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Se llama arte prehistórico a todas las representaciones simbólicas hechas en la prehistoria. Abarca todas las obras registradas desde los primeros homínidos hasta el momento de invención de la escritura. El arte prehistórico incluye desde pequeños objetos hasta construcciones megalíticas (monumentos hechos con grandes bloques de piedra).

El arte prehistórico abarca tres grandes períodos cronológicos:

Arte paleolítico. Es el más antiguo. Consiste mayormente en pinturas y relieves hechos con las manos o con instrumentos de piedra mediante técnicas rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales molidos.

Arte mesolítico. Representa una transición entre las formas antiguas del Paleolítico y las nuevas del Neolítico. Su registro más conocido es el del arte levantino, originario de la franja oriental de España, donde se representaban escenas rituales mediante figuras muy estilizadas.

Arte neolítico. Durante la llamada Revolución Neolítica, el hombre se volvió sedentario y el arte se transformó con la incorporación de nuevos materiales y descubrimientos técnicos como la cerámica, fruto del horneado.
Hacia finales del período aparece la arquitectura o el arte megalítico, que consiste en inmensas construcciones de piedra de significado y propósito aún desconocidos, como el monumento Stonehenge (Inglaterra), un círculo de menhires (enormes piedras verticales) con alineaciones astronómicas.

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El arte del Antiguo Egipto es una de las características singulares de la civilización egipcia, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico, funerario o religioso.

La importancia del equilibrio se manifestó como simetría, e inspiró el arte egipcio desde su inicio. El grabado en roca en el Período Predinástico estableció esta armonía, la cual se desarrolló por completo en la época de la Primera Dinastía de Egipto (3150-2613 a.C.). Esta técnica alcanza su máximo nivel con la Paleta de Narmer (3200-3000 a.C.), para celebrar la unificación del Alto y Bajo Egipto, con el reinado del Faraón Narmer. La paleta narra la victoria del gran rey sobre sus enemigos, y cómo los dioses lo animaron y aprobaron sus acciones; es una losa de piedra de limo en forma de escudo con una serie de relieves grabados. A pesar de que algunas de las imágenes de la paleta son difíciles de interpretar, la celebración por la unificación es bastante clara.

Cabe aclarar que aún no existía el concepto de autoría y las obras eran creadas muchas veces entre grupos de artistas.

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El arte de la Antigua Grecia está constituido por las obras de arquitectura, escultura, pintura y otras artes plásticas realizadas durante Edad Antigua por los pueblos griegos que habitaban distintas zonas de la cuenca de Mar Mediterráneo, especialmente en su parte oriental. El arte de los griegos antiguos se caracteriza por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el "mundo ideal" del modelo platónico, mediante la imitación de la naturaleza en el sentido de la mímesis aristotélica.

Se establecieron varios períodos:

Alrededor del siglo VIII a. C. surgió un tipo de manifestación plástica propiamente griega del que se conservaron ejemplos en la cerámica, ya que no se conservan monumentos o piezas escultóricas de esa época. Las más antiguas pertenecen al llamado estilo geométrico. Las cerámicas estaban ornamentadas con formas geométricas y escenas realizadas con figuras esquemáticas y sintéticas. Con el tiempo, esas formas derivaron hacia otro estilo más descriptivo y orgánico que los estudiosos han llamado estilo orientalizante.

Entre finales del siglo VII a. C. y comienzos del V a. C. se desarrolló el período arcaico. Es ese momento aparecieron las primeras obras de arquitectura y escultura monumentales realizadas en piedra. La producción de cerámica decorada comenzó a exhibir escenas descriptivas de la mitología, la literatura y la vida cotidiana representadas con formas esquemáticas pero muy detalladas.

El período que va desde el 479 a. C. hasta el fin de la guerra del Peloponeso, en el 404 a. C., corresponde al momento en que el arte y la cultura griega llegaron a su máximo desarrollo y por eso se llama a esta etapa período clásico. Luego de una momento de transición, conocido como período severo, los artistas griegos lograron condensar en sus formas la concepción filosófica de la época. Esto significa que los artistas produjeron esculturas y edificios equilibrados, armónicos y serenos en los que pudieron plasmar su ideal de belleza filosófico.

A partir de la conquista de Grecia por parte del rey Filipo de Macedonia, durante el siglo IV, las ciudades-estado griegas se disolvieron y se incorporaron al Imperio macedónico. Como consecuencia de la nueva situación de Grecia, así como del intercambio de influencias culturales entre los pueblos que integraban, primero el imperio y luego, los reinos macedónicos, cambió el gusto de la sociedad y los objetos artísticos pasaron a tener otras funciones. Surgió, por ejemplo, el coleccionismo de objetos artísticos que generó una demanda de piezas para disfrutarlas solo por su belleza o su curiosidad. Se inició así el período helenístico durante el cual se dejó de lado la búsqueda de una belleza idealizada y los artistas comenzaron a representar la individualidad, el carácter personal, lo novedoso y lo extraño. Con la expansión del Imperio, las formas griegas se adaptaron a los gustos orientales.

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El arte romano es el conjunto de manifestaciones de las artes visuales producidas en la Antigua Roma y difundidas hacia todo el Imperio Romano. Las principales referencias de estilos, temas y técnicas provenían del arte griego. Sin embargo, el arte romano tendía a la practicidad, la monumentalidad y el realismo en lugar de la idealización, la armonía y la proporción que habían impuesto los griegos. Ambas expresiones forman parte de lo que se conoce como cultura clásica.

Los romanos destacaron en arquitectura, pintura, mosaico, escultura y relieve. Desarrollaron edificaciones religiosas, fúnebres y de ocio, como basílicas, circos, teatros, anfiteatros y termas, además de nuevos sistemas constructivos y soluciones urbanísticas como cloacas y acueductos que sorprenden por su diseño e ingeniería.

Características:

1. Propósito utilitario

A diferencia de sus predecesores etruscos y griegos, los romanos dieron prioridad al aspecto funcional por encima del estético. La concepción pragmática de los romanos generó un arte enfocado en propósitos específicos. Estos propósitos podían ser prácticos (llevar agua a la ciudad, por ejemplo) o conmemorativos (representar personajes importantes o hechos históricos).

2. Enfoque realista

En esculturas, pinturas y mosaicos la figura humana era representada de manera natural, expresiva y realista. Las escenas eran cotidianas y mostraban la vida común.

3. Promoción de Roma como centro de poder

El poder imperial debía verse representado en edificaciones imponentes, arcos de triunfo, relieves y monumentos conmemorativos de batallas, gobernantes y personalidades. Los romanos dieron prioridad a la narrativa política para exaltar la grandeza del Estado.

4. Innovación urbana

Las ciudades romanas estaban muy bien planificadas. Además de construcciones monumentales y edificios dedicados al ocio, contaban con espacios verdes, sistemas avanzados de vialidad, gestión de residuos y suministro de agua a través de acueductos.

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El arte precolombino o arte prehispánico comprende el conjunto de obras artísticas e intelectuales, tales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalista y pintura realizadas por los oriundos del continente americano durante el período previo a la conquista.

Civilización del Caral:

(3.000 - 2.000 a.C)

Considerada la más antigua de América, esta civilización se asentó en la actual provincia de Barranca, Perú. A pesar de encontrarse en aislamiento cultural, realizaban intercambios comerciales con culturas de os Andes y el Amazonas. Construyeron la Ciudad Sagrada del Caral Supe.

Olmecas:

(1.200 a.C - 500 d.C)

Primera gran civilización de Mesoamérica, asentada en el Golfo de México. Realizaron grandes esculturas de cabezas humanas talladas en Basalto denominadas "Cabezas colosales", además de pinturas rupestres, conjuntos escultóricos, altos y bajos relieves.

Mayas:

(1.200 a.C - 1.519 d.C)

Establecida en el sur y suroeste Mexicano y parte de Guatemala, ampliamente conocidos por su conocimiento de la astronomía, que les permitió la invención de sistemas calendáricos. Construyeron grandes monumentos y templos que adornaron con relieves, también murales que pintaban con pigmentos de origen mineral que representaban escenas de la vida de grandes personalidades.

Teotihuacanos

(200 a.C - 750 d.C)

Relacionados directamente de manera comercial con los Mayas, este civilización estableció el centro urbano más importante de su época: la ciudad de Teotihuacán, en la que se encontraron vestigios de murales Mayas.

Tiahuanaco

(1580 a.C . 1587 d.C)

Considerada la civilización andina más longeva, se estableció en a orillas del lago Titicaca en Bolivia, pero se extendió hasta Perú y Chile. Se destacan sus cerámicas, que algunas veces tenían figuras antropomórficas, podían tratarse de objetos de uso cotidiano con diseños elaborados de animales.

Aztecas

(1.320 - 1.521 d.C)

Ubicaron la espléndida ciudad de Tenochtitlán en el lago Texcoco, también conocido como "Lago de la Luna" Crearon templos y sitios rituales para realizar sacrificios humanos, además de hacer esculturas de sus dioses y ponerlas en la cima de sus templos. Elaboraron un calendario en roca volcánica en el que se medía el tiempo y se representaban sus mitos.

Incas

(1.300 - 1.550 d.C)

Originalmente establecidos en el Valle de Cusco, extendieron su imperio desde Quito, Ecuador hasta el centro de Chile. Construyeron sus ciudades a base de grandes bloques de piedra. Decoraban las paredes interiores de sus edificios con telas decoradas con patrones geométricos, que también se pueden encontrar en la cerámica. También realizaban figuras hechas en aleaciones de metales.

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El arte medieval tiene origen en el arte paleocristiano. La decadencia del imperio romano dio lugar a que la iglesia católica ocupara un lugar cada vez más importante en la vida de las personas. Aunque su práctica no era legal en todo el imperio, más tarde fue legalizada por el emperador Constantino por medio del Edicto de Milán.

Encontramos ejemplos de su arte en las Catacumbas, que eran una serie de pasadizos y túneles subterráneos donde los primeros cristianos que eran perseguidos por los romanos, se ocultaban y celebraban servicios religiosos o funerarios. Pintaban las paredes de estos lugares ilustrando su fe, sin prestar mucha atención a la perfección, sino solamente a la gloria de Cristo, mostrando su historia.

Después de legalizada la práctica de la religión, los cristianos comenzaron a usar las basílicas como centro de culto y las decoraron con mosaicos, que eran una decoración hecha de pequeñas piedras y trozos de vidrio adheridas a las paredes.

Bizantino

(300 - 500 d.C)

Tras la separación del imperio Romano, su parte oriental tomó el nombre de imperio Bizantino y se estableció a Constantinopla como su capital. Durante esta época, la construcción de basílicas se encontró en auge y el interior de estas solía decorarse con oro, plata, marfil y gemas, además de los mosaicos usados para representar historias bíblicas. Para los artistas de este tiempo no era importante representar la belleza o alcanzar la perfección mediante el arte, para ellos solo era importante representar su fe y dar lecciones religiosas al pueblo.

Medieval

(475 - 1.050 d.C)

Continuó la construcción de basílicas, pero estas comenzaron a tomar la forma de una cruz, se agregaron las torres exteriores , pero casi todas ellas eran construidas en madera, lo que provocó su desaparición casi total. Los monasterios también fueron lugares muy comúnmente construidos en esta época, no solo como lugares de oración sino como centros de conocimiento, ya que los libros eran copiados a mano por los monjes, quienes ilustraban las páginas con decoraciones hechas a mano.

Románico

(1.000 - 1.100 d.C)

Este estilo fue mucho más evidente en la arquitectura, dando a las iglesias un tamaño mucho mayor y el cambio de la madera a la piedra como material de construcción, se construye una nave amplia con dos pasillos a cada lado con pilares que forman una arcada de arcos que conducen desde la entrada hasta el altar ubicado al fondo. Techos abovedados, ventanas pequeñas y torres dan a la iglesia de este periodo la apariencia de un castillo. Se realizaron esculturas para decorar el tímpano y los capiteles de las columnas interiores, representando escenas bíblicas y de la vida de santos. Grandes y coloridas pinturas decoraron también las paredes de las iglesias, estas no tenían sombras ni profundidad, eran planas y también trataban solamente temas religiosos. Los castillos también evolucionaron de ser una simple vivienda familiar a un edificio con torres de vigilancia, fosos y puentes levadizos diseñado para su fácil defensa.

Gótico

(1.000 - 1.500 d.C)

De nuevo vemos que los cambios más visibles se presentaron en la arquitectura, con la construcción de las catedrales. Se desarrollaron los arcos apuntados para soportar de mejor manera el peso del edificio, eliminando las paredes gruesas aprovechando los espacios para dar mejor iluminación con vitrales pintados. El estilo alargado siempre apuntando hacia el cielo no solo en las catedrales sino en la escultura también, realizando figuras alargadas. Las gárgolas hechas en piedra o metal, fueron desagües para evacuar el agua del techo que se adornaron con figuras grotescas. En cuanto a la pintura, se continuo decorando las paredes de las iglesias con murales, o pinturas en paneles de madera con escenas bíblicas. Artistas como Giotto, comenzaron a añadir a los rostros planos de las pinturas, emociones humanas y más movimiento.

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El arte del renacimiento se divide de la siguiente manera:

Renacimiento Italiano (1.400 - 1.520 d.C)

Quattrocento

(1.400 - 1.500 d.C)

Durante esta época se llevó a cabo un gran crecimiento del comercio en Italia y crecimiento de las ciudades. Se desarrolló un interés creciente por las culturas clásicas Griega y Romana. La invención y masificación de la imprenta llevaron a que la lectura de obras de autores clásicos se difundiera. El descubrimiento de la perspectiva lineal del arquitecto Filippo Brunelleschi, permitió a los artistas pintar profundidad y movimiento sobre una superficie plana.

El pintor Masaccio, considerado el primer renacentista, pintó su obra llamada la Santa Trinidad y en ella utilizó luces y sombras, además de la perspectiva, dándole una ilusión de profundidad.

Ghiberti realizó con la técnica vaciado en bronce, las puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, en las que se representan escenas bíblicas.

Bosch en su obra el jardín de las delicias, realiza un tríptico de madera que representa la creación del mundo.

Alto renacimiento (1.495 - 1.527)

Cincuecento

(1.500 - 1.600 d.C)

Esta fue la época en la que grandes genios artísticos como Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y Raphael crearon sus obras.

Leonardo Da Vinci experimentó permanentemente no solo en técnicas artísticas, sino en otros de sus conocimientos. Su versión de la última cena no fue todo un éxito debido a que en ella intentó una nueva técnica que no resultó. Una de sus obras más importantes es la mona lisa o Gioconda, a pesar de que el artista la consideraba inacabada luego de 16 años de trabajar en ella.

Miguel Ángel fue otro genio polifacético, más conocido por su escultura, pero que incluso llegó a la poesía. En su obra la piedad, convirtió un solo bloque de mármol en las dos figuras de la Virgen María y Cristo. También realizó las pinturas del techo de la capilla Sixtina, aunque consideraba mucho más importante la tarea de esculpir.

Raphael aprendió mucho de Da Vinci y Miguel Ángel, creando a partir de colores suaves, escenas como la escuela de Atenas. Encontrándose en la cima del renacimiento, creó obras llenas de precisión en sus trazos y perfeccionismo.

Manierismo

(1.540 - 1.600 d.C)

Tras el fallecimiento de los genios del renacimiento, los artistas se encontraron con un gran vacío, además de que la llegada de la reforma protestante causó un gran caos en la sociedad de su época. Artistas como Parmigianino, Tintoretto y El Greco, se dieron a la búsqueda de un estilo nuevo que los representara.

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El arte de esta época se enmarca en la contrarreforma, una respuesta de la iglesia católica a la reforma protestante.

Barroco (1.600 a 1.700 d.C)

Barroco italiano

Se dio gracias a que la iglesia animó a los artistas a pintar temas religiosos que inspiraran a las personas que se habían apartado a causa de la reforma a regresar para así recuperar su poder anterior. Se llevó a cabo un embellecimiento de la ciudad de Roma, lo que atrajo a diversos artistas. Las características más importantes de este arte es el movimiento que se añade a sus figuras, así como el claroscuro que aporta dramatismo y la gran expresividad en los rostros.

Esculturas como la fontana di Trevi, fueron construidas durante esta época.

Artistas como Gianlorenzo Bernini en escuturas como el éxtasis de santa Teresa y David, muestra la expresividad y el simbolismo, representando a personajes relacionados con la fe en escenarios realistas donde parece que estuvieran moviéndose.

Caravaggio es un importante exponente del arte barroco, eligió pintar escenas de la cotidianidad, mostrando sus imperfecciones a través de las luces y sombras.

Por otra parte, Artemisa Gentileschi, se convirtió en la primera mujer en impactar el arte occidental, seguidora de Caravaggio, llevó a otro nivel el claroscuro, pintando escenas crudas y realistas, logrando un efecto dramático.

Barroco Neerlandés

El espíritu barroco llegó más allá de las fronteras de Italia, inspirando a autores como Rubens y Rembrandt a usar el claroscuro como herramienta para añadir drama a sus obras.

Barroco español

Velásquez realizó retratos de la realeza y lo hizo tan bien, que el rey solo quiso ser pintado por él, su hábil manejo de las luces y sombras, así como el perfeccionismo en los rostros y la ambientación de sus pinturas, lo hacen un exponente importante de su época.

Rococó

(1.700 - 1.750 d.C)

Nació en Francia como reemplazo del barroco, captura la vida lujosa de la aristocracia en un contexto en el que se hacía cada vez más importante la corte real y los monarcas se hacían más absolutistas. Se usaban colores pasteles y mucho movimiento.

Edificios como el palacio de Versalles fueron hechos para mostrar el poder y la riqueza de la realeza, es una muestra de total lujo en la que se invirtió mucho dinero. Sus jardines son también una forma de mostrar el poder del rey sobre todo, incluso la naturaleza.

La clase alta de la época se dedicó a buscar placer, la diversión y la felicidad, lo que llevó a que en las pinturas se representaran sus pasatiempos triviales por artistas como Fragonard, Gainsborough. En oposición a esto, artistas como Chardin , decidieron pintar la vida sencilla de las clases trabajadoras.

Francisco de Goya, por otra parte, comenzó pintando a la clase alta, pero a medida que pasaba el tiempo cambió por representaciones de sus propios sueños, buscando en su propia mente como ningún artista había hecho antes.

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Arte del Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo

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Arte del Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo

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Luego de que el estilo rococó perdiera influencia entre los artistas, aparecieron nuevos estilos que permitieran a los artistas desarrollar nuevas formas de expresar sus ideas y sentimientos.

Neoclasicismo

(1730 - 1800)

Las academias y escuelas de arte se centraron en el estudio de las obras clásicas para que los alumnos desarrollaran sus habilidades y surgieron muchas copias de obras de artistas famosos del pasado. Se buscó revivir los ideales del arte griego y se dio inicio a exposiciones de arte de las academias.

En la arquitectura se rescatan la simplicidad y las formas geométricas de los edificios y construcciones clásicas, dejando atrás los excesos de decoración barrocas y rococó.

Artistas como Jacques-Louis David, se esforzaron por captar la armonía griega, así como su simplicidad, a pesar de que su arte toma un tinte propagandístico y político en el contexto posterior a la revolución francesa.

Vigée-Lebrun fue una retratista que se marchó de París en los momentos de tensión y guerra que se vivían y viajó por toda Europa pintando a personas aristócratas. Acorde al ideal griego, minimizaba los defectos y resaltaba la belleza en sus retratos.

Romanticismo

(1.790 - 1.850)

Marcado por un sentimentalismo fuerte, nació el romanticismo, por artistas que no estaban de acuerdo con el rescate de ideales clásicos que promovía la academia.

Prefirieron representar sucesos que ocurrieron en la época, paisajes tal como los veía el ojo humano, escenas o eventos cotidianos. En su momento quien asumió el liderazgo de este grupo incipiente de artistas fue Theodore Gericault, autor de la balsa de la medusa. Lo sucedió Eugene Delacroix, sus remolinos característicos y la acción de sus escenas, además del interés que despertaron sus viajes por el oriente, lo que se convirtió en uno de sus temas más tratados.

Realismo

(1.830 - 1.900)

Otros artistas no encontraron en la glorificación del pasado, ni en la romantización de lo cotidiano, una verdadera inspiración para su arte y de ellos nació el realismo. Para ellos, estos temas no tenían cabida en el mundo posterior a la revolución industrial, en el que los campesinos migraban a ciudades abarrotadas y vivían en condiciones precarias. Su misión fue pintar el mundo a su alrededor, tal y como lo veían, así mismo desarrollaron nuevas técnicas. Gustave Courbet fue el estandarte de este grupo de artistas, retratando desde paisajes y eventos cotidianos, hasta mujeres desnudas.

Por otro lado tenemos a Edouard Manet, a Rosa Bonheur quienes crearon su propio estilo a la hora de pintar, no tan interesados por el tema a retratar como por la técnica a usar.

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Arte del Impresionismo y Postimpresionismo

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Arte del Impresionismo y Postimpresionismo

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El impresionismo nace como una necesidad de los artistas de:

*Dar relevancia a la luz y el color por encima del dibujo.

*Eliminar las transiciones de luz y oscuridad en los cuerpos.

*Despojar a la obra de dimensiones espaciales.

Fue un estilo de pintura que buscaba crear un efecto más realista, pintando escenas al aire libre, sin planeación alguna y de forma cada vez más parecida a la fotografía.

Claude Monet fue uno de sus más importantes exponentes, captando las mismas escenas pero con diferente luz solar en momentos diferentes del día o estaciones distintas, captando los colores exactos de una escena según como su ojo la veía.

Renoir por su parte, se especializó en pintar escenas felices, de la realidad cotidiana tal como sucedían.

Caillebotte se basó en los grabados japoneses de manera que capturara una escena cotidiana como si la congelara en el tiempo.

En Edgar Degas encontramos más allá de la pintura, también la escultura, en ambas plasmaba mucho movimiento.

Postimpresionismo

(1.880 - 1.890)

Estos artistas se preocuparon más por la forma que por capturar los efectos cambiantes de luz, usando colores más fuertes y formas más sólidas.

Paul Cézanne se dedicó a hacer que sus pinturas fueran lo más parecidas posible a las de los museos, aportándoles solidez y colores fuertes.

Por su parte Vincent Van Gogh revolucionó con sus diversas técnicas, afanado por capturar los colores con mayor intensidad y usando tanto pinceles como sus dedos para crear las formas y curvas.

Puntillismo

(1.880 - 1.890)

Inventado por George Seurat y Paul Signat usa los puntos como forma de composición de la pintura.

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Arte del Art Nouveau, Fauvismo y Expresionismo Alemán

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Arte del Art Nouveau, Fauvismo y Expresionismo Alemán

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En los inicios del arte moderno podemos encontrar:

Modernismos

(1890 - 1930)

Art Nouveau

Floreció en Europa y los Estados unidos, pero fue más allá del arte, impactando incluso en el diseño de interiores, joyas, e incluso en publicidad.

Artistas como Gustav Klimt en su obra el beso, ponen en evidencia el uso de distintos materiales y técnicas. El trabajo se sale de los cánones del dibujo de la academia y refleja distintas texturas.

Alfons Mucha, por su parte, revolucionó en la publicidad con su estilo fresco y novedoso, mostrando por primera vez la belleza de mujeres como Sarah Bernhardt, en carteles que promocionaban productos.

En España tenemos al arquitecto Antonio Gaudi, un genio arquitecto cuyas creaciones en su mayoría están en la ciudad de Barcelona. Usando un estilo orgánico basado en elementos de la naturaleza, diseñó obras como La Sagrada Familia y las casas Milá y Batlló.

Fauvismo

(1905 - 1910)

La llegada del siglo XX significó un cambio significativo en el arte y trajo consigo la desaparición de la influencia de la academia en el mismo. Tras ser expuestas en una en París, los críticos los llamaron "Fauves" o bestias salvajes y desde ahí tomaron este nombre. Caracterizados principalmente por el uso del color, formas anchas y planas y líneas con movimiento, estos artistas se basaron en Van Gogh y Gaugin, llevando su arte al siguiente nivel.

Henri Matisse, como líder del movimiento, se aventuró en el uso de colores fuertes e impactantes y alejándose de las formas naturales o de la imagen apegada a la realidad.

Rouault por su parte, se centró en pintar el lado más oscuro de la vida, a través de líneas gruesas y colores brillantes, pintó un mundo de sufrimiento y angustia en personajes bíblicos y paisajes.

Expresionismo Alemán

(1905 - 1938)

Nació como el deseo de los artistas de comunicar sus propios pensamientos y sentimientos, tratando de transmitirlos al espectador con la mayor intensidad posible.

Edvard Munch sufrió una infancia marcada por las pérdidas de personas cercanas, convirtiendo su miedo en el centro de su arte. Pinturas como el grito, son famosas por causar en el espectador sentimientos de angustia, miedo y ansiedad.

Otros artistas como Paula Modersohn-Becker, Emil Nolde, Otto Dix y Kate Kollwitz, estuvieron mucho más influenciados por los horrores observados durante la primera guerra mundial, marcando esto profundamente su arte, usando el recurso de lo grotesco para mostrar la decadencia de la modernidad y lo que esta causaba en las personas.

Arte no objetivo

(1910 - 1930)

Caracterizado principalmente por el desvío de las obras de lo literal, este arte nos muestra una carencia de sentido en los objetos que conforman las obras. Sin referencias a la realidad, artistas como Kandinsky emplean color, texturas y formas no reconocibles que no aluden a ningún objeto en específico.

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Dentro del arte moderno de la vanguardia, encontramos los siguientes movimientos:

Cubismo

(1907 - 1920)

En un intento de mostrar la tridimensionalidad de los objetos sobre un lienzo plano, Pablo Picasso y Georges Braque crearon el cubismo. Ellos creían que todas las formas de la naturaleza se basan en el cilindro, el cono y la esfera. Los colores no se asocian con la realidad.

En obras como las señoritas de Aviñón, Picasso omite por completo el punto de fuga y la perspectiva, mostrando cuerpos completamente apartados de la forma humana, hechos principalmente con figuras geométricas.

Aquí nace la técnica denominada collage, que incorpora también el uso de distintos materiales diferentes al óleo, como papel, cartón, tela, madera, entre otros.

Futurismo

(1909 - 1945)

Con el futurismo nacieron los manifiestos artísticos que caracterizan a las vanguardias. Buscando el dinamismo, la perspectiva múltiple y la síntesis de la forma, los futuristas proponían más que un arte, un estilo de vida, tratando temas como la guerra, la violencia, la figura del autómata y la velocidad. Trascendió las fronteras del arte y llegó a ser incluso un partido político.

Empleando técnicas de la fotografía en secuencia para captar el movimiento de un objeto, artistas como Giacomo Balla, lograron representar el movimiento en sus obras.

Dadaísmo

(1915 - 1922)

La profunda crisis social e incertidumbre de la posguerra, inspiró a ciertos artistas a crear un arte sin reglas, sin sentido y basado en la sátira y la crítica social. Tristán Tzara y Hugo Ball fundaron el movimiento dadaísta como forma de burlarse la cultura europea que según ellos, había perdido todo significado y propósito.

Marcel Duchamp, Max Ernst, Man Ray y otros artistas del movimiento, exhibieron los objetos cotidianos más absurdos como obras de arte, buscando ridiculizar el arte pasado.

Bauhaus

(1913 - 1933)

Escuela fundada en Alemania que buscaba eliminar las distinciones entre la arquitectura, la escultura y la pintura, de manera que fueran un arte conjunto. Precursora del diseño gráfico e industrial, fue un proyecto social de reconstrucción de la Europa de la posguerra.

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Arte metafísico

(1915 - 1940)

Creación de un espacio idealizado, representaciones de lugares que no nos pueden situar en un contexto, ni sabemos en qué tiempo se sitúa. Los contextos se yuxtaponen en una escena, esta corriente influyó directamente en el surrealismo.

Surrealismo

(1920 - 1939)

Inspirado en los sueños, la fantasía y el subconsciente, el surrealismo nace del Dadaísmo, con André Bretón como como líder, este grupo de artistas rechaza la composición y la lógica.

Artistas como Miró y Dalí, usaron el inconsciente como herramienta para llevar a cabo sus obras, creando mundos misteriosos y mezclando objetos que no tienen ninguna relación entre sí.

El surrealismo se extendió rápidamente por el mundo, siendo practicado por artistas de distintas nacionalidades, interesados en aspectos como la generación de figuras antropomórficas a partir de objetos no antropomórficos, el delirio, la imaginación, la exploración de conocimientos no científicos o la reinterpretación de mitos.

Muralismo

(1930 - 1955)

Nació en México como medio de protesta contra las desigualdades políticas y sociales, además de contar historias mediante las paredes interiores y exteriores de edificios, haciendo que sus obras estuvieran al alcance de todos.

El llamado "grupo de los tres" conformado por Rivera, Orozco y Siqueiros llegó incluso a pintar murales en Estados Unidos.

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Arte del Expresionismo Abstracto, Pop Art, Op Art y Arte Contemporáneo

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Arte del Expresionismo Abstracto, Pop Art, Op Art y Arte Contemporáneo

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Expresionismo abstracto

(1945 - 1960)

Tras la segunda guerra mundial, los artistas pintaron libremente en enormes lienzos mostrando sus sentimientos y emociones. Su técnica consistía en derramar o salpicar con la ayuda de diferentes objetos, la pintura sobre el lienzo, mientras el artista se encontraba en movimiento, rechazando la idea de que este debía saber exactamente cuál sería el resultado final.

Sus principales exponentes fueron Pollock, Rothko, De Kooning y Motherwell, quienes plasmaron sus sentimientos en enormes lienzos.

Pop art

(1950 - 1980)

Obras con objetos de cultura popular por Andy Warhol, centrados en el enaltecimiento de los objetos de consumo en masa, representados en estrellas y estereotipos. A través del fotoperiodismo, representaban noticias y temas de especulación, usando también el comic y otros medios de producción en masa.

Op art

(1960 - 1980)

Arte óptico centrado en crear la ilusión de movimiento, usando líneas onduladas y cambios graduales de color.

Arte contemporáneo

(1919 - actualidad)

Fuera del canon establecido de las siete bellas artes, se han añadido los siguientes nuevos términos:

Ready-made, body painting, land art, fine-art photography, minimalismo, fluxus, arte cinético, libro arte, arte ASCII, arte sonoro, hiperrrealismo, media-art, arte algorítmico entre otros.