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El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura,música, etc. Se originó en Europa occidental, aunque también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas. Durante el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación dependiendo de cada país. Este período también fue conocido en Italia como Seicento. Durante mucho tiempo el barroco tuvo un sentido peyorativo, recargado, engañoso, caprichoso.

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El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura,música, etc. Se originó en Europa occidental, aunque también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas. Durante el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación dependiendo de cada país. Este período también fue conocido en Italia como Seicento. Durante mucho tiempo el barroco tuvo un sentido peyorativo, recargado, engañoso, caprichoso.

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Las plazas en Roma se crean al interior de una ciudad que había sido una metrópoli del Mediterráneo: un centro de dominio de tipo Imperial con una   riqueza urbana en términos de espacios construidos que acogían la propia  cultura.  Esa cultura contenía en su interior una manera espacial de enfrentar la política y la religión, el entretenimiento y el deporte. 

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Las plazas en Roma se crean al interior de una ciudad que había sido una metrópoli del Mediterráneo: un centro de dominio de tipo Imperial con una   riqueza urbana en términos de espacios construidos que acogían la propia  cultura.  Esa cultura contenía en su interior una manera espacial de enfrentar la política y la religión, el entretenimiento y el deporte. 

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Los casi 12 siglos, de la Roma Antigua, desde el VIII a.C hasta el V d.C, dejaron una huella en la ciudad de Roma y en la cultura occidental, que se manifiestan en las plazas romanas

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Su forma ovalada se asemeja a un estadio, y eso se debe a que eso es exactamente lo que era. En la Antigua Roma (más precisamente durante el imperio), el espacio servía como Circo Agonalis, que se traduce en arena de competición. Se le conocía comúnmente como el Estadio de Domiciano, ya que fue construido durante el reinado del emperador Titus Flavius Domitianus. Se cree que el nombre actual Navona proviene de la antigua palabra griega "agones", juegos.

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Después de la caída del Imperio Romano, el estadio cayó en desuso durante siglos. Como sucedió con los restos de muchos monumentos antiguos, los constructores tomaron piedras y piezas del antiguo circo para construir cosas nuevas. No fue hasta el siglo XV que la ciudad volvería a ver el esplendor de esta zona. Fue entonces cuando el antiguo estadio se convirtió por primera vez en una plaza para albergar el mercado de la ciudad. Más tarde, en el siglo XVII, el Papa Inocencio X encargó una plaza en el lugar, quizás en parte para adornar el palacio de su familia al otro lado de la calle: Palazzo Pamphilj.

Gian Lorenzo Bernini fue uno de los artistas más importantes del siglo XVII, específicamente en estilo barroco. Recibió el encargo de crear adornos para la Piazza Navone, elaborando algunas de las fuentes más famosas de Roma.

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La iglesia de Santa Inés en Agonía surge ya a partir del siglo VIII d.C. y està situada en el lado occidental de la famosa Plaza Navona. Era el antiguo Estadio 

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La segunda comisión del papa Pamphili para Borromini, la iglesia de Sant'Agnese in Agone, se presenta como otro clamoroso reconocimiento a sus valores como arquitecto, yendo unida a la idea papal de convertir la plaza Navona en corte familiar y centro de poder de los Pamphili a partir de la secuencia artística palacio-fuente-iglesia.

En 1652, el proyecto fue confiado a Girolamo y Carlo Rainaldi, padre e hijo, que al año ya tenían muy avanzada la construcción.
Despedidos los Rainaldi por el pontífice, la obra fue entregada a Borromini en 1653, que conservará el interior, de esquema en cruz griega, pero realzando el tambor de su cúpula, y derrumbará la fachada, reconstruyéndola de nuevo. Tomando como base un original esquema compositivo, conocido en su pureza por los diseños, previó un frontis cóncavo, muy dinámico, prolongado en dos alas laterales sobre las que se erguían los fogosos campanarios exentos que fanqueaban la poderosa cúpula, a cuya aislada plasticidad formal se reservaba la imagen urbanística y simbólica de la plaza.

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Tenemos a Lorenzo Bernini, el niño prodigio, rico, popular, brillante, simpático, perfecto. Y tenemos a Francesco Borromini, austero, religioso, callado, antisocial.

Este último vio una y otra vez como Bernini se ganaba los favores de varios papas y era aplaudido por toda Roma, mientras que él luchaba continuamente por sacar a relucir su genio, aunque a diferencia de su rival, no parecían interesarle ni las riquezas ni el reconocimiento.

Uno de los proyectos que Borromini tenía en mente era la construcción de una fuente en la Piazza Navona de Roma que simbolizaran a los cuatro grandes ríos del mundo. De piedra se debió quedar cuando no solo le dieron el proyecto a su mayor enemigo, sino que éste se apropió de su idea.

Bernini recreó el Ganges, el Nilo, el Danubio y el Río de la Plata, los principales ríos de los cuatro continentes conocidos hasta la fecha, en forma de cuatro gigantes de mármol, todos descansando en una gran piscina elíptica sobre la que se eleva el obelisco de Domiciano.

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El Danubio mira hacia el escudo de Inocencio X, el gran mecenas del artista

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El Nilo tiene los ojos vendados, representando los orígenes desconocidos del río

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el Ganges sostiene un remo ya que es un río navegable

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el Río de la Plata está rodeado de monedas para simbolizar la riqueza del Nuevo Mundo.

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Así el artista representa de forma eficaz la universalidad y expansión por los cuatro rincones del mundo del catolicismo, idea original de Borromini.

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Fue un maestro constructor, escultor, yesero, fabricante de ornamentos y arquitecto alemán nacido en Bélgica al servicio de la corte bávara, reconocido como uno de los maestros del rococó bávaro.
Se formó en París con Jacques Francois Blondel e intentó adaptar el rococó fránces al gusto alemán del siglo XVIII.
Su estilo altamente ornamental y rico en motivos vegetales, se difundió por toda Europa gracias a una serie de grabados publicados por él a partir de 1738.
Francois de Cuvilliés, llamado a veces el Mayor, fue el padre del arquitecto Francois Cuvilliés el Joven, que le sucedió en la corte bávara.
De sus obras destaca el Pabellón de Amalienburg en Nymphenburg y la joya rococó del teatro de la corte en la Residencia de Múnich, llamado en su honor "Teatro de Cuvilliés".

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Amalienburg se construyó entre 1734 y 1739 y estaba diseñado para la esposa del emperador, Maria Amalia de Austria, gran aficionada a la caza. La mayor parte de la disposición interior gira alrededor de la Salón de los Espejos, el centro del edificio, y cuyos espejos reflejan la naturaleza del exterior. Crea una atmósfera etérea con los colores nacionales bávaros, plateado y azul. Algunas habitaciones están unidas, como el Gabinete azul y el dormitorio de María Amalia. El Gabinete Azul es una habitación cuyas paredes están cubiertas por armarios para guardar escopetas de caza y bajo los cuales se encuentran las perreras de los perros de caza. La cocina está decorada con preciosos azulejos de Delft en blanco y azul con motivos florales y de aves. Junto a ella, se encuentra la Sala de los Faisanes.

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François Boucher fue el maestro del estilo galante, propio del rococó francés.
Sus temas mitológicos, sus cuadros pastoriles y sus desnudos muestran esa época de esplendor y decadencia en Francia, que se traduce en un arte libertino y hedonista, cuyo único objetivo es sacar partido de los sentidos.

Aprendiz de artistas desde muy joven, con 20 años ganó el prestigioso Premio de Roma, un viaje de estudios en Italia, en el que evidentemente absorbería ese nuevo arte que se estaba haciendo, un arte mucho más barroco que el barroco.
Boucher siempre buscó la comodidad de la aceptación de los aristócratas. Muchos de sus cuadros eran de pequeño formato, para estancias privadas, no para grandes salones oficiales.

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La diosa Diana (diosa de la caza, ahí tiene el arco y las flechas, además de sus trofeos y dos sabuesos) aprovecha para darse un bañito con una ninfa. El mismísimo Júpiter le había regalado las armas y la hizo reina de los bosques. Además le dio como comitiva un numeroso grupo de hermosas ninfas vírgenes con quienes se dedicaba a cazar.

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Jean-Honoré Fragonard fue uno de los máximos representantes del rococó francés, tanto con la pintura como con el grabado. Su obra supura hedonismo y emperifollamiento, dos de las características básicas del exuberante estilo que él ayudó a modelar.
Tuvo la suerte de tener como profesores nada menos que al padre del rococó, F rancois Boucher y al genial Jean Simeon Chardin.
Hubo una época en la que Fragonard pintaba cuadros de temática religiosa, mitológica y demás géneros clásicos. Pero en la época de Luis XV la frivolidad estaba a la orden del día y lo que le gustaba a la gente eran escenas de amor (a ser posible un poco subiditas de tono), cortesanas enseñando el liguero, nobles persiguiendo doncellas y demás mariconadas a las que el pintor supo darles un toque de dignidad con su maestría.

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Es una de las obras más famosas del pintor. Fue realizada en 1777 y se encuentra en el Louvre. La escena representa una pareja en una atmósfera de intimidad y erotismo; mientras el hombre echa el cerrojo, la mujer lo empuja hacia atrás pero se mantiene abrazada a él.

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Plaza de Santa María de la Paz/Pietro da Cortona

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Plaza de Santa María de la Paz/Pietro da Cortona

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La iglesia de Santa María de la Paz es una pequeña iglesia católica en Roma, Italia, en el rione Ponte, muy cerca de la plaza Navona. Esta construcción, integrante de las iglesias de Roma, fue realizada en el siglo XV y fue reformada por Pietro da Cortona en 1656-1657; su fachada es una buena muestra de la arquitectura barroca romana.
El edificio actual fue construido sobre los cimientos de una iglesia anterior, dedicada a Sant'Andrea de Aquaricariis. Fue consagrada en 1482 y dedicada a la Virgen María para recordar el milagro de que manara sangre de una estatua de la Virgen en el año 1480. Sixto IV, que había quedado impresionado por el acontecimiento, hizo el voto de que si la conjura de los Pazzi, en la que estaba de algún modo implicado, no llevaba a la guerra que se temía, haría construir en el lugar una gran iglesia dedicada a la Virgen.
En 1656-1667 el papa Alejandro VII hizo que Pietro da Cartona restaurase el edificio, que agregó la famosa fachada barroca que avanza entre las alas cóncavas:esta fachada, que quería simular un escenario teatral, tiene dos órdenes y está precedida por un pronaos semicircular sostenido por columnas toscanas pareadas. La iglesia empuja hacia adelante, llenando casi completamente el espacio de la pequeña plaza que la precede; Pietro da Cortona demolió muchas casas para crear este espacio trapezoidal asimétrico que, con su aspecto unitario intensamente plasmado, destaca entre los principales logros del barroco romano.

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caravaggio, el pintor más "canalla" del barroco

El 29 de septiembre de 1571 nació Michelangelo Merisi, apodado Caravaggio, uno de los máximos exponentes de la pintura barroca, un hombre cuyo carácter complicado le acarrearía numerosos problemas durante toda su vida. Excesos y delincuencia que marcaron su vida y la llenaron de contradicciones.

EL ARTISTA DE LO OSCURO Y LOS EXCESOS

Michelangelo Merisi nació el 29 de septiembre de 1571 en la ciudad lombarda de Caravaggio, situada al este de Milán. Su padre trabajaba como administrador y arquitecto decorador para los Sforza da Caravaggio, una familia noble que vivía en Milán. Su madre, Lucía Aratori, pertenecía a una familia de ascendencia noble y adinerada. Tras la muerte del padre de Caravaggio a resultas de una peste que asoló Milán, el joven entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano en 1584. Finalizado su aprendizaje y, al parecer, en un viaje a Venecia, conoció las obras de Giorgione –que Caravaggio fue acusado de plagiar– y de Tiziano.

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El pintor italiano Caravaggio es considerado uno de los padres de la pintura moderna.

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Fue uno de los artistas decisivos en la formulación del barroco italiano del siglo XVII, tanto en la arquitectura como en la pintura, trascendiendo al ámbito europeo en general. Su instrucción la llevó a cabo muy precozmente en su villa natal, cercana a Florencia, con el pintor Andrea Commodi, con quien llegó a Roma en 1612.
Cortona fue requerido por los sucesivos pontífices, así como por la corte ducal de Toscana, donde sus decoraciones del Palacio Pitti gozaron igualmente de un éxito arrollador. Es necesario también referirse a su trabajo arquitectónico, pues su labor en obras como la iglesia de Santa María de la Paz de Roma, sirvió para iniciar el motivo de la fachada curva que tan fértilmente sería utilizado seguidamente por Bernini y Borromini, creando un auténtico escenario teatral entre plaza, iglesia y portada.

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Es técnica empleada por el artista a lo largo de su producción pero especialmente en su periodo juvenil, al que corresponde asimismo el modelo femenino, no solo en el rostro, sino también en la monumentalidad de la figura y en los ropajes de pliegues pesados y envolventes.
Cortona utiliza aquí una iluminación fuerte que acentúa los efectos de claroscuro y la intensidad dramática de la escena que recuerda al cuadro de Santa Águeda

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Rembrandt van Rijn es el artista más grande de los Paises Bajos. Su figura trasciende la historia del arte para situarse en uno de los nombres más importantes en la historia de la civilización occidental.
Maestro barroco, fue la figura central de la edad de oro holandesa, cuando el país era una de las mayores potencias internacionales.
Su pintura fue excepcional (es especial sus retratosy autorretratos), su actitud humilde y su conocimiento del ser humano muy acertado, por lo que es uno de los artistas que producen mayor empatía entre sus colegas y sus estudiosos.
Nacido en una familia acomodada, pudo cuidar su educación y conseguir un amplio conocimiento de la pintura italiana. Con 19 años ya tuvo su propio taller y una nutrida clientela. Fue en esa época cuando se adentró en el claroscuro de moda. Poco a poco se convirtió en uno de los artistas que mejor manejaba este concepto y su obra cobró una fuerza y una personalidad arrolladoras.
También fue un importante marchante de arte y vivió en esos años una época de prosperidad económica, pero al final de sus días los reveses económicos lo obligaron a subastar todas sus pertenencias (casa, pertenencias, colecciones de arte…). Sólo su criada Hendrickje Stoffels, con la que mantuvo una relación sentimental, le sirvió de consuelo en su vejez.
Estas dos etapas se reflejan claramente en sus obras (particularmente en sus cientos de autorretratos). Alegres y brillantes los primeros; sombríos y profundos los segundos. Pero son particularmente valoradas también sus novedosas escenas de grupo donde destaca la maestría compositiva y una perfecta caracterización de los personajes.
Rembrandt fue en definitiva un genio de la pintura de todos los tiempos y uno de los artistas más importante de la historia del arte.

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Rembrandt van Rijn es el artista más grande de los Paises Bajos. Su figura trasciende la historia del arte para situarse en uno de los nombres más importantes en la historia de la civilización occidental.

Maestro barroco, fue la figura central de la edad de oro holandesa, cuando el país era una de las mayores potencias internacionales.
Su pintura fue excepcional (es especial sus retratosy autorretratos), su actitud humilde y su conocimiento del ser humano muy acertado, por lo que es uno de los artistas que producen mayor empatía entre sus colegas y sus estudiosos.

Nacido en una familia acomodada, pudo cuidar su educación y conseguir un amplio conocimiento de la pintura italiana. Con 19 años ya tuvo su propio taller y una nutrida clientela. Fue en esa época cuando se adentró en el claroscuro de moda. Poco a poco se convirtió en uno de los artistas que mejor manejaba este concepto y su obra cobró una fuerza y una personalidad arrolladoras.

También fue un importante marchante de arte y vivió en esos años una época de prosperidad económica, pero al final de sus días los reveses económicos lo obligaron a subastar todas sus pertenencias (casa, pertenencias, colecciones de arte...). Sólo su criada Hendrickje Stoffels, con la que mantuvo una relación sentimental, le sirvió de consuelo en su vejez.

Estas dos etapas se reflejan claramente en sus obras (particularmente en sus cientos de autorretratos). Alegres y brillantes los primeros; sombríos y profundos los segundos. Pero son particularmente valoradas también sus novedosas escenas de grupo donde destaca la maestría compositiva y una perfecta caracterización de los personajes.

Rembrandt fue en definitiva un genio de la pintura de todos los tiempos y uno de los artistas más importante de la historia del arte.

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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, bautizado el 6 de junio de 1599​-Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco español considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este período se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las meninas y Las hilanderas.

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Las Meninas, 1656 - Diego Velázquez - WikiArt.org

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Siegen, 1577-Amberes, 1640). Pintor flamenco. Ningún pintor europeo del siglo XVII aunó como lo hizo Rubens talento artístico, éxito social y económico y un alto nivel cultural. Aunque su actividad se centró en la pintura, también realizó numerosos diseños para estampas, tapices, arquitectura, esculturas y objetos decorativos. Su obra, muy abundante, ofrece gran versatilidad temática, e incluye pinturas de temas mitológicos, religiosos y de historia, retratos y paisajes. Su pintura es grandilocuente, pero también sabe ser delicada, y muestra gran habilidad técnica y sensibilidad hacia los ritmos de la composición y la psicología de los personajes. El éxito que disfrutó Rubens durante su vida se debe tanto a la capacidad de su arte para expresar la nostalgia que sentían sus contemporáneos por la Antigüedad como a su habilidad para ofrecer a sus coetáneos una imagen engrandecida de sí mismos, en un momento en el que los fundamentos de la cultura europea se estaban poniendo en duda.

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La Piazza del Popolo es una de las plazas más conocidas de Roma. En español su nombre se traduciría como Plaza del Pueblo.

La Plaza se encuentra en la puerta norte de lo que eran las Murallas aurelianas, dónde antes estaba la Puerta Flaminia, justo el comienzo de la Vía Flaminia, que en tiempos del Imperio era la principal calzada hacía el norte.
La plaza y la puerta homónima son un magnífico ejemplo de «estratificación» arquitectónica, un fenómeno que se ha producido gracias a las continuas alternancias de pontífices, que ordenaban modificaciones o renovaciones de las obras arquitectónicas y urbanísticas.

En la plaza hay tres iglesias. La más antigua es la basílica de Santa María del Popolo, situada al lado de la puerta homónima. Fue construida en el siglo xi por el papa Pascual II sobre el sepulcro de los Domizi, donde fue enterrado Nerón, pero posteriormente fue reconstruida entre 1472 y 1477, durante el pontificado de Sixto IV, por Baccio Pontelli y Andrea Bregno, que le dieron un aspecto esencialmente renacentista. Entre 1655 y 1660 el papa Alejandro VII decidió restaurar la iglesia con un aspecto más enérgico, y encargó las obras a Gian Lorenzo Bernini, que la confirió un claro estilo barroco que se puede apreciar todavía en la actualidad. La iglesia alberga cuadros de gran importancia: hay obras maestras de Caravaggio como la Conversión de san Pablo y la Crucifixión de san Pedro, además de varios frescos de Pinturicchio y la Asunción de Annibale Carracci, junto con las estructuras de Rafael Sanzio y de Bramante y de algunas esculturas de Andrea Bregno y del propio Gian Lorenzo Bernini, como el magnífico órgano sostenido por dos ángeles de bronce

Un obelisco egipcio de dicado a Ramses II, traído de Heliópolis se alza en el centro de la plaza. El obelisco flaminio, como se le conoce, es el segundo más antiguo y uno de los más altos de Roma con 24 metros, o 36 contando el pedestal. Su antigua ubicación en el Circo Máximo, data del año 10 AC, por orden del emperador Augusto. Domenico Fontana eligió colocarlo en el centro en 1589 como parte del plan urbano auspiciado por el Papa Sixto V. Anteriormente, una fuente decoraba la parte central de la plaza, dicha fuente se encuentra en Piazza Nicosia adonde se trasladó en 1818, cuando se añadieron fuentes de inspiración egipcia a la base del obelisco.

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La Piazza del Popolo es una de las plazas más célebres de Roma, Italia, situada a los pies del Pincio.

El origen del nombre de la plaza es incierto: una etimología sostiene que popolo procede del latín populus ( álamo), sobre la base de la tradición que afirma que había en la zona un bosque de álamos perteneciente a la cercana tumba de Nerón.​ Es una noticia histórica, sin embargo, que el papa Pascual II hizo construir cerca de las murallas una capilla a expensas del pueblo ( popolo) romano (sobre la cual se construiría posteriormente la actual basílica de Santa María del Popolo): del pueblo era la Virgen, y del pueblo sería la plaza.​

La plaza y la puerta homónima son un magnífico ejemplo de "estratificación" arquitectónica, un fenómeno que se ha producido gracias a las continuas alternancias de pontífices, que ordenaban modificaciones o renovaciones de las obras arquitectónicas y urbanísticas.

En la plaza hay tres iglesias. La más antigua es la basílica de Santa María del Popolo, situada al lado de la puerta homónima. Fue construida en el siglo xi por el papa Pascual II sobre el sepulcro de los Domizi, donde fue enterrado Nerón, pero posteriormente fue reconstruida entre 1472 y 1477, durante el pontificado de Sixto IV, por Baccio Pontelli y Andrea Bregno, que le dieron un aspecto esencialmente renacentista. Entre 1655 y 1660 el papa Alejandro VII decidió restaurar la iglesia con un aspecto más enérgico, y encargó las obras a Gian Lorenzo Bernini, que la confirió un claro estilo barroco que se puede apreciar todavía en la actualidad. La iglesia alberga cuadros de gran importancia: hay obras maestras de Caravaggio como la Conversión de san Pablo y la Crucifixión de san Pedro, además de varios frescos de Pinturicchio y la de Annibale Carracci, junto con las estructuras de Rafael Sanzio y de Bramante y dealgunas esculturas de Andrea Bregno y del propio Gian Lorenzo Bernini, como el magnífico órgano sostenido por dos ángeles de bronce.

Entre 1562 y 1565 Nanni di Baccio Bigio, por encargo del papa Pío IV ( Médici), realizó la fachada exterior de la Porta del Popolo. Posteriormente, en 1655, el papa Alejandro VII ( Chigi) encargó a Gian Lorenzo Bernini las obras para remodelar la fachada interior y la cornisa superior de la puerta.

En 1573, el papa Gregorio XIII ( Boncompagni) colocó en el centro de la plaza una fuente de Giacomo della Porta, una de las dieciocho nuevas fuentes proyectadas tras la restauración del . En 1589, el papa Sixto V (Felice Peretti) erigió en el centro de la plaza el gran Obelisco Flaminio, de 24 metros de altura, construido en la época de los faraones Ramsés II y Merenptah (1232-1220 a.C.), llevado a Roma por Augusto y colocado previamente en el Circo Máximo. Domenico Fontana trasladó la fuente de Della Porta al inicio de la Via del Corso.

Las dos "iglesias gemelas", como son llamadas Santa Maria in Montesanto (1675) y Santa Maria dei Miracoli (1678), fueron construidas por voluntad de Alejandro VII, pero las obras terminaron después de la muerte del pontífice (1667). Su construcción renovó profundamente el aspecto de la plaza, y constituyeron los dos polos del , formado por la Via del Corso, la Via del Babuino y la Via di Ripetta. Los dos edificios, que confieren a la plaza un aspecto barroco, fueron iniciados por Carlo Rainaldi y completados por Gian Lorenzo Bernini con la colaboración de Carlo Fontana.

La forma de la plaza no asumió su conformación actual hasta finales del siglo xix. Previamente era una modesta plaza de forma trapezoidal, que se ensanchaba hacia el Tridente. En el momento de la ocupación napoleónica, el aspecto arquitectónico y urbanístico de la plaza fue revisado por el arquitecto neoclásico Giuseppe Valadier, que ya en 1793 había presentado un proyecto que proponía disponer dos cuarteles de caballería a ambos lados de la plaza. Sin embargo, tras la primera invasión de Napoleón (que entró en Roma en 1798 y posteriormente en 1809), los franceses impusieron a Valadier un proyecto de "villa y paseo público", que no pudo ser realizado porque no tenía en cuenta los desniveles del terreno entre el Pincio y la plaza. Tras un segundo proyecto que presentaba el mismo problema, las obras de remodelación se encargaron al arquitecto Berthault, pero tan pronto como los franceses salieron de Roma fue de nuevo Valadier quien realizó el proyecto definitivo. Gracias a su intervención, la plaza asumió su actual forma elíptica en la parte central, completada con una doble exedra, decorada con numerosas fuentes y estatuas, que se extienden hasta la terraza del Pincio y hacia el río Tíber. En 1818 Valadier también retiró la antigua fuente de Giacomo Della Porta,​ que durante el pontificado de León XII (1822-1829) fue sustituida por una nueva estructura. Valadier continuó su obra de renovación en la zona de las laderas del Pincio, conectando la Piazza del Popolo y la colina con amplias rampas, adornadas con árboles y paseos, que se completaron en 1834. La terraza del Pincio se convirtió así en uno de los paseos más célebres de Roma, frecuentado por el pueblo, la burguesía, la nobleza, el alto clero y por los mismos pontífices.

En 1823 Valadier sustituyó la antigua fuente de Giacomo Della Porta con una estructura completamente nueva. Retomando quizá una idea que había sido ya del papa Sixto V cuando encargó a Giacomo Della Porta la edificación de la fuente central, colocó en las cuatro esquinas del obelisco otros tantos leones de mármol ​ de estilo egipcio (en armonía con los orígenes del propio obelisco), de cuyas fauces salen chorros de agua que precipitan en un estanque, dispuesto sobre una breve escalinata sobre la cual descansa todo el monumento.

Poco después realizó también otras dos fuentes casi gemelas, colocándolas en el centro de las paredes curvas que delimitan la elipse de la plaza. La estructura de las dos fuentes es igual: un amplio estanque al nivel de la calle forma la base de un muro de la misma longitud que el diámetro del estanque, en el cual el agua se desborda de una cuenca semicircular con forma de concha apoyada en el propio muro, que a su vez se llena por el agua que sale del muro y llena otra cuenca pequeña. En la cima del muro de cada fuente, en cada extremo, hay una pareja de delfines con las colas retorcidas, mientras que el grupo de estatuas en el centro constituye la única diferencia entre las dos obras. En la fuente occidental, la del lado del Tíber, hay sobre un grupo de rocas una estatua de Neptuno flanqueada por dos tritones con otros tantos delfines. En la oriental, la del lado del Pincio, el grupo de rocas sostiene la estatua de la diosa Roma, flanqueada por las estatuas sentadas del Tíber y del Aniene, entre las cuales, a los pies de la diosa Roma, la loba capitolina amamanta a los gemelos Rómulo y Remo.

También la rampa de conexión entre la plaza y el Pincio estaba decorada por una fuente majestuosa más por sus dimensiones que por su valor artístico. En la parte intermedia de la subida, prácticamente detrás de la "diosa Roma", Valadier realizó una estructura compuesta por dos elementos diferentes, uno sobre el otro. En la mitad superior hay tres grandes hornacinas, delimitadas por columnas sobre altas pilastras que parecen sostener la balconata de la conocida terraza que, desde el Pincio, mira hacia la plaza. En el interior de las hornacinas el agua cae desde arriba como en una cascada. La mitad inferior, ligeramente más avanzada respecto a las hornacinas superiores, está constituida por un muro en el cual se abren, en correspondencia con las superiores, tres hornacinas más pequeñas, dotadas cada una de ellas de una pequeña cuenca de recogida del agua.

Últimas intervenciones

Entre 1878 y 1879 se demolieron las dos torres laterales que servían para fortificar la Porta del Popolo, que en esa época tenía todavía un solo arco, y se añadieron los dos arcos laterales, más pequeños. Tras la toma de Roma, se realizó una nueva vía de acceso a la plaza, adornada con jardines laterales, calles y escaleras, detrás de la exedra hacia el río, tras la construcción del Ponte Margherita (1886-1891). La última intervención estructural relevante se produjo en la época fascista, en 1936, cuando se inauguró la exposición del renovado en la gran hornacina bajo la terraza del Pincio.

En la actualidad, la Piazza del Popolo es una amplia zona peatonal de unos 16 000 m², lugar de celebración de eventos públicos importantes: su capacidad la permite albergar hasta 65 000 personas.​ Aquí también tiene su sede el comando regional de los Carabineros del Lacio en el cuartel dedicado a Giacomo Acqua, un antiguo convento agustiniano, que fue posteriormente -en 1870- la primera sede de los Reali Carabinieri dei Savoia.

Véase también

1. Esta historia se entrelaza con una leyenda según la cual el fantasma de Nerón frecuentaba la zona de las murallas aurelianas llamada actualmente Muro Torto, donde estaba su tumba, y hacía allí aquelarres bajo un nogal junto con demonios y brujas. Se trataba, probablemente, solo de rebeldes residuos de ritos paganos a los que se oponía la Iglesia. De una situación similar nació, en Nápoles, la primera capilla de Piedigrotta.

2. Rendina-Paradisi, Le strade di Roma, vol. III, p. 1045.

3. En 1849 se colocó delante de la iglesia de San Pietro in Montorio, en el Janículo, donde sin embargo permaneció solo unos veinte años antes de ser desmontada y colocada en un almacén. En 1940 fue recuperada y, tras la reconstrucción de las dos cuencas que se habían perdido, en 1950 fue colocada definitivamente en la Piazza Nicosia, donde todavía se encuentra en la actualidad. Es conocida como Fontana del Trullo.

4. El león era el símbolo heráldico de la familia del pontífice, los Genga.

5. A cuatro personas por metro cuadrado.

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Piazza del Popolo - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La Piazza del Popolo es una de las plazas más célebres de Roma, Italia, situada a los pies del Pincio.