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6 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Experiencia de artesano, formación de diseñador

Co-creación en artesanía y diseño

Craft-Design in Vietnam

Craft-Design in Taiwan

Craft-design en Argentina

Craft-design en México

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4 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Diálogos dicotómicos entre Artesanía y Diseño

Craft Versus Design

Proceso de diseño y artesanía

Repensando “Lo Tradicional”

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5 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

The Way of the Crafts de Rudolf Arnheim

When Is a Teapot Not a Teapot? de Mary Douglas

Traces of Craft de Walte Benjamin

El uso y la contemplación de Octavio Paz

El artesano de Richard Sennett

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2 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Diálogos entre arte y artesanía

Craft-Art

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3 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

¿Qué entendemos cuando hablamos de artesanía?

Relationships between Design, Craft and Art

Cultura, artesanía y diseño

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2 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Hacia la artesanía generativa

Future Craft

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4 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

La Artesanía: patrimonio e identidad cultural

Craft, Souvenirs and the Commodification of National Identity

Tourist Kitsch or Proto-Design?

La artesanía indígena

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Experiencia de artesano, formación de diseñador

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Experiencia de artesano, formación de diseñador

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El documento aborda la intersección entre diseño y artesanía en América Latina, destacando oportunidades para revitalizar técnicas ancestrales y mejorar la competitividad de productos artesanales en el contexto de la pandemia.

1. Potencial de la artesanía contemporánea: La unión entre diseño y artesanía puede generar productos diferenciadores, innovadores y de lujo, ayudando a rescatar técnicas ancestrales y mejorar la calidad de vida de los artesanos. ​

2. Impacto de la pandemia en la artesanía: La crisis sanitaria ha generado cambios en las necesidades del consumidor, fortaleciendo tendencias como la sustentabilidad, el impacto social y el apoyo a mercados locales, lo que representa una oportunidad para la artesanía contemporánea. ​

3. Retos del sector artesanal en Latinoamérica: Entre los desafíos están la falta de diseños exclusivos, la transmisión de conocimientos a nuevas generaciones, el acceso limitado a plataformas digitales y la percepción errónea de los productos artesanales como souvenirs de bajo costo. ​

4. Rol del diseñador industrial: Los diseñadores tienen habilidades clave para investigar el mercado, conectar con artesanos y consumidores, y desarrollar propuestas de valor que beneficien a todas las partes involucradas. ​

5. Estrategias para el desarrollo del sector artesanal: Se propone impulsar proyectos colaborativos entre artesanos y diseñadores, crear redes regionales de apoyo, y posicionar la artesanía contemporánea como un producto de lujo mediante colecciones limitadas y estrategias de marketing efectivas. ​

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3 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Time Investment as a Value in Contemporary Western Craft

Connexión producto, productor i usuario

Conceptual, Biological and Historical Analyses of Craft

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Diálogos dicotómicos entre Artesanía y Diseño

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Diálogos dicotómicos entre Artesanía y Diseño

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El documento aborda la relación crítica entre artesanía y diseño, enfocándose en el rol del diseñador social en la revitalización de artesanías tradicionales e indígenas desde una perspectiva decolonial en Chile.

1. Relación entre artesanía y diseño: Se destaca la dicotomía entre artesanía y diseño, donde la artesanía se basa en conocimiento experiencial y encarnado, mientras que el diseño tiende a ser abstracto y orientado hacia la industrialización. ​ Sin embargo, estas fronteras se desdibujan en espacios híbridos como la artesanía contemporánea y el diseño personalizado. ​

2. Tensiones en colaboraciones artesanos-diseñadores: Las iniciativas colaborativas suelen enfrentar problemas como la falta de reconocimiento, apropiación de ideas y exclusión de los artesanos de los procesos creativos. ​ Esto genera relaciones de poder asimétricas y preocupaciones éticas relacionadas con la apropiación cultural y el plagio. ​

3. Crítica al diseño social tradicional: Se cuestiona el enfoque positivista y asistencialista del diseño social, que a menudo refuerza la dependencia de los artesanos y perpetúa jerarquías de conocimiento. ​ Se propone un enfoque más crítico y situado que fomente la autonomía y la agencia de las comunidades. ​

4. Diseño decolonial y pluriversal: Se aboga por un diseño que reconozca las ontologías y epistemologías locales, promoviendo colaboraciones respetuosas y significativas. ​ El diseño pluriversal busca reimaginar mundos locales y valorar las diferencias ontológicas de las comunidades. ​

5. Propuesta de transformación: Se plantea la necesidad de reimaginar el diseño y la artesanía como elementos centrales para construir futuros sostenibles, donde la identidad, el bienestar y la equidad sean prioritarios. ​ Esto incluye metodologías como la Investigación Acción Participativa y el Diseño Autónomo.

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2 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Designing Freedom

Artesanía y bienestar: Análisis del Trabajo Artesanal Actual como forma de resistencia en el contexto contemporáneo

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El documento trata sobre la relación entre la funcionalidad y la estética en el arte y la artesanía, destacando la influencia de la tradición japonesa y el pensamiento de Soetsu Yanagi.

1. Integración de función y estética: Rudolf Arnheim propone ampliar el concepto de función en las artes aplicadas para incluir aspectos estéticos, superando la dicotomía entre funcionalismo y valores estéticos.

2. Influencia de Soetsu Yanagi: Yanagi destacó la calidad artística de los objetos cotidianos producidos por artesanos humildes, especialmente en la cerámica coreana, y su relación con la tradición y la naturaleza.

3. Simplicidad y reverencia por la naturaleza: La estética japonesa valora la simplicidad, la irregularidad y los materiales naturales, como se observa en la cerámica y la arquitectura tradicional.

4. Crítica a la originalidad comercial: Arnheim critica la interpretación moderna de la originalidad como competencia comercial, abogando por un enfoque que priorice los principios fundamentales del diseño.

5. Belleza como criterio funcional: La belleza, tanto en las artes como en las ciencias, se define por claridad, simplicidad y economía, siendo esencial para la validez y funcionalidad de las obras.

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3 TEXTOS EN ESTA SECCIÓN

Del producto al objeto

The Crafts in a Post-Modern Market

The Commercialization of Ethnic Crafts

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El documento aborda el diálogo entre arte y artesanía, analizando sus definiciones, distancias y proyecciones en el ámbito educativo a través de la educación artística.

Según el texto, las diferencias entre arte y artesanía se centran en aspectos históricos, sociales y funcionales:

1. Definición y propósito:

El arte se asocia con cualidades espirituales, intelectuales y estéticas, siendo considerado sublime y dirigido a las élites. ​

La artesanía se vincula con lo funcional, utilitario y decorativo, siendo parte de la vida cotidiana y ligada a tradiciones familiares. ​

2. Formación y reconocimiento:

El arte suele requerir formación académica y se valora por su originalidad y conceptualización. ​

La artesanía se aprende tradicionalmente, transmitida de generación en generación, y a menudo se percibe como un oficio manual. ​

3. Valor social y económico:

El arte se colecciona y se asocia con estatus y poder, siendo parte del mercado del arte. ​

La artesanía, aunque valorada por su utilidad y belleza, a menudo está ligada a la economía de subsistencia y enfrenta desigualdades sociales.

4. Innovación y creatividad:

El arte se considera innovador y original, con un enfoque en la expresión personal. ​

La artesanía, aunque creativa, se percibe como repetitiva y menos innovadora, aunque el texto cuestiona esta idea. ​

En resumen, el arte se ha elevado históricamente como una actividad intelectual y estética, mientras que la artesanía ha sido relegada a lo práctico y funcional, aunque ambas comparten raíces culturales y creativas. ​

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¿Qué entendemos cuando hablamos de artesanía?

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¿Qué entendemos cuando hablamos de artesanía?

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El documento reflexiona sobre la artesanía, su significado, y su relación con la dominación cultural y el contexto social.

Artesanía y su significado

Se invita a reflexionar sobre el concepto de artesanía y su uso en diferentes contextos culturales. ​

Se revisan las nociones de artesanía, arte popular y oficio, destacando su capacidad de enunciación histórica. ​

Se reconoce que estos términos pueden encubrir formas de dominación cultural desde la colonización europea. ​

Perspectivas de la artesanía

Se presentan dos perspectivas para entender la artesanía: productiva y sociocultural. ​

La perspectiva productiva se refiere a la organización en talleres y la producción artesanal de objetos únicos.

La perspectiva sociocultural aborda las manifestaciones y significados que surgen en un territorio específico. ​

Crítica al término "artesanía"

El término "artesanía" es considerado insuficiente y reduccionista para abarcar la complejidad de estas prácticas. ​

Se propone el uso de "arte popular" como una alternativa, aunque también presenta limitaciones.

La noción de "oficio" se sugiere como una forma más adecuada para describir estos saberes y prácticas. ​

Importancia del oficio

El oficio se entiende como una filosofía de vida y un eje central en la dignidad humana. ​

Gabriela Mistral destaca la importancia del oficio en la autoformación y el perfeccionamiento humano.

Se enfatiza que los saberes y prácticas son parte de la memoria y la identidad de las comunidades. ​

Desafíos contemporáneos

Se discuten las tensiones entre los saberes tradicionales y las lógicas del régimen neoliberal-capitalista.

Existe una jerarquización de conocimientos que menosprecia las prácticas tradicionales en favor de la educación formal.

Se plantea la necesidad de descolonizar el lenguaje y las prácticas culturales para reconocer su valor intrínseco.

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El documento explora las implicaciones de la fabricación digital en la artesanía, específicamente en el contexto del barniz de Pasto en Colombia, y propone el concepto de "artesanía generativa".

1. Artesanía generativa y fabricación digital: El estudio explora cómo la impresión 3D y la fabricación digital pueden integrarse con la técnica artesanal del barniz de Pasto, proponiendo un modelo híbrido denominado "artesanía generativa", que combina estética algorítmica y tecnología. ​

2. Escenarios de impacto: Se identificaron tres escenarios clave donde la fabricación digital puede transformar la artesanía: mayor libertad morfológica (diseño de formas innovadoras), mayor libertad de manufactura (optimización de costos y distribución), y mayor autonomía creativa (materialización de diseños complejos). ​

3. Contexto del barniz de Pasto: Esta técnica artesanal, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2020, utiliza resina vegetal para decorar objetos. ​ Aunque tiene reconocimiento internacional, enfrenta desafíos como el agotamiento creativo y el envejecimiento generacional. ​

4. Metodología y experimentación: Se diseñaron y decoraron jarrones impresos en 3D con barniz de Pasto, involucrando a tres maestros artesanos. ​ Esto permitió evaluar la viabilidad técnica y creativa de combinar la técnica tradicional con herramientas digitales.

5. Retos y oportunidades: Aunque la fabricación digital ofrece nuevas posibilidades, los artesanos enfrentan barreras tecnológicas y resistencia inicial. ​ Se destaca la necesidad de alfabetización tecnológica para evitar que esta innovación se convierta en una amenaza para el patrimonio cultural. ​

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La Artesanía: patrimonio e identidad cultural

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La Artesanía: patrimonio e identidad cultural

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El documento aborda la importancia de la artesanía como patrimonio cultural e identidad cultural en El Salvador, diferenciando entre artesanía tradicional y contemporánea.

1. La artesanía como expresión cultural y patrimonial: La artesanía es un reflejo de la identidad cultural de los pueblos, transmitida de generación en generación, y representa un patrimonio cultural que debe ser protegido y valorado. ​

2. Diferenciación entre artesanía y manualidades: La artesanía se caracteriza por su valor cultural, técnicas tradicionales y uso de materiales naturales, mientras que las manualidades carecen de identidad cultural y suelen utilizar materiales prefabricados. ​

3. Importancia económica de la artesanía: Aunque enfrenta desafíos frente a productos industriales, la artesanía puede ser un recurso económico significativo si se impulsa con políticas públicas que promuevan su calidad, comercialización y uso en el mercado local e internacional. ​

4. Amenazas a la artesanía tradicional: La modernidad y el consumo masivo han desplazado técnicas y materiales tradicionales, lo que pone en riesgo la continuidad de la artesanía como expresión cultural y económica. ​

5. Propuestas para fortalecer la artesanía: Se sugiere estimular a las nuevas generaciones, brindar formación con maestros competentes, incorporar tecnología, fomentar intercambios internacionales y mejorar la comercialización para preservar y revitalizar el sector artesanal. ​

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El documento aborda la co-creación en artesanía y diseño, explorando las tensiones y convergencias entre estos campos en el contexto de la fragmentación del conocimiento.

1. Fragmentación de los campos de conocimiento y oficios: La separación teórica entre artesanía y diseño dificulta la colaboración práctica, pero en la co-creación estas fronteras simbólicas se diluyen, permitiendo una convergencia en el objeto creado. ​

2. Co-creación como integración disciplinar: La co-creación requiere un escenario que facilite la colaboración entre artesanos y diseñadores, integrando perspectivas y metodologías propias de cada campo para resignificar sus procesos creativos. ​

3. El objeto como origen y resultado común: Tanto la artesanía como el diseño comparten el objeto como punto de partida y resultado, utilizando técnicas y tecnologías para concretar su creación y redefinir sus significados. ​

4. Impacto de la fragmentación del conocimiento: La atomización del conocimiento en artesanía y diseño genera trayectorias divergentes, aislando materiales, metodologías y procesos, lo que dificulta la colaboración interdisciplinaria. ​

5. Importancia de la colaboración y la interdisciplinariedad: Superar las divisiones simbólicas y culturales entre artesanía y diseño requiere fomentar la colaboración, preservando la identidad cultural y social, y fortaleciendo el compromiso profesional colectivo. ​

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El documento explora la evolución del diseño industrial en un contexto postindustrial, enfatizando la necesidad de revalorizar los objetos y su materialidad.

La transición del diseño industrial

Se establece un paralelismo entre la Revolución Industrial y la actual era postindustrial, donde el diseño enfrenta la banalización de los objetos. ​

La figura del diseñador industrial se ve amenazada por la transformación del consumidor en usuario y del producto en servicio, similar a cómo el artesano fue superado. ​

La producción masiva ha llevado a una disminución en la percepción de valor de los objetos, donde la exclusividad se diluye en la producción en cadena.

Materialidad y ética en el diseño

La elección de materiales implica una responsabilidad ética, considerando su ciclo de vida y el impacto ambiental. ​

La desmaterialización de productos fomenta el consumismo desmedido, donde los objetos solo son valorados al ser desechados. ​

Se aboga por una cultura material rica que reconozca la diversidad de los materiales y su historia, en contraposición a la uniformidad globalizada.

Revalorización del entorno material

Se propone un retorno a la cultura del "hacer", donde la producción consciente y la conexión emocional con los objetos son fundamentales. ​

La producción debe ser controlada y transparente, cuestionando las condiciones de fabricación y el impacto social de los productos.

La perdurabilidad de los objetos debe ser priorizada sobre la obsolescencia programada, buscando un equilibrio entre función y utilidad.

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1 TEXTO EN ESTA SECCIÓN

Procesos artesanales y colaborativos dentro de la obra de mujeres artistas.

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El documento trata sobre la evolución de las artes y oficios en un mercado postmoderno, destacando la importancia del desarrollo cultural y los cambios en la economía occidental.

1. Impacto de los derechos de propiedad intelectual en la economía de la información: Los derechos de propiedad intelectual, como el copyright y el diseño industrial registrado, son fundamentales para la organización industrial de las artes y artesanías en la economía postmoderna. Estos derechos protegen la creatividad y fomentan la monetarización de la información.

2. Demografía y participación en las artes: Tres cambios demográficos clave están impulsando el crecimiento en la participación en las artes y artesanías: niveles crecientes de educación, mayor participación de las mujeres y el envejecimiento de la población. Estos factores están transformando el consumo y aumentando la relevancia de las artes en la economía.

3. Importancia del diseño en la competitividad económica: El diseño, derivado de la investigación en las artes, es crucial para la competitividad internacional. La elegancia en el diseño puede determinar el éxito de los productos en mercados diferenciados y de alta calidad.

4. Estrategias de mercado para las artesanías: Existen tres estrategias principales para los consejos de artesanías en la economía postmoderna: resistencia defensiva, colaboración con patrocinadores públicos y privados, y ofensiva creativa para establecer términos de comercio que aseguren la autonomía del movimiento artesanal.

5. Contribución económica de las artes: Las artes y artesanías desempeñan un papel significativo en la economía, no solo como industrias creativas, sino también como fuente de empleo en sectores diversos. En Canadá, el sector artístico emplea a más personas que la agricultura y el gobierno federal, destacando su importancia económica.

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El documento destaca varias diferencias entre diseño y artesanía:

1. Enfoque en la estrategia vs. el proceso manual:

El diseño, especialmente en su forma "Big D" (gran diseño), se centra en la estrategia, la gestión y la coordinación, a menudo alejándose de los procesos manuales y materiales.

La artesanía, en cambio, se enfoca en el trabajo manual, la interacción directa con los materiales y el desarrollo de habilidades prácticas.

2. Rol del diseñador vs. el artesano:

En el diseño, el diseñador es visto como un "director de orquesta" que coordina múltiples actores y disciplinas.

En la artesanía, el artesano está directamente involucrado en la creación, trabajando con sus manos y materiales.

3. Relación con los materiales:

La artesanía implica una conexión íntima con los materiales, donde el proceso de creación es tan importante como el resultado final.

El diseño, especialmente en su forma moderna, puede desconectarse de los materiales, enfocándose más en el resultado o la estrategia.

4. Percepción social:

Históricamente, la artesanía ha sido vista como menos que las funciones "más importantes" como la ingeniería o el diseño.

El diseño, especialmente en su forma estratégica, ha sido asociado con un estatus más alto y con funciones de liderazgo.

Los autores sugieren que estas diferencias no deberían ser vistas como opuestas, sino como complementarias.

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Time Investment as a Value in Contemporary Western Craft

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Time Investment as a Value in Contemporary Western Craft

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El documento trata sobre la inversión de tiempo como un valor distintivo en la práctica contemporánea de la artesanía en la sociedad occidental.

1. Inversión de tiempo como valor en la artesanía contemporánea: El ensayo destaca la inversión de tiempo como una característica distintiva de la práctica artesanal, subrayando su relevancia en la valoración de los objetos artesanales en la sociedad moderna, donde el tiempo es percibido como una mercancía.

2. Confusión en la identidad de la artesanía: Existe una frustración generalizada en el campo de la artesanía debido a la falta de una definición clara del término "artesanía", lo que ha llevado a la marginalización de los artesanos contemporáneos al ser asociados con actividades recreativas o "manualidades".

3. Herencia cronomanual de las artesanías tradicionales: La cronomanualidad, o el tiempo invertido en la creación manual, es un valor fundamental que conecta las artesanías tradicionales con las contemporáneas, enriqueciendo su significado social y cultural.

4. Apreciación estética de la cronomanualidad: La cronomanualidad puede ser percibida como un valor estético tangible en los objetos artesanales, especialmente en aquellos que muestran evidencia visual del tiempo y esfuerzo invertidos, como en textiles intrincados o piezas elaboradas.

5. Importancia de redefinir la valoración de la artesanía: Se propone un marco de valoración independiente para la artesanía que reconozca sus características únicas, como la cronomanualidad, para promover una identidad revitalizada y una mayor apreciación en la sociedad contemporánea.

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El documento analiza la Educación Básica en Artes en Finlandia, con un enfoque en la Educación Básica en Artesanía (craft-art). Se presenta como una forma de actividad humana que combina la creación artística con la interacción social y el desarrollo personal. A continuación, se destacan los puntos principales:

1. Definición y Diferencias: La artesanía básica (craft-art) se diferencia de la artesanía escolar tradicional al enfatizar el proceso creativo, la expresión personal y la interacción social, en lugar de centrarse únicamente en la habilidad técnica y el producto final.

2. Enfoques Educativos:

Educación Artística: Busca fomentar el bienestar mental, la creatividad y la autoexpresión de los estudiantes, ayudándolos a conectar su mundo interno con el externo.

Educación Sociocultural: Promueve la interacción social, la creación de cultura y el aprendizaje colaborativo, destacando la importancia de la animación sociocultural como herramienta pedagógica.

Educación para el Futuro: Prepara a los estudiantes para enfrentar desafíos futuros mediante el desarrollo de habilidades prácticas, pensamiento crítico y creatividad.

3. Relación con la Filosofía de Hannah Arendt: Se aplican los conceptos de trabajo, labor y acción de Arendt para describir la artesanía como una actividad que conecta a los individuos con el mundo, fomenta la interacción social y permite la creación de significado en la vida.

4. Modelo Conceptual: La artesanía básica se presenta como un proceso continuo que incluye animación (inspiración), iniciativa (coraje para crear) y apariencia (manifestación de ideas y emociones), con el objetivo de enriquecer la vida de los individuos y fomentar su crecimiento personal.

5. Importancia Cultural y Social: La artesanía básica no solo preserva tradiciones, sino que también impulsa la innovación cultural y la participación activa en la sociedad.

En resumen, la educación en artesanía básica en Finlandia busca desarrollar habilidades artísticas, sociales y personales, promoviendo una vida significativa y activa a través de la creación y la interacción.

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El documento es un estudio empírico sobre el diseño artesanal en Vietnam y su importancia para el desarrollo económico y la competitividad en el mercado internacional.

1. Importancia del diseño en el sector artesanal de Vietnam: El diseño es clave para agregar valor a los productos artesanales, mejorar la competitividad en el mercado internacional y contribuir al desarrollo económico local. Sin embargo, el sector de diseño artesanal en Vietnam está subdesarrollado, con falta de innovación, capacidad de diseño y procesos adecuados.

2. Relación entre demanda del mercado y diseño artesanal: Existe una relación positiva significativa entre la demanda del mercado y el diseño artesanal. Las empresas que producen diseños propios tienen mayores ingresos promedio, pero aún dependen en gran medida de los diseños proporcionados por los clientes.

3. Impacto de los factores ambientales en el diseño: La contaminación ambiental y la escasez de materiales impulsan a las empresas a adoptar diseños más sostenibles. Aunque la mayoría de las empresas están conscientes de la importancia del diseño sostenible, no integran completamente las cuestiones ambientales en sus procesos de diseño.

4. Limitaciones en la capacidad de diseño: Las empresas vietnamitas tienen una capacidad limitada para diseñar productos originales que cumplan con las demandas del mercado. Solo el 13.5% de los pedidos se basan en diseños internos, lo que refleja la necesidad de mejorar la capacidad profesional y la conexión con los mercados.

5. Recomendaciones para mejorar el diseño artesanal: Se sugiere invertir en investigación y desarrollo de diseño, participar en programas gubernamentales y recibir apoyo de organizaciones internacionales para mejorar la gestión del proceso de diseño. Además, se recomienda integrar cuestiones ambientales en el diseño para lograr sostenibilidad económica y social.

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Este documento trata sobre la colaboración entre diseñadores y artesanos locales para revitalizar y expandir el potencial de mercado de la artesanía tradicional.

1. Colaboración entre diseñadores y artesanos: El estudio destaca cómo los diseñadores pueden trabajar con artesanos locales para revitalizar artesanías tradicionales, como el tejido de junco, mediante la creación de nuevos productos y mercados.

2. Proceso de colaboración diseño-artesanía: Se propone un proceso que incluye etapas como el "fuzzy front end" (exploración inicial), desarrollo de diseño (bocetos, prototipos) y presentación, fomentando el aprendizaje mutuo entre diseñadores y artesanos.

3. Innovación en productos: Se desarrollaron líneas de productos como lámparas, radios, taburetes y accesorios personales, combinando técnicas tradicionales de tejido con métodos de producción modernos como corte láser y componentes prefabricados.

4. Uso de materiales locales: El junco triangular de Yuan Li, único y ecológico, se utilizó para destacar la identidad regional y crear productos diferenciados en el mercado global.

5. Transferencia de conocimiento: Los diseñadores actuaron como facilitadores para transferir ideas entre la industria artesanal y otras industrias, explorando nuevas aplicaciones como productos electrónicos ecológicos.

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Relationships between Design, Craft and Art

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Relationships between Design, Craft and Art

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El documento analiza las complejas relaciones y la evolución entre el diseño, la artesanía y el arte a lo largo de los últimos doscientos años.

1. Interrelación dinámica entre diseño, arte y artesanía: A lo largo de los últimos dos siglos, las fronteras entre diseño, arte y artesanía han sido fluidas, con prácticas híbridas que desafían las categorías tradicionales y jerarquías convencionales. Estas disciplinas han evolucionado en paralelo, convergiendo y divergiendo según contextos históricos y culturales.

2. Cambios en la percepción institucional y cultural: Exposiciones como Objects of Our Time (1996) y debates como los de Grayson Perry han destacado la integración de la artesanía en el arte contemporáneo, aunque persisten distinciones culturales e institucionales. La artesanía ha pasado de los márgenes al centro, pero aún enfrenta desafíos en términos de reconocimiento y categorización.

3. Impacto del género en las prácticas visuales: Las jerarquías patriarcales han influido en la percepción de la artesanía como una práctica femenina y amateur, mientras que el arte se asocia con lo masculino y profesional. Estudios recientes han cuestionado estas divisiones, destacando colaboraciones como la de Mary Watts y su capacidad para navegar entre diseño, arte y artesanía.

4. Evolución de los discursos teóricos: La teoría de la artesanía ha madurado, pasando de principios generales a análisis específicos. Se ha enfatizado la importancia de considerar la materialidad, los procesos y las prácticas interdisciplinarias, como se refleja en los estudios sobre cerámica, textiles y joyería.

5. Relevancia histórica y cultural: Los significados de diseño, arte y artesanía son específicos de cada época y región. Ejemplos como el Movimiento Arts and Crafts, el Bauhaus y las prácticas contemporáneas en India y Japón muestran cómo estas disciplinas reflejan y responden a contextos sociales, económicos y culturales.

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El documento aborda la confusión de identidad en el campo de la artesanía y su clasificación en el contexto del arte, el diseño y el comercio.

1. Identidad y clasificación del arte y la artesanía: El artículo explora cómo la artesanía moderna enfrenta una identidad confusa, con términos como arte decorativo, diseño y artesanía que no son sinónimos y conllevan jerarquías y valores históricos distintos.

2. El papel del mercado y la exhibición: La artesanía se presenta como un producto comercial, ya sea en el mundo del arte o en el de bienes de consumo. La forma en que se clasifica y exhibe afecta su percepción y significado.

3. El impacto de los museos especializados: Instituciones como el Mint Museum of Craft + Design y el Renwick Gallery han intentado dar visibilidad a la artesanía, pero a veces a costa de desconectar las piezas de sus contextos históricos.

4. Educación y turismo cultural: Centros como el Folk Art Center en Carolina del Norte combinan la venta de artesanías con la educación pública, promoviendo la artesanía como parte del turismo cultural y la preservación de tradiciones.

5. Documentación y archivo de la artesanía: Archivos como los de la Smithsonian Institution y otros centros académicos han recopilado extensos registros y entrevistas para preservar la historia y evolución del movimiento de artesanía en Estados Unidos, destacando su innovación y diversidad.

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El documento discute la relación entre el diseño, la artesanía y el desarrollo en India, cuestionando la percepción de que la tecnología y el diseño contemporáneo son la única solución para los problemas del sector artesanal. Estos son los mitos que el autor considera falsos:

1. Los artesanos no pueden diseñar productos contemporáneos: Se cree que necesitan asociarse con expertos en mercados urbanos e internacionales, lo que perpetúa procesos de cambio desequilibrados y excluye la participación activa de los artesanos.

2. Los artesanos necesitan ser entrenados en nuevas habilidades y tecnologías: Aunque el entrenamiento es necesario, los programas actuales son mediocres y no fomentan la creatividad ni la capacidad de innovación de los artesanos.

3. La exportación es el mejor mercado para la artesanía india: Se considera que el enfoque en la exportación puede desarraigar la relación entre los artesanos, su oficio y su comunidad, priorizando el mercado sobre la identidad cultural.

4. La artesanía es anticuada y debe alinearse con el siglo XXI: Se percibe como una forma de producción obsoleta, ignorando su flexibilidad inherente y su potencial para enseñar valores sostenibles y significativos en la vida moderna.

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El documento analiza la comercialización de artesanías étnicas y sus diversas implicaciones culturales y económicas, desafiando las críticas comunes sobre su degradación debido al turismo.

1. Procesos de comercialización de artesanías étnicas: La comercialización de artesanías étnicas no es un proceso uniforme, sino que varía según la vitalidad de la cultura local y la fuente de la iniciativa (espontánea o patrocinada). Se identifican cuatro tipos principales: comercialización complementaria, sustitutiva, invasiva y rehabilitadora.

2. Impacto cultural y económico: Existe una relación inversa entre los efectos económicos y culturales de la comercialización. A medida que aumenta el ingreso generado por las artesanías, su significado cultural para la comunidad tiende a disminuir, aunque en algunos casos puede revitalizar tradiciones olvidadas.

3. Adaptación y pérdida de autenticidad: Los productos artesanales suelen adaptarse a los gustos del público externo, lo que puede llevar a la pérdida de su individualidad y autenticidad, convirtiéndose en productos estandarizados o "arte de aeropuerto".

4. Nuevos marcadores culturales: Las artesanías comercializadas pueden convertirse en símbolos de identidad tanto para el público externo como para la propia comunidad, incluso si estas han sido modificadas o creadas en respuesta a la demanda del mercado.

5. Rol de las agencias patrocinadoras: Las agencias patrocinadoras pueden desempeñar un papel crucial al garantizar el control de calidad, fomentar la innovación y preservar las habilidades y valores estéticos tradicionales, evitando la degradación de las artesanías en productos de baja calidad.

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Artesanía y bienestar: Análisis del Trabajo Artesanal Actual como forma de resistencia en el contexto contemporáneo

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Artesanía y bienestar: Análisis del Trabajo Artesanal Actual como forma de resistencia en el contexto contemporáneo

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El documento analiza el estado del trabajo artesanal en el Bajío mexicano, destacando su papel como forma de resistencia cultural y su relación con la salud y el bienestar de los artesanos en un contexto contemporáneo.

1. Relación entre artesanía y bienestar integral: El trabajo artesanal en el Bajío mexicano tiene un impacto positivo en la salud física, emocional y espiritual de los artesanos, promoviendo la autoestima, reduciendo el estrés y fortaleciendo los lazos comunitarios. ​

2. Resistencia frente al neoliberalismo: La artesanía actual combina elementos tradicionales y contemporáneos como una forma de resistencia cultural y económica frente a los desafíos del mercado global y las condiciones laborales precarias. ​

3. Dimensión espiritual del trabajo artesanal: La espiritualidad juega un papel central en la artesanía, vinculándose con festividades religiosas y tradiciones ancestrales, lo que fomenta la conexión con lo sagrado, la naturaleza y la comunidad. ​

4. Impacto cultural y social: La artesanía fortalece la identidad cultural, la cohesión social y la memoria colectiva, siendo un elemento clave en la organización de festividades comunitarias y en la preservación de tradiciones. ​

5. Desafíos y motivaciones: A pesar de problemas como la falta de difusión, materiales escasos y competencia con productos manufacturados, los artesanos mantienen su actividad por motivos simbólicos, culturales y espirituales, más allá de los beneficios económicos. ​

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El documento trata sobre la metodología Future Craft, que utiliza herramientas digitales emergentes para transformar el diseño de productos hacia objetos social y ambientalmente sostenibles.

1. Metodología Future Craft: Future Craft aplica herramientas digitales emergentes al diseño de productos para crear objetos social y ambientalmente sostenibles, promoviendo un diálogo entre las comunidades de diseño de productos y HCI.

2. Diseño Público: Fomenta la transparencia y la inteligencia colectiva en el diseño, utilizando plataformas en línea para que los diseñadores interactúen con consumidores y productores, y promuevan prácticas éticas y sostenibles.

3. Diseño Local: Aborda las necesidades de comunidades locales mediante técnicas como la personalización masiva, la fabricación personal y el "up-cycling", promoviendo productos adaptados a recursos y necesidades locales.

4. Diseño Personal: Explora tecnologías portátiles y ergonómicas que transforman la relación entre el cuerpo y el mundo, integrando funcionalidad, estética y cultura en dispositivos personalizados.

5. Etnografía de Productos: Utiliza métodos innovadores como "sondas culturales" y diseño crítico para evaluar y reflexionar sobre los productos, destacando su impacto cultural y social.

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La obra de Walter Benjamin explora la relación entre la artesanía, la narración y la experiencia en la era industrial.

Walter Benjamin y la Artesanía

Benjamin analiza la transición de la labor artesanal a la industrial, destacando la pérdida de la experiencia auténtica.

La mano del artesano es central en su comprensión de la experiencia y la memoria.

La narración se entrelaza con la artesanía, donde contar historias es también un acto de creación.

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El documento reflexiona sobre la relación entre el arte, la belleza y la utilidad, criticando la separación moderna entre lo estético y lo funcional, y analizando la evolución del arte desde su contexto histórico hasta su idolatría contemporánea.

1. Relación entre utilidad y belleza en la artesanía: La artesanía combina utilidad y belleza de manera inseparable, ofreciendo placer a través de su funcionalidad y estética. ​ A diferencia del diseño industrial y el arte, la artesanía transgrede la utilidad en favor de la tradición, la fantasía y el capricho. ​

2. La artesanía como expresión de humanidad y sociabilidad: Los objetos artesanales reflejan la conexión entre las personas, siendo una expresión de vida física compartida. ​ Su creación y uso fomentan la convivencia democrática y la participación social.

3. Contraste entre artesanía, arte y diseño industrial: Mientras que el diseño industrial busca la funcionalidad y la invisibilidad, y el arte persigue la eternidad y la singularidad, la artesanía fluye con el tiempo, aceptando su desgaste y reemplazo, sin buscar la inmortalidad ni la obsolescencia rápida. ​

4. Crítica a la modernidad y la industrialización: La artesanía resiste la uniformidad impuesta por la técnica moderna, preservando la diversidad cultural y la historia. ​ Su resurgimiento en sociedades industrializadas refleja una crítica al progreso abstracto y a la visión cuantitativa de la vida. ​

5. El taller artesanal como modelo social: El taller artesanal, con su organización jerárquica pero no autoritaria, basada en el saber hacer, ofrece una lección de sensibilidad, fantasía y política, mostrando cómo humanizar la sociedad moderna. ​

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Craft, Souvenirs and the Commodification of National Identity

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Craft, Souvenirs and the Commodification of National Identity

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El documento explora la relación entre la artesanía, la identidad nacional y la comercialización de souvenirs en Escocia durante la década de 1970.

1. Resurgimiento y mercantilización de la artesanía escocesa en la década de 1970: La industria turística en Escocia impulsó la demanda de objetos artesanales que representaran la "escocia", lo que condujo a la mercantilización de la artesanía tradicional como souvenirs. Esto contó con el apoyo de organismos de financiación como la Junta de Desarrollo de las Highland e Islas (HIDB), cuyo objetivo era regular la calidad, pero se enfrentó a la preferencia del consumidor por los diseños historicistas.

2. Impacto del turismo en la identidad artesanal: El turismo se convirtió en un importante motor económico para la artesanía escocesa, pero la atención a los souvenirs, vinculados a la iconografía romántica de las Highland, limitó el desarrollo de una estética artesanal contemporánea y reforzó las nociones anticuadas de la identidad escocesa.

3. El papel de la revista Craftwork: Craftwork, la revista de artesanía de Escocia, sirvió como plataforma para debatir sobre los estándares artesanales, el comercio y la identidad. Puso de relieve la tensión entre la preservación de la artesanía tradicional y la promoción de las prácticas contemporáneas, a la vez que abogaba por la sostenibilidad económica de los artesanos.

4. Preocupaciones por la calidad y esfuerzos de regulación: Iniciativas como la marca "Craftmade" de HIDB y los concursos de souvenirs buscaban mejorar la calidad de los productos artesanales y diferenciarlos de los souvenirs producidos en masa. Sin embargo, estos esfuerzos a menudo resultaron insuficientes, con críticas por la falta de innovación y los bajos estándares.

5. Retos económicos y futuras orientaciones: La dependencia del turismo de la producción artesanal resultó económicamente inestable, especialmente durante períodos de inflación y declive turístico. El artículo concluye que fomentar un mercado más informado a través de la educación, la exposición y la promoción es esencial para el desarrollo sostenible de la artesanía escocesa.

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El documento analiza la relación entre el arte, la artesanía y el diseño en Italia entre 1945 y 1960, centrándose en la influencia de la tradición artesanal en el movimiento del diseño italiano.

1. Relación entre artesanía y diseño moderno en Italia (1945-1960): La artesanía jugó un papel crucial en la transición hacia el diseño moderno italiano, proporcionando continuidad con las tradiciones rurales y artesanales mientras permitía la innovación estética y funcional.

2. Exposición "Italy at Work": Esta exhibición en los Estados Unidos en los años 50 mostró una amplia gama de productos italianos, desde objetos artesanales como el burro de paja hasta productos industriales avanzados, con el objetivo de promover el comercio y la imagen cultural de Italia en el extranjero.

3. Impacto del Plan Marshall: Los fondos del Plan Marshall ayudaron a revitalizar las industrias artesanales italianas, financiando capacitación, exposiciones y competencias, lo que contribuyó al desarrollo del diseño moderno en Italia.

4. Dualismo tradición-modernidad: El diseño italiano de la época integró materiales tradicionales como paja, caña y mimbre en formas modernas, reflejando una síntesis entre el pasado y el futuro, como se ve en piezas icónicas como la silla "Margherita" de Franco Albini.

5. Evolución hacia el diseño industrial: A finales de los años 50, el diseño italiano se consolidó como un movimiento moderno centrado en productos industriales de alta tecnología, relegando la artesanía a un papel secundario en el mercado internacional.

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El documento aborda la relación entre cultura, artesanía y diseño desde una perspectiva transdisciplinaria, enfatizando la importancia de integrar saberes tradicionales y científicos para enriquecer la investigación en estos campos.

La artesanía se relaciona con la cultura y el diseño de las siguientes maneras:

1. Relación con la cultura:

La artesanía es una manifestación cultural que refleja los valores, costumbres y creaciones de una comunidad. ​ Representa la continuidad de las tradiciones y el trabajo creativo de un colectivo cultural. ​

Es un producto histórico que integra aspectos simbólicos, materiales y culturales, contribuyendo a la identidad y subsistencia de las comunidades. ​

2. Relación con el diseño:

La artesanía es considerada la génesis de las primeras manifestaciones de diseño, ya que involucra creatividad en la producción de objetos, imágenes, indumentaria y espacios habitables. ​

El diseño, como disciplina pragmática, se proyecta hacia la producción artesanal, adaptando elementos morfológicos, cromáticos e iconográficos para responder a las necesidades del contexto social, cultural y tecnológico. ​

Ambos comparten procesos y objetos inherentes, lo que evidencia una permeabilidad entre la artesanía y el diseño, permitiendo transformaciones socioculturales. ​

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Segun el autor, la artesanía mantiene una conexión cercana entre productor, producto y usuario, respetando los materiales, el proceso y el valor simbólico, lo que la posiciona como una alternativa para abordar los conflictos contemporáneos con el medio ambiente y las relaciones humanas.

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Richard Sennett argumenta que todas las habilidades, incluso las más abstractas, comienzan como prácticas corporales. ​ Además, sostiene que la comprensión técnica se desarrolla a través del poder de la imaginación.

Según Sennett, el conocimiento se obtiene en la mano mediante el tacto y el movimiento, y la imaginación técnica se explora a través del lenguaje que intenta dirigir y orientar la habilidad corporal. ​

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Procesos artesanales y colaborativos dentro de la obra de mujeres artistas.

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Procesos artesanales y colaborativos dentro de la obra de mujeres artistas.

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El documento analiza la intersección entre la artesanía y el arte contemporáneo, enfocándose en los procesos colaborativos y la obra de mujeres artistas.

1. Relación entre arte contemporáneo y artesanía: El artículo explora cómo las prácticas artesanales, tradicionalmente marginadas y asociadas al trabajo femenino, han sido reinterpretadas y revalorizadas por artistas contemporáneas, integrando elementos conceptuales, narrativos y estéticos en sus obras. ​

2. Perspectiva de género y reivindicación cultural: Se destaca la importancia de abordar las confluencias entre arte y artesanía desde una perspectiva de género, reivindicando los valores colaborativos, procesuales e identitarios, y cuestionando las jerarquías históricas entre "bellas artes" y "artes menores". ​

3. Artistas destacadas y sus enfoques: Se analizan las obras de artistas como Isabel Flores, Yanelis Mora Morales, Cecilia Vicuña y Ana Teresa Barboza, quienes utilizan técnicas tradicionales como el tejido, el bordado y el trabajo textil para explorar temas de identidad, patrimonio cultural, ecología y género.

4. Prácticas colaborativas y comunitarias: Muchas de las artistas mencionadas trabajan en colaboración con comunidades locales, rescatando técnicas y saberes ancestrales, como en el caso de Cecilia Vicuña con sus quipus y Ana Teresa Barboza con sus proyectos textiles en territorios andinos. ​

5. Impacto sociopolítico y ecológico: Las obras analizadas no solo tienen un enfoque estético, sino que también abordan problemáticas contemporáneas como la colonización, la preservación del medio ambiente, la memoria cultural y la denuncia de desigualdades sociales y de género. ​

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El documento aborda las transformaciones culturales y económicas en Carahunco, Jujuy, enfocándose en la reconversión hacia la artesanía y el diseño contemporáneo en un contexto post-pandemia.

1. Transformación económica y cultural en Carahunco: El pueblo de Jujuy, tradicionalmente dependiente de la producción tabacalera, está explorando un cambio hacia la artesanía y el diseño contemporáneo como alternativa económica y cultural. ​

2. Neoartesanías y diseño colaborativo: Carlos Gronda lidera la creación de productos innovadores que combinan técnicas tradicionales con diseño moderno, trabajando en colaboración con artesanos locales para preservar y revitalizar los saberes ancestrales. ​

3. Impacto social y empleo: Los talleres y proyectos de Gronda buscan generar empleo sostenible para las comunidades rurales, especialmente para los trabajadores afectados por la decadencia de la industria tabacalera, evitando la migración y fortaleciendo la economía local. ​

4. Integración de tecnología y sostenibilidad: Aunque los recursos tecnológicos son limitados en la región, se promueve el uso de herramientas digitales para optimizar procesos, interpretar la demanda y acceder a mercados más amplios, mientras se prioriza la sostenibilidad en la producción. ​

5. Valorización del patrimonio cultural: El proyecto pone en valor la rica tradición oral, la biodiversidad y los vestigios arqueológicos de Carahunco, integrándolos en un modelo productivo que combina identidad cultural con innovación y diseño.

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El documento explora la artesanía indígena desde una perspectiva etnográfica, analizando cómo las cosmovisiones y lenguas originarias influyen en la producción artesanal y su relación con el entorno humano y no humano.

1. Cosmovisión indígena y artesanía: El artículo explora cómo las cosmovisiones indígenas se expresan en lenguas originarias a través de la artesanía, destacando la conexión entre humanos, animales, plantas y otros seres no humanos. ​

2. Impacto de la colonización: Se analiza cómo el término "artesanía" refleja un contexto moderno y capitalista, y cómo los pueblos indígenas lo han adoptado como estrategia de supervivencia en un mundo mercantilista. ​

3. Relación con el entorno natural: La producción artesanal indígena depende de materiales recolectados del medio natural, involucrando rituales, cosmologías y relaciones de respeto con los elementos naturales y espirituales. ​

4. Desafíos ambientales y sociales: Los pueblos indígenas enfrentan dificultades debido a la degradación ambiental, la pérdida de biodiversidad y la migración forzada, lo que afecta su acceso a insumos para la artesanía. ​

5. Perspectiva etnolingüística: Las expresiones en lenguas indígenas ofrecen una ventana para comprender la diversidad ontológica y las relaciones entre humanos y no humanos, destacando la importancia de los sistemas categoriales nativos. ​

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El documento aborda las prácticas colaborativas entre diseño y artesanía en México, destacando su desarrollo mayoritario entre mujeres y su potencial para desafiar estructuras hegemónicas en el diseño.

1. Prácticas Colaborativas Artesanía y Diseño (PC A+D): Estas prácticas en México representan espacios de encuentro entre diseñadoras y artesanas para crear productos viables comercialmente, promoviendo metodologías participativas y colaborativas que cuestionan las estructuras hegemónicas del diseño. ​

2. Problemática del diseño global: Las metodologías y herramientas del diseño convencional no son suficientes para abordar las necesidades y realidades de las comunidades artesanales del sureste de México, lo que exige un replanteamiento del diseño como disciplina. ​

3. Diversidad de esquemas de trabajo: Las PC A+D incluyen diferentes modelos de colaboración, como maquila, curaduría de productos, manejo, pedidos especiales, capacitación artesanal y co-diseño, que permiten alternarse y combinarse según los contextos y necesidades. ​

4. Impacto del mercado global: La comercialización de productos artesanales está influenciada por el consumo ético y el comercio justo, pero también genera dependencia hacia los mercados del Norte Global, lo que puede sacrificar valores y dinámicas locales. ​

5. Descolonización del diseño: Las PC A+D ofrecen un laboratorio social y creativo para confrontar el diseño, promoviendo la decolonialidad y descolonialidad, y redefiniendo el rol del diseñador como mediador entre artesanas y clientes, con un enfoque más humano y colaborativo. ​

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El documento explora la relación entre el proceso de diseño industrial y la noción de artesanía, destacando la naturaleza cíclica, manual y experimental del diseño.

1. Relación entre diseño y artesanía: El proceso de diseño industrial, aunque seriado por la industria, comparte características esenciales con la artesanía, como la naturaleza manual, experimental, iterativa y prolongada, centrada en la creación de prototipos únicos. ​

2. Importancia de la conexión cabeza-mano: El vínculo entre pensamiento y acción manual es fundamental en el diseño, destacando la relevancia del dibujo y modelado a mano como herramientas esenciales para la exploración y definición de conceptos. ​

3. Impacto de la digitalización: Aunque las herramientas digitales son indispensables, su uso excesivo puede limitar la iteración y la exploración creativa, desplazando técnicas analógicas esenciales para el desarrollo del pensamiento proyectual. ​

4. Dimensión social del diseño: El diseño debe ser un proceso abierto y participativo, involucrando a la comunidad y otros actores en la construcción de soluciones, alejándose de la figura del diseñador como genio solitario. ​

5. Complementariedad entre lo analógico y lo digital: Es necesario equilibrar el uso de herramientas digitales y analógicas, aprovechando las fortalezas de cada una para enriquecer el proceso creativo y garantizar soluciones más profundas y reflexivas. ​

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El documento aborda la relación entre la artesanía y el diseño, explorando su interconexión, desafíos éticos y la necesidad de un enfoque colaborativo y decolonial en la práctica del diseño.

1. La Artesanía como práctica cultural y su conexión con los sentidos humanos: La artesanía es un universo holístico y complejo que va más allá de los objetos, representando una manera de hacer vinculada al trabajo manual y a la interacción entre el creador y la pieza, generando un espacio de intimidad. ​

2. Relación entre Artesanía y Diseño: Se discute la colaboración entre artesanos y diseñadores, destacando preocupaciones sobre desequilibrios en estas asociaciones, donde el diseño a menudo actúa desde una perspectiva universalista que puede perpetuar el neocolonialismo epistémico. ​

3. Enfoques críticos en Diseño: Se propone un Diseño decolonial que reconozca la producción de conocimiento como una actividad relacional y situada, cuestionando las estructuras de pensamiento modernas y promoviendo la sustentabilidad en las prácticas artesanales. ​

4. Transformación de la Artesanía en la era digital: Se exploran las nuevas fronteras de la artesanía, donde herramientas digitales como la impresión 3D y tecnologías como e-textiles se combinan con prácticas tradicionales, ampliando los atributos narrativos y funcionales de las obras. ​

5. Reflexión sobre el concepto de Artesanía y su valoración cultural: Se propone un cambio epistémico hacia el uso del concepto de "oficios" para abrir espacio a una comprensión multidimensional del trabajo manual, alejándose de categorías que reducen su significación cultural. ​

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Aquí tienes algunos textos selecionados sobre los principales debates actuales sobre la artesanía que son:

su misma DEFINICIÓN

sus elementos SINGULARES

su relación con el DISEÑO

su relación con el ARTE

su capacidad de SUPERVIVENCIA

su posicionamiento ante el MERCADO y la INDUSTRIA

su relación con los medios DIGITALES

sus contenidos IDENTITARIOS, tambien de GÉNERO

y algunos textos CLÁSICOS para empezar.

En total 11 SECCIONES DE DEBATES que suman 35 TEXTOS.

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Conceptual, Biological and Historical Analyses of Craft

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Conceptual, Biological and Historical Analyses of Craft

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El capítulo 9, “Conceptual, Biological and Historical Analyses of Craft”, del libro Crafting Creativity and Creating Craft de Courtney Lee Weida, se centra en analizar el craft desde tres marcos complementarios —conceptual, biológico y histórico— para demostrar que la artesanía es una práctica humana profunda, no solo una habilidad técnica o decorativa.

1. Análisis conceptual del craft

En esta parte, el capítulo reflexiona sobre qué entendemos por craft:

El craft se define como una forma de pensamiento material, donde ideas y conceptos se desarrollan a través del hacer.

Se cuestiona la división jerárquica entre arte (intelectual) y artesanía (manual).

El craft aparece como una práctica donde concepto y ejecución no están separados, sino que se construyen simultáneamente.

Aquí se refuerza la idea de que tejer, trenzar o construir no es “ilustrar” una idea previa, sino pensar a través del material.

2. Análisis biológico: el cuerpo y el hacer

Desde una perspectiva biológica, el capítulo analiza el craft como una actividad intrínsecamente humana:

El hacer manual está ligado a la evolución del cerebro, la mano y la coordinación corporal.

La repetición, el ritmo y el uso de las manos generan formas específicas de atención, memoria y aprendizaje.

El craft se entiende como una práctica de conocimiento encarnado (embodied cognition): el cuerpo participa activamente en el pensamiento.

Esta sección es especialmente relevante para prácticas como la cestería y el arte textil, donde la tensión, el gesto y la repetición son esenciales.

3. Análisis histórico del craft

El capítulo revisa cómo el craft ha sido:

Central en la vida cotidiana y cultural a lo largo de la historia.

Posteriormente relegado o desvalorizado con la industrialización y la separación entre arte, diseño y trabajo manual.

Asociado a lo doméstico, lo femenino y lo utilitario, lo que ha influido en su menor reconocimiento académico.

Weida señala que el interés contemporáneo por el craft implica una revisión crítica de estas jerarquías históricas.

Idea central del capítulo

El capítulo sostiene que el craft:

No es una práctica secundaria

Es conceptual, corporal e histórica a la vez

Constituye una forma legítima de conocimiento, creatividad y producción cultural

Relación con el arte textil y la cestería contemporánea

Este capítulo proporciona una base teórica sólida para argumentar que:

Técnicas como el tejido o el entrelazado son procesos intelectuales

El cuerpo y el material son agentes activos en la creación

La cestería contemporánea puede entenderse como una práctica artística crítica y reflexiva