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Em dic Martina Riu Roig, tot i que firmo com a MAI. Vaig néixer a Teià, un poble dels afores de Barcelona. Des de petita els meus pares m’han ensenyat a valorar les petites coses, la importància de la vida i a valorar el temps, per això en les meves obres em centro en aquest i el seu deteriorament.

En les meves obres necessito explicar i mostrar el pas del temps i com aquest es deteriora, per això totes elles al final acaben sent autobiogràfiques. I a la fi acaba sent la manera d’expressar-ho.

Per què l’aïllament? Doncs bé, perquè aquest és una forma de conservació i com que el temps és un element de desgast que a mesura que va passant, es va deteriorant, a través d’ell aconsegueixo conservar l’objecte i que aquest no es deteriori. Per poder assolir aïllar-lo, utilitzo grasses vegetals, com l’oli de palma, la mantega, la cera, entre d’altres, ja que m’ajuden a conservar-ho en l’estat que m’interessa mostrar-lo.

M’agrada treballar amb grasses vegetals, pel fet que d’aquesta manera no interfereixo en la vida d’altres éssers vius, en la seva vida i en el temps que passen al nostre món.

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Tres estudiants de la Universitat Nacional de les Arts de Taiwan han creat 100 paletes fetes amb aigües contaminades dels llacs, rius, platges i ports de Taiwan per conscienciar sobre el problema de la contaminació. deixant de banda el sabor, les paletes d'aigua contaminada contenen mostres d'aigües residuals recollides que primer es van congelar i després es van conservar en resina de polièster. embolicat en un envàs també dissenyat per l'equip, el projecte destaca el contrast entre allò que és bonic i allò que és problemàtic per al medi ambient.

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Beuys usó en su obra la grasa, el material que le salvó la vida.

Una cadira de fusta és un objecte comú molt usat, al qual Beuys ha «assegut» greix fins a una considerable altura, modelant i allisant la seva superfície superior en declivi des del respatller fins a la vora del seient. Repeteix, aquesta vegada dalt de la cadira, la forma de falca dels seus «cantons de greix»: un triangle força recurrent a Beuys. Però la seva geometria no és rígida ni racional, sinó tova, orgànica i irracional perquè mobilitza les nostres percepcions conscients. La cadira representa aquí una mena de cos, una anatomia humana, l’àrea dels processos naturals de digestió i defecació i els òrgans sexuals. En alemany hi ha un joc de paraules implicat, ja que stuhl (cadira) és una manera de dir stool (excrement).

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Durante su juventud Joseph Beuys fue piloto de un bombardero alemán. Sin embargo, en 1943, en un evento rocambolesco que parece sacado de El renacido de Alejandro González Iñárritu, sufrió un accidente a causa de una tormenta de nieve en Crimea. Allí fue rescatado por los tártaros, que lo envolvieron en grasa y fieltro para mantenerlo caliente y con vida.

Beuys acogió estos materiales como elementos indispensables en muchas de sus obras futuras. Fieltro, grasa, cobre a cascoporro, a mogollón, a manos llenas. Base de calor y energía para este artista alemán.

En su obra Silla de grasa se enfrenta a la concepción tradicional de "ready-made" impuesta por Duchamp, ya que no podemos utilizar esta silla para sentarnos en ella. La grasa, summum del poder calorífico y contraria a la piedra o cualquier elemento sólido relacionado con la escultura, es maleable y solamente puede tener forma durante un tiempo determinado.

Una silla de madera es un objeto común muy usado, al que Beuys ha "sentado" grasa hasta una considerable altura, modelando y alisando su superficie superior en declive desde el respaldo hasta el borde del asiento. Repite, esta vez en lo alto de la silla, la forma de cuña de sus "esquinas de grasa": un triángulo bastante recurrente en Beuys. Pero su geometría no es rígida ni racional, sino blanda, orgánica e irracional porque moviliza nuestras percepciones conscientes. La silla representa aquí una especie de cuerpo, una anatomía humana, el área de los procesos naturales de digestión y defecación y los órganos sexuales. En alemán hay un juego de palabras implicado, ya que stuhl (silla) es una forma de decir stool (excremento).

Además, para más inri, el artista alemán añade un hilo de cobre enrollado en la parte superior del mueble, de nuevo un material fetiche vinculado con el valor calorífico y la vida.

La silla de Beuys puede considerarse como una de las creaciones que mejor definen el arte después de la Segunda Guerra Mundial.

HA! siempre será gratis, pero si crees que es útil para ti y para el mundo entero, te animamos a que nos apoyes.

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Durante su juventud Joseph Beuys fue piloto de un bombardero alemán. Sin embargo, en 1943, en un evento rocambolesco que parece sacado de El renacido de Alejandro González Iñárritu, sufrió un accidente a causa de una tormenta de nieve en Crimea.

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Jessie és una estilista i directora d'art autònoma. Els seus antecedents en belles arts impulsen la seva apreciació de les belles imatges, mentre que la seva formació en l'artesania professional li permet convertir físicament aquestes visions en realitat. Un matrimoni perfecte per crear fotografia comercial de qualitat amb un toc artístic.

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The photo styling portfolio of Jessie Cundiff

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Los pigmentos se fabricaban con polvo mineral fijado con grasa.

La pintura rupestre és la pintura prehistòrica, especialment la que, sobre les parets o el sostre de les coves, els humans dibuixaven o pintaven. Algunes són més abstractes i a d’altres es distingeixen clarament mans, persones o animals, per exemple. Els materials que hi empraven eren el carbó de llenya, d’ossos i diferents tipus de terres de colors, tots ells aglutinats amb aigua o greixos d’animals. Les pintures rupestres més antigues que es coneixen són les de la cova de Chauvet, al departament de l’Ardecha a França.

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Este aviso fue puesto el 13 de marzo de 2019.

Una pintura rupestre es un dibujo o boceto que existe en algunas rocas o cavernas, especialmente los prehistóricos. El término "rupestre" deriva del latín rupestris, y este de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e incluso farallones u otro instrumento ( barrancos, entre otros). En este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o abrasión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza o ubicación del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.

Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40 000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. No obstante, a mediados de septiembre de 2018, investigadores de la Universidad de Witwatersrand en Sudáfrica encontraron una piedra en la que se encuentran dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta la fecha. Se estima que fueron grabados hace unos 73 000 años.​ Las pinturas rupestres (en cuevas) más famosas del mundo, en Lascaux, Francia y en Altamira, España, fueron encontradas por niños. La datación de carbono muestra que las pinturas en Lascaux tienen 20 000 años de antigüedad, mientras que las de Chauvet, en la parte francesa de Ardèche, son casi el doble de antiguas.

Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión prehistórica, esta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes, exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico.

Estas pinturas y las otras manifestaciones asociadas revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible, proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que estas están a la vista y en zonas expeditas y despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.

Las pinturas en Cognac, Francia, se pintaron a lo largo de un período de 10 000 años.

Es posible que las cuevas fueran los templos de los tiempos prehistóricos y las pinturas estuvieran relacionadas con rituales religiosos.

La mayoría de las pinturas en cuevas muestran animales grandes como bisontes, venados, caballos y mamuts.

Los artistas de las cuevas con frecuencia pintaban escupiendo la pintura, una práctica que también realizaban los aborígenes de Australia.

Para llegar hasta las pinturas de 14 000 años de antigüedad en Cueva de Pergouset, Francia es necesario arrastrarse a través 150 m (metros) de pasajes.

En las cuevas de Nerja, España, hay formaciones rocosas que posiblemente la gente prehistórica tocaba como un xilófono.

Las pinturas aborígenes en rocas de la Tierra de Arnhem, en el Territorio del Norte, en Australia, podrían tener más de 50 000 años de antigüedad.

En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, figuras, símbolos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos, renos, etc., aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos humanos que dependían de la caza y de la recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico.

En las pinturas rupestres generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores, también llamados pigmentos, eran de origen vegetal (como el carbón vegetal), de fluidos y desechos corporales (como las heces), compuestos minerales (como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso), mezclados con un aglutinante orgánico (resina o grasa).

Las cuevas se ubican totalmente en el interior del terreno y las pinturas se hallan en zonas de oscuridad completa o casi completa. Se cree que los antiguos artistas se auxiliaban con unas pequeñas lámparas de piedra alimentadas con tuétano.

Los colores se untaban directamente con los dedos, aunque también se podía escupir la pintura sobre la roca, o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura. En ocasiones los pigmentos en polvo se restregaban directamente en la pared y asimismo se los podía mezclar con algún aglutinante y aplicar con cañas o con pinceles rudimentarios. Como lápices se usaban ramas quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se aprovechaban desniveles y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen y realismo.

A menudo las siluetas animales se marcaban o raspaban para generar incisiones y así producir un contorno más realista y notorio en la roca.

La edad de las pinturas permanece en muchos sitios arqueológicos como un gran interrogante, ya que los métodos para determinarla, como el del carbono-14, pueden fácilmente llevar a resultados erróneos por la contaminación del material evaluado y también porque las cavernas y superficies rocosas presentan protuberancias en las que se alojan residuos de suciedad provenientes de diversas épocas. Para determinar la fecha de su creación se recurre a técnicas más convencionales como fechar imágenes por el tema representado. Por ejemplo el reno dibujado en la gruta española de la cueva de Las Monedas, cuyo origen estimado corresponde a la última glaciación. Los yacimientos de pinturas rupestres se dan con mayor frecuencia en Francia y España.

En Ukhahlamba-Drakensberg ( Sudáfrica) se encuentran pinturas de aproximadamente 3000 años de antigüedad atribuidas a las tribus de San, quienes se establecieron en la región hace unos 8000 años. Estas pinturas muestran seres humanos y animales y posiblemente se hallan relacionadas con prácticas de carácter mágico para propiciar la caza.

La mayor cantidad de pinturas rupestres en el continente africano se encuentran en la región de Twyfelfontein ( Namibia). En las afueras de Hargeisa ( Somalia) se han descubierto recientemente pinturas que muestran a los antiguos habitantes pastoreando ganado. Otras pinturas pueden hallarse en las cuevas de las montañas de Tassili, en el sudeste de Argelia, en Akakus, y en otras regiones del Sahara como los montes Ayr. También en Tibesti, Chad y en Níger.

En la región de Fezán y en el sur argelino se pueden distinguir tres fases de elaboración de pinturas rupestres:

Primera fase o primitiva: originada aproximadamente en el 10 000 a. C., en este periodo se representan animales salvajes y escenas de caza que dan prueba de la existencia de pueblos cazadores y de un ambiente climático diferente.

Segunda fase o pastoral: pinturas con imágenes de animales domésticos, especialmente bovinos, demuestran la crianza y domesticación de los mismos; posteriormente aparece el caballo.

Tercera fase o garamántica: en 2000 a. C.; denominada así por el pueblo de los garamantes que habitó el Fezzan. Surgen representaciones del dromedario por lo cual se concluye que el desierto predominaba en el continente.

También existen pinturas de unos 3500 años de antigüedad en el desierto del Sahara (aunque está siendo expoliado y vandalizado​). Y parece ser que los fenicios establecieron colonias en la costa del actual Sahara Occidental en la época de Hannón el Navegante, pero se desvanecieron sin dejar rastro.

En América del Norte, la presencia de arte rupestre, incluye desde Alaska, Canadá, Estados Unidos y México con pinturas de la era lítica, en Alaska, de la era de hielo en Canadá, hasta Florida con representaciones de mamuts que datan entre 13,000 a 20,000 años; desde California y Sonora en Oasisamérica, hasta Mesoamérica, pasando por Aridoamérica.

Múltiples sitios de arte rupestre podemos encontrar en Canadá. Así en Bow Valley Park con pinturas de 500 años a 1,300 años de antigüedad, Higwoods en Alberta con más de 300 años, Parque Provincial de Petroglifos Peterborough, está designado como un sitio histórico nacional, conocido por los pueblos indígenas como Kinoomaagewaabkong o The Teaching Rocks. También podemos encontrar arte rupestre de Canadá en el Parque de Escritura en Piedra Áísínai'pi, Todo un escenario existe para las pictografías y petroglifos del Territorio Wuikinuxv, Parque Provincial de los Dinosaurios ​

En Estados Unidos el arte rupestre tiene grandes concentraciones en Oasisamérica, Utah, Arizona, California, aunque se pueden encontrar en Aridoamérica en Texas, Florida, y otros estados.

Así vemos arte en la Sierra del Coso en California, Lower Pecos Canyonlands National Park en Texas, Coso Range Rock Art en California, Moab Utah, con 900 a 2,000 años de antigüedad. En Arizona encontramos el sitio Sears Point, cerca de Yuma, así como en Ajo

El arte rupestre en México, al igual que en otros países de Norteamérica, y del mundo de múltiple y diverso. Podemos encontrar en los estados de Baja California Sur, Baja California, Sonora, Sinaloa, Chihuahua, Nuevo león y en casi todos los estados del país, incluyendo algunos estados de Mesoamérica, como son Guanajuato, Hidalgo, Oaxaca y Yucatán.

En América del Sur, la extensión continental y la multiplicidad de ambientes y culturas prehistóricas hace difícil una abstracción que permita caracterizar genéricamente.

En Paraguay, se han descrito una serie de pinturas en la zona de Amambay, específicamente en el cerro Jasuka Venda o cerro Guasú, lugar considerado sagrado para la etnia Pai Tavyterá, que datan aproximadamente de 5000 años.​

En Chile, han determinado nueve estilos estrechamente relacionados con las distintas regiones geográficas.

En Perú, han establecido 14 modelos estilísticos de pinturas, grabados y geoglifos incluyendo las famosas y enigmáticas Líneas y geoglifos de Nazca y de Pampas de Jumana.

Bolivia plantea cinco períodos, y en Venezuela se han descrito cuatro áreas principales.

En Ecuador, se han definido tres zonas de importancia en el área oriental.

En Colombia, la mayor cantidad de pinturas rupestres se ha hallado en los abrigos rocosos de Chiribiquete; las más antiguas datadas en 19 510 años AP.​ También se ha registrado una gran concentración de pinturas en el altiplano cundiboyacense, aunque también se presenta en otras zonas de la Cordillera Oriental y en las llanuras de las cuencas hidrográficas de afluentes del Amazonas y el Orinoco. El color más recurrente es el ocre rojo, pero se han encontrado muestras en negro, blanco, amarillo y naranja. Aun no se han realizado investigaciones sobre estilos ni hay datos de cronología.​

En la amplia extensión del Brasil los últimos años han visto una proliferación de descubrimientos arqueológicos que llevan las variaciones estilísticas y culturales a más de cien variantes.

En Argentina, se definen cuatro grandes estilos o culturas de arte rupestre en el noroeste del país. Se identifican tres momentos estilísticos en la Patagonia. En las sierras centrales de Provincia de Córdoba y Provincia de San Luis.

En Uruguay, Consens propone seis tendencias estilísticas. El Centro de Investigación de Arte Rupestre del Uruguay es una sociedad científica sin fines de lucro que ha desarrollado tareas de investigación desde 1972 y tiene como objetivo salvaguardar y hacer conocer el arte prehistórico nacional.

De los 25 departamentos del Perú, 23 reportan sitios de arte rupestre, solo 2 no reportan: Tumbes, en la costa norte, y Ucayali, en la selva amazónica.​

En 1875, cuatro años antes del descubrimiento en Europa de las pinturas de Altamira (inicialmente no consideradas como arte prehistórico) un ingeniero español Barhola Rial Posadas en el Uruguay, copiaba cuidadosamente los diseños que veía en una enorme piedra y agregaba luego al pie de la lámina, sin ninguna duda, que ellos eran "diseños de indios".

Luego de este primera contribución (que marca el nacimiento de la primera etapa de la arqueología uruguaya), otros investigadores como Figuerido, Larrauri, De Freitas, Figueiras, Consens y Bespali, Peláez han trabajado, publicando, revisando y descubriendo nuevos sitios en el resto del país.

Como resultado de esas investigaciones, se conocen hoy decenas de sitios con pinturas y grabados. Los primeros ubicados al sur del Río Negro y los segundos al norte.

Las pinturas están realizadas en las paredes verticales de enormes bloques de granito, que emergen como grandes monumentos en las amplias praderas onduladas del sur del Uruguay.

Se conservan aún hoy unas cuarenta de estos sitios con un grado de percepción visual aceptable. Mientras que en cerca de cien bloques, apenas se ven los restos de los que fueran importantes murales pintados. Algunas áreas de los departamentos de Flores, Florida y Durazno debieron ser en esa época, verdaderas exposiciones al aire libre.

Como mínimo, se comenzó a pintar hace unos 2500 años. Hubo un período posterior alrededor del año 1200, donde se vuelve a pintar, sobre la misma base estilística de figuras geométricas. Pero ahora se utilizan complejas formas cerradas, con importante variación de los diseños internos.

También en ese periodo se ensayan varias técnicas diferentes como el uso de pinceles finos (2 a 3 mm -milímetros-), la preparación de la superficie previo al diseño, manos en positivo e incluso pintura en negativo. Hay un especial cuidado en no sobreponer las pinturas, cuidándose el uso del espacio, como una referencia muy valiosa.

Se han encontrado pinturas rupestres en Tailandia, Malasia, Indonesia e India:

En Tailandia las cavernas se ubican a lo largo de la frontera Birmano-Tailandesa.

En Malasia las más viejas pinturas están en Gua Tambun en Perak, datadas en unos 2000 años atrás, y los grafos en la cueva de Niah en el parque nacional homónimo, que datan de unos 1200 años.

En Indonesia las cuevas de Maros en Sulawesi son famosas por las copias de manos, también encontradas en cuevas en el área de Sangkulirang.

En India destaca la región de Bhimbetka, un emplazamiento arqueológico en donde se encontraron rastros de vida humana de la Edad de Piedra, entre ellos pinturas rupestres de hace unos 9000 años.

La península ibérica es uno de los territorios donde podemos encontrar yacimientos prehistóricos del periodo paleolítico en Europa. Existen algunos relevantes por su antigüedad, por su singularidad, por su calidad, etc. Por ejemplo, la cueva de Nerja alberga, según estudios de 2012, las que podrían ser las pinturas más antiguas de la humanidad, además realizadas por neandertales.​ Uno de los sitios de extraordinaria calidad, y además el primero reconocido como arte prehistórico, es la Cueva de Altamira, ubicada en España. En esta caverna existen unas ciento cincuenta pinturas, distribuidas en los muros y en el techo, pero el lugar más importante de la gruta es una cámara de 5 m (metros), en donde los grafos se elaboraron en el techo desnivelado, aprovechando así las protuberancias de la superficie rocosa para dar relieve a las figuras humanas y animales, especialmente bisontes -unos dieciocho- en un grupo de grafos policromáticos de gran detalle y realismo. Las composiciones de Altamira carecen de un sentido de conjunto y muchas veces las imágenes fueron superpuestas sobre otras más antiguas, circunstancia que confirma el propósito mágico-religioso y no meramente decorativo.

En el epipaleolítico, entre Barcelona y Almería, existen decoraciones murales rupestres en las paredes de cueva con superficies calcáreas y por sobre los 800 a (metros sobre el nivel del mar), hechas por un pueblo nómada. Estas pinturas se caracterizan por un realismo impresionante, considerando que fueron creadas con herramientas rústicas. Muestran un desarrollo estilístico que incorpora paulatinamente la abstracción, el detalle esquemático, y un dinamismo extremo. Pero lo que más llama la atención son los motivos antrópicos, incluyendo hombres vestidos con pantalones, ornamentados con plumas y armados con arcos, representando frecuentemente escenas de caza. Las mujeres utilizan faldas y están adornadas con plumas.

Durante el mesolítico, las comunidades humanas localizadas en la península se caracterizaron por desarrollar un nivel de trabajo artístico más avanzado al representar en imágenes situaciones cotidianas como la caza, las luchas, los ritos y ceremonias. Las primeras pinturas de este tipo se hallaron en el año 1903 en Calapatá, pero también se originó en las provincias de Almería, Albacete, Castellón, Valencia, Lérida y Teruel. Estas grutas se distinguen de muchas otras debido a que son meros refugios al aire libre. Entre las manifestaciones más impresionantes se halla la de El Cogul (Lérida), que representa una ceremonia en la cual un grupo de mujeres danzan con faldas alrededor de un hombre.

En Portugal, Extremadura, Cádiz y la Sierra Morena se encuentran las pinturas más importantes de tendencia abstracta, representando signos ideomorfos.

La elaboración de pinturas rupestres en Francia está registrada desde hace unos 32 000 años, por ejemplo las de la cueva de Chauvet o las atribuidas a la cultura auriñaciense en la gruta de Aurignac. Alcanzaron su máximo esplendor entre el 14 000 y el 13 000 a. C., en la cueva de Lascaux. En esta caverna son representados caballos, ciervos y otros animales. Las pinturas de la cueva de Lascaux se caracterizan por poseer contornos marcados con negros, para destacar la imagen y polvos de colores, para resaltar los efectos cromáticos.

En Australia se ha encontrado una significativa cantidad de pinturas, cuyos ejemplos más importantes están en el parque nacional Kakadu, una gran colección de pinturas a base de ocres. El ocre es un material no orgánico, por eso es imposible fechar las pinturas con el procedimiento de radiocarbono.

Alonso Tejada, Anna y Alexandre Grimal Navarro: L´Art Rupestre del Cogul. Primeres Imatges Humanes a Cataluña, Pagès Editors, Lérida, 2007 (ISBN 978-84-9779-593-7).

Alonso Tejada, Anna y Alexandre Grimal, Introducción al Arte levantino a través de una estación singular: la Cueva de la Vieja (Alpera, Albacete), Alpera. (ISBN 84-605-9066-6).

Consens, Mario. Prehistoria del Uruguay. CIARU, 1997.

C.I.A.R.U., Centro de Investigación de Arte Rupestre del Uruguay (30 Nov. 1997).

Martínez Celis, Diego y Botiva Contreras, Álvaro. Manual de arte rupestre de Cundinamarca. ICANH-Gobernación de Cundinamarca. Segunda Edición, 2004.

Jopia, Manuel. Ensayo "Jurídica del arte rupestre", Feria de sociales y antropología 2014. Colegio "Dr. Martín Cárdenas".

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Pintura rupestre - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Este aviso fue puesto el 13 de marzo de 2019. Una pintura rupestre es un dibujo o boceto que existe en algunas rocas o cavernas, especialmente los prehistóricos. El término "rupestre" deriva del latín rupestris, y este de rupes (roca).

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Mercedes Mangrané es una artista visual con una amplia trayectoria en pintura y vídeo. Sus obras parten de la observación más cercana de los detalles de la vida diaria con un interés antropológico y poético a través de una cuidadosa simplicidad. Parte de las narraciones de sus investigaciones pictóricas versan sobre el interés por la superficie desde una materialidad quebradiza y las distintas transformaciones del cuerpo en su transitar por espacios urbanos y domésticos.

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L'oli de palma és el més utilitzat del món, per davant del de soia o el de colza. Es produeix a partir dels fruits de la palma africana (Elaeis Guineensis) i s'ha convertit en una matèria primera usada a nivell global per a l'elaboració d'una gran quantitat de productes de la indústria alimentària i cosmètica.

L'oli de palma està desplaçant als greixos hidrogenats, que s'han demostrat nocives per a la salut. No obstant això, aquest oli és molt ric en greixos saturats, per la qual cosa està lluny de ser una alternativa idònia des del punt de vista de l'equilibri nutricional i és preferible no abusar d'ell.

La palma setrill es conrea en països tropicals, on sovint representa una base important per a les economies locals, així com una matèria primera per a la indústria local.

El seu cultiu a Indonèsia i Malàisia, els dos països que concentren el 85% de la producció mundial, ha tingut un fort impacte ambiental i social. Altres països exportadors d'oli de palma són Papua Nova Guinea, Colòmbia, Tailàndia, Cambodja, el Brasil, Mèxic i Àfrica occidental.

L'expansió de monocultius intensius, com les plantacions d'oli de Palma, especialment en el sud-est asiàtic, s'ha associat amb la desforestació dels boscos tropicals, l'apropiació de terres pertanyents a comunitats autòctones, abusos contra els drets humans i la mort d'exemplars de diferents espècies animals, com a elefants, orangutans i tigres de Sumatra.

Segons la *UNEP (progamma mediambiental de Nacions unides), les plantacions d'oli de palma són la principal causa de la desforestació a Malàisia i Indonèsia. Aproximadament el 70% de les plantacions de palma a Indonèsia i el 50% a Malàisia, estan situades en zones que prèviament eren bosc tropical.

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“L'oli de coco és un oli vegetal amb un alt contingut en greix saturat. És lent per a oxidar-se i, per tant, resistent a l'enranciment, amb una durada de fins a sis mesos a 24 °C sense deteriorar-se. L'oli de coco també conté una elevada concentració d'àcid làuric”, explica Cristina Petratti, doctora en medicina, coach nutricional i especialista en nutrició esportiva.

Aquest oli prové de la nou del coco (Cocos *nucifera), s'obté per extracció i refinant de la polpa blanca que recobreix l'interior de la nou, anomenada copra. Les fonts de subministrament són cocoteros conreats a Filipines, Indonèsia i Kenya”.

En el premsatge industrial, el coco s'asseca després de la seva collita i s'emmagatzema durant molt de temps, amb freqüència transcorren diversos mesos fins que la fruita continua processant-se.

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Quan els avis moren, només ens queda el record en la ment i les fotografies, per això decideixo crear una peça sobre això. Els greixos actuen com a aïllant corporal i contribueix a la regulació de la temperatura corporal, protegint-nos del fred i la calor, per això decideixo aïllar una imatge en un bloc d'oli.

Per a representar aquesta peça crec un bloc d'oli en fred, on dins col·loco una foto antiga dels meus avis i que amb un bufador fondria aquest bloc per a fer aparèixer la imatge, i després posaríem el vídeo al revés per a fer referència a com conservar de manera aïllada aquesta imatge.

Tant les fotografies com el paper són dos elements que es deterioren amb el temps, per això els aïllem en greix per a conservar-los i que perdurin en el temps.

MATERIALS:
Greix: Oli de Palma
Material: Fotografia impressa en paper

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Durant la COVID-19 tota la societat de tot el món ens vam haver d'aïllar a les nostres cases i les mascaretes es van tornar les nostres "millors amigues", per això en aquesta peça la utilitzo com a objecte principal. Per a això la submergeixo diverses vegades en oli de palma i la deixo assecar donant-li forma perquè no sigui possible emprar-la I passarel·la, d'aquesta manera aconseguirem l'efecte contrari, no ens aïllaria de la COVID-19.

L'objectiu d'aquesta peça era crear una mascareta que no aïlles.

MATERIALS:
Greix: Oli de palma
Objecte: Mascareta

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Amb aquesta peça el que volia aconseguir era aïllar en glicerina (sabó) una peça de cera amb aquest relleu, la idea és que a mesura que vagis utilitzant la peça de sabó i la glicerina es vagi gastant i a mesura que la vagis utilitzant, acabaràs arribant a la cera i aquesta a l'ésser un material repel·lent a l'aigua llaura l'efecte contrari a la de la glicerina, i en comptes de llevar-te i rentar-te el greix te l'afegirà a la pell.

MATERIALS:
Greix: Oli de coco
Material: Pastilla de sabó

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Solidificació de contrastos és una peça que té com a objectiu aïllar els elements que deterioren la matèria orgànica, aquests elements són: la llum, l'oxigen (aire), la temperatura o la humitat (aigua). A la vegada jugar amb el concepte de prevenir el deteriorament de qui deteriora.

Aquesta peça és una circumferència d'oli de palma amb un buit al centre ple d'aigua, deixant-la a aquesta aïllada. En el vídeo es pot veure com al final d'aquest la peça es trenca en un instant, això es deu a la fragilitat de l'oli de palma al canvi de temperatura, de l'aigua freda de dins i el focus de calor de la part de fora.

MATERIALS:
Greix: Oli de palma
Material: Aigua

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Seguint amb el concepte d'aïllar, aquesta peça se centra en l'aire com a element de deterioració, per a això vaig fer aquesta peça on es pot veure l'espai que s'obre l'aire i deixa en assecar el greix de palma. Si la mires al detall pot recordar a altres elements o paisatges.

MATERIALS:
Greix: Oli de palma
Material: Aire

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En la ultima peça busco donar-li una altra utilitat al greix de palma i utilitzar-ho de forma mes primitiva i buscant l'origen de l'ús dels greixos. Utilitzar el greix per a prevenir la deterioració i conservar la matèria orgànica.

Per a aquesta peça aïlli un fulla de llimoner, a la meva casa des de ben petita el meu avi em regalo un llimoner i va créixer al costat del meu i al costat del record del meu avi.

En aquesta peça no sols s'aïlla la matèria orgànica sinó que també el record i la memòria.

MATERIALS:
Greix: Oli de palma
Material: Materia orgánica

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El greix de palma amb la qual treballo està en un estat sòlid i escatat, per a poder manipular-lo s'escalfa a foc lent. Aquesta té un punt de fusió molt baix ja que a mínima temperatura ja comença a fondre's.

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Quan aquesta aquesta fosa és totalment transparent i en solidificar-se es torna opac i blanc.

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Les primeres proves que vaig fer buscava conèixer més sobre com és el material i que possibilitats te. En aquestes vaig poder jugar amb el punt de fusió i jugar amb les diferents textures que se li pot donar depenent de quant de seca estigui la peça.

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Per a la peça de "solidificació de contrastos" buscava poder aïllar aigua dins d'una esfera de greix, però el primer que tènia que provar és si podia unir dues peces diferents. Per a això tènia que desfer una de les cares de les dues peces i aprofitar el greix desfet per a unir-les.

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Abans de provar de posar aigua dins de la càpsula vaig provar amb deixar-la buida i aïllar l'aire, a la foto es pot veure com en el centre de la peça la llum passa amb major facilitat.

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Un altre mètode per a encapsular l'aire va d'anar posant una capa molt fina i deixar assecar una mica el greix, després amb una palleta de metall (no de plàstic perquè es fon) bufar i crear petites bombolles d'aire en la superfície.

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Un altre dels conceptes que treball és la prevenció de la deterioració, per a això experimenti amb diferents matèries orgàniques com : llimona, magrana, flors... Aconseguint amb aquesta que es conservi en el seu millor estat.

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Un dels inconvenients que vaig trobar és que en assecar la peça es quedava opaca i és mes complicat identificar el que es guarda a l'interior

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L'altre greix amb el qual treballo és l'oli de coco, aquest es desfà relativament de pressa en el microones, així que el que és millor és escalfar-lo a intervals curts de 10 segons aproximadament, entre cada un d'aquest és recomanable remoure'l per ajudar al fet que es desfaci de manera uniforme. Un dels altres factors que s'ha de tenir en compte és el model i voltatge del microones.

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Per crear la peça de sabó el que vaig fer, va ser buidar l'interior d'una pastilla de sabó que tenia per casa sense usar i amb un bufador de cuina li vaig anar fent calor per estovar-lo i que amb una cullera fos més fàcil de treure i que el resultat fos homogeni. Una vegada teníem tot l'interior de la pastilla vuit vaig agafar oli de coco i com que la seva consistència ja és una mica cremosa em va facilitar la seva col·locaria al seu interior, posteriorment vaig treure l'oli sobrant amb una espàtula i ho vaig ficar al congelador perquè quedes dur igual que el sabó.

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Per poder fer aquest audiovisual, primer de tot vaig escollir una imatge que vella que no fos actual i així per representar més fàcilment el rècord, posteriorment la vaig submergir en oli de palma que prèviament havia fos, després vaig ficar dintre d'un motlle rectangular la imatge i li vaig tirar delicadament per sobre la resta de l'oli per crear una placa d'aquest oli homogènia on en el seu interior s'hi trobes aquesta fotografia.

Una vegada la peça principal estava creada tocava fondre-la i per poder fer aquest procediment i que es desfés de manera líquida l'opció que vaig escolar recórrer va ser a la d'un bufador de cuina (soplete), prèviament vaig col·locar una estella de fusta enganxada a un bloc de plastilina per tal que la pena d'oli de palma s'aguantés recte i no caigués ni el paper del darrere es cremés. Així doncs, vaig començar a desfer el bloc fins que només quedes la fotografia al descobert.

Per poder representar la idea que tenia de conservació del record simplement havia d'editar el vídeo i ficar-lo a la inversa i a major velocitat.

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Aquesta peça va ser la més fàcil per mi de crear, ja que la mascareta era un element que tenia per casa i simplement vaig haver de fondre l'oli i submergir tres vegades aquesta per complet i posteriorment li vaig donar la forma per tal que fos impossible de fica, però que a simple vista sembles una mascareta normal i corren.