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A pesar de que la técnica de la animación es una que, dentro del contexto de la historia del arte, no solo no es relativamente reciente, sino que a su vez no es un medio al que se le preste el respeto u estudio que en realidad merece. Aun así, es posible trazar una muy clara línea a lo largo de la historia del arte en relación con el concepto de movimiento (y/o dinamismo) que sirve como un antecedente y una conexión con las actuales practicas de animación. Por “movimiento” se hace referencia a como una obra no animada puede poseer elementos dinámicos que infieren la idea de movimiento, tanto como en la pose de una estatua, la inclusión de múltiples cuadros del movimiento en una misma pintura, o el uso de la anticipación de una acción en una imagen estática. En general es un ejercicio muy valioso tratar de encontrar estos antecedentes de la animación moderna al igual que ver como a lo largo de la historia dentro del arte se ha tratado de romper con la naturaleza estática que era inherente en la creación de una obra que captura solo un momento en el espacio tiempo.

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"Rinocerontes"
Cueva Chauvet, Francia
30.000-32.000 a.c

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"Akenatón, Nefertiti y sus tres hijas debajo de Atón"
Egipto
1351–1334 a.c

En esta pieza vemos una escena, rara dentro del arte egipcio, de la vida cotidiana del faraón con su familia, en este caso Akenatón con su reina, Nefertiti. Lo que hace a esta obra en particular especial es la manera en la cual se diferencia, e incluso contradice muchos de los supuestos principios previamente establecidos en el arte egipcio, algo simbólico del llamado estilo de "Amarna" utilizado durante este periodo. Claramente, podemos ver que a diferencia de otros ejemplos de arte egipcio, aquí las figuras humanas se representan con poses mucho más dinámicas y menos estáticas, con rasgos más orgánicos y menos geométricos, a su vez rompiendo con el estándar de la representación artística egipcia de representar a la figura humana con todas sus partes visibles. Por otra parte, también es importante resaltar el cambio en como se representa la acción de los personajes en la escena. A diferencia del pasado, en este caso podemos ver figuras que se encuentran en el punto máximo del movimiento, un faraón levantando a su hija para jugar, uan acción que logra comunicarle e inferirle al espectador toda una secuencia de movimientos. Esto representa un rechazo total de las poses estáticas y cuasi estandarizadas que se utilizaban antes y después del reinado de Akenatón, un periodo que en sí estaba marcado por el rompimiento con las dinámicas religiosas predominantes del momento y la elevación de la figura del dios Atón, quien dentro de este contexto también era símbolo de transformación del mundo y de la sociedad egipcia en específico.

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"Estampado de sello cilíndrico"
Babilonia
Siglo VIII a.c

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"Los Boxeadores de Akrotiri"
Creta, Grecia
1700-1650 a.c

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"Metopas del Partenón (Centauromaquia)"
Atenas, Grecia
447-442 a.c

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"Toro Farnesio (o Suplicio de Dirce"
Apolonio y Taurisco de Tralles
Rodas, Grecia
Siglo I-II a.c

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"Altar de Domicio Enobarbo"
Roma, Italia
122-115 a.c

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"Cupula del Panteón de Agripa"
Roma, Italia
118-125 a.c

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Comparación del Arte de la Grecia Clásica y el Arte de la República Romana

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Comparación del Arte de la Grecia Clásica y el Arte de la República Romana

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A primera vista es fácil ver los paralelos y las influencias que el arte griego tuvo en el desarrollo del arte en la república Romana, y posteriormente el imperio. En ambos ejemplos podemos ver relieves esculpidos en mármol distribuidos de forma secuencial a lo largo de una superficie horizontal, diferenciadas por la escala, la escala monumental del techo del Partenón en el caso de la Grecia clásica, y un altar relativamente pequeño en el caso de la república Romana. Más allá de lo obvio también se puede decir que en ambos casos existe un importante componente narrativo en la intención y elaboración de los relieves, de una forma que utiliza el movimiento en una manera similar a como se utilizara una vez se invente la animación. Esto lo vemos en como en las dos obras se ve claramente una intención de lectura narrativa en las escenas, casi como cuadros sucesivos en una secuencia animada, en los que se hace uso de poses estáticas para dar a entender una escena compleja en movimiento. En cuanto ha contenido las dos obras pretenden comunicar una historia de forma visual, para así diseminar ideas y cultura a un público generalmente analfabeta. Por un lado la Centauromaquia de las metopas del Partenón comunican una historia únicamente mitológica, en la que se retrata una batalla entre humanos (o dioses según algunos historiadores) y los centauros. Por otro lado el Altar de Domicio Renovarlo presenta también una escena mitológica, una procesión matrimonial de dioses marinos, pero también le agrega una dimensión política, emblemática de la cultura romana, en la que se presenta una escena cívica de que representa las diferentes etapas de un censo del cuerpo de ciudadanos romanos.

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"Josué Combatiendo Contra los Amorreos"
Basilica de Santa Maria Maggiore
Roma, Italia
432-440 d.c

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"Mosaico de Animales"
Gaza, Palestina
Siglo V-VII d.c

En este mosaico descubierto recientemente en Gaza Palestina podemos apreciar el raro ejemplo de arte bizantino perfectamente conservado. Vemos una serie de diferentes animales, desde liebres a lobos a múltiples tipos de aves, todos coloridos y distribuidos en una cuadrícula. A primera vista, esto no es nada más que una pieza cuyo propósito, al ser construida en un piso, era plenamente decorativo, pero en retrospectiva representa un muy interesante ejemplar que contrasta con el resto del arte de esta corriente artística. A diferencia de otras piezas contemporáneas, que por lo general eran de índole religiosa y bastante estáticas, este mosaico nos muestra múltiples animales en pleno movimiento, nos muestra poses que, a pesar de que en ningún momento podríamos ver de forma estática en la vida real, logran comunicar un movimiento continuo que a su vez le da vida a estos animales.

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"Monumento Ecuestre de Carlomagno"
Metz, Francia
Siglos XVI-XVIII d.c

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"Scriptorium de Echternach"
Berna, Suiza
1039 d.c

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"San Francisco Cura a un Paralítico", fragmento de "San Francisco e Historias de su Vida"
Bonaventura Berlinghieri
Pescia, Italia
1235 d.c

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Comparación del Arte Románico y el Arte Gótico.

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Comparación del Arte Románico y el Arte Gótico.

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Al ver ambas piezas escogidas para representar las tradiciones artísticas del Románico y el Gótico, son bastante evidentes los paralelos y las características estilísticas que se mantienen. En ambos casos vemos formas similares de representar espacios arquitectónicos, carentes de perspectiva y proporciones realistas, y figuras humanas, estáticas y vistas en perfil. De igual manera, ambas provienen de ambientes plenamente religiosos, aunque desde diferentes contextos, en el caso de la pieza románica vemos una miniatura que representa el mismo espacio en el que la obra sería desarrollada como parte de un manuscrito religioso, por el otro lado la pieza gótica es parte de una tabla más grande que probablemente tenía un propósito devocional como parte de la decoración de una iglesia. En cuanto a un punto de comparación bastante particular, está la forma en la que ambas obras logran incorporar movimiento en piezas estáticas. En la pieza románica se nos presenta a dos monjes en el proceso de copiar un manuscrito, específicamente se presenta la acción de una forma que combina diferentes momentos de la labor en una sola imagen que infiere toda la secuencia de movimientos, el monje en la derecha escribe con una mano mientras pasa la página con la otra, acciones que en sí no suceden de forma simultánea, pero que dentro de la composición nos da a entender como se ve en su totalidad el movimiento de un monje mientras trabaja. Por otra parte, en la pieza gótica vemos una manera alterna de presentar movimiento, primero están las figuras de San Francisco y la persona a la que está curando en plena acción, mientras que un tercer personaje está en una pose que nos da a entender que está en el proceso de salir de la escena. Al mismo tiempo está la manera mediante la cual el cuadro nos presenta un elemento que, se puede decir, está definido por su constante movimiento, el agua. Vemos como el artista pintas las olas en la superficie del agua, congeladas en el tiempo, contrasta las onduladas del líquido con las líneas rectas que componen el resto de la escena.

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"El Nacimiento de Venus"

Sandro Botticelli

Florencia, Italia

1484-1485 d.c

El Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli es probablemente una de las más reconocidas e importantes obras de todo el renacimiento, en ella vemos en términos literales vemos la llegada de una mujer, en este caso la diosa Afrodita o Venus, a la costa de una isla, Citera, siendo transportada en una concha empujada por la personificación del viento y a punto de ser cubierta por un tercer personaje. A primera vista es evidente el drástico cambio que se da entre arte gótico y arte renacimental, desde el punto de vista estético y, más relevante para este tema, en como evoluciona la forma en la que se representa el movimiento. Podemos ver como la escena es una que tiene un alto dinamismo, las poses ya no son estáticas y, por el contrario, expresan un alto nivel de movimiento. Por un lado, vemos como los personajes están representados en el punto máximo de sus respectivas acciones, aparte de la figura central de venus que es pintada en una pose más estática que exalta su belleza, por otra parte, vemos como Botticelli usa el viento para darle vida a la imagen, desde el movimiento de las olas al movimiento del pelo y las telas a lo largo del cuadro, al igual que la forma en la que las flores caen y son llevadas por la brisa desde el lado izquierdo de la pintura.

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"Estudio de Tres Manos"

Albrecht Dürer

Viena, Austria

1494 d.c

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"Dánae"

Antonio Allegri da Correggio

Roma, Italia

1531 d.c

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"Apolo y Dafne"

Gian Lorenzo Bernini

Roma, Italia

1622-1625 d.c

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"Hebe"

Antonio Canova

Multiples Copias

1796-1817 d.c

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"La Marseillaise"

François Rude

Paris, Francia

1833-1836 d.c

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Comparación del Arte Barroco y el Arte Neoclásico.

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Comparación del Arte Barroco y el Arte Neoclásico.

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Entre estas dos obras existe un muy interesante punto de contraste y la vez de semejanza. A primera vista es fácil pensar que ambas son parte de un mismo periodo, ambas son esculturas que demuestran un completo control sobre el material, en este caso el mármol, que se preocupan por la sutileza y el detalle tanto de la forma como de los gestos, que demuestran un gusto por la supuesta limpieza y pureza del blanco, y ambas son obras que interesantemente son construidas con una misma curva compositiva.

Por otra parte, es bastante interesante mirar más a fondo y analizar las diferencias, específicamente en como ambas esculturas representan el movimiento, y como estas diferencias son emblemáticas de sus respectivos estilos. En el caso de Apolo y Dafne vemos como Bernini decide representar la escena de esta historia mitológica, no solo en el clímax del mito, sino que decide esculpir el momento cúspide de toda la escena, congelando el movimiento de ambos personajes al borde del proverbial abismo, en el punto medio de la metamorfosis de Dafne, capturando toda la emoción extrema del momento y el perfecto punto en el movimiento de los personajes que nos deja pensar en toda la gama de acciones que preceden a esta escultura, y todo el movimiento que sigue después de ella, creando una animación estática.

Casi en completa oposición a la anterior obra, esta Hebe de Antonio Canova, una escultura que aunque sí represente mucho movimiento en todas sus partes, desde las telas del vestido de la copera olímpica que son movidas por la brisa, a como se coloca a la vasija en el punto máximo antes de desbordarse, como el cuerpo se representa dando un paso hacia adelante. Pero lo que resulta más interesante es como esta escultura difiere de la anterior, en como este es un movimiento harmónico, carente de fuertes emociones y que irónicamente es mucho más estático, todos detalles que denotan las claras diferencias entre el barroco y el neoclásico.

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"Los Campesinos de Flagey Regresan de la Feria"

Gustave Courbet

Besançon, Francia

1850-1855 d.c

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"Estudio de una figura al aire libre, Mujer con sombrilla mirando hacia la izquierda"

Claude Monet

Paris, Francia

1886 d.c

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"Dinamismo de un Perro con Correa"

Giacomo Balla

Roma, Italia - Buffalo U.S

1912 d.c

Al llegar final de esta línea del tiempo, una que pretende trazar un camino claro a lo largo de la historia del arte, enfocándose en como se plasma el movimiento de forma estática, es bastante apropiado que de cierta forma se regrese al inicio. A primera vista se pueden ver las figuras centrales de un perro y las piernas de su dueño, quien lo pasea con una correa. Todas estas figuras son representadas con múltiples posiciones sobrepuestas en el cuadro, creando un efecto borroso. Esta repetición es simbólica de un profundo interés por el movimiento y el dinamismo, ideas centrales del movimiento al que hacía parte Giacomo Balla, el futurismo italiano. Vemos el simple acto de pasear a un perro representado no solo de una forma que insinúe el movimiento, como es el caso de las obras pasadas, sino que, por el contrario, pone dentro de una sola imagen cada cuadro de esta acción, visto en como se pintan multiples piernas y correas, creando una secuencia que se asemeja a la técnica de la animación que se estaba desarrollando de manera contemporánea, y a las pinturas rupestres de animales con partes repetidas con las que se le dio inicio a esta línea del tiempo. Se puede decir que al unificar todos los cuadros que componen el movimiento, Balla está expresando una idea similar a la del impresionismo del siglo pasado, querer capturar esta escena de la forma como uno la ve, en este caso al unificar en un cuadro estático todo lo que se ve en el momento, le da una dimensión temporal al cuadro.