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Le portrait de Cristóbal Suárez de Ribera est une peinture réalisée par Diego Velázquez vers 1620.

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Le portrait de Cristóbal Suárez de Ribera est une peinture réalisée par Diego Velázquez vers 1620.

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C'est une peinture à l'huile sur toile.

Cristóbal Suárez de Ribera était un prêtre important à Séville.

Il était le fondateur de la confrérie de San Hermenegildo.

Dans le tableau, l'homme est représenté debout, avec des vêtements noirs.

Son visage est sérieux et calme.

La lumière éclaire son visage et ses mains, tandis que le fond est sombre.

Les couleurs sont sombres, surtout le noir et le brun.

La lumière est très importante dans cette peinture et montre le style de Velázquez.

Posture et détails du personnage — Portrait de Cristóbal Suárez de Ribera

Dans le portrait de Cristóbal Suárez de Ribera, l’homme est représenté debout et de face. 👤

Il a une posture droite et sérieuse.

Il porte des vêtements noirs, typiques d’un prêtre. 🖤

Ses vêtements sont simples et élégants.

Son visage est sérieux et calme.

Il a une barbe courte et des cheveux foncés.

Ses mains sont visibles et bien éclairées. ✋

Dans une main, il tient un livre, symbole de la religion et de l’étude. 📖

À côté de lui, on peut voir des symboles religieux qui représentent San Hermenegildo, comme la couronne, la palme et la croix. ✝️

Le fond du portrait de Cristóbal Suárez de Ribera

Dans le portrait de Cristóbal Suárez de Ribera, le fond est sombre et simple. 🎨

Le fond est de couleur brune et noire.

Il n’y a pas beaucoup de détails dans le fond.

Dans la partie supérieure gauche, on peut voir des symboles religieux. ✝️

Ces symboles représentent San Hermenegildo, comme la couronne, la palme, la hache et la croix.

Le fond sombre aide à mettre en valeur le visage et les mains du personnage.

La lumière contraste avec le fond et attire l’attention sur Cristóbal Suárez de Ribera.

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Ce portrait de Don José Duaso y Latre est une peinture très importante de Francisco de Goya. Il l'a peinte en 1824, quand il avait 78 ans.

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Ce portrait de Don José Duaso y Latre est une peinture très importante de Francisco de Goya. Il l'a peinte en 1824, quand il avait 78 ans.

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José Duaso était un ami de Goya. Il a aidé et protégé le peintre pendant un moment difficile en Espagne. Pour le remercier, Goya a fait ce portrait. Peu de temps après, l'artiste est parti vivre en France, à Bordeaux.

C'est une peinture très simple et sombre. Le fond est noir pour bien voir le visage de l'homme.

Don José porte des vêtements noirs de prêtre. Il a une médaille sur la poitrine et tient un petit livre dans ses mains.

Les experts ont découvert qu'il y a une autre peinture cachée sous ce portrait !

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retrato del canonigo d jose duaso de goya

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La Cueva del Gato est un tableau du une grand caverne qui est probablemente fidele a la veritable Cueva del Gato qui est au Málaga.

Il a este peint par Manuel Barrón y Carrillo en 1857. Manuel Barrón est un grand peinte de la presentation de la habitude du Sevilla, principalement sur paysage.

Ce tableau est une scene sur les bandits et la Guardia Civil dans les montagnes du Ronda. On peut voir le grand ouverture de la caverne de l'interieur.

A gauche sur quelques pierres avec beaocup de luminosite, on peut voir les bandits.

Au fond il y a une montagne tres belle. Devant ce montagne on voir unes petites silhouettes qui sont Guardias Civiles.

Au centre-droite on peut voir eau avec une petite cascade.

L'atmosphere est tres reel avec trois differents luminosites.

La luminosites qui imite le soleil est merveilleuse et le contraste des couleurs impresionante.

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Je trouve cette ouevre magnifique et impressionante, parce qu'elle mesure quatre mètres et treinte six centimètres de haut et deux mètres et quatre-vingt-dix-sept centimètres de large. Et aussi sourtout, pour son contexte religieux, que Murillo a voulu représenter dans ce colossal tableau.  C'est une scene de la Vierge Marie dans le ciel. Une ouevre monumentale  conçue pour l'église du convent de Saint François à Sevilla, aujourd'hui disparue. Le tableau represente Marie conçu sans péché originel triomphante du mal et entourée d'anges et de lumiére. Il a été fait pour être placé a une grande hauteur et a une grande distance du spectateur. Au premier plan, on peut voir La Vierge Marie représenté jeune et belle, vêtme d'une manteau bleu, flottant dans une atmosfére ethérée. A gauche et à droite on peut voir une glorie d'anges entourant la Vierge Marie. Elle est debout avec les mains croisées sur la poitrine une attitudqui refléte l'humilité et l'acceptation de son rôle divina. Le titre de ce tableau est L'Immaculeé Concepción "La Colosale"

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Le titre de ce tableau est La Vierge des Grottes. Cette oeuvre a été peint par Francisco de Zurbaràn qui nè en 1598 à Fuente de Cantos (Badajoz). Il est considerè comme le peintre monastique, parce que la plupart de ses ouevres ont ètè commandes pour les monasteres.

Ce tableau a ètè peint vers 1655.

C`est une peinture à l`huile sur toile. Le renge est une iconographie cistercienne qui reprèsente une scène religieuse.

La vierge est le personnage principale de la scène. Elle est au centre, debout et les

bras ouverts. La vierge est habillèe avec une tunique rose et un manteau bleau. Sous son manteau, elle protege les douze moines chartreux qui sont agenouillès á sa droite et sa à gauche. De chaque côtè il y a deux petits anges que tiennent le manteau.

Nous pouvons voir aux pieds de la vierge des roses et du jasmin qui simbolise la diffusion de la prière rosaire.

Le manteau de la vierge sert pour diviser la scène en deux: le monde terrestre, reprentè par les moines et le monde cèleste, representè avec la prèsence du Saint- Esprit sur la tête de la vierge.

Cet oeuvre se distingue par leur utlization magistrale des couleurs, de la lumière et de l`ombre, comme montrent les couleurs des vêtements de la vierge et de les moines.

Il travaillait les detàils avec une grande precision qui donnent á ses peintures realisme et profondeur.

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Juan de Valdés Leal: In ictu Oculi et Finis gloriae mundi

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Juan de Valdés Leal: In ictu Oculi et Finis gloriae mundi

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J´ái choisi deux tableux du peintre baroque espagnol Juan Valdés Leal en 1672 : In ictu Oculi y Finis gloriae mundi. Les deux sont hiéroglyphiques des dernieres choses. On peut sentir dans In ictu Oculi la obscurité au fondo et la ténébrisme. Le peintre nos present la vanité des choses terrestres comme la richesse et pouvoir avec les bijoux, tiare papale,couronnes royales ... et le squelette qui repose un pied sur un globe terrestre et sa main droite éteint une bougie.

Finis gloriae mundi nous fait voir que tout est poussiere:les cadavres du êvêque et du chevalier nous dit que peu import le rang social avant la mort. Le main divine qui tient una balance qui represent les péchés un cóté et  autre cóté les vertus au-dessus dels corps. L´ambiance des deur peintures est macabreet les couleurs sont tons terreux et sombres.

Ils sont originales et impressionnantes. J´aime beaucoup cette activité culturelle.

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J’ai choisi cette œuvre parce que je voulais présenter un auteur pas tellement connu comme des autres dont des peintures s’exposent dans le Musée des Beaux-Arts de Séville. Cette peinture a été élaborée par Gonzalo Bilbao Martínez en 1915. Bilbao a été un représentant d’un courant artistique dénommé costumbrismo, lequel prétendait refléter dans les œuvres artistiques les costumes et usages sociaux de l’époque.

Ce tableau rend hommage aux femmes qui travaillaient à l’usine de tabac de Séville et montre une scène quotidienne mais aussi très symbolique : au centre, une femme allait son enfant dans une salle de l’usine pendant que ses collègues, lesquelles la regardent avec sympathie, produisent des cigares dans des sévères conditions de travail.

C’est ce contraste entre la grandeur de le bâtiment à l’arrière-plan à et la fragilité de l’employée avec son enfant au premier plan et aussi des autres travailleuses, entre la quotidienneté du travail et l’exceptionnalité de l’attention à un petit enfant, et entre l’hostilité de devoir nourrir un bébé dans une usine et la solidarité des camarades, c’est-à-dire, entre les lumières et les ombres (lesquelles, selon moi, dépassent cette peinture et décrivent la condition humaine), que j’aime le plus.

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“Le berceau” est un tableau réalisé pour Berthe Marisol au XIX siècle.

Description générale:

Ce tableau montre une scène très intimiste.On voit la sœur de l’artiste,Edma Pontillon,qui regarde son bébé,Blanche,dormir dans un berceau.C’est un moment de calme et de maternité.Le voil blanc du berceau crée une séparation entre le bébé et le reste de munde,comme un petit cocon de protection.

Analyse des couleurs:

Berthe Morisot utilise une palette de coleurs très douce.Le blanc domine la scène ave les tissue du berceau,ce qui aporte beacoup de luminosité et une sensation de pureté.On remarque Audi des contrastes avec la robe noire de la mère,ce qui Donne de la profondeur à l’image.

Représentation du tableau:

Ce tableau représente le lien maternal et la vie domestique du XIX siècle.Contrairement aux printres masculins de l’époque,qui peignaient des scénes publiques,Morisot nous montre l’intérieur de la maison,un espace de tendresse et de réflexion.

Merci beaucoup!!

Isabel

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Le titre de cette oeuvre est "Portrait de son fils Jorge Manuel". Il a été peint par 'El Greco' et il a été realisé vers 1600. Ce tableau était donné au Musée de Beaux Arts de Sevilla par L' Infante Mª Luisa Fernanda de Borbón en 1897. Il y avait deux oeuvres du Greco au Musée de Beaux Arts de Sevilla; l'autre oeuvre était "Le Christ dans la Croix", mais ce tableau a été vendu á une collection privatif á la fin de moi de mars.

"Portrait de son fils Jorge Manuel" est un portrait sur une scène de la vie quotidienne; son fils est montré avec une palette et plusiers des pinceaus, donc nous pouvons penser que son fils était un peintre aussi. Le personnage est dans le centre de l'image, il est sérieux et concentré dans le moment de son travail. Il regarde à sa gauche, peut-être à l'auteur de l'oeuvre. Ses vêtements sont les typiques de l'epoque. Nous pouvons dire qu'il a entre 25 et 35 ans. Le tableau est très sombre parce que l'auteur utilise des couleurs sombres: le blanc, le noir, le vermillon et l'ocre. On se pensait que l'oeuvre était un auto-portrait du Greco pendant le siècle XIX, mais aujourd'hui on se sait que le personnage est son fils unique Jorge Manuel, architecte, sculpteur et peintre comme lui. Je pense que l'auteur était très fier parce que son fils est un peintre aussi et il a aimé peindre un portrait de lui.