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Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872-1873

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Se originó de un pequeño grupo de pintores, evitaba el énfasis tradicional en temas históricos o mitológicos, pasando a pintar elementos de la realidad, particularmente la naturaleza transitoria de la luz, el color y la textura.

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Papel pintado Trellis, de William Morris 

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El Arts and Crafts fue un movimiento de enorme ambición de la arquitectura moderna que abarcaba la creación y el diseño en toda su amplitud, desde casas esmaltadas hasta iglesias, en lugares tan diversos como Budapest y California.

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El Movimiento Arts and Crafts (" Artes y Oficios" o también " Artes y arte meca")​ fue un movimiento artístico británico, originado a finales del siglo XIX.​​​​

El Movimiento Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,​​ arquitecto, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista, doctor y político. Un hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, Philip Webb, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.

El Arts and Crafts fue un movimiento de enorme ambición de la arquitectura moderna que abarcaba la creación y el diseño en toda su amplitud, desde casas esmaltadas hasta iglesias, en lugares tan diversos como Budapest y California. Nacido de pensadores y profesionales en Gran Bretaña, tenía una clara intencionalidad "moral": suponía una posibilidad de reacción a la industrialización y las formas de vida modernas que habían sustituido al trabajo manual por el trabajo mecanizado. Tras ello había una utopía social ejemplificada en el deseo manifiesto de volver atrás para "regenerar" al hombre mediante la artesanía. Buscaba respetar y cuidar los materiales, y la forma en que se utilizaban. Se trataba de mostrar cómo se construyeron las cosas, de modo que parecían diferentes de lo que eran en realidad.

Igualmente, se trataba de respetar al creador. Sobre un fondo de la inmundicia, degradación e industrialización, el movimiento quería que la gente trabajase en un entorno feliz, sano, y que disfrutaran de lo que hacían. Uno de los corolarios fundamentales de este enfoque en el medio ambiente era una nueva preocupación por lo doméstico y lo cotidiano, surgiendo así la necesidad de producir muebles y artículos de hogar, partiendo de diseños que eran a la vez prácticos y estéticamente agradables.

En el mundo de la arquitectura, para el diseñador Michel Ashbee, "las artes y el movimiento mecánico comenzaron con el objetivo de hacer cosas útiles, de hacerlas bien y de hacerlas bellas; la buena calidad y la belleza eran los líderes de los movimientos homólogos".

Particularmente estridente fue la llamada a la jerarquía artística que había estado en funcionamiento desde el Renacimiento, y que priorizaba la arquitectura, la pintura y la escultura por encima de las llamadas artes "mayores". Si bien nunca se puede negar la importancia de la mecánica y la escultura, los artistas de Arts and Crafts otorgaron un nuevo valor a las artes mecánicas y aplicadas e insistieron en que éstas se convirtiesen en una parte integral de cualquier diseño más grande. Ya no era suficiente confiar en la casualidad o capricho personal para la elección de los sillones en una sala de estar o el ahorcamiento de un tapiz en una iglesia. Con el objetivo de reflejar la noción de la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk, que el compositor Richard Wagner había descrito como el objetivo de sus producciones de ópera a mediados del siglo XIX, cada elemento tenía que ser diseñado como parte de un todo orgánico.

Sus practicantes no eran artistas aislados unidos por similitudes estilísticas, sino que eran maestros y alumnos, colegas y rivales, amantes y amigos que conversaban a menudo y colaboraban en sus esfuerzos por elevar los estándares de diseño de todos los días. Hay, sin embargo, poca coherencia visual en su trabajo. Mientras que algunos desarrollaron una rica imaginería medievalizante como parte de su emulación de los valores sociales y artísticos de la Edad Media, otros se esforzaron por formas simplificadas cuyo lenguaje decorativo dependía de las propiedades naturales de los materiales.

De hecho, el movimiento de las artes y artesanías extrae su identidad de un conjunto de principios compartidos, más que de un código visual uniforme. Como resultado de ello, exige una gran agilidad intelectual a sus estudiantes, que tienen que aceptar tanto su multiformación estilística como las variaciones que sus adherentes a menudo elaboran sobre el marco teórico del movimiento. Es conocido que la revalorización de las artesanías, a las que se atribuyó un poder regenerativo en la sociedad moderna, y el rechazo de ayudantes para los procesos mecánicos de la industrialización, inspiró a muchos de los adheridos al movimiento a centrarse en productos hermosos, hechos a mano. Pero tal era el coste de producción de estos que tuvieron que ser vendidos a precios por encima del alcance de la familia promedio a la que deseaban llegar los artistas de Arts and Crafts. No se trata de un asunto menor, como tampoco otras contradicciones del movimiento que serán importantes al tratar la transición de la teoría a la práctica.

El movimiento desarrolló diferentes características en los países en los que apareció. En general, artistas y diseñadores de Europa continental y América no compartían el sentimiento anti-industriual que había motivado a sus colegas Británicos. En Austria y Alemania, arquitectos y diseñadores emergentes de la tradición de arts and crafts abrazaron la modernidad hasta el punto de que el medio ambiente urbano y el diseño industrial se convirtieron en importantes preocupaciones en su trabajo. Por el contrario, en las naciones marginadas como Hungría, Polonia y Finlandia, las Arts and Crafts evolucionaron fuera del escenario político más amplio de la resurrección nacional y la resistencia a la opresión del imperio extranjero. En las artes, estas preocupaciones dieron paso al crecimiento de un movimiento conocido como romanticismo nacional, en el que las tradiciones vernáculas y populares, tanto reales como inventadas, son apropiadas y reinterpretadas a fin de servir a la causa de la definición nacional. Con su enfoque en el arte popular repositorio de las formas "puras" nacionales, su interés por la recuperación de las culturas minoritarias y su preocupación por el resurgimiento de las habilidades artesanales, el romanticismo nacionalista tiene una coincidencia significativa con Arts and Crafts.

El movimiento revalorizó los oficios medievales, en plena época victoriana, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre, pero potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. En lo expresivo se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.

El Arts and Crafts se trata de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las artes decorativas, las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso influyó en el diseño de jardines.

En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman Style, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art déco, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.

Entonces, según este enfoque, el artesano se vuelve operario o artista o un poco de ambos.

Artesanías y artes populares (Crafts and Folk Arts) se han practicado en muchos países en diferentes momentos de la historia. Máscaras africanas , tótems de Alaska, la cerámica inglesa y muebles franceses son todos ejemplos de arte popular o artesanal que son parte de la tradición y de la historia nacional y expresan el carácter único de la hora y el lugar del que proceden. Crafts and folk arts en los Estados Unidos hacen lo mismo. Artesanías y artes populares (crafts and folk arts) europeos llegaron a existir distantes entre sí, a menudo comunidades aisladas, en terrenos donde la sociedad se construyó sobre una estructura de clases. Muchas de las tradiciones artesanales europeas se perpetuaron en Estados Unidos, donde las grandes distancias permitieron a la gente de la misma creencia religiosa y origen nacional convivir juntos teniendo poco contacto con otros grupos. Hoy, cuando el mundo ha desaparecido, las artesanías están siendo perseguidas por estadounidenses en todos los ámbitos de la vida , en las ciudades y las zonas rurales los hombres y mujeres que han traído un renovado interés en la habilidad personal para una era de productos hechos a máquina . Los términos " crafts " y " folk arts" como vamos a usar aquí son términos sueltos ; tanto a menudo se puede aplicar a un solo objeto . Pensilvania, cerámica alemana, es a la vez artesanía y arte popular , pero una silla de caoba tallada podía ser obra solamente de un artesano. americana temprana un artesano .Una botella de agua de colonia temprana representa la más alta expresión del oficio de soplador de vidrio , mientras que un frasco de esmalte de colores producida en el misma fábrica está estrictamente en la tradición popular . Una pintura hecha por un hombre con un poco o ninguna formación formal en arte es considerado el trabajo de un "amateur", un artista "primitivo" o "popular" y no el de un profesional o el de artista "académico".

El artista académico normalmente habría tenido preparación formal ; el estilo en el que trabajó se basó en tradiciones que había evolucionado durante los siglos , las tradiciones que esperaba para avanzar por su propio talento e individualidad . Por otra parte, el artista académico se esforzó por expresar en su pintura o la escultura algo de su propia imaginación y la personalidad; el artesano fue restringido por los requisitos de utilidad y por el carácter de los materiales disponibles para él. El arte académico cambia a medida que el tiempo pasa, y señala sus características de muchas culturas . El arte popular, por lo general se limita a una región en particular, se mueve en un rango estrecho y generalmente perpetúa diseños heredados; originalidad o imaginación es excepcional.

El término "artesano " o " artesanal " se aplica al ebanista ( fabricante de muebles ), el orfebre , el alfarero , el soplador de vidrio, el tallador de madera , el hojalatero y el trabajador de metal o textil. Considerando que los pintores populares trabajaron solos, por lo general los artesanos recibieron su entrenamiento en las tiendas más antiguas , los trabajadores más cualificados en su comercio , aunque muchos talentosos, las personas autodidacta lograron alcanzar el estatus de un artesano .

Temprano América tenido artesanos cuyo trabajo era tan fino como la de los artesanos europeos , pero tuvo un menor número de pintores y escultores. La pintura y la escultura eran esencialmente lujos , y los primeros americanos que estaban luchando contra las dificultades del asentamiento de un nuevo continente, no tenía ni el tiempo ni la inclinación a disfrutar de los lujos . Sin embargo, había belleza en la simplicidad de muchos implementos americanos , los utensilios y las necesidades del hogar .

Aunque el término " arte popular " se puede aplicar al trabajo producido tan tarde como a finales del siglo XIX , pierde su sabor especial cuando se asocian con los productos del siglo XX. Aunque los tiempos modernos han visto innumerables aficionados , artistas de tiempo libre y artesanos, las demandas del comercio y el uso generalizado de maquinaria han puesto casi todos los artesanos profesionales fuera del negocio .

Al hablar de las tradiciones del arte popular de los Estados Unidos , debemos recordar que el único arte nativo americano es el de los indios que habitaban el continente durante miles de años antes de que llegaran los primeros hombres blancos . Hoy, sin embargo , la expresión "arte americano " ha llegado a significar el arte que se desarrolló por los colonos europeos y sus descendientes.

El arte indígena de América del Norte se conoce en los Estados Unidos como "el arte de la India" y el arte nativo de América Central, antes de la conquista española, como "precolombina", que significa "antes de los descubrimientos de Colón".

Los artesanos en las trece colonias británicas en el este de Seabord incluidos herreros, alfareros, zapateros, modistas, peluqueros, impresoras y encuadernadores. La mayoría de ellos habían recibido su formación en Europa como aprendices de maestros artesanos. Las cosas que producían eran en gran parte artículos de uso doméstico o de prendas de vestir, la mayoría de los cuales fueron utilizados inmediatamente por los compradores. Los objetos que fueron valorados se han conservado en los hogares como reliquias. Estos fueron obra de ebanistas plateros y los sopladores de vidrio. Muebles Americanos, la plata y el vidrio se encuentran hoy en día en muchos de los museos y colecciones privadas de Estados Unidos.

Los diseños de los muebles de la época colonial eran tan hermosos y prácticos que las piezas americanas del siglo XVIII aún se reproducen en tiendas y fábricas y se venden bien en competición con los estilos más recientes. Los mejores muebles americanos fueron el trabajo de maestros artesanos. Reflejaba estilos europeos y mantiene los estándares europeos de excelencia en el diseño y la artesanía, y al mismo tiempo con un sabor americano.

Desde el siglo XVII hasta principios del XIX, el arte de la orfebrería floreció. Él era el aristócrata entre los artesanos coloniales, con un lugar en la confianza del público y la estima similar a la del banquero de hoy. Una de sus principales funciones era la de convertir la plata en una vajilla de plata, y para grabar piezas con nombres y escudos familiares-una forma útil de mantener metales preciosos en una forma distinta de monedas. Plateros estadounidenses modificaron sus diseños, en tanto los estilos cambiaron en Inglaterra. Esto se ilustra por la apariencia cambiante de las teteras, uno de los artículos de uso más frecuente en los primeros hogares de Estados Unidos.

Vidrieros coloniales continuaron diseñando formas que habían sido populares en Europa, pero sus piezas son inclinadas a ser resistentes y no delicadas. En el siglo XVIII, todo el vidrio modificado por medio del "soplado libre" y no se presiona. El soplado es el método más antiguo y simple de la producción de vidrio, el que probablemente era utilizado por los egipcios, fenicios y romanos. Los nombres de dos famosos fabricantes de vidrio-Wistar y Stiegel-se asocian principalmente con los principios de vidrio soplado americano. En el sur de Jersey en el museo de arte metropolitano hay un elegante candelabro, la parte inferior de la órbita está ornamentada por remolinos pesados. Una capa adicional de vidrio aplicado en la parte superior del formulario de soplado y formado con una herramienta en los canales diagonales.

Aunque los colonos europeos originales del continente de América del Norte fueron, en su mayor parte, indiferente a los refinamientos artísticos, el retrato apareció pronto. Como la pintura era provincial y estaba muy por detrás de eso se produce en la madre patria. Los artistas fueron llamados "limners" o "pintores de la cara"; una rigidez y un énfasis en la cabeza caracterizan sus trabajos.

La mayoría de los primeros retratistas estadounidenses fueron autodidactas. Crecieron en una sociedad que tenía poca cultura. Reflejaron estas condiciones en su trabajo. Un ejemplo de este robusto, tipo inculto era Chester Harding, un joven granjero de Massachusetts.

Con menos oportunidades de formación, incluso pintores que eventualmente se convirtieron en reconocidos se mantuvieron en el nivel primitivo que habría sido el caso en Europa. Muchos eran también pintores que trabajaron de forma artesanal. También hubo caballeros aficionados y mujeres jóvenes de las "academias femeninas". Lo mejor de estas pinturas han entrado en las colecciones, donde pueden ser vistos por el público. Uno, formado por Mrs.John D Rockefeller se encuentra ahora en Colonial Williamsburg. Otro estaba formada por Edgar Guillermo y Bernice Chrysler Garbisch, las selecciones de las que pueden ser vistos en la Galería Nacional de Arte en Washington DC.

Considerando que las artesanías coloniales de la Seabord oriental presentan una imagen unificada, la artesanía del siglo XIX está más diversificada. Muebles y elementos en plata continuaron, pero estas artesanías ya no ocupaban el mismo lugar único que tenían en el siglo XVIII. Durante el siglo XIX, colchas y edredones, tallad de madera, cerámica, gres, vidrio prensado y veletas se encuentran entre los tipos más importantes de trabajo. El tallado de madera, cerámica y gres fueron producidos en su mayoría por artesanos profesionales. Ni el término "arte" ni "arte popular" se aplica a todas estas formas, pero todos pueden ser llamados arte popular.

Algunas colchas tejidas para las camas estaban hechas por los profesionales. La mayoría de ellos, sin embargo, fueron producidos por la mujer de la casa, principalmente para su uso, pero también para la decoración. La mujer hacía todo el trabajo requerido, desde el hilado de lino y la lana en hilo para el tejido de la tela. Un tipo temprano de bordado, conocido como "trabajo Turco", dirigido a lograr el efecto de alfombras orientales; se ha conservado sólo en unas pocas muestras. Las piezas individuales de damasco y terciopelo eran traídas personalmente o importada por los ricos; los colonos fueron disuadidos de producir tales telas de lujo.

1. P.M, L. T. (2014). English: Aphia Salisbury Rich and Baby Edward, Painted 1833, Artist unknown. Recuperado a partir de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pintura_arts_and_crafts.jpg

2. P.M, L. T. (2014). English: Decoration in the Church of St Francis,Cracow 1896-1902. Recuperado a partir de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Iglesia_de_St_Francis,_arts_and_crafts.png

3. P.M, L. T. (2014). English: Glass Bowl With Lylipads Courtesy National Gallery of Art. Recuperado a partir de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Vidrio_soplado_arts_and_crafts.jpg

4. P.M, L. T. (2014). English: Patchwork quilt. Recuperado a partir de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Colcha_arts_and_crafts.jpg

5. P.M, L. T. (2014). English: teapot by peter van Dyck Yale university Art Gallery. Recuperado a partir de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Tetera_arts_and_crafts.png

6. Carolyn McDowall, Arts & Crafts Movement - Wili Moris the Art that is Life, The culture concept circle, 1 de noviembre de 2014.

Blakesley, R. P. (2006). The arts and crafts movement.

Christensen, E. O. (1964). American Crafts and folk arts. America today .

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Arts and Crafts - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El Movimiento Arts and Crafts (" Artes y Oficios" o también " Artes y arte meca")​ fue un movimiento artístico británico, originado a finales del siglo XIX.​​​​ El Movimiento Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,​​ arquitecto, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista, doctor y político.

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El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El 'arte nuevo', como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.

Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento inglés Arts & Crafts ('artes y oficios'), fundado por William Morris en 1861, el cual revalorizaba la artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art nouveau también valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo moderno.

La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Gracias a esto, no solo cerró el siglo XIX y abrió el XX, sino que preparó la transición entre dos eras artísticas totalmente distintas. Conozcamos sus características, representantes y obras a continuación.

Características del art nouveau

El arte académico del siglo XIX estaba dominado por el historicismo, particularmente en arquitectura (neoclásico, neorrománico, neogótico, neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un deseo profundo de originalidad y libertad que definió las características del movimiento. Veamos.

Inspiración en la naturaleza

Los artistas del art nouveau se inspiraron en las formas de la naturaleza. No se trataba simplemente de retratar animales o plantas. Los modernistas no imitaban la naturaleza. La observaban, la estudiaban y usaban sus principios formales para buscar nuevas ideas. Por ello, estudiaron los tallos, las raíces, las formaciones rocosas, las osamentas, los caparazones y toda clase de elementos. De allí tomaron las líneas y formas geométricas que le dieron originalidad y belleza al nuevo estilo.

Alfons Mucha. Zodíaco, 1896, litografía, 65.7 x 48.2 cm.
Nótese el uso de líneas ondulantes superpuestas en patrones geométricos.

Dominio de la línea ondulante

Ya que en la naturaleza la línea recta no existe, el art nouveau adoptó la línea ondulante como rasgo distintivo, tanto en las artes aplicadas como en las bellas artes. Se manifestó en dos vertientes, frecuentemente superpuestas: una de inspiración vegetal, con líneas asimétricas, sinuosas y entramadas, y otra basada en la geometría.

Asimetría y dinamismo

La asimetría fue otro rasgos común en el art nouveau. Esta característica permitía acentuar la sensación de dinamismo y ligereza con la que se interpretaban los tiempos modernos.

Eclecticismo

El arte modernista se caracterizó también por la variedad y la mezcla de estilos. En lugar de una estética uniforme, favoreció diversas soluciones formales por la influencia de distintas corrientes estéticas, como el arte japonés, el arte de la India, el simbolismo, etc.

Riqueza ornamental

En el art nouveau proliferan los elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales se procuran composiciones rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet. Este consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.

Gusto por lo elegante, lo lujoso y lo exótico

El art nouveau es refinado, lujoso y elegante. Usa materiales caros y procura acabados finos y delicados. Asimismo, comparte el mismo gusto por el arte japonés que otros movimientos contemporáneos, como el simbolismo y el postimpresionismo. Todo esto hace del art nouveau un estilo esteticista, donde el disfrute de la belleza es el valor supremo.

Antonio Gaudí: Interior de la Casa Batló, Barcelona.
En la imagen se observan materiales como hormigón, madera, hierro y vidrio.

Materiales y técnicas de la era industrial

Los artistas y diseñadores del art nouveau valoraron las técnicas disponibles en la época industrial. Por ejemplo, la reproducción mecánica, la xilografía y el cartelismo. Asimismo, aprovecharon los materiales nuevos o le dieron nuevo uso a los ya conocidos. Algunos materiales comunes en el art nouveau fueron el hierro, la cerámica, el vidrio, los cristales, la madera, entre otros.

Pintura modernista o del art nouveau

La pintura del art nouveau se conoce también como pintura modernista. Coincidió generacionalmente con el postimpresionismo y se inspiró en la literatura simbolista. Bajo la influencia del simbolismo de Jean Moréas, hizo énfasis en la imaginación, lo onírico, lo extraño y lo artificial, y rechazó los temas históricos o cotidianos del arte academicista. También dieron espacio a la sensualidad y el erotismo.

Los pintores del art nouveau no compartían un estilo unificado, pero sí algunos rasgos comunes. Entre ellos:

contornos pronunciados;

líneas ondulantes y entrelazadas;

motivos vegetales;

decorativismo.

Además de la pintura como disciplina específica, el art nouveau asistió al auge de las ilustraciones y del diseño gráfico, que representó una verdadera revolución en su tiempo, tal como se aprecia en la obra de Aubrey Beardsley y Alfons Mucha.

Arquitectura en el art nouveau

La arquitectura modernista tuvo como punto de partida el diseño y la ejecución de la casa de Víctor Horta, arquitecto belga que revitalizó el diseño de finales del siglo XIX. La casa destacó por su vitalidad y libertad estética.

Los arquitectos de este período volvieron la atención sobre las formas geométricas presentes en la naturaleza, como las figuras hiperboloides, helicoides y paraboloides, entre otras. Por ejemplo, las espirales de un caracol tienen forma helicoide; los huesos de las piernas tienen forma hiperboloide y la hoja de un árbol (o una hojuela de papa frita) tienen forma paraboloide.

Arthur Nelissen, Maison Nelissen (Bélgica).
Nótese la superposición de líneas ondulantes y elementos geométricos.

Junto a esto, los arquitectos aligeraron los muros y dejaron la herrería al descubierto. Así, se valieron de un uso innovador del hierro. También dieron nuevo uso a otros materiales como el vidrio, la cerámica, la loza y la madera, y reintegraron la escultura a la arquitectura de forma innovadora.

Artes aplicadas en el art nouveau

El art nouveau destacó particularmente en las artes aplicadas. Se habla de artes aplicadas cuando se imprimen valores artísticos en el diseño y confección de objetos utilitarios. Abarcan disciplinas como la cerámica, el arte del vidrio, la ebanistería, la orfebrería y el diseño gráfico (carteles, empaques de productos, tipografías y otros).

Los artistas usaron motivos inspirados en el reino vegetal para embellecer los objetos. Favorecieron también la línea curva sobre la línea recta, aunque siempre a partir del estudio geométrico.

Escultura del art nouveau

En el arte modernista, la escultura casi siempre estuvo integrada a la arquitectura, ya que esta alianza era la que permitía, justamente, renovar la estética del siglo XIX. En este aspecto, el art nouveau nos recuerda al arte medieval.

Sin embargo, sí hubo expresiones de escultura modernista exenta (es decir, independiente), a pesar de no haber sido el interés fundamental del movimiento. Al igual que el resto de las artes, se destacó por la línea ondulante y sinuosa, en función de crear un efecto dinámico. También se aprecia la asimetría, el gusto por elementos exóticos, el eclecticismo y la sensualidad.

Artistas y obras más representativos del art nouveau

Víctor Horta (1861-1947)

Arquitecto belga, considerado el impulsor del modernismo en arquitectura. Sus trabajos abarcaron gran diversidad de proyectos, como viviendas, almacenes y centros políticos. Su revolucionario concepto de distribución del interior se caracterizó por la fluidez espacial. Algunas de sus obras son la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa Horta, la Casa del Pueblo y el Hotel Autrique.

Henry van de Velde (1863-1957)

Arquitecto, pintor y diseñador industrial belga, impulsor del modernismo. Para él el diseño era un concepto total, que integraba el diseño arquitectónico con el diseño industrial y de interiores. Algunas obras importantes dentro del estilo fueron la Villa Hohenhof (Hagen), Escalera del Sanatorio (Trzebiechów) y el edificio Van-de-Velde (Weimar).

Antonio Gaudí (1852-1926)

Arquitecto español. Ha llamado la atención no solo por la belleza de sus obras, sino por los particulares métodos para proyectar sus diseños, basados en maquetas más que en planos.

Se distinguió de otros modernistas en su interés por estudiar los estilos históricos, particularmente el gótico. Sin embargo, no pretendió revivirlo sino utilizarlo para expandir las posibilidades creativas del nuevo arte.

Gracias a sus investigaciones, que incluyeron el análisis mecánico de las estructuras, desarrolló un lenguaje completamente original y renovador. Entre sus obras más conocidas están el Templo Expiatorio La Sagrada Familia, el Parque Güel y la Casa Batló.

Te puede interesar: Basílica La Sagrada Familia de Antonio Gaudí

Héctor Guimard (1867-1942)

Arquitecto francés. Destacó por su intento de imitar las formas de la naturaleza en sus edificios, e hizo de la línea curva un elemento distintivo. Su imaginación aplicada a la decoración interior y exterior de sus construcciones le mereció ganar el Concurso de Fachadas de la Ciudad de París. Algunas de sus obras más conocidas son Hotel Mezzara, las entradas del Metro de París y la Maison Coilliot, entre otras.

Lluís Domènech i Montaner (1849-1923)

Arquitecto español, también relacionado con la política. En sus obras se combinan la rica ornamentación con la racionalidad de las estructuras. Entre sus obras más conocidas destacan el Palacio de la Música Catalana, el Castillo de los Tres Dragones y el Hospital de San Pablo.

Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)

Arquitecto y acuarelista escocés. Se inició en el movimiento Arts and Craft. Con el tiempo, adoptó el estilo art nouveau. Se inclinó por las formas geométricas y el gusto por las líneas rectas, conquistando con ello un estilo propio. Entre sus obras más conocidas están la Escuela de Arte de Glasgow, la Hill House en Helensburgh y la Casa Mackintosh, que diseñó junto a su esposa, la arquitecta Margaret Macdonald Mackintosh (1864-1933).

Louis Comfort Tiffany (1848-1933)

Diseñador industrial, decorador de interiores y pintor norteamericano. Destacado por su trabajo en vidrio (especialmente la línea de lámparas que lleva su nombre), aunque también es conocido por sus pinturas y sus diseños en cerámica y joyería. Entre sus obras destacan Paisaje boscoso en tres paneles; Vaso Tiffany y Flores, pescado y fruta.

Renée Lalique (1860-1945)

Diseñador, joyero y vidriero francés. Desarrolló una serie de piezas de joyería muy reconocidas, al igual que candelabros, frascos de perfume, relojes y toda clase de objetos utilitarios. Fue famoso por ser el primero en esculpir en vidrio. Entre sus obras destacan las piezas de orfebrería Tiara y Libélula, que forman parte de la colección Gulbenkian.

Alfons Mucha (1860-1939)

Pintor, ilustrador, diseñador y escultor checo. Ampliamente reconocido por la representación de mujeres rodeadas de elementos vegetales. Además de sus obras pictóricas, destacó en el arte del cartel, el diseño de tapices, joyería, empapelado y otros elementos. Entre sus obras destacan: Destino, Noche de invierno, cartel Cycles Perfecta y envoltorio de Savonnerie de bagnolet.

Audrey Beardsley, The Peacock Skirt , 1892. Ilustración para la obra de teatro Salomé de Oscar Wilde

Aubrey Beardsley (1872-1898)

Pintor e ilustrador británico. Su técnica preferida fue el dibujo con tinta, que le permitió trabajar con zonas de contraste. Trató temas mitológicos, históricos y eróticos. Su estética tuvo rasgos simbolistas, hedonistas y fatalistas. Entre sus trabajos más conocidos están las ilustraciones para la obra Salomé, de Oscar Wilde, y para Lisístrata, de Aristófanes.

Gustav Klimt (1862-1918)

Pintor austríaco. Asociado al simbolismo y al movimiento modernista vienés. Su estilo se caracterizó por la rica ornamentación, la sensualidad y el lujo, que introduce a través del uso de polvo de oro. Entre sus obras más conocidas destacan El beso, Retrato de Adele Bloch Bauer I, El árbol de la vida y Esperanza.

Ver también El beso, de Gustav Klimt

Fernidand Hodler (1853-1918)

Pintor suizo. Representante del simbolismo y el art nouveau, cuya obra adquirió algunos rasgos expresionistas. Fue conocido por un estilo que él denominaba paralelismo, que consistía en agrupar simétricamente las figuras en torno a un centro de referencia. Entre sus obras destacan La noche y El consagrado.

Contexto histórico del art nouveau

A finales del siglo XIX, la revolución industrial ya estaba consolidada. El contexto estuvo marcado por grandes invenciones que revolucionaron el mundo: el fonógrafo, el automóvil, el gramófono, la pastilla de jabón, la aspirina, el cinematógrafo, el avión y toda clase de maquinarias.

En el arte circulaban múltiples corrientes como el simbolismo, el postimpresionismo y el movimiento Arts and Crafts, por solo nombrar algunos. En la Europa industrializada se respiraba novedad y dinamismo, y el art nouveau se alineó con el deseo de modernización de la pujante burguesía. Pronto, el estilo extendió su influencia hasta América.

El nombre art nouveau provino de una tienda llamada La Maison de l'Art Nouveau, abierta por Siegfried Bing en París en 1896. Él movimiento se conoció también como Sezessionstil en Austria, Liberty o Floreale en Italia, Paling stijl en Bélgica, Jugendstil en Alemania, Modern Style en los países de habla inglesa y modernismo en España. En América Latina suele usarse art nouveau para distinguirlo del modernismo hispanoamericano, un movimiento literario de origen independiente.

A pesar de su impulso modernizador y burgués, el art nouveau no llegó a convertirse en un estilo masivo. Esto fue consecuencia de los modos de producción complejos y el alto costo de sus materiales. Hacia 1910 entró en declive, mientras el art déco se abría paso.

Tras el inicio de la primera guerra mundial en 1914, el art nouveau llegaría a su fin en Europa. En cambio, su influencia se mantendría en América algunos años más.

Ver también:

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Art nouveau (arte modernista): características, representantes y obras

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El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El...

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Pablo Picasso, iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912,

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El cubismo fue una vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en Francia se materializa principalmente en las artes y la literatura. Se caracteriza por el marcado uso de formas geométricas, rompe con los modelos estéticos que sólo valoraban la perfección de las formas.

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El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire.​Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino que es considerado la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por "pequeños cubos" y figuras geométricas. Se originó así el concepto de "cubismo". El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis

Características

Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada "perspectiva múltiple": se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son tan nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir, es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefe y maestro del movimiento figura el español Pablo Picasso, tuvo como seguidores al español Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro Las señoritas de Aviñón ( Demoiselles d'Avignon) de Pablo Picasso. Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales, intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros tres hechos acontecidos en esas décadas que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos; el interés por la cuarta dimensión, fruto de la revolución acaecida en la geometría del siglo XIX; y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.

Cubismo analítico o hermético (1909-1912)

En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen desarrollar la nueva tendencia. Juntos crearon las dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico ( 1909- 1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un "nuevo lenguaje" que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los "pasos", definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago).

A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil decodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen representada, en definitiva, era ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.

Es en esta fase cuando el cubismo se presenta en público. Pero no por obra de Picasso y Braque, que exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros pintores que conocieron la obra de aquellos en sus talleres. Se presentaron al Salón de los Independientes de 1911. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. Provocaron el escándalo y rechazo de público y crítica. Ello llevó a que se construyera ya una obra doctrinal de primera hora explicando los hallazgos de la nueva tendencia. Así, el primer estudio teórico del cubismo lo hicieron en 1912 Gleizes y Metzinger: ("Sobre el cubismo"). Apollinaire, por su parte, escribió Les peintres cubistes ("Los pintores cubistas. Meditaciones estéticas") en 1913. Hubo otras adhesiones, como la de la mecenas Gertrude Stein o los marchantes como Ambroise Vollard y Henry Kahnweiler. Otros poetas, además de Apollinaire, defendieron el nuevo estilo: Pierre Reverdy y Max Jacob.

Además del rechazo de los tradicionalistas de la pintura, hubo posteriormente críticos que venían de la propia vanguardia, centradas en dos problemas que planteaba el cubismo: su estatismo y su adhesión a lo figurativo. En efecto, sobre todo los futuristas objetaron al cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo actual es esencialmente dinámico. Gino Severini, a quien se considera el más cubista dentro del futurismo, lo criticó en Del Cubismo al Clasicismo (1921), aunque con el tiempo (1960) reconoció que debía al cubismo gran parte de su técnica. Algunos cubistas fueron sensibles a esta crítica y crearon obras influidas por el futurismo, como hizo Marcel Duchamp con su primera versión de Desnudo bajando una escalera ( 1911, Museo de Arte de Filadelfia, col. Arensberg). Por otro lado, aunque en su época no resultaba fácil deslindar el cubismo de la abstracción, hoy resulta evidente que siguen sujetos a una representación figurativa de las cosas reales. Se seguían representando sillas, botellas o figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. No se apartaban de representar la realidad, sino que querían representarla en el cuadro con un nuevo lenguaje.

El camino trazado por Picasso y Braque pronto fue seguido por los pintores Juan Gris (José Victoriano González) y Louis Marcoussis, el primero influido por Picasso, el segundo por Braque. Gris, tercer gran nombre del cubismo. Este madrileño malvivía en París dibujando para revistas y periódicos. A partir de 1911 se interesó por el problema de la luz sobre los objetos, creando cuadros con iluminación naturalista, en los que los rayos luminosos oblicuos y paralelos entre sí inciden sobre formas rígidas, como puede verse en su Retrato de Picasso de 1912. Él mismo dijo haber adoptado el cubismo "analítico", multiplicando los puntos de vista y usando colores vivos. Para el año 1912, Braque y Picasso ya habían realizado , y Gris comenzó a introducir en sus obras diversos materiales como la madera o la tapicería, bien imitándolos, bien pegándolos ( El lavabo, 1912).

Braque, por su parte, influyó en el polaco Marcoussis (Ludwig Markus). Más ortodoxo y menos original que Gris, creó una obra con colores intensos y cercana a veces al futurismo. Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico, con obras como Naturaleza muerta con damero (1912), Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou).

Cubismo sintético (1912-1914)

En El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo que abrió una nueva vía que llevó al segundo período del cubismo, el cubismo sintético (1912- 1914). Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como . En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules de Botella de Suze (1913, Saint Louis, Misuri, Universidad Washington). Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para representar los objetos "tipo" de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de fósforos. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914). Braque realiza en esta época El clarinete (1913), el Correo (1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).

Cubismo 1914-1919

En este período Juan Gris realiza una pintura más libre y colorista. Emblemática es su Place Ravignan, naturaleza muerta ante una ventana abierta (1915), donde el exterior se representa a la manera tradicional, con perspectiva renacentista, mientras que el interior de formas deconstruidas y compuestas desde diversos puntos de vista con planos quebrados. Por su parte, Marcoussis llega a la cumbre de su tarea creadora con obras más poéticas y personales como Músico (1914, Galería Nacional de Washington, col. Chester Dale)

María Blanchard nunca llegó a la total descomposición de la forma pero dejó su manufactura en forma de ricos colores. Su famosa "Mujer con abanico" (1916, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), "Naturaleza muerta" (1917, Fundación telefónica) o "Mujer con guitarra" (1917, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) son ejemplos del intenso estudio que realiza sobre la anatomía de las cosas, como señaló Ramón Gómez de la Serna y del peso del color en su pintura. Tras esta etapa regresa a las técnicas figurativas donde queda impresa la influencia de las vanguardias.

La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos de los pintores cubistas, al ser franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger, Metzinger, Gleizes, Villon y Lhote). En la posguerra, solo Juan Gris siguió trabajando el cubismo más o menos ortodoxo, aunque en un estilo más austero y simple, en el que los objetos quedaron reducidos a su esencia geométrica. Marcoussis creó una obra más poética. Braque siguió trabajando en la misma línea del cubismo sintético, con papel encolado. Nuevos pintores adoptaron un lenguaje cubista, como María Blanchard. Pero la mayoría de los pintores hasta entonces cubistas, empezando por el propio Picasso, fueron adoptando nuevas tendencias, como ocurre con Duchamp y Picabia, que crearon el dadaísmo o Mondrian que se adhirió a la abstracción. El cubismo, como movimiento pictórico, se puede dar por terminado hacia 1919.

El cubismo en otras artes

Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. Uno de sus aportes fue el caligrama.

El cubismo repercutió en la escultura, a través de técnicas similares al del cubismo sintético. La escultura empezó a construirse con materiales de desecho, elaborándose con piezas diversas y no procedentes de un solo bloque de piedra o mármol. Con ello se crea la llamada estética de "ausencia de masa", al surgir huecos y vacíos entre las superficies. Como los arquitectos, los escultores no dan forma a un volumen, sino que crean espacios. Es de especial interés la variante arquitectónica del cubismo que se dio en Checoslovaquia entre 1910 y 1925, el llamado "Cubismo Checo".

El propio Pablo Picasso realizó esculturas cubistas. Escultores que crearon obras cubistas fueron Alexander Archipenko, Jacques Lipchitz y Henri Laurens, además de los españoles Pablo Gargallo y, sobre todo, Julio González, pionero en el uso del hierro gracias a la soldadura autógena, lo que abrió todo un mundo de posibilidades a la escultura del siglo XX.

Arquitectura

En arquitectura tuvo escasa representación y se dio sobre todo en Checoslovaquia. Su principal representante fue Josef Gočár, quien tras unos inicios influido por la obra de Josef Hoffmann, en 1911 se unió al Grupo de Artistas Plásticos ( Skupina Výtvarných Umělců) y comenzó a trabajar en estilo cubista, como se denota en la casa de la Virgen Negra en Praga (1911-1912) y el establecimiento termal de Lázně Bohdaneč (1912-1913), donde combina formas clásicas y modernas con el cubismo piramidal. Tras la Primera Guerra Mundial y la independencia de Checoslovaquia inició con Pavel Janák la búsqueda de un estilo arquitectónico nacional checo, que se plasmó en el llamado "rondocubismo", que incorpora formas redondeadas y multicolores procedentes de la decoración vernácula bohemio- morava, como evidencia su Banco Legión en Praga (1921-1922).​ Otros representantes fueron: Pavel Janák (villa Jakubec en Jičín, 1911-1912; villa Drechsel en Pelhřimov, 1912-1913; crematorio de Pardubice, 1921-1923; palacio Adria en Praga, 1922-1925);​ Josef Chochol (villa Kovařovic en Praga, 1912-1913; edificios residenciales Bayer y Hodek en Praga, 1913-1914);​ Bedřich Feuerstein (monumento a Jan Žižka en Vítkov, 1913);​ y Jiří Kroha (cabaret Montmartre en Praga, 1918).​

Aunque ya desde el propio Guillaume Apollinaire ​ se escriben obras adscritas temporalmente a este movimiento artístico, no encontramos una definición y experimentación escénica hasta principios del siglo XXI, época en la que se re-describe este término, aplicándolo en especial a las artes escénicas y focalizándolo en el espectador (prosumidor).

El principal artífice del teatro cubista es Rafael Negrete-Portillo (actor, director, dramaturgo y docente universitario), el cual lo define en varias entrevistas y trabajos académicos cómo "la búsqueda escénica de aquello que en Arte se ha llamado 'perspectiva múltiple'. Entendemos por deconstruir "deshacer analíticamente los elementos que constituyen una estructura conceptual". El teatro cubista pretende ser capaz de deconstruir una realidad poliédrica para mostrar sus distintas caras/elementos simultáneamente. Si aplicamos esto al mensaje que tratamos de transmitir con un texto dramático y su posterior montaje, llegamos a un plausible 'cubismo sintético' (más que un 'cubismo analítico'). El mensaje no se de-re-construye y muestra en todos sus fragmentos, sino que se concreta en su esencialidad, sintetizando sus partes más significativas para que cada una de estas sí sea exhibida por todos sus lados." ​

Las principales obras de este autor exhibidas o creadas bajo la premisa de teatro cubista en España han sido Último sujeto [2016], Ecos (drama holístico) y Parestesia (la lucha empieza en el interior) [2019].

Sobre otras puestas en escenas anteriores, sin aplicación directa de la nueva definición de Negrete-Portillo, encontramos cómo la preparación del libreto de Satie, Massine y Cocteau, llevará a Picasso a Italia: un referente esencial en los Ballets Rusos. El obligado viaje por Nápoles, Pompeya y Herculano en 1917, marcará una obra iluminada por el arte circense, en la cual se evoluciona en la puesta en escena y las coreografías, generando un punto de inflexión que afectará y marcará las escenografías expresionistas en teatro y en cine.

Por su parte, Andor Weininger presentó una escenografía que expresaba los ideales de La Bauhaus, para la Mechanical Stage Revue en 1926. Se trata de un canto al mecanicismo del Futurismo desde el prisma de Gropius, un espacio de acción teatral de giros y desplazamientos verticales y horizontales. Weininger se formará con Kandinsky e investigará la vanguardia soviética no pudiéndosele asociar única o directamente al cubismos, sino a la vanguardia experimental.

Joan Miró preparó varios bocetos para la escenografía del ballet Romeo y Julieta en 1926, hechos estos a gouache y lápiz. Miró trabajó con Balanchine y Nijinska. En el primer acto se muestra el ideal espacial surrealista, el telón de boca parte de una obra de Miró en la cual los objetos poetizados y enigmáticos intercalan elementos complejos que, al tiempo, parecen pertenecer a la realidad; sin embargo, la mayor belleza se traduce en las relaciones de la historia de amor con los elementos cósmicos: la tierra y el cielo estrellado se unen en un plano, en un espacio abstracto de derivación cubista.

La referencia actual (S. XXI) y real de TEATRO CUBISTA, en la cual se aúna escenografía, interpretación, iluminación, música, texto y, principalmente, dirección escénica, por medio de escenas simultaneadas y multiplicidad argumentaría síncrona, se debe al dramaturgo y profesor Rafael Negrete-Portillo.

Además de Pablo Picasso, fundador del cubismo y su inmediato seguidor Georges Braque, junto con Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914. Algunos de ellos se agruparon bajo la denominación de Section d'Or o Grupo de Puteaux: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris , Fernand Léger y André Lhote. De este colectivo surgió, en 1912 el orfismo, cuyos máximos representantes son Robert Delaunay y František Kupka, quienes acabaron renunciando a la representación figurativa y centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica, como anticipó ya su Villa de París, de Delaunay (1910). El tema acabó desapareciendo totalmente en obras como Formas circulares (1912-13). Se ha denominado a este estilo como cubismo abstracto o rayonismo. Kupka, próximo al cubismo, comenzó a estudiar, a partir de 1912, la forma en que el espacio podía representarse mediante planos de color ( Planos verticales Amorpha, 1912) o líneas sinuosas. También Francis Picabia recreó los volúmenes de la realidad de manera bastante abstracta (Procesión en Sevilla, 1912) lo que le llevó, a partir de 1913, a la no-figuración.

Gleizes cultivó un cubismo cezaniano más figurativo que el resto y en el que aparecía la figura humana esquematizada; no obstante, también tuvo una fase analítica. Obras destacadas de Gleizes son: Árbol (1910, París, col. part.), Caza (1911, París, col. comandante Houot), Hombres en el balcón (1912, Museo de Arte de Filadelfia, col. Arensberg), Desgranado de la cosecha (1912, Museo Guggenheim de Nueva York), Bañistas (quizá su obra más conocida, de 1912, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París), Retrato de Figuière (1913, museo de Lyon) y Mujeres cosiendo (Otterlo, Museo Kröller-Múller).

Su amigo Metzinger, con quien escribió Sobre el cubismo tuvo una primera fase analítica en la que predomina el estudio de la estructura, para pasar luego a una fase cezaniana en la que predomina el estudio de los volúmenes. De Metzinger destacan sus Desnudos de 1910-1911, la Merienda (1910-11, Museo de Arte de Filadelfia, col. Arensberg), el Pájaro azul (1913, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París), Bañistas (1913, Museo de Arte de Filadelfia) y Mujer haciendo calceta (1919, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges-Pompidou).

Henri Le Fauconnier (1881-1946) realizó estudios de desnudos cuyos volúmenes fue fragmentando, explorando la incidencia de la luz sobre ellos. Creó "una especie de Impresionismo cubista bastante personal" que puede verse en obras como Retrato de Paul Castiaux (1910), Abundancia (1910-11) o Cazador (1912).

Más original que todos ellos fue Fernand Léger. Desarrolló un estilo personal que refleja su atracción por la máquina. Célebre es su obra Figuras desnudas en el bosque [1](1909-1910, Otterlo, Museo Kröller-Müller), que se puede considerar obra intermedia entre el cubismo y el futurismo, movimiento este último fascinado con la máquina y el movimiento. En esta obra se aprecia igualmente su predilección por las formas y los volúmenes, propia del cubismo cezaniano. Después de experimentar con los volúmenes, comienza a dar preponderancia al color a partir de 1913, en composiciones llenas de dinamismo.

Por una fase cubista pasó el gran pintor neerlandés Piet Mondrian al instalarse en París en 1911. Cultivó el cubismo analítico en el período 1911-1914. Sus estudios sobre el ángulo recto, y las formas planas acabaron llevándole a la abstracción. Al volver a Ámsterdam fundó, junto a Van Doesburg, el grupo De Stijl ( 1917). En torno a su revista se constituyeron artistas directamente influidos por el cubismo.

En México también surgieron obras cubistas por el pintor Diego Rivera en el año de 1913, recreando escenas de la Revolución Mexicana. Diego influenciado por la obra de Picasso y Braque acudió a la manipulación geométrica y al punto de vista panorámico elevado para recrear paisajes, retratos y naturalezas muertas. Sus mejores obras ese año fueron La Adoración de la virgen, La joven con alcachofas, La mujer del pozo o El joven de la estilográfica (todas de 1914), y El arquitecto (de 1915).​

Hubo otros que adaptaron el cubismo a su temperamento. Entre ellos cabe citar, en primer lugar, a Jacques Villon, que conoció el cubismo a través de su hermano Marcel Duchamp. Estudió los volúmenes, compuso sus cuadros en estructuras piramidales y empleó colores vivos. Su cubismo fue moderado, como el de Roger de la Fresnaye, que aunque adoptó la superposición de planos, no llegó a romper de manera clara con la figuración y la perspectiva. Se vio influido por Delaunay, lo que le llevó a realizar sus mejores obras construidas sobre todo con el color: Conquista del aire (1913) y muchas Naturalezas muertas (1913-14). Después de la guerra volvió al clasicismo. Finalmente, André Lhote se enmarca en una tendencia a adaptar el estilo cubista a las reglas de la composición clásica.

Además de los ya citados, se puede considerar que hicieron obras cubistas: Manuel Ángeles Ortiz, Marcel Duchamp, Sonia Delaunay, Emilio Pettoruti, Carlos Sotomayor, María Blanchard y Enrique Sobisch.

El purismo de Charles Edouart Jeanneret y Amadée Ozenfant surgió en 1918 como una derivación del cubismo.

Véase también

Bibliografía

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Cubismo - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire.​Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.

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Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913, 

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Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el futuro'.

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El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifiesto del Futurismo, publicado el 5 de febrero de 1909, en el diario Gazzetta dell'Emilia de Bolonia.

Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo.

El futurismo es un movimiento fundamentalmente italiano. El poeta italiano Marinetti recopiló y publicó en el diario francés " Le Figaro" los principios del futurismo en el Manifiesto futurista el 20 de febrero de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

El futurismo procede directamente del cubismo,​ incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Además, incluso la lìnea que utilizaban procedìa directamente del Divisionismo.

El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan los museos, a los que consideran como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.

" Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio. "

Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómics y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.

Los futuristas eran además muy patrióticos. Por su carácter agresivo -"No puede haber belleza sin lucha"- y por el hecho de aclamar la guerra como la única higiene del mundo, cuando estalló la Primera Guerra Mundial la mayoría de ellos se fue al frente para luchar y, desafortunadamente, sin volver nunca. Entre los que murieron destacan Antonio Sant'Elia y Umberto Boccioni. El conflicto fue letal para el movimiento: algunos de los artistas que no murieron en guerra se alejaron del futurismo, la herencia de Boccioni pasó a Giacomo Balla y el centro operativo de Milán a Roma. En 1944, año de la muerte de Marinetti, se concluye finalmente la experiencia futurista que ya desde hace unos años se había comprometido con la academia, traicionando la inicial alma rebelde. El mismo Marinetti, no obstante continuase a declararse contrario a lo que él llamaba "passatismo", aceptó en 1929 la nombración de académico de Italia por parte del régimen fascista.

Entre las características que nos pueden permitir clasificar el movimiento podemos destacar las siguientes:​

Exaltación de la originalidad.

Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.

Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

Utilización de formas y colores para generar ritmos.

Colores resplandecientes.

Transparencias.

Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película.

Escultura futurista

En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son, generalmente, también escultores. Destaca Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.

Fotografía futurista

En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose.

En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores... Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso.

En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra "como la única higiene del mundo". Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.

Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo.

Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.

En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad.

El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y solo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.

La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el sanamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.

Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.

El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura ( Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).

Lista de futuristas

Umberto Boccioni (1882-1916). Intentó representar los estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece.

Carlo Carrá (1881-1966). Quedó fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Los funerales del anarquista Galli, Penélope o Ídolo hermafrodita.

Luigi Russolo (1885-1947). Fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche.

Giacomo Balla (1871-1957). Investigó los problemas de la luz y el color. Obras destacadas: Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.

Gino Severini: (1883 - 1966). Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul.

Anton Giulio Bragaglia

Alberto Sartoris

Antonio Sant'Elia

Giulio D'Anna

Julius Evola

Filippo Tommaso Marinetti

Vittorio Bodini

Gerardo Dottori

Giuseppe Caselli

Mario Carli

Fortunato Depero

El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia donde el fenómeno se conoce como futurismo ruso (los poetas Vladímir Maiakovski, Velimir Jlébnikov y Alekséi Kruchiónyj - este último creador del " lenguaje transmental", en ruso за́умь, зау́мный языk o záum, zaúmny iazyk, en:zaum -, y otros), en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal ( Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu, 1915), en España (el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas reflejaron temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.

Muchas de sus técnicas para " figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.​

1. Bronowski, J. (1973/1979). El ascenso del hombre (The Ascent of Man). Trad. Alejandro Ludlow Wiechers, Francisco Rebolledo López, Víctor M. Lozano, Efraín Hurtado y Gonzalo González Fernández. Londres/Bogotá: BBC/Fondo Educativo Interamericano.

2. Masotta, Oscar, en Técnica de la historieta. Escuela Panamericana de Arte. Buenos Aires, Argentina, 1967, p. 8.

DE TORRE, Guillermo, Literaturas europeas de Vanguardia, Madrid, 1925, e Historia de las literaturas de Vanguardia, Madrid, 1965.

DE TORRE, Guillermo, Historia de las literaturas de Vanguardia, Madrid, 1965.

BONET PLANES, Juan Manuel, Diccionario de las Vanguardias en España (1907-1936), Madrid, 1995. Edición de 2007: Alianza Editorial, ISBN 84-206-8212-8.

VV. AA., I poeti futuristi, dir. por M. Albertazzi, La Finestra editrice, 2004. Trento, 2004, ISBN 88-88097-82-1.

ANNATERESA FABRIS. O futurismo paulista. Editora Perspectiva. Sao Paulo. 1994.

y ANDREA BRIGANTI (coordinadores). Piero Illari: un futurista tra due mondi. UNInova. Parma. 2008

De la destrucción al ruido... Un siglo de música futurista, por J. A. Bielsa

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Futurismo - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifiesto del Futurismo , publicado el 5 de febrero de 1909, en el diario Gazzetta dell'Emilia de Bolonia. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad.

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Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz. – La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas. – Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica. – Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

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En blanco II, óleo sobre lienzo de Vasili Kandinsky (1927)

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Fundada por el arquitecto Walter Gropius, la enormemente influyente escuela de diseño, arquitectura y artes aplicadas de la Bauhaus, existió en Alemania desde 1919 hasta 1933, cuando fue clausurada por el régimen nazi. El diseño industrial se potencia con los colores más vibrantes como el cromo, gris, marrón, blanco (muy de moda) e incluso negro.

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Aquí destaca la geometrización: los diseños o expresiones artísticas se basan en la utilización de figuras geométricas que son delineadas con precisión. Emplean principalmente la línea recta, aunque esta también puede combinarse con el uso del zig-zag, curvas, círculos y espirales.

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La persistencia de la memoria : Salvador Dalí (1931)

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Se caracteriza por imágenes de libres o múltiples interpretaciones a través de una presentación de objetos carente de cualquier sentido lógico es un rasgo característico de la pintura surrealista.

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Incluía formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

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Estilo tipográfico internacional 1950 - ...

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Estilo tipográfico internacional 1950 - ...

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Los diseñadores gráficos en Suiza y Alemania desarrollaron un movimiento modernista cohesivo y unificado que fue conocido como Diseño suizo, o como Estilo tipográfico internacional. Basándose en el enfoque racional de la Bauhaus, este movimiento, todavía aceptado por muchos diseñadores gráficos, se basa en la funcionalidad y la universalidad.

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Las técnicas que se utilizan son el collage, la serigrafía y la sobreposición de las imágenes. Los elementos y personajes que aparecen en el Pop Art son recuperados de los medios de comunicación, el cine, pósters publicitarios y cómics, o sea, del mundo de la cultura popular del siglo XX.

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Este estilo se caracteriza por reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos, como las líneas. Se utiliza la geometría de las formas, buscando la mayor expresividad con los mínimos recursos. Y se hace evitando el recargamiento de ciertas manifestaciones artísticas.

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Los artistas posmodernos defendieron la experiencia y la interpretación individual, frente a la aparente claridad de los principios abstractos. Como resultado, generaron un pensamiento multidimensional y, a menudo, contradictorio.

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El estilo Memphis es el espíritu libre de las tendencias que conforman el mundo del diseño, la arquitectura y el interiorismo. Así lo demuestra con su puesta en escena: elementos a priori inconexos, infinitas formas geométricas y colores chillones.