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Título: El nacimiento de Venus || Autor: Sandro Botticelli || Año: Aproximadamente 1484–1486 || Estilo: Renacimiento temprano (Renacimiento florentino)  

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El nacimiento de Venus es un ejemplo emblemático del arte entendido como belleza. Esta pintura del Renacimiento es una representación clásica de la belleza ideal, tanto en proporción como en armonía visual. Por mucho tiempo la belleza fue el criterio principal con el que se valoraba una obra artística. Botticelli quiso representar a la diosa del amor emergiendo del mar con una composición simétrica, líneas suaves y un uso equilibrado de los colores que cautivara visualmente. Muestra el cuerpo femenino como algo divino, al punto de provocar admiración por su perfección formal y estética.

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Título: American Gothic || Autor: Grant Wood || Año: 1930 || Estilo: Regionalismo estadounidense (American Regionalism)

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American Gothic es un claro ejemplo del arte como representación de la realidad, un concepto que el capítulo relaciona con la mímesis o imitación, desde Platón hasta las corrientes realistas. El autor muestra con gran precisión a una pareja rural estadounidense, no solo muestra sus rasgos físicos como las arrugas en los rostros de ambos sino también un contexto cultural y social. La expresión seria de aquellas personas y el detalle en sus ropas junto con la arquitectura del fondo, muestran los valores tradicionales, la identidad y el estilo de vida de aquella época.

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Título: Composición VIII (Composition VIII) || Autor: Wassily Kandinsky || Año: 1923 || Estilo: Abstracción geométrica / Constructivismo / Bauhaus

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Kandinsky, con su obra Composición VIII, encarna la idea de arte como creación de formas nuevas, tal como lo plantea el Capítulo II. A simple vista solo vemos líneas y formas geométricas, pero si nos tomamos un poco más de tiempo observando podremos expresar ideas abstractas mediante aquellas formas, líneas y colores. Kandinsky creía en la posibilidad de un arte espiritual, libre de la necesidad de representar objetos reconocibles. Como opinión personal puedo comentar que al inicio no veía nada en dicha obra, pero luego de ver cada detalle se puede apreciar como el triángulo más grande simula ser un cohete, las curvas simulan las subes y el resto el espacio con sus planetas.

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Título: El Grito (The Scream) || Autor: Edvard Munch || Año: 1893  || Estilo: Expresionismo

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El Grito de Munch ilustra de manera contundente el rasgo del arte como expresión, como lo señala el capítulo al explicar que muchas obras no buscan representar lo externo, sino comunicar vivencias interiores. Aquel rostro distorsionado, las líneas ondulantes y los colores vibrantes expresan una gran angustia, intriga, desesperación y una ansiedad existente. El autor no intenta mostrar algo realista, sino compartir aquella emoción profunda con el espectador. Logrando proyectar su mundo interno para conmover y conectar emocionalmente con quien lo observe.

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Título: La noche estrellada (The Starry Night) || Autor: Vincent van Gogh || Año: 1889 || Estilo: Postimpresionismo

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La noche estrellada representa el arte como expresión estética, un concepto que el capítulo vincula con la capacidad de una obra para generar placer sensorial o intelectual. Van gogh hace una excelente combinación de colores sumando aquellos movimientos en el cielo, todo tan vibrante y con un trazo expresivo que sin duda dan una experiencia única. Aunque no representa fielmente la realidad, sí logra evocar una sensación de asombro y contemplación, pues en esta pintura la estética no solo es belleza, sino también en cómo los elementos visuales comunican un sentimiento de infinitud y emoción poética, haciendo del arte una experiencia sensible y significativa.

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Título: Self || Autor: Marc Quinn || Año: Primera versión en 1991 (el autor realiza una nueva versión cada cinco años) || Estilo: Arte contemporáneo / Escultura conceptual

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Self, la escultura realizada con sangre del propio artista Marc Quinn, representa el arte como choque, tal como lo aborda el capítulo al hablar del arte que busca provocar, cuestionar y romper normas. Desafía el arte tradicional y sus valores pues ¿Quién utilizaría su propia sangre para crear arte? No busca agradar a nadie, sino confrontar al espectador con temas incómodos. Aquella obra carga con fuerte contenido simbólico sobre la identidad, la vulnerabilidad y la corporeidad. Es una prueba que el arte contemporáneo, como se señala en el texto, muchas veces asume una función crítica y disruptiva, mostrando que el arte también puede incomodar para hacer reflexionar.