaban el aire caliente que circulaba bajo el suelo de las termas. Este suelo estaba suspendido sobre una serie de pilares de ladrillo con los que se creaba una cámara de aire; era el sistema denominado hipocausto, cuya invención Plinio el Viejo atribuía a Sergio Orata, un piscicultor de los Campos Flégreos.

El suelo estaba suspendido sobre pilares de ladrillo con los que se creaba una cámara de aire; era el sistema denominado hipocausto.

Para regular la temperatura, los esclavos públicos al servicio de las termas abrían o cerraban las bocas del horno desde un pasadizo subterráneo bajo el caldarium. El humo de la combustión y el aire caliente viajaban por el interior de los tabiques y de las bóvedas a través de tubos de cerámica (tubuli), de sección rectangular o circular. Se disponía, además, de válvulas para regular la velocidad de evacuación de los humos y la temperatura de las salas, que podía alcanzar hasta 50 ºC.

Una innovadora testudo

Para calentar el agua, en las termas de Trajano estaba instalada una testudo alvei bajo cada una de las cuatro bañeras del caldarium. La testudo consistía en un recipiente de bronce semicilíndrico, que se colocaba directamente sobre el horno, con la convexidad hacia arriba (como si fuera un caparazón de tortuga) y en contacto con la piscina en uno de sus extremos.

Al estar la testudo por debajo de la mitad inferior de la bañera y al ser más ligera el agua caliente que la fría, se producía un movimiento circular continuo que permitía el calentamiento constante del agua fría al entrar en el recipiente y la liberación del agua caliente hacia la piscina. Además de este sistema, las termas estaban provistas de otras instalaciones para calentar el agua, como dracones o miliaria, conocidas a partir de las descripciones de Vitrubio.

Se producía un movimiento circular continuo que permitía el calentamiento constante del agua fría.

Las termas de Trajano estuvieron en uso hasta fines del siglo IV, cuando fueron ampliadas y decoradas por Julio Félix Campaniano, prefecto de Roma. Quedaron definitivamente abandonadas tras un incendio ocurrido en el siglo IX. Desde entonces, sus muros se utilizaron como una enorme cantera de la que se extraían materiales destinados a nuevas construcciones, y hasta finales del siglo XIX fueron confundidas con sus predecesoras, las termas de Tito.

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Las suntuosas termas de Trajano: cuando bañarse se convirtió en un lujo

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Sus amplias estancias y su sofisticado sistema de caldeamiento ilustran el desarrollo de la ingeniería romana y la grandeza arquitectónica de la capital del Imperio en ese período.

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Venen 3 quadres de Cézanne per pagar les factures

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Venen 3 quadres de Cézanne per pagar les factures

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La decisión del Langmatt de deshacerse de obras de su colección para salvarse del cierre plantea el debate sobre la protección del patrimonio artístico de los países

El cuadro 'Fruits et pot de gingembre', de Paul Cézanne, del museo Langmatt, vendido por Christie's en septiembre de 2023. Christie's

El museo suizo Langmatt vendió recientemente tres cuadros del pintor impresionista Cézanne para salvarse del cierre definitivo. El anuncio de la subasta en Christie's reabrió (o tal vez nunca se ha cerrado) un debate en el mundo del arte en el que se mezclan conceptos tan solemnes como la protección del patrimonio artístico, la necesidad de salvar el empleo de, en ocasiones, cientos de personas; garantizar la supervivencia de un centro de arte, la posibilidad de que los museos puedan vender obra para ampliar o renovar sus colecciones y el papel de los Estados en todo este asunto.

"Era el fin", sentencia a este diario Markus Stegmann, responsable del museo Langmatt, en la ciudad suiza de Baden, que contiene una de las colecciones de arte impresionista más importantes de Europa. "La fundación que gestiona el museo ya no tenía capital", continúa, "necesitábamos 40 millones de francos suizos [43 millones de euros] y después de años de intentar encontrar otra solución llegamos a esta: vender tres cuadros de una colección de unos 50″. Finalmente, consiguieron aún más, 48 millones de euros por las tres telas en la subasta de Christie's el pasado septiembre. Museo salvado.

Pero este es solo el final de esta historia.

Capítulo 1: El cuadro de la familia Goldsmith

El museo Langmatt eligió para vender Quatre pommes et un couteau, La mer à l'Estaque y Fruits et pot de gingembre, el cuadro en el que tenían depositadas las mayores esperanzas, que se sustanciaron cuando Christie's le puso un precio estimado de entre 35 y 55 millones de dólares (finalmente se vendió por casi 39, unos 36 millones de euros), el más alto de las tres piezas.

Sidney y Jenny Brown, el matrimonio que fundó el Langmatt, compraron Fruits et pot de gingembre en 1933 en Lucerna (Suiza) a la familia judía y alemana de marchantes de arte Goldsmith por 57.750 francos suizos. Una cantidad que, para la época, Stegmann considera dentro del precio de mercado, aunque desconoce, asegura, qué porcentaje se llevaron los dueños originales. Hasta aquí, lo que en apariencia es una transacción comercial al uso entre dos galerías de arte.

'Quatre pommes et un couteau', de Paul Cézanne, otra de las obras vendidas en la casa de subastas. Christie's

Pero lo que descubrió Christie's, una vez el cuadro de Cézanne estaba en su poder, es que la familia Goldsmith no escapó a la persecución inicial de los nazis, y Jacob, el primer dueño de la obra, se vio obligado por coacción a deshacerse de parte de su colección. "En enero de 2022 iniciamos una investigación con especialistas externos al museo de 13 obras que habían sido adquiridas entre 1933 y 1941, año de la muerte de Sidney Brown", explica el director del Langmatt. "En el caso de este cuadro, no encontramos una evidencia clara hasta que se anunció la subasta".

Por esta razón, dice Stegmann, inmediatamente después de conseguir estas pruebas contactaron con los actuales herederos de los Goldsmith. Mara Wantuch-Thole, una de las abogadas que representan al nieto del marchante judío, explicó a The New York Times que este desconocía que su abuelo hubiera sido dueño del cuadro de Cézanne hasta que se pusieron en contacto con él desde la fundación del museo. "Hemos alcanzado un acuerdo", dijo la letrada al diario estadounidense. El director del Langmatt ha rechazado dar a este periódico más detalles de lo que denomina "una solución justa y equitativa". "Es confidencial", ha zanjado.

Capítulo 2: Vender tres cuadros para pagar las facturas

La venta de los cuadros de Cézanne en territorio europeo planteó un debate que es más habitual en países como Estados Unidos, donde la gestión de las grandes pinacotecas está garantizada por el capital privado o la filantropía (a fin de cuentas, otra manera de llamar a la propiedad privada) con escasa participación de los gobiernos; es decir, de la financiación pública.

Icom, el Consejo Internacional de Museos, a través de su representante suizo, Tobia Bezzola, fue el primero en alertar de la peligrosidad de esta venta, que calificó de "escandalosa y miope", además de denunciar que violaba las directrices del Código Ético de esta organización. "Los legados y donaciones llegan a los museos porque la gente cree que estarán seguros", dijo Bezzola en la prensa de su país, al tiempo que exigió que la subasta no se produjera. "Todas las colecciones importantes de Suiza proceden de donaciones y legados privados, lo que envía una señal terrible".

'La mer à l'Estaque', la tercera obra de Paul Cézanne. Christie's

"Estas críticas se basan en un código que debe ser renovado y adaptado a nuestro tiempo", se muestra contundente el director del Langmatt. "No prevé una emergencia existencial en un museo. Hace 40 años era otra época", subraya, y recuerda que en "Europa los museos reciben cada vez menos dinero público".

Al mirar a Estados Unidos, aparecen varios casos similares recientes. Durante la pandemia, y en los primeros meses tras el confinamiento más duro, el Museo de Brooklyn de Nueva York puso a subasta, también en Christie´s, 12 pinturas, entre las que había importantes nombres como Cranach el Viejo y Courbet, para tratar de recaudar 40 millones de dólares y amortiguar la crisis económica derivada de la caída en picado de visitantes por el desplome del turismo. Este ejemplo derivó en que la Asociación de Directores de Museos de Estados Unidos (AAMD) aprobara hasta abril de 2022 "no penalizar las ventas que sirvieran para pagar gastos asociados al cuidado de las colecciones" de los museos.

Es decir, se establecieron nuevas líneas rojas que permitieron algunas transacciones comerciales. "No se estableció ningún tipo de precedente porque esta decisión terminó en 2022″, recuerdan a este diario desde la AAMD. "De hecho, solo unos pocos museos vendieron obra para afrontar necesidades financieras". ¿Cuántos? "No tenemos esa información", aseguran.

Capítulo 3: "Los museos no son supermercados"

Cuando sonó el mazo del maestro de ceremonias de la subasta en Christie's en septiembre, en el Langmatt respiraron con alivio. Fue la solución más extrema que encontraron y su director dice, con exclamación, que "esto no significa que los museos tengan que vender sus objetos". "Sería extremadamente peligroso. ¡Los museos no son supermercados!".

Stegmann rechaza que su decisión marque un precedente en Europa. "Es absolutamente único y así debería considerarse", dice. "La existencia del Langmatt estaba amenazada. Este museo ha podido rescatarse a sí mismo sin destruir su colección e identidad".

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Vender tres cuadros de Cézanne para pagar las facturas: el dilema existencial de un museo suizo

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La decisión del Langmatt de deshacerse de obras de su colección para salvarse del cierre plantea el debate sobre la protección del patrimonio artístico de los países

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Obra recuperada de Artemisia Gentileschi

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Obra recuperada de Artemisia Gentileschi

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'Susana y los viejos', encargada por la esposa del Rey Carlos I de Inglaterra, fue adscrita erróneamente a la Escuela Francesa. Se encontraba en un almacén de la residencia real de Hampton Court. Tras su restauración, se exhibe en el castillo de Windsor

Una pintura perdida de Artemisia Gentileschi, 'Susana y los viejos', ha sido descubierta en la Colección Real del Reino Unido. Concretamente, se hallaba en un almacén de la residencia de Hampton Court desde hace un siglo, cubierta de polvo. Tras su restauración, se exhibe ahora en el castillo de Windsor. El cuadro había sido mal atribuido y almacenado durante muchos años, sin que nadie se fijara en él. "Artemisia era una artista fuerte, dinámica y excepcionalmente talentosa, cuyos personajes femeninos, incluida Susana, te miran desde sus lienzos con la misma determinación que Artemisia tuvo en un mundo del arte dominado por los hombres en el siglo XVII", dijo Anna Reynolds, una de las conservadoras de la Colección Real, en un comunicado de prensa.

Este descubrimiento arroja luz sobre su estancia en Londres a finales de la década de 1630, cuando trabajó brevemente junto a su padre, Orazio, en la corte inglesa. El tema de la obra cobra especial relevancia si tenemos en cuenta la biografía de la artista: fue violada en Italia por otro artista y amigo de su padre, Agostino Tassi, y vivió un infierno en el posterior juicio. La pintura representa la historia bíblica de Susana, que rechazó las insinuaciones de dos hombres en su jardín y se enfrentó a la muerte tras una falsa acusación de infidelidad.

Esta obra maestra fue rescatada gracias a la experiencia del historiador de arte Niko Munz y un equipo de conservadores de la Colección Real, que estaban investigando el paradero de pinturas que se suponía perdidas o vendidas de la Colección Real después de la ejecución de Carlos I en 1649. Envuelta en tierra, bajo el pesado barniz de restauraciones anteriores, se halló el lienzo. En su parte posterior aparecieron las letras CR, de 'Carolus Rex', que representan a Carlos I. Ávido coleccionista y mecenas, poseía siete pinturas de Artemisia, pero durante mucho tiempo se creyó que sólo una, 'Autorretrato como alegoría de la pintura', sobrevivió. Su historia ahora ha sido rastreada gracias a los registros oficiales que así lo demuestran. Fue encargado por la esposa del rey, Enriqueta María de Francia, alrededor de 1638-1639. La obra colgaba sobre la chimenea de su salón privado.

La pintura fue devuelta al hijo del rey, Carlos II, después de la restauración en 1660, donde permaneció colgada en Somerset House. Una acuarela de 1819 lo muestra apoyado contra una pared en el dormitorio de la reina en el Palacio de Kensington. En ese momento, la reputación de Artemisia había decaído y la obra finalmente se trasladó al Palacio de Hampton Court. El último registro muestra que fue objeto de una restauración en 1862, que en aquel momento requirió una intensa pintura, antes de caer en el olvido. El interés por las pinturas barrocas desapareció en el siglo XVIII y su obra fue almacenada y atribuida erróneamente a otro artista italiano menor, antes de ser adscrita erróneamente a la Escuela Francesa.

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Una pintura de Artemisia Gentileschi perdida desde hace un siglo, hallada en la Colección Real británica

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'Susana y los viejos', encargada por la esposa del Rey Carlos I de Inglaterra, fue adscrita erróneamente a la Escuela Francesa. Se encontraba en un almacén de la residencia real de Hampton Court. Tras su restauración, se exhibe en el castillo de Windsor

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Per mi l'art és una manera de comunicar emocions i idees a través de diferents formes i mitjans.

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Per mi l'art és una forma de manifestar les idees i sentiments de cadascú

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Per mi l'art és on la gent s'expressa lliurement a través de pinturas, esculturas...

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Per mi l'art és el que cada persona consideri personalment per ella l'art.

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L'art es una forma d'expressió en que l'autor dona forma a la peça per tal d'expressar o aconseguir transmetre un missatge ja sigui sentimental, subjectiu, de bellesa o propagandistic. L'art per tant també és llenguatge.

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Duele mucho saber que lo bonito nunca se queda. "Morad"

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L'art és el missatge més enllà de les paraules. Donant importància al sentiment que vol transmetre l'autor. Funciona per expressar un munt de coses, per això és una font històrica que ens informa sobre el passat i el present.