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Salvador Dalí (1904-1989) foi um pintor surrealista espanhol, famoso por suas imagens oníricas e técnicas precisas. Nascido em Figueres, destacou-se pela obra "A Persistência da Memória" (1931). Estudou em Madrid e integrou o movimento surrealista em Paris. Dalí também trabalhou com cinema, escultura e design, e fundou o Teatro-Museu Dalí em sua cidade natal.

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A obra "A Persistência da Memória" é uma das mais famosas e icônicas do artista surrealista Salvador Dalí. Pintada em 1931, essa obra-prima apresenta um cenário onírico e perturbador, onde relógios derretidos estão dispostos de maneira quase fantasmagórica.

Os relógios derretidos, que parecem estar flácidos e escorrendo sobre superfícies deformadas, representam a relatividade do tempo e a fugacidade da realidade. A paisagem desolada ao fundo acrescenta à atmosfera de estranheza e inquietude que é característica

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A pintura representa Jesus Cristo na cruz flutuando num céu escuro sobre um lago com um barco e pescadores, que alguns críticos apontam como sendo uma reprodução de Porto Ligat (Cadaqués, Espanha)

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Nessa obra, Dalí pintou sua esposa, Elena Diakonova, conhecida como Gala. Aqui, o artista expõe seu interesse e conhecimentos acerca de temas científicos, como a desintegração da matéria.

Dalí representa a figura humana como um conjunto de partículas, os átomos, mas que também remetem aos planetas no vazio do universo.

Gala está com os olhos fechados e com expressão calma, quase como um ninfa grega. Aliás, o nome Galatea está relacionado à mitologia grega clássica.

A tela data de 1952, possui 65 x 54 cm e está localizada no Teatro Museu Dalí.

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Essa obra foi realizada depois que Dalí esteve em Hollywood e entrou em contato com astros do cinema, entre eles a diva Mae West.O pintor se impressionou com a postura da atriz, que costumava desconcertar os puritanos da época, sendo um sex symbol. Ele então elaborou a composição inspirada no rosto da musa.A obra original foi feita entre 1934 e 1935. Produzida em guache sobre papel-jornal, o trabalho mede 28,3 x 17 cm e está localizado no Art Institute of Chicago (IAC), no Estados Unidos.Anos mais tarde, em 1938, foi realizada uma instalação a partir da obra.

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Rosto de Mae West utilizado como apartamento surrealista ( yasmyn e karyna)

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Rosto de Mae West utilizado como apartamento surrealista ( yasmyn e karyna)

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Yasmyn e karyna

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Sonho Causado pelo Voo de uma Abelha ao Redor de uma Romã um Segundo Antes de Acordar. (Bruno e Matheus A.)

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Sonho Causado pelo Voo de uma Abelha ao Redor de uma Romã um Segundo Antes de Acordar. (Bruno e Matheus A.)

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A pintura retrata uma mulher (a mulher de Dali, Gala), enquanto dorme numas rochas flutuando sobre o mar a apanhar sol durante um dia calmo. Um elefante com pernas incrivelmente longas e extremamente finas passa pelo horizonte do mar, transportando um topo de uma montanha.

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A casa de Salvador Dalí, localizada em Portlligat, na Costa Brava da Espanha, é um reflexo fascinante da mente do célebre artista surrealista. Composta por um conjunto de pescadores transformado, a casa tem uma estrutura labiríntica, com ambientes cheios de objetos curiosos, arte incomum e vistas impressionantes do mar Mediterrâneo. Dalí viveu e trabalhou nela por mais de 50 anos, até a morte de sua esposa Gala em 1982. Atualmente, é um museu que oferece uma visão íntima da vida e do processo criativo de Dalí.

Wesley é muito lindo

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A tela foi pintada em Figueras depois do verão, no ateliê da loja da tia de Dalí que o cedeu como ateliê.

A tela é uma das raras homenagens do pintor à mãe, que ele nunca representou em um quadro. Dalí fez um desenho a pena como estudo preparatório para a obra que foi adquirida com Le Jeu lugubre pelo Visconde de Noailles durante a primeira exposição do pintor na Galeria Goemans.

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O Grande Masturbador (1929) Italo Miguel

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O Grande Masturbador (1929) Italo Miguel

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Uma obra introspectiva e profundamente pessoal, cheia de simbolismo e temas psicológicos. Esta pintura reflete as ansiedades e obsessões de Dalí, utilizando uma figura central com características distorcidas e surrealistas.

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A Face da Guerra é uma obra de Salvador Dalí, foi feita no final de 1940 na Califórnia, Estados Unidos, em plena Segunda Guerra Mundial. Aparentemente o quadro demonstra toda a repulsa de Dalí pela guerra civil, demonstrando que a guerra traz unicamente a destruição.

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Frida Kahlo (1907-1954) foi uma renomada pintora mexicana, conhecida por seus autorretratos expressivos. Ela nasceu em Coyoacán, Cidade do México, e enfrentou a poliomielite na infância. Aos 18 anos, um grave acidente de ônibus causou lesões severas, levando-a a começar a pintar durante sua recuperação. Suas obras exploram temas de identidade, dor, e cultura mexicana, misturando realismo e simbolismo. Casou-se com o também famoso pintor Diego Rivera. Kahlo é uma figura icônica da arte e feminismo, e sua casa, "La Casa Azul", é hoje um museu em sua homenagem.

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Autorretrato com Vestido de Veludo (Evelyn)

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Autorretrato com Vestido de Veludo (Evelyn)

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Os autorretratos são bastante frequentes na produção da pintora mexicana. Esse é ainda mais especial porque foi considerado a primeira obra de arte de Frida Kahlo, pintada em 1926 para o seu antigo noivo Alejandro Gómez Arias.

A fissura pelos autorretratos surgiu após um acidente de bonde ocorrido em 1925, quando Frida teve que se submeter a uma série de cirurgias e ficou presa a uma cama de hospital a beira da morte.

Entediada, com movimentos limitados, os pais tiveram a ideia de instalar um cavalete adaptado sobre a cama e trazer material para pintura. Eles também instalaram espelhos no quarto para que Frida pudesse se ver sob diversos ângulos.

Como passava muito tempo sozinha, Frida intuiu que era o seu melhor assunto e daí brotou a ideia de investir na pintura de autorretratos. Uma frase célebre da pintora é:

“Pinto a mim mesma porque sou sozinha e porque sou o assunto que conheço melhor”

Ao fundo de Autorretrato com Vestido de Veludo vemos o mar, símbolo da vida, e uma única nuvem lembrando as dificuldades pelo caminho.

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Nesse trabalho, de 1940, o universo onírico se funde à ideia da morte. Aqui, Frida se retrata dormindo em uma cama do tipo dossel, do mesmo modelo que ela dormia todos os dias.A artista está deitada enquanto uma planta trepadeira enreda seu corpo, em um símbolo de vida. Entretanto, na parte de cima da cama, um enorme esqueleto está também deitado na mesma posição. O esqueleto serve como um lembrete de que a vida é passageira e que a morte invariavelmente chega.O ambiente onde a cama está inserida é difuso, sem contornos, e a cama parece flutuar. Isso sugere outra dimensão, ou mesmo que a cena se passa em meio às nuvens.A obra pode também ter relação direta com a expressão em latim Somnus est frater mortis, que significa "O sono é irmão da morte".

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El sueño, o La Cama (O sonho, ou A cama) yasmyn e karyna 

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El sueño, o La Cama (O sonho, ou A cama) yasmyn e karyna 

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O veado ferido (El venado herido em espanhol) é uma pintura a óleo da artista mexicana Frida Kahlo criada em 1946. Também é conhecida como O Veado. Nessa obra, Frida Kahlo compartilha sua duradoura dor física e emocional com seu público, como ela fez durante toda a sua obra criativa. Esta pintura em particular foi criada no final da vida de Kahlo, quando sua saúde estava em acentuado declínio. Kahlo combina símbolos pré-Colombianos, budistas e cristãos para expressar seu amplo espectro de influências e crenças.

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Um acidente de bonde foi um dos grandes eventos trágicos que marcaram a vida de Frida. Ocorrido no dia 17 de setembro de 1925 quando a pintora viajava com o namorado rumo à Coyoacán, o acidente que mudou para sempre a vida de Frida e ficou eternizado na tela pintada em 1929.

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É uma pintura de Frida Kahlo, criada em 1943. Nesta obra, Frida retrata seu marido, o famoso pintor Diego Rivera, em seu pensamento. A pintura mostra um coração dividido ao meio, com uma metade contendo o retrato de Diego e a outra metade mostrando uma paisagem industrial. Essa obra reflete os complexos sentimentos de Frida em relação a Diego, que incluíam amor, admiração e também sofrimento devido aos problemas em seu relacionamento.

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As duas Fridas (Las dos Fridas, em espanhol) é um autorretrato realizado por Frida Kahlo em 1939. Está localizada em Museu de Arte Moderno de México. É considerada a primeira obra de grande dimensão realizada por Kahlo e uma de suas principais obras.

A obra foi produzida com tela, tinta a óleo. Retrata duas Fridas, sentadas uma do lado da outra: uma de vestido num estilo europeu; a outra com uma roupa tradicional Tehuana.

As duas Fridas têm objetos em seus colos: a Frida com roupa mexicana segura um pequeno retrato de Diego Rivera, com quem Kahlo era casada, enquanto a com roupa europeia segura um fórceps. Sangue escorre sobre o vestido branco no estilo europeu, jorrando de um vaso cortado pelo fórceps. Esse vaso conecta as duas personagens do quadro, de suas mãos a seus corações. Há aqui uma alusão aos constantes procedimentos cirúrgicos pelos quais passou Kahlo, por conta de um grave acidente em sua juventude, mas também de sacrifícios astecas.

A obra foi produzida em 1939, o mesmo ano em que Kahlo divorcia-se de Diego Rivera.

O quadro teria sido inspirado em duas obras que Kahlo viu no Louvre: As duas irmãs, de Théodore Chassériau, e Gabrielle d'Estrées e uma de suas irmãos, de autoria desconhecida.

Historiadores da arte interpretaram as figuras no quadro como representando a origem dual de Kahlo. Seu pai, Guillermo Kahlo, era alemão; sua mãe, Matilde Calderón, era hispano-ameríndia. Há outra interpretação, segundo a qual a Frida mexicana é a adorada por Rivera, enquanto a europeia é a rejeitada por ele. De acordo com a própria Kahlo, a imagem retrata uma amiga imaginária de sua infância.

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Autoretrato com cabelo cortado ( Bruno e Matheus A.)

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Autoretrato com cabelo cortado ( Bruno e Matheus A.)

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A obra foi produzida com tinta a óleo sobre lona. Retrata Kahlo, sentada, com um traje masculino grande demais para ela. A pintora representa-se portanto como andrógina. Diferentemente de outros autorretratos, nesta obra a pintora aparece de cabelo curto; na mão direita, segura a tesoura com a qual se desfez de seus cachos, dispersos pelo chão. Foi dito que, no quadro, Kahlo faz de mártir sua feminilidade no contexto de sua dor e solidão.

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A obra "A Coluna Partida" é uma das peças mais comoventes e pessoais da renomada artista mexicana Frida Kahlo. Pintada em 1944, esta obra retrata a dor física e emocional que Frida enfrentou ao longo de sua vida, especialmente após um grave acidente de ônibus que a deixou com lesões graves na coluna vertebral.

Na pintura, Frida representa sua própria figura em um espartilho, com a coluna partida e várias partes do corpo abertas, expondo seu interior. Esta representação visual direta e franca da dor e da vulnerabilidade reflete a experiência intensamente pessoal da artista com o sofrimento físico e emocional.

Além disso, "A Coluna Partida" também aborda questões de identidade, feminilidade e autodescoberta, temas recorrentes na obra de Frida Kahlo. Sua capacidade de expressar tanto a dor física quanto as lutas emocionais por meio de sua arte é uma das razões pelas quais suas obras ressoam tão profundamente com o público.

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A obra “Hospital Henry Ford” (1932) atualmente se encontra em exposição no Museo Dolores Olmedo, na Cidade do México. Ela é uma pintura de autoria de Frida Kahlo, uma das mais notáveis artistas do século XX

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A Tentação de Santo Antão (em espanhol: La tentación de San Antonio, em inglês: The Temptation of Saint Anthony) é um quadro realizado pelo pintor espanhol Salvador Dalí em 1946. O quadro foi pintado usando a técnica pintura a óleo e mede 90 x 119,5 cm. A obra está sendo conservada no Musée Royaux des Beaux-Arts em Bruxelas, a capital da Bélgica.

O quadro foi feito em Nova Iorque, no decorrer de um concurso no qual tinha que se pintar a tentação de Santo Antão, onze pintores fizeram parte, além de Dalí havia outros grandes pintores participando, alguns deles eram Paul Delvaux, Leonora Carrington, Dorothea Tanning e o vencedor do concurso Max Ernst.

O júri era composto por outros célebres pintores como: Marcel Duchamp, Sidney Janis e Alfred Barr.

Dali retrata na tela o eremita Santo Antão (Antão do Deserto, dos séculos III e IV) sendo tentado. Este se encontra nu, tal como nos sonhos nos encontramos despidos de qualquer privação, e esse despojamento não é diferente no quadro. A tentação é tão forte que desnuda o santo, lhe restando somente sua única proteção, a cruz.

Nos sonhos perdemos a proporção de tamanho ou de tempo, só nos resta a intensidade do que sentimos no mais fundo inconsciente, não sendo diferente nessa pintura surrealista. As criaturas das quais ele se protege, são desproporcionais a qualquer criatura real. Como num sonho, tomam proporções exageradas, enfatizando sua maldade ou o medo do Santo com relação as mesmas.

Inclusive o "cavalo" que se encontra posto a frente do Santo sugere que vai se lançar sobre ele. Logo em baixo, dois seres muito menores do que os outros, aparentam estar em conflito também, lembrando a figura de um padre.

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André Breton foi um influente escritor e poeta francês, nascido em 1896. Ele é conhecido como o fundador e principal teórico do movimento artístico conhecido como surrealismo. Breton foi uma figura central no desenvolvimento e na promoção da arte surrealista, que buscava explorar o poder do inconsciente e liberar a criatividade sem limites. Sua obra mais famosa é o manifesto surrealista de 1924, no qual delineou os princípios fundamentais do movimento. Breton faleceu em 1966, deixando um legado duradouro no mundo da arte e da literatura.

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Curiosidades sobre André Breton (Evelyn)

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Curiosidades sobre André Breton (Evelyn)

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Papel no Surrealismo: Breton foi uma figura central no movimento surrealista, que buscava explorar o inconsciente e liberar a criatividade por meio de técnicas como o automatismo e o escrita automática.

"Manifesto Surrealista": Em 1924, Breton publicou o "Manifesto Surrealista", no qual delineou os princípios fundamentais do movimento surrealista. Esse manifesto teve um impacto significativo no mundo da arte e da literatura.

Interesse pelo Psicanálise: Breton tinha um forte interesse na psicanálise, especialmente no trabalho de Sigmund Freud. Ele viu a psicanálise como uma ferramenta para explorar o inconsciente e liberar a criatividade.

Ativismo Político: Além de suas contribuições para o surrealismo, Breton também foi ativo politicamente. Ele era um defensor do comunismo e participou ativamente de movimentos políticos de esquerda.

Exílio nos Estados Unidos: Durante a Segunda Guerra Mundial, Breton fugiu para os Estados Unidos, onde passou algum tempo em Nova York. Lá, ele se associou a artistas e escritores americanos, contribuindo para a disseminação das ideias surrealistas.

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Mad Love foi reconhecido como um clássico indiscutível do movimento surrealista desde sua primeira publicação na França em 1937. Sua adulação do amor como mistério e revelação o coloca na mais duradoura das tradições literárias, mas sua história tempestuosa e dificuldade técnica o impediram desde ser traduzido para o inglês até agora. “Nunca houve fruto proibido

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“Os Campos Magnéticos” é um livro notável escrito por André Breton e Philippe Soupault. É conhecido por ser o primeiro trabalho de literatura surrealista e foi publicado em 1920. O livro foi resultado de um experimento de escrita automática, uma técnica central para o movimento surrealista, que buscava expressar o funcionamento do pensamento sem a intervenção da razão ou considerações estéticas.

Breton e Soupault, ambos desmobilizados da Primeira Guerra Mundial, dedicaram-se a este método de escrita em 1919, em Paris. Eles escreviam rapidamente, sem censura ou correção, capturando o fluxo de pensamentos e imagens que surgiam espontaneamente. Este processo era visto como uma forma de acessar o subconsciente e revelar uma verdade mais profunda que estava além da lógica e da estrutura convencional.

“Os Campos Magnéticos” é, portanto, uma coleção de textos e fragmentos poéticos que refletem essa abordagem inovadora e revolucionária. O livro teve um impacto significativo na literatura e na arte, influenciando não apenas os surrealistas, mas também muitos outros artistas e escritores nas décadas seguintes.

A obra é um marco na história da literatura, representando um momento em que Breton e Soupault, junto com outros artistas e pensadores da época, estavam redefinindo as fronteiras da expressão criativa e explorando novas possibilidades para a arte e o pensamento ¹.

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O ano é o de 1962, estamos no outono. Nos arredores da Opéra de Paris, pobremente vestida, uma mulher caminha sem rumo certo: “Vai de cabeça erguida, ao contrário de todos os passantes. Tão frágil que mal toca o solo ao pisar. Um sorriso imperceptível erra talvez em seu rosto”. Este é o primeiro encontro de André Breton, o personagem-narrador-autor de Nadja (1928), com a mulher que empresta o nome ao livro. Os encontros se repetirão, entre a casualidade e a necessidade, por cerca de dez dias.

Nadja logo se firmará como uma das grandes obras do surrealismo europeu, capaz de confundir os limites entre vida e literatura, ao passo que a personagem homônima também se eterniza a partir da obra. A verdade é que houve uma Nadja na vida de André Breton, como provam as cartas da época: ela se chamava Léona Delcourt e nasceu em 1902 nos arredores de Lille. Léona viajou na juventude para Paris, onde trabalhou como balconista, dançarina e prostituta. Em algum momento dos anos 1920, o acaso, tão ao gosto surrealista, a aproxima de André Breton.

“André? André?… Você vai escrever um romance sobre mim. Garanto. Veja só: tudo se esvai, tudo desaparece. É preciso que reste algo de nós (…)”. Poucos dias depois, Nadja sai de cena e, no romance, torna-se menos presença que recordação. O narrador revela que foi internada após distúrbios no hotel onde morava. A partir daí o contato se rompe, perdemos o rastro de Nadja e resta a evocação de André: “Já que existes, como só tu sabes existir, talvez não fosse necessário que este livro existisse”.

Recentemente, a escritora holandesa Hester Albach investigou a história de Nadja. A busca teve como resultado o livro Léona, heroína do surrealismo, publicado em 2009 e sem tradução para o português. No romance de 1926, André entrega a Nadja dois livros: Os passos perdidos e o Manifesto do surrealismo. Nadja observa os dois sobre a mesa e questiona: “Os passos perdidos? Mas não existe passo perdido”. Passos que são, ao mesmo tempo, o passo errante da Nadja de Breton e o de Léona Delcourt.

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"O acontecimento que com direito traz a cada um a revelação do sentido da sua própria vida, este acontecimento que ainda não encontrei, mas para o qual caminho, não se concebe ao preço do trabalho."

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O Amor Louco, obra luminosa sobre o amor, foi escrito por André Breton entre 1934 e 1936, no apogeu do Surrealismo. Como em Nadja, escrito em 1928, relata de forma sublime as experiências e coincidências vividas por Breton, que acabarão por o encaminhar para aquela que viria a ser a sua mulher, Jacqueline Lomba, e que é o centro e a musa inspiradora do romance.
A construção do livro é feita de situações vividas pelo autor, de sonhos fantasmagóricos, de rupturas narrativas intercaladas por fotografias e poemas, um destes premonitório, divagações e reflexões. Breton descreve o amor através da sua própria vivência, vendo neste dois aspectos: o amor como “comunicação do coração” e o amor carnal, ao qual chama “convulsivo”. Esta superação entre o corpo e o espírito quer Breton transformá-la em união total, em paixão, nesse famoso “amor louco” que é para Breton o amor mais sábio, mais sublime, que a alma do homem poderá alcançar. Termina esta obra com o texto seguinte, dedicado a sua filha e de Jacqueline:

“Afastar-me para longe de vós! Revestia-se para mim da maior importância ouvir-vos, por exemplo, responder, um dia, com toda a inocência, a essas perguntas insidiosas que as pessoas crescidas fazem às crianças: “Com que é que se pensa, com que é que se sofre? Como é que se soube o nome do sol? Donde é que a noite vem?” Como se elas próprias o soubessem! Já que, para mim, sois a criatura humana em toda a autenticidade, deveríeis, contra tudo o que é previsível, ser vós mesmos a ensinar-mo…

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Visão geral do livroEste romance, escrito em 1928, encena o encontro entre realidade e fantasia, característica desta vanguarda. Num local frequentado por prostitutas e cartomantes, o narrador mergulha na convivência efêmera e tumultuada com a personagem-título, em meio ao labirinto urbano parisiense.

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Dêem-me todas as jóias das afogadas

dois presépios

um cavalinho e uma agulha de chapeleira

em seguida desculpem-me

já que não tenho tempo de respirar

sou um acaso

a construção solar deteve-me aqui mesmo

e agora nada faço senão deixá-la morrer

procurem na tabela das contas atrasadas

a trote na mão fechada debaixo da minha cabeça tilintante

um copo no qual se abre um olho amarelo

abre também o sentimento

e no ar puro esvoaçam as princesas

tenho nisso muito orgulho

e ao mesmo tempo uma gotas de água insulsa

para refrescar o vaso das flores bolorentas

ao fundo da escada

o pensamento divino no azulejo estrelado do céu

a expressão das banhistas é a morte do lobo

tende-me por amiga

a amiga dos ardores e das raivas

que duas vezes vos olha

alisai a vossa plumagem diz ela

os meus remos de pau-santo fazem cantar vossos

cabelos

um som claro abandonava a praia

negra da cólera dos seixos

vermelha do lado do horizonte como uma chapa

incandescente

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"Arcano 17" é uma das obras mais emblemáticas de André Breton, escrita em 1944 durante sua estadia no Canadá, em meio à Segunda Guerra Mundial. O título faz referência à carta do tarot "A Estrela", que é o décimo sétimo arcano maior do tarot. Essa carta é tradicionalmente associada à esperança, inspiração e renovação, temas centrais na obra de Breton.

IMPORTÂNCIA E LEGADO:

"Arcano 17" é considerado uma obra fundamental no corpus literário de André Breton e no movimento surrealista. Representa um ponto de inflexão na carreira de Breton, onde a busca pela beleza e a fé na capacidade transformadora do amor e da natureza são elevadas como antídotos contra a brutalidade e a desesperança da guerra. O livro continua a ser estudado e admirado por sua profundidade simbólica e seu poder poético, mantendo-se relevante para as discussões sobre arte, esperança e humanidade.

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Quando pensamos em surrealismo logo temos a ideia de uma arte que extrapola os limites do racionalismo. De fato, o termo surrealismo, cunhado pelo poeta André Breton, traz um sentido de afastamento da realidade comum que o movimento surrealista celebra desde o primeiro manifesto, de 1924.

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Desintegração da Persistência da Memória (Juliane)

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Desintegração da Persistência da Memória (Juliane)

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Nesta versão, a paisagem do trabalho original foi inundada com água. A pintura retrata o que está ocorrendo tanto acima como abaixo da superfície da água. A paisagem de Cadaqués está agora pairando acima da água. O avião e o bloco do original são agora divididos em formas semelhantes a tijolos que flutuam em relação uns aos outros, com nada ligando-os. Estes representam a quebra da matéria em átomos, uma revelação na era da mecânica quântica. Atrás dos tijolos, os chifres que retrocedem na distância simbolizam mísseis atômicos, destacando que, apesar da ordem cósmica, a humanidade poderia trazer sua própria destruição. A oliveira morta da qual o relógio macio pendura também começou a se separar.As mãos dos relógios flutuam acima de seus mostradores, com vários objetos cônicos flutuando em formações paralelas cercando os relógios. Um quarto relógio de fusão foi adicionado. A imagem humana distorcida da pintura original está começando a se transformar em outro dos peixes estranhos flutuando acima dele. Para Dalí, no entanto, o peixe era um símbolo da vida.

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Esta obra de Frida Kahlo foi criada em uma época em que sua saúde estava deteriorada, e finalizada mais ou menos oito dias antes de sua morte, 13 de julho de 1954 com 47 anos.

Algumas possíveis reflexões sobre seu contexto pessoal e artístico seria o motivo desta obra ser especialmente importante pois apesar do momento difícil, ela representa um tributo pela Vida,“ Viva la Vida” assim como a artista a nomeou. Nela está presente seu estilo simbólico e característico de trazer ambiguidades inerentes da vida. Em uma natureza-morta com suculentas melancias, fruta predileta dos mexicanos, inteiras e cortadas, o fundo dividido ao meio com tons de azul mais escuro e claros, além dos tons vermelhos vibrantes e intensos nos remetem ao sangue. Vida e morte se entrelaçam de maneira singular. Para haver vida, é necessário o sangue. Assim como o sangue que se esvai, traz a finitude.

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Sonho Causado Pelo Voo de uma Abelha ao Redor de Uma Romã um Segundo Antes de Acordar (Kerolyn)

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Sonho Causado Pelo Voo de uma Abelha ao Redor de Uma Romã um Segundo Antes de Acordar (Kerolyn)

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A pintura retrata uma mulher (a mulher de Dali, Gala), enquanto dorme numas rochas flutuando sobre o mar a apanhar sol durante um dia calmo. Um elefante com pernas incrivelmente longas e extremamente finas passa pelo horizonte do mar, transportando um topo de uma montanha. Perto da mulher flutuam duas gotas de água e uma pequena romã. A partir de uma romã maior vem um peixe que “cospe” um tigre de onde vem um outro tigre, enquanto na frente desse existe uma espingarda apontada à mulher. O segundo tigre demonstra várias diferenças do primeiro, diferentes garras, e sem bigodes. Salvador Dali neste quadro tenta explorar o mundo dos sonhos, a espingarda podendo representar a picadela da abelha e o acordar da mulher bastante repentino, o elefante poderá ser a visão bastante retorcida de uma famosa escultura situada em Roma, a romã mais pequena poderá simbolizar Vénus especialmente pela sombra em forma de coração, o simbolismo da mulher poderá ser a da fertilidade/sensualidade que contrasta com as criaturas. Pode-se também interpretar esta pintura como uma ilustração a teoria da evolução.

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" Qu'est-ce que le Surréalisme?."  (Karyna)

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" Qu'est-ce que le Surréalisme?."  (Karyna)

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"Qu'est-ce que le Surréalisme?" (O que é o Surrealismo?) é um ensaio escrito por André Breton, publicado em 1934. Neste trabalho, Breton explora e define os princípios fundamentais do movimento surrealista, oferecendo uma visão abrangente de suas ideias e objetivos.

No ensaio, Breton discute a importância da liberação do pensamento e da expressão criativa, destacando a busca pela verdade interior e a exploração do inconsciente como elementos essenciais do surrealismo. Ele também aborda a influência da psicanálise, particularmente as teorias de Sigmund Freud, na formação das práticas surrealistas.

Além disso, Breton explora a relação entre o surrealismo e a realidade cotidiana, questionando as convenções sociais e culturais estabelecidas. Ele destaca a importância da liberdade artística e da exploração de novas formas de expressão, como o automatismo e o escrita automática, como meios de alcançar um estado de "suprarrealidade".

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Andre Breton manifesto surrealista ( yasmyn )

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Andre Breton manifesto surrealista ( yasmyn )

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O Manifesto Surrealista foi publicado pelo escritor francês André Breton em 1924, e trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte[1].

Seguido do dadaísmo (movimento que propunha a oposição por qualquer tipo de equilíbrio), o surrealismo impunha o chamado automatismo psíquico, "estado puro, mediante o qual se propunha transmitir verbalmente, por escrito, ou por qualquer outro meio o funcionamento do pensamento; ditado do pensamento, suspenso qualquer controle exercido pela razão, alheio a qualquer preocupação estética ou moral".

Segundo Breton, ele e o escritor Soupault, deram o nome de surrealismo ao novo modo de expressão que tinham a seu alcance, em homenagem a Guillaume Apollinaire.

Neste manifesto, os princípios surrealistas são declarados, tais como a isenção da lógica, a adoção de uma realidade superior, chamada "maravilhosa".

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Manifestoes of Surrealism é um livro de André Breton, que descreve os objetivos, significado e posição política do movimento surrealista. Foi publicado em 1969 pela imprensa da Universidade de Michigan.

Ele dialoga com o mesmo objetivo do manifesto dadaísta de romper com paradigmas convencionais sobre o que é arte e, especialmente, neste caso, sobre as formas como se produz arte.

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O quadro celebra as raízes mexicanas da pintora. As ornamentações foram inspiradas pela arte popular mexicana e o retrato em si mostra Frida num traje tradicional do seu país, com fitas e flores no cabelo. É provável que as aves tenham sido baseadas em seus animais de estimação que tinha, e eram muitos, incluindo papagaios e macacos, e os representava frequentemente nos seus retratos.

Neste autorretrato devemos reparar nas diferentes flores e formas decorativas que compõem A Moldura. As ornamentações foram pintadas em cores transparentes, do lado de dentro dum pedaço de vidro. É isso que explica as alterações cromáticas quando as cores se sobrepõem no centro do quadro.

Também é necessário prestar atenção à mistura de estilos. A moldura é deliberadamente vibrante, carregada e simples. Por contraste, o rosto de Frida é mais realista, foi pintado sobre metal, dado que esse é um material brilhante e não absorve a tinta. As cores são fortes e vivas.

Por último, uma nota para as duas aves exóticas ao fundo da imagem, sobrepondo-se ao retrato.

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Toureiro Alucinógeno - Salvador Dalí (Kamily)

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Toureiro Alucinógeno - Salvador Dalí (Kamily)

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Pintura a óleo, pintada em 1970, também conhecida como "The Hallucinogenic Toreador".

É uma das composições mais heterogéneas do artista. Entre os elementos apresentados nesta obra estão a sua esposa Gala, a deusa Vénus, as cores da bandeira espanhola, uma praça de touros, insetos, algumas formas geométricas, um cão dálmata e uma paisagem do Cabo de Creus (Catalunha). Tudo isso agrupado com jogos visuais e em perfeita harmonia com experimentação holográfica.

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Uma obra que aprofunda a relação entre sonhos e realidade, refletindo a exploração contínua de Breton sobre os processos inconscientes.

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Assim, em um curto período de tempo, Dalí criou o que seria uma de suas telas mais prestigiadas. Ele declarou ainda que teve como inspiração a imagem de queijos camembert derretidos que havia comido poucas horas antes.Entretanto, é importante ressaltar que, para os surrealistas, o processo de criação estava totalmente relacionado ao mundo psíquico, do qual eles extraíam ao máximo a inspiração, baseando-se no automatismo e imagens do inconsciente.  Essa é uma composição de dimensões relativamente pequenas. Entretanto, a cena que foi gerada é tão instigante que segue aguçando a curiosidade do público e despertando interesse sobre as possíveis interpretações que os objetos representados possuem.

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A desintegração da persistência da memória (joao)    

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A desintegração da persistência da memória (joao)    

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Esta obra mostra Frida presa à uma cama, numa paisagem absolutamente rude e estéril, com uma cornucópia de carne e peixes variados num cone carnoso suspenso acima da boca da artista. Esta obra é considerada uma das mais perturbadoras e poderosas pinturas de Frida. Na época em que pintou o quadro, a pintora encontrava-se com falta de apetite e levou à perda de peso e, por isso, precisava de se alimentar por um funil. No quadro o funil ganhou novas dimensões, tão grande que precisa ser apoiado numa estrutura de madeira, e cheio de carne crua. No verso do quadro Frida escreveu aquilo que mais tarde vem dar nome ao quadro: "Não resta nem a menor esperança em mim... Tudo se move em sintonia com o que o estômago contém".

No quadro Frida encontra-se com um olhar suplicante e em que lágrimas que escorrem do seu rosto. Nesta época Frida era forçada a passar grande parte de seu tempo na cama, com um colete ortopédico devido ao um acidente de autocarro que sofreu enquanto adolescente, por isso, ao longo da sua vida sofreu mais de 30 operações. O funil usado para alimentar a pintora transborda com uma mistura nauseante de carne, peixes e aves. A ideia do funil como um instrumento de tortura (como ele aparece representado na pintura) provavelmente foi tirada de um livro sobre a Inquisição Espanhola. No topo do monte de comida crua encontra-se uma caveira mexicana de açúcar com o nome da artista. Essas caveiras eram comuns no dia dos mortos e seu papel na pintura é fazer uma alusão à morte, enquanto o açúcar com que ela é feita representa a doçura da vida. A paisagem representada no quadro é um deserto e tem sido interpretado como uma referência à esterilidade da artista. Nas laterais do quadro encontram-se imagens da lua e do sol. Uma das interpretações para a presença desses símbolos é a dor implacável da pintora, que persistia dia e noite. Pensa-se que o sol é uma alusão específica a seu marido, Diego Rivera. Outras interpretações dão conta de que o sol se trata de uma referência aos cravos do defunto laranja existentes nas festas mexicanas no Dia dos Mortos.

O quadro foi pintado a óleo em1845 e atualmente encontra-se no Museu Dolores Olmedo Patiño, na Cidade do México. Em 2002 foi lançado o filme "Frida" e relata a vida da pintora e recebeu vários prémios ao longo do tempo.

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Memória, o coração é uma pintura de Frida Kahlo, realizada em 1937. Retrata a dor e a angústia da artista durante e após uma relação extraconjugal entre seu marido, o artista Diego Rivera, e sua irmã, Cristina Kahlo. A pintura é também conhecida como Recuerdo