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A arte japonesa é uma expressão rica e diversificada que evoluiu ao longo de séculos, influenciada pela cultura budista chinesa e coreana no século VI. Características como desequilíbrio, simplicidade, natureza, uso do espaço em branco, influência do Zen, tradição e modernidade, respeito pela imperfeição e busca pela harmonia definem a estética japonesa. A arte reflete influências religiosas e filosóficas, incorporando símbolos culturais e temas espirituais.

Ao longo da história, períodos como Muromachi e Momoyama moldaram a arte japonesa, com destaque para a monocromia e a influência de Sesshu Toyo. A cerimônia do chá, durante o período Momoyama, tornou-se um símbolo político, unindo estética e prática social.

A obra "A Grande Onda de Kanagawa" de Hokusai, uma xilografia, exemplifica a conexão entre arte e espiritualidade, representando a impermanência da vida, conforme ensinamentos budistas e xintoístas. O Monte Fuji, associado ao xintoísmo e budismo, é considerado sagrado, refletindo a busca espiritual e a dualidade da vida representada na obra.

A introdução da técnica de xilografia (ukiyo-e) no século XVII contribuiu para a proliferação da arte visual no Japão, destacando-se na produção de gravuras e pinturas. A natureza efêmera e a beleza da imperfeição, encapsuladas pelo conceito de "wabi-sabi", continuam a influenciar a estética japonesa contemporânea.

Além disso, a artista Yayoi Kusama representa uma faceta única da arte japonesa moderna. Nascida em 1929, sua obra abrange pinturas, esculturas, colagens, performances e instalações, sendo marcada por uma obsessão por pontos e bolas. Vivendo em Nova York desde 1958, ela foi uma protagonista nos protestos contra a guerra do Vietnã, incorporando elementos psicodélicos em suas criações.

Através da história, a arte japonesa continua a ser uma fusão de tradição e inovação, influenciando e sendo influenciada por diversas correntes culturais e filosóficas.

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A arte africana é rica e diversificada, refletindo a vasta gama de culturas presentes no continente. Suas expressões artísticas abrangem danças, máscaras, vestimentas, instrumentos musicais e arquitetura, destacando a complexidade e a profundidade das tradições africanas.

As danças africanas são uma forma de comunicação e celebração, muitas vezes incorporando movimentos rituais e simbólicos. Cada tribo e região possui seus estilos distintos, transmitindo narrativas culturais e espirituais por meio do movimento corporal.

As máscaras africanas desempenham um papel fundamental em cerimônias e rituais, representando espíritos ancestrais, deuses ou forças da natureza. Elas são elaboradamente esculpidas e frequentemente adornadas com cores vibrantes, simbolizando aspectos específicos da cultura de uma comunidade.

As vestimentas africanas são intrinsecamente ligadas à identidade e ao status social. Cada peça de roupa muitas vezes carrega significados culturais profundos, com padrões e cores específicos associados a eventos especiais, como rituais de passagem ou celebrações.

Instrumentos musicais africanos são diversos e variados, incluindo tambores, kalimbas, flautas e muitos outros. A música desempenha um papel crucial nas celebrações e rituais, conectando as comunidades com suas tradições e espiritualidade.

A arquitetura africana reflete a diversidade cultural do continente, com estilos distintos em diferentes regiões. Desde as antigas civilizações do Egito até as estruturas de barro na África Ocidental, a arquitetura africana incorpora técnicas e materiais locais, muitas vezes em simbiose com o ambiente natural.

Em resumo, a arte africana é uma expressão multifacetada que transcende fronteiras geográficas e temporais. Ela é um testemunho da riqueza das culturas africanas, incorporando tradições, crenças e a herança única de cada comunidade.

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A história da China é marcada por três importantes dinastias que moldaram não apenas o governo, mas também a cultura e a sociedade do país. As dinastias Xia, Shang e Zhou governaram a região ao redor da Bacia do Rio Amarelo, desempenhando papéis cruciais na ocupação do território chinês e na formação étnica da nação.

A Dinastia Xia, a mais antiga das três, surgiu por volta de 2200 a.C. e perdurou até 1750 a.C., concentrando-se no Vale do Rio Amarelo. Sob o reinado de Yu, o Grande, a dinastia enfrentou inundações do rio e testemunhou avanços significativos na agricultura, comércio e medicina. No entanto, a Dinastia Xia é envolta em mistérios e lendas devido à escassez de evidências arqueológicas e registros históricos.

A Dinastia Shang, que prosperou de aproximadamente 1600 a.C. a 1046 a.C., deixou uma marca duradoura na arte e cultura chinesas. Durante esse período, a arte estava profundamente ligada às práticas religiosas e rituais da sociedade. Os estudiosos desenvolveram um sistema de escrita gravado em ossos de animais e peças de bronze. Além disso, a sociedade Shang era conhecida pelo uso refinado de peças de bronze e pela organização social avançada.

A Dinastia Zhou, considerada a fundadora da civilização chinesa, controlou a China durante o Reino Médio, introduzindo a era do ferro no país. Destaca-se nesse período o nascimento de Confúcio em 600 a.C., um filósofo cuja doutrina, o Confucionismo, influenciou a hierarquia tradicional, os rituais, a piedade e o respeito aos mais velhos. A dinastia também foi responsável pela elaboração dos primeiros artefatos bélicos em ferro, fortalecendo as defesas nas fronteiras chinesas.

Essas dinastias desempenharam papéis cruciais na formação da China antiga, contribuindo não apenas para sua estrutura política, mas também para seu desenvolvimento cultural e tecnológico. O legado dessas eras perdura na China contemporânea, refletindo uma história rica e complexa que influenciou não apenas o país em si, mas também outras nações ao redor do mundo.

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A arte bizantina, originária do Império Bizantino, reflete uma síntese de influências culturais, incluindo helênicas, romanas, persas e armênias. Com seu epicentro em Constantinopla, a arte bizantina desempenhou um papel crucial na promoção do catolicismo, sendo a principal religião dos bizantinos. A representação de figuras religiosas, como Santos, Anjos, Virgem Maria e Cristo, era proeminente, especialmente em murais dentro das igrejas ortodoxas.

O hieratismo, um estilo artístico marcante da arte bizantina, enfatizava solenidade e formalidade, retratando figuras religiosas em posturas rígidas e simétricas. A frontalidade, associada a esse estilo, criava uma conexão espiritual, pois as figuras olhavam diretamente para o observador, transmitindo serenidade e sacralidade.

A oposição às produções greco-romanas era evidente na recusa da representação da nudez, destacando a diferença na abordagem entre as culturas. Enquanto na arte greco-romana o corpo humano era exaltado, na arte bizantina, a alma humana buscava Deus, afastando-se da materialidade.

As imagens na arte bizantina tinham a função de conectar a alma humana ao divino, promovendo a busca por Deus. No entanto, a iconoclastia, um movimento que ocorreu nos séculos VIII e IX, liderado pelos iconoclastas, resultou na destruição de imagens religiosas.

A arquitetura bizantina, influenciada pela romana, apresentava uma fachada simples, enquanto o interior era rico em materiais valiosos e cores vibrantes, evocando o esplendor celestial do Reino de Deus. Os mosaicos, técnicas de justaposição de pequenas peças de cerâmica ou vidro, eram comuns em igrejas católicas, utilizando tesselas estrategicamente posicionadas para refletir a divindade.

Um exemplo notável da arte bizantina é o mosaico "Virgem Maria e o Menino" com o Imperador João II Comneno e Imperatriz Irene. Nessa obra, Maria e Jesus são representados com a Imperatriz Irene e o Imperador João II em atos de veneração, simbolizando a ligação maternal e a devoção à divindade.

Assim, a arte bizantina, com suas características distintivas e influências culturais, desempenhou um papel significativo na expressão religiosa e na construção estética, deixando um legado duradouro na história da arte.

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A arte das civilizações ameríndias, como os maias, astecas e incas, é um reflexo fascinante da riqueza cultural e complexidade dessas sociedades pré-colombianas. Cada uma dessas civilizações desenvolveu formas artísticas distintas, refletindo suas crenças, valores e realizações tecnológicas.

Os maias, por exemplo, alcançaram um alto nível de sofisticação em arquitetura, escultura e cerâmica. Suas cidades, como Tikal e Palenque, apresentam magníficos templos e pirâmides, muitas vezes adornados com esculturas detalhadas e hieróglifos que contam histórias da mitologia maia. A cerâmica maia é conhecida por suas formas elaboradas e intrincados desenhos, frequentemente representando figuras humanas ou deidades.

Os astecas, por sua vez, eram mestres na arte da lapidação de pedras preciosas e na elaboração de objetos de ouro e prata. Suas esculturas retratavam frequentemente deidades e figuras mitológicas, destacando-se pela riqueza de detalhes e pela expressividade. A arquitetura asteca, notavelmente exemplificada pelo Templo Mayor na cidade de Tenochtitlán, incorporava simbolismos religiosos e estilos artísticos distintos.

Os incas, uma civilização conhecida por sua engenhosidade arquitetônica, construíram cidades incríveis, como Machu Picchu, situada nas altas montanhas dos Andes. A arquitetura inca é marcada por construções de pedra polida, com técnicas avançadas de encaixe que permitiam a resistência a terremotos. A arte inca também se manifestava em tecidos ricamente decorados, conhecidos como quipus, que eram usados para registros e comunicação.

Em todas essas culturas ameríndias, a arte desempenhava um papel fundamental na expressão de crenças religiosas, na celebração de conquistas e na representação de sua compreensão única do cosmos. Através de suas criações artísticas, os maias, astecas e incas legaram um rico legado que continua a fascinar e inspirar o mundo moderno, proporcionando uma visão única da riqueza e diversidade das culturas pré-colombianas.

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A arte ameríndia brasileira é uma expressão rica e diversificada que remonta a milhares de anos, entrelaçada com a história das diversas culturas indígenas que habitaram o extenso território brasileiro. Desde a Amazônia até o sul do país, as produções artísticas refletem as crenças espirituais e a conexão intrínseca com a natureza dessas culturas.

A diversidade é uma marca distintiva da arte ameríndia, com diferentes grupos utilizando materiais naturais como madeira, argila e fibras em suas criações. Pinturas e desenhos frequentemente representam elementos da natureza, revelando uma funcionalidade tanto cerimonial quanto prática nas obras. A cerâmica Marajoara, originária da Ilha de Marajó, no Pará, exemplifica formas complexas e detalhes elaborados, muitas vezes representando animais estilizados e figuras antropomórficas, utilizando técnicas avançadas de modelagem e pintura.

A arte Kadiwéu, produzida pela tribo homônima em Mato Grosso do Sul, destaca-se pelo uso de penas, fibras e sementes em peças que eram integradas aos trajes cerimoniais. Essas criações revelam a autenticidade da arte tradicional da tribo Kadiwéu.

Ao longo da pré-colonização, por volta de 1400 a.C., a arte ameríndia era evidenciada por pinturas rupestres na Serra da Capivara, cerâmica Marajoara, arte da cultura Santarém e objetos esculpidos da cultura Tapajônica. Mesmo com a colonização em 1500, essas expressões artísticas permaneceram presentes, refletindo a resiliência das tradições indígenas.

No período pós-colonização, especialmente a partir do século XIX, a arte indígena continuou a evoluir, mantendo a vitalidade através da persistência da pintura corporal, técnicas de cestaria e tecelagem. No século XX, presenciamos um ressurgimento da arte ameríndia contemporânea, evidenciando a capacidade de adaptação e inovação das tradições culturais ao longo do tempo.

A contextualização histórica, geográfica e temporal é essencial para compreender a complexidade e importância da Arte Ameríndia Brasileira. As influências das culturas indígenas, a diversidade ambiental e a colonização moldaram a trajetória dessa forma de expressão artística, que não apenas é esteticamente bela, mas profundamente carregada de significado cultural e histórico para as comunidades indígenas. Uma curiosidade adicional destaca o uso de padrões e desenhos, como na cultura Kayapó, onde cada elemento não é apenas decorativo, mas carrega mensagens e informações profundas sobre identidade tribal, crenças espirituais e conexão com a natureza. Assim, a arte ameríndia não apenas transcende o estético, mas também serve como um meio crucial para preservar e transmitir as ricas tradições das comunidades indígenas brasileiras ao longo dos séculos

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A Idade Média Gótica, que abrangeu os séculos XII ao XV na Europa, testemunhou uma notável transformação na arquitetura e nas artes, marcando um período de esplendor e inovação. Originário na Île-de-France, na França, o estilo gótico floresceu sob a liderança do abade Suger na reconstrução da igreja de Saint Denis, introduzindo elementos arquitetônicos góticas como paredes finas, amplas janelas e uma ênfase na luz figurativa e divina.

Este conceito inovador rapidamente se disseminou por toda a Europa, com cidades francesas como Chartres, Notre-Dame de Paris e Reims competindo na construção de catedrais impressionantes. Além das fronteiras, a influência do estilo gótico estendeu-se à Inglaterra, com a catedral de Canterbury, à Alemanha, com a catedral de Colônia, e manifestações únicas na Espanha, Itália e Portugal.

A arquitetura gótica caracterizava-se pela sensação de leveza e altura, alcançada por inovações estruturais como abóbadas de cruzaria e arcos ogivais. As catedrais, verdadeiros ícones da Cidadela Celestial, destacavam-se por estruturas elaboradas, portais ornamentados e torres majestosas. Uma das características marcantes eram as ogivas, arcos em forma de ponta que permitiam uma distribuição mais eficiente do peso, possibilitando a construção de espaços amplos e a inclusão de vitrais coloridos que enriqueciam a experiência espiritual.

Na pintura gótica, artistas como Giotto buscaram humanizar figuras religiosas, desempenhando um papel crucial na estética neogótica. A escultura gótica, intimamente ligada à arquitetura das catedrais, enfatizava verticalidade e detalhes minuciosos. A iluminura, ilustrações meticulosas em manuscritos, ganhou destaque, permitindo a incorporação de elementos neogóticos em livros religiosos e profanos.

Apesar das resistências, como as críticas de Giorgio Vasari durante o Renascimento, o legado do estilo gótico perdurou na Europa, moldando o desenvolvimento subsequente da arte e arquitetura. A Idade Média Gótica permanece como um período de profunda inspiração neogótica, onde a arquitetura, escultura e pintura convergiram para criar uma expressão única que transcendia o tempo e influenciava gerações futuras.

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A arte islâmica, profundamente influenciada pela religião muçulmana, é caracterizada por sua abordagem espiritual e ênfase em padrões geométricos em diversas formas artísticas, como artesanato, caligrafia e arquitetura. Esta tradição artística proíbe a representação física de seres e objetos, em consonância com a crença contra a idolatria, conforme expressa no Alcorão.

Os cinco pilares do Islã, que incluem recitar o credo, orar em direção a Meca, jejuar durante o Ramadã, doar para os menos favorecidos (zakat) e realizar a peregrinação a Meca, desempenham um papel fundamental na vida dos muçulmanos.

Os padrões geométricos na arte islâmica não apenas servem como elementos decorativos, mas também proporcionam uma reflexão sobre a grandiosidade da criação divina, ressaltando a infinitude da natureza de Alá. Esses padrões influenciaram não apenas a arte islâmica, mas também tiveram impacto em outras tradições artísticas, incluindo a arte cristã.

A civilização islâmica se ramificou em duas vertentes, os safávidas e os otomanos. Enquanto os safávidas na Pérsia se destacavam por pinturas que incluíam formas humanas e tapeçaria, os otomanos, espalhados pela Europa, Ásia Central e norte da África, mesclavam elementos da arte bizantina, chinesa e mongol.

A caligrafia árabe, considerada uma forma de arte superior, desfruta de alto status social e está intrinsecamente ligada à religião. Originou-se para compensar a ausência de imagens no Alcorão, e a habilidade na caligrafia era passada de mestre para aluno até que alcançasse semelhança.

A tapeçaria era uma expressão artística significativa, inicialmente utilizada por nômades e mais tarde na decoração de casas e templos. Nas mesquitas, desempenhava um papel crucial, proporcionando um tapete geométrico abstrato e conforto aos muçulmanos durante as orações.

A pintura islâmica, usada em palácios, edifícios públicos e livros, retratava cenas da vida cotidiana da corte. No entanto, poucas dessas obras sobreviveram até hoje, e muitas foram perdidas ao longo do tempo.

Em resumo, a arte islâmica é uma expressão única que reflete a espiritualidade, proibindo representações físicas e destacando padrões geométricos como meio de contemplação da criação divina. Essa tradição artística, ligada aos cinco pilares do Islã, deixou um legado impactante e influenciou outras formas de arte em diversas culturas.

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A arte romana, que se estendeu por mais de mil anos, é uma expressão rica e diversificada que abrange desde a República até o Império, enraizada em influências gregas e etruscas. A escultura romana, inspirada na arte grega, busca realismo em suas representações. Além da predominância do mármore, os escultores romanos trabalhavam também com metais preciosos, vidro e terracota, destacando-se por suas habilidades técnicas e fusão de elementos próprios.

Na arquitetura, os romanos deixaram um legado monumental. O Coliseu é um ícone, representando a grandiosidade dos estádios e arenas, onde até 50 mil espectadores podiam testemunhar batalhas de gladiadores. Aquedutos, como o famoso de Segóvia na Espanha, ilustram a engenhosidade romana em fornecer água para cidades, banhos e atividades diversas.

Os romanos aprimoraram a técnica de afresco na pintura, destacando quatro estilos distintos: incrustação, arquitetônico, enfeitado e intricado. Cada estilo revela uma abordagem única para representar a realidade, desde imitar texturas de mármore até criar ilusões de profundidade e detalhes intricados.

A influência romana transcende as artes visuais. A disseminação do cheesecake romano, conhecido como Savillum, é um exemplo intrigante. Documentado com precisão por Marcus Catão, tornou-se popular entre escravos, soldados e aristocratas. A expansão do Império Romano levou não apenas a arte, mas também aspectos culturais como a culinária para novas fronteiras, impactando regiões da Europa às Américas, Ásia, Oceania e África ao longo dos séculos.

A arte romana, assim, não apenas encapsula a evolução estilística ao longo das eras, mas também reflete a influência duradoura da cultura romana em diversas esferas, consolidando-se como uma parte integral do patrimônio histórico e cultural global.

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A Arte Românica, florescendo entre os séculos XI e XIII na Europa, marcou a transição da Alta Idade Média para o estilo gótico. Este movimento cultural e artístico refletiu as mudanças políticas, religiosas e culturais que ocorreram enquanto a Europa Ocidental se recuperava de invasões estrangeiras. A crescente influência do Cristianismo e da Igreja Católica encontrou expressão na arte românica, especialmente em igrejas que serviam como centros de autoridade e aprendizagem religiosa.

Originada na Lombardia, Itália, a arte românica se espalhou por países como França, Espanha, Alemanha e Inglaterra. Sua arquitetura única é evidenciada por arcadas semicirculares, paredes espessas, abóbadas de berço, pilares maciços, janelas pequenas e ornamentação simples, destacando seu caráter religioso. O uso de materiais locais também caracteriza esse estilo.

Exemplificando essa produção, a Basílica de Saint-Sernin em Toulouse, França, consagrada em 1096, é a maior igreja românica conservada na Europa. A Igreja de São Martinho de Tours, em Frómista, Espanha, construída no século XI, também destaca a autenticidade e beleza do estilo românico.

Além da arquitetura, a Arte Românica está intrinsecamente ligada aos mosteiros, iluminuras e letras capitulares. Os mosteiros eram centros cruciais para a preservação do conhecimento e a criação artística. Monges desempenhavam papel fundamental na produção de iluminuras, ilustrações de manuscritos, e nas letras capitulares, que eram verdadeiras obras de arte, refletindo a ênfase na estética na transmissão do conhecimento.

Essa relação profunda entre as artes e os mosteiros contribuiu significativamente para a preservação cultural, expressão espiritual e comunicação visual na Europa medieval durante o período românico. A interconexão entre espaço, religião e sociedade moldou não apenas a arte, mas também a própria identidade da Europa daquela época.

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Período arcaico

Muitos mitos eram objetos de representação. Nesse período, o corpo era retratado de forma rígida pelos escultores.

Na escultura Cleobis e Biton, de Polímedes de Argos, é possível observar que não existe a ideia de retrato nem de personalização. Os traços são genéricos, apresentam uma aparência plácida, sem sentimentos fortes. O corpo é retratado de forma rígida e simétrica. A escultura é conhecida como kouros e é caracterizada por sua nudez, frontalidade e porte inabalável. Essas esculturas não eram retratos, mas sim representações abstratas dos ideais e princípios da aristocracia da época.

Período severo

Durante o período de transição entre a escultura arcaica e clássica na Grécia, notam-se mudanças significativas na representação artística, como a ausência do "sorriso arcaico" e uma maior dinâmica nas formas das esculturas. Um exemplo é a escultura do Efebo de Kritios, que apresenta uma mudança no eixo corporal, criando dinamismo, e é chamada de "contrapposto."

As esculturas gregas desse período não eram assinadas e eram atribuídas com base em descrições de poetas. O valor estava na obra em si, não no renome do artista.

A escultura do Auriga retrata um cocheiro da Grécia Antiga, com uma expressão facial individualizada e um maior realismo, transmitindo calor e vitalidade. Essas mudanças marcaram uma transição importante na escultura grega, preparando o terreno para o período clássico.

Período clássico

Ocorreu entre os séculos V a.C. e IV a.C., marcado por realizações significativas nas áreas da Arte, Literatura, Arquitetura e Filosofia. Uma das notáveis representações desse período é a escultura do Apolo de Belvedere, que se destaca pela aplicação dos princípios de equilíbrio e harmonia ao corpo humano. Sua postura é majestosa, e os detalhes das roupas são notáveis pela sua semelhança com a realidade. Embora o rosto revele um naturalismo, ele não exibe emoções fortes, mantendo uma fisionomia serena e controlada. Essa obra é emblemática do refinamento artístico e estético do período clássico na Grécia.

Período helenístico

Teve início com a morte de Alexandre, o Grande, em 323 a.C. Ele é notável pela internacionalização da cultura grega devido às conquistas territoriais de Alexandre, que incluíam a Pérsia e o Egito. Após a morte de Alexandre, seus generais dividiram seu império, dando origem a Estados independentes que promoveram uma cultura cosmopolita, misturando elementos do Oriente e do Ocidente.

A escultura "Laocoonte e seus filhos" exemplifica a filosofia artística helenística com seu tema trágico e representação cheia de movimento e dramaticidade. Ela evoca sentimentos de horror e envolve o observador com sua dinâmica. A desproporcionalidade intencional entre as figuras reflete a quebra de equilíbrio, destacando o desespero de Laocoonte diante do tamanho dos filhos. As expressões de pavor e sofrimento são visíveis nas faces das figuras, e a composição diagonal cria um impacto visual.

A história de Laocoonte é contada na obra "Eneida" de Virgílio, onde ele adverte os troianos contra o cavalo de madeira grego, sendo interpretado como uma artimanha de Ulisses. No entanto, ele é castigado por serpentes enviadas pelos deuses, o que os troianos interpretam como um castigo por sua oposição ao presente. Esse evento culmina na queda de Troia, determinando seu fim após 10 anos de guerra.

O período helenístico é marcado pela disseminação da cultura grega em um contexto internacional, e a escultura de "Laocoonte e seus filhos" exemplifica a expressão artística desse período, rica em emoção e dramaticidade

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o povo se localizava as margens do rio Nilo, de 3200 a.C. a 30 a.C.

A sociedade era organizada por critérios religiosos e econômicos. O faraó ocupava o topo desta hierarquia na condição de chefe de Estado sendo adorado por outros membros da sociedade. Abaixo, temos os sacerdotes como agentes organizadores dos cultos e atividades religiosas, os nobres e escribas ocupavam uma posição intermediária realizando importantes tarefas que mantinham o funcionamento do Estado.

A base desta sociedade ainda contava com os soldados, que eram sustentados pelo governo. mais abaixo, os camponeses e artesãos, que trabalhavam nas colheitas e na organização das obras públicas necessárias ao desenvolvimento agrícola e comercial. Por fim, havia uma pequena parcela de escravos que também estavam subordinados ao Faraó.

Boa parte da produção arquitetônica e artística era voltada para uma próxima vida.

As câmeras mortuárias, que eram salas escondidas destinadas a abrigar os bens necessários que o morto levar para a próxima vida.

Se acreditava que após a morte o faraó seria julgado pela deusa da verdade, a Maat, e depois voltaria e reabitaria o próprio corpo, que fora conservado pela técnica de mumificação.

Outra crença seria que a da encarnação divina, em que o faraó voltaria a vida ao habitar sua figura esculpida. Por isso, o escultor dessa figuras era designado como "aquele que mantém vivo". Essas estátuas eram esculpidas em materiais resistentes e sem movimento.Braços e pernas criavam um bloco com o restante do corpo protegido tendo a anatomia humana como uma aproximação. as paredes das câmeras podiam apresentar pinturas e inscrições em hieróglifos que detalhavam as atividades diárias do falecido.

"A lei da frontalidade", muito usando no caso de pinturas e relevos com representações humanas em painéis horizontais, apresentava os olhos e os ombros em vista frontal, enquanto a cabeça, os braços e as pernas estariam de perfil. Quanto maior fosse a escala da representação, maior seria a condição social da figura retratada.

O povo egípcio costumava representar seus deuses como: figuras humanas, figuras animais ou como antropozoomorfismo, que é a mistura de humanos com animais.

A valorização da figura do faraó era um tema recorrente e a representação em perspectiva não existia. Os egípcios também já dominavam técnicas de fundição de metais compostos com pedras naturais, frequentes nas máscaras mortuárias de ouro maciço, como a máscara mortuária do faraó Tutancâmon.