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La banda Illapu, fundada en 1971, es una de las bandas más emblemáticas de la música latinoamericana y andina, originaria de Chile. Su estilo combina la música tradicional de los Andes con influencias contemporáneas y mensajes de contenido social y político.

Algunos de sus álbumes más relevantes son:

1. "Vuelvo Amor... Vuelvo Vida" (1971):

Su álbum debut muestra un enfoque en los instrumentos tradicionales como charango, quena y zampoña.

Canciones recomendadas: "Vuelvo amor" y "Candombe para José".

2. "Raza Brava" (1975):

Aumenta el protagonismo de los elementos andinos en temas épicos y melancólicos.

Canciones destacadas: "El Cascabel" y "El Canto de Illapu".

3. "Lejos del Amor" (1988):

Grabado en el exilio, refleja el dolor de la dictadura y la nostalgia por su tierra.

Canción clave: "Lejos del amor".

4. "En Estos Días" (1993):

Este álbum celebra su regreso a Chile tras el fin de la dictadura.

Canciones recomendadas: "Baila Caporal" y "Vuelvo para vivir".

5. "Momentos Vividos" (1995):

Un álbum recopilatorio con sus canciones más emblemáticas y populares.

Canción destacada: "Candombe para José".

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"Inti" significa "Sol" en quechua, e "Illimani" es el nombre de un monte en Bolivia, un símbolo de los Andes. Fue fundada en Santiago de Chile por un grupo de estudiantes de la Universidad Técnica del Estado cuando, durante el golpe de Estado de 1973, el grupo quedó exiliado en Italia marcando profundamente su música y proyección internacional.

Algunos de sus Álbumes Destacados son:

1. "Canto al Programa" (1970):

Primer álbum, con una fuerte influencia de la Nueva Canción Chilena.

Canciones destacadas: "La Segunda Independencia" y "Cueca de la C.U.T.".

2. "Canto de Pueblos Andinos" (1973):

Recopilación de música tradicional andina, con un enfoque en los sonidos de la quena y la zampoña.

Canciones clave: "El Condor Pasa" y "Taita Salasaca".

3. "Viva Chile!" (1973):

Grabado poco antes del golpe, con canciones de protesta y homenaje al folclore chileno.

Destacan: "Venceremos" y "Lo que más quiero".

4. "Inti-Illimani 3" (1976):

Creado durante el exilio en Europa, donde empiezan a incorporar influencias de otras culturas.

Canción emblemática: "Alturas".

5. "Palimpsesto" (1981):

Innovador en su mezcla de estilos, con una sonoridad más compleja.

Canción destacada: "Danza di Cala Luna".

6. "Leyenda" (1990):

Álbum posterior al regreso del exilio, con un tono de esperanza.

Canción clave: "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido".

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Escucha Inti-Illimani en Spotify. Artista · 320.6K oyentes mensuales.

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Militante del partido comunista, Víctor Jara fue un artista cuya obra trasciende como un ícono de la resistencia, justicia social y parte de La Nueva Canción Chilena. Nació en Lonquén un 28 de septiembre de 1932, Chile. Fue brutalmente asesinado el 16 de septiembre de 1973, pocos días después del golpe de Estado en Chile.

Álbumes Destacados

1. "Canto a lo Humano" (1965):

Primer álbum, centrado en el folclore chileno.

Canciones clave: "La cocinerita" y "Deja la vida volar".

2. "Víctor Jara" (1967):

Refleja su transición hacia canciones más personales y comprometidas.

Destacan: "El Cigarrito" y "Paloma quiero contarte".

3. "Pongo en tus manos abiertas" (1969):

Incluye su famosa canción "Plegaria a un labrador", un himno a la dignidad del trabajador.

4. "El Derecho de Vivir en Paz" (1971):

Inspirado por la guerra de Vietnam y temas universales de justicia.

Canciones destacadas: "El Derecho de Vivir en Paz" y "Abre la ventana".

5. "Canto por Travesura" (1973):

Último álbum lanzado en vida, recoge décimas y payas con una visión íntima de la tradición chilena.

Canción clave: "La Diuca".

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Destacado charanguista chileno, en la música andina y latinoamericana ha incorporado una rica variedad de instrumentos tradicionales, incluida la quena en especial el tema EL Chasqui. Sus colaboraciones suelen resaltar la riqueza sonora del charango en ensambles diversos y ha trabajado con grandes exponentes de la música latinoamericana, como Illapu, Inti-Illimani, y otros músicos del ámbito folclórico.

Discografía Destacada

1. "Charango al Sur Charango":

Un álbum que celebra la versatilidad del charango, combinando piezas tradicionales con composiciones propias.

Canciones recomendadas: "Puelche", "Tilo, Mi Gato", "Alaracos", "Claudia"

2. "Charango y Guitarra":

Fusión de música clásica con ritmos andinos, mostrando la universalidad del charango.

Incluye adaptaciones de obras clásicas y composiciones originales.

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Amerindios fue un influyente grupo chileno que se destacó por su compromiso con la música andina y el folclore latinoamericano. Surgieron en la década de 1960, durante el auge de la Nueva Canción Chilena, y se caracterizaron por su énfasis en las raíces indígenas, el respeto por las tradiciones andinas y su mensaje social. Mezclaron instrumentos tradicionales, como quenas, zampoñas, charangos y bombos, con guitarras y voces corales, creando un sonido auténtico y evocador.

Discografía Destacada

1. "Amerindios" (1970):

Su álbum debut, donde presentan una mezcla de ritmos tradicionales y composiciones originales.

Canción clave: "Amerindios", un llamado a la unión de los pueblos originarios.

2. "La Tierra No Tiene Dueño" (1972):

Álbum conceptual sobre la relación de los pueblos indígenas con la tierra.

Canciones destacadas: "La Tierra No Tiene Dueño" y "El Despojo".

3. "El Canto de América" (1975):

En este álbum profundizan en la exploración de ritmos andinos.

Canción recomendada: "Camino de Llamas".

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Amerindios, Salvador Allende & Fidel Castro

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Entrama es un destacado ensamble chileno que combina la música contemporánea con elementos del folclore latinoamericano, el jazz y la música clásica. Formado en 1997, este grupo se caracteriza por su enfoque instrumental y su capacidad de crear paisajes sonoros complejos y emotivos, utilizando una amplia variedad de instrumentos y técnicas musicales.

Discografía Destacada

1. "Entrama" (1998):

Su primer álbum, donde establecen su identidad sonora.

Canciones recomendadas: "El Plazo del Ángel", "Vuelo de Pájaros" y "Otoñal".

2. "Año Luz" (2012):

Un homenaje a la relación entre los seres humanos y su entorno natural.

Canciones clave: "Tema de Yak" y "La vida nos dirá cuando".

3. "Centro" (2017):

Explora una búsqueda de equilibrio y universalidad en su sonido.

Incluye obras como "Joropo" y "Cinco Pasos".

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Congreso es uno de los grupos más destacados y longevos de la música chilena. Fundado en Quilpué en 1969, su estilo musical se caracteriza por una fusión única de música progresiva, jazz, folclore latinoamericano y elementos de la Nueva Canción Chilena. Su capacidad para innovar a lo largo de las décadas, manteniendo un profundo compromiso con la exploración sonora y las temáticas sociales, los convierte en un referente esencial de la música latinoamericana.

Congreso es uno de los grupos más destacados y longevos de la música chilena. Fundado en Quilpué en 1969, su estilo musical se caracteriza por una fusión única de música progresiva, jazz, folclore latinoamericano y elementos de la Nueva Canción Chilena. Su capacidad para innovar a lo largo de las décadas, manteniendo un profundo compromiso con la exploración sonora y las temáticas sociales, los convierte en un referente esencial de la música latinoamericana.

Historia y Formación

Orígenes: Formado por los hermanos González (Fernando, Sergio y Patricio) junto a Hugo Pirovich, constituyeron el grupo en plena efervescencia cultural de los años 60.

Evolución: Aunque inicialmente sus influencias incluían rock psicodélico y música andina, evolucionaron hacia un sonido más complejo y ecléctico.

Proyección internacional: Congreso ha sido aplaudido fuera de Chile, especialmente en países como México, Argentina y Europa.

Estilo Musical

1. Fusión de géneros:

Mezclan jazz, música progresiva, folclore latinoamericano, rock y música clásica.

Incorporan instrumentos como flautas, charangos, sintetizadores y guitarras eléctricas.

2. Letras poéticas:

Sus canciones abordan temas como la justicia social, la identidad cultural, el medio ambiente y el amor, con un enfoque lírico y reflexivo.

3. Innovación constante:

Congreso experimenta con nuevas texturas, ritmos y estructuras, manteniéndose vigente a lo largo de los años.

Álbumes Clave

1. "El Congreso" (1971):

Su álbum debut, influenciado por el rock progresivo y la música andina.

Canciones destacadas: "El Color de la Iguana" y "Vuelta y Vuelta".

2. "Terra Incógnita" (1975):

Un álbum conceptual que explora la conexión entre las raíces y el entorno.

Destaca "Quenita Perdida".

3. "Ha Llegado Carta" (1981):

Con influencias de jazz y música clásica, este álbum marcó un punto alto en su carrera.

Canciones recomendadas: "Canción de la Verónica" y "Viaje por la Cresta del Mundo".

4. "Los Fuertes del Mar" (1986):

Un homenaje a las comunidades costeras de Chile.

Incluye: "Andén del Aire" y "Los Elementos".

5. "Pichanga" (1992):

Ágil y festivo, con un enfoque más experimental.

Canciones destacadas: "Hijo del Sol Luminoso" y "Canto de Todos los Pueblos".

6. "La Canción que te Debía" (2017):

Refleja su madurez artística y la capacidad de conectar con nuevas generaciones.

Canción clave: "El Cielito de mi Pieza".

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Escucha Congreso en Spotify. Artista · 89.2K oyentes mensuales.

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Violeta Parra utilizó la quena en algunas de sus composiciones. Aunque es más conocida por su habilidad con la guitarra y su trabajo como cantante, compositora, investigadora y artista visual, Violeta Parra fue una figura fundamental en la música chilena y latinoamericana que también recurrió a instrumentos tradicionales andinos como la quena.

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Violeta Parra · El Folklore Y La Pasión · Canción · 2006

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Los Jaivas es uno de los grupos más icónicos de la música latinoamericana. Formado en Chile en 1963, su propuesta musical se caracteriza por una fusión única de rock progresivo, música folclórica andina y elementos de improvisación. Este enfoque innovador los posicionó como pioneros en la integración de sonidos tradicionales con instrumentos eléctricos, generando un impacto significativo en la escena musical de América Latina y más allá.

Álbumes Emblemáticos

1. "La Ventana" (1972):

Marcó su transición hacia una fusión más compleja de estilos.

Canciones destacadas: "Todos Juntos" y "Mira Niñita".

2. "Alturas de Machu Picchu" (1981):

Basado en los poemas de Pablo Neruda, es una obra maestra conceptual que evoca los paisajes y misterios de los Andes.

Canciones clave: "Sube a Nacer Conmigo Hermano" y "La Poderosa Muerte".

3. "Obras de Violeta Parra" (1984):

Un tributo a la gran folclorista chilena, reinterpretando sus canciones con el estilo único de Los Jaivas.

Destacan: "Gracias a la Vida" y "El Guillatún".

4. "Hijos de la Tierra" (1995):

Álbum con un enfoque en la conexión espiritual y ambiental.

Incluye: "Hijos de la Tierra" y "El Rehén".

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Quilapayún es uno de los grupos más emblemáticos y representativos de la música chilena, especialmente conocido por su vinculación con la Nueva Canción Chilena. Formado en 1965 en Santiago de Chile, Quilapayún proviene del idioma mapuche y significa "nueve estrellas", en referencia al número de músicos fundadores. Ha sido un referente tanto en la música popular como en la resistencia política, utilizando su música como medio de expresión cultural y de protesta. A lo largo de su carrera, han evolucionado su estilo, fusionando la música tradicional chilena con géneros como el folclore latinoamericano y la música contemporánea.

Discografía Destacada

1. "Quilapayún" (1969)

Su primer álbum, lanzado en 1969, muestra su enfoque inicial en la música tradicional chilena, pero con una mirada más moderna que incorpora la participación activa en la Nueva Canción Chilena.

Canciones recomendadas: "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido" (uno de los himnos más emblemáticos de la Nueva Canción Chilena), "La Boliviana" y "Viva Chile".

2. "Canto Libre" (1970)

Este disco es fundamental dentro de su discografía, ya que refleja el momento álgido de la Nueva Canción Chilena, con una fuerte conexión a la política y la transformación social en Chile bajo el gobierno de Salvador Allende.

Canciones destacadas: "Canto Libre", "La Fiesta de la Vida" y "La Muralla".

3. "Quilapayún en Vivo" (1972)

Un álbum grabado en vivo que captura la energía del grupo en su máxima expresión. Este disco es un reflejo de la capacidad de Quilapayún para conectar con su público a través de la música y el mensaje.

Canciones recomendadas: "La Otra España" y "Al Derecho y Al Revés".

4. "La Cantata Santa María de Iquique" (1971)

Este álbum es una obra monumental que cuenta la historia de la masacre de trabajadores en la ciudad de Iquique en 1907. Es un ejemplo claro de cómo Quilapayún utilizó la música para contar las historias del pueblo y la lucha por la justicia.

Canciones destacadas: "La Cantata Santa María de Iquique" y "Los Mineros".

5. "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido" (1973)

Uno de sus discos más influyentes, con una canción emblemática que se convirtió en un himno internacional de la resistencia. Este álbum fue grabado poco antes del golpe de Estado en Chile y es un testamento de la energía revolucionaria del momento.

Canciones recomendadas: "El Pueblo Unido Jamás Será Vencido", "La Canción del Obrero".

6. "Vientos del Pueblo" (1995)

Después de su exilio, Quilapayún regresó con este álbum que marca el regreso del grupo a Chile. En él, se refleja tanto la nostalgia como la renovación de su compromiso social.

Canciones recomendadas: "Vientos del Pueblo", "Un Hombre Está Llorando".

7. "Quilapayún 40 Años" (2005)

Este disco conmemora los 40 años del grupo, reflejando su evolución y la importancia que ha tenido en la historia de la música chilena y latinoamericana.

Canciones recomendadas: "Canto de Todos" y "Chile Insurrecto".

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Escucha Quilapayún en Spotify. Artista · 120.9K oyentes mensuales.

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Kunza es el idioma del pueblo atacameño. Parte de la historia y cultura de la gente autóctona de la región de Arica y Parinacota, Chile. Este tema representa tanto en sus cantos como en su instrumentaria la fascinante singularidad del sonido folclórico de la zona.

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Kunza, Los Sayas, Festival Folklórico de Chillán 2013.MOD

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Altiplano es un grupo musical chileno destacado por su fusión de música tradicional andina y elementos de la música contemporánea, especialmente el jazz y la música clásica. Formado a fines de los años 90, Altiplano ha jugado un papel crucial en la renovación de la música folclórica de los Andes, explorando nuevas sonoridades mientras preserva el respeto por las raíces culturales de la región. Su música se caracteriza por la interacción de instrumentos tradicionales andinos con una amplia gama de estilos musicales, lo que les ha permitido destacarse en el panorama musical chileno e internacional.

Discografía Destacada

1. "The Best of Altiplano Vol.6" (1994):

Álbum compilatorio de excelentes canciones de altiplano.

Canciones destacadas: "Ramis", "Pucara", "Alturas", y "Atacameños".

2. "Tamia Usia" (1994):

Un trabajo más maduro, en el que se nota una mayor experimentación con estructuras musicales y la integración de nuevos elementos de jazz.

Canciones clave: "Quito de Ensueño" y "Dust In The Wind".

3. "Pacaras" (1996):

Un álbum que muestra la evolución de la banda hacia una sonoridad más rica y profunda, con piezas que invitan a la reflexión y el viaje interior.

Incluye: "Ayawaska", "Galieros (Galeter)" y "Mientras Estas Ausente".

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Tanto el Volumen I como el Volumen II son recopilatorios de música folklórica de autores Chilenos que experimentan con cuerdas como guitarra, charango, bajo e interpretan canciones emblemáticas como algunas ya mencionadas en otros artistas.

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Fue un destacado músico y maestro de la quena, nacido en Humahuaca, Jujuy, Argentina, en 1933 y fallecido en 2014. Fue uno de los grandes exponentes de la música andina y un virtuoso de la quena, instrumento tradicional de los Andes. A lo largo de su vida, difundió la música tradicional de los pueblos originarios de América del Sur, en particular la de los Andes, por todo el mundo, principalmente en Europa, donde vivió gran parte de su vida.

Álbumes Destacados

1. "Le Chant de la Terre" (1977)
Este es su álbum más famoso, que lo consolidó como un referente internacional de la música andina. Con un estilo suave y profundamente emotivo, el disco captura la esencia de los paisajes andinos y las tradiciones musicales de los pueblos originarios.

2. "Uña Ramos et l'Orchestre de l'Université de Paris" (1979)
Este disco presenta una fusión de la música andina con arreglos orquestales, en colaboración con la Orquesta de la Universidad de París. Aquí, Ramos experimenta con la sonoridad de la quena en un contexto más amplio y sinfónico, explorando nuevas texturas y ampliando las fronteras de la música tradicional andina.

3. "Quena" (1983)
Un disco que destaca por su enfoque en la quena como instrumento principal, resaltando su sonoridad en diferentes composiciones tanto tradicionales como originales. Este álbum subraya la maestría de Uña Ramos como intérprete y su capacidad para crear un ambiente único con el sonido de la quena.

4. "Rituales Andinos" (1991)
En este álbum, Ramos se sumerge en la fusión de la música andina tradicional con nuevas influencias, explorando ritmos y sonoridades que evocan rituales indígenas. Este trabajo es una muestra de su exploración musical y su deseo de mantener viva la tradición andina mientras la adapta a su propio estilo.

5. "Uña Ramos: Légende du Quena" (1994)
Este disco es una recopilación de algunas de las piezas más emblemáticas de Ramos, con interpretaciones profundas de melodías que exploran los aspectos más espirituales y místicos de la música andina.

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Su discografía incluye obras tanto en solitario como con el conjunto Machu Picchu, con álbumes destacados como Una Quena a través de los Andes (1974-1979) y La Quena del Inka (1979). En sus grabaciones, Thévenot fusionó los sonidos tradicionales andinos con un estilo refinado, lo que le permitió acercar la música peruana y andina al público global. A lo largo de sus viajes, también se presentó internacionalmente, desempeñando un papel clave en la difusión de la música andina más allá de Sudamérica

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Raymond Thevenot (Música Andina )(Suiza 1942-2005). Por Alvaro Noreña Jiménez

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Raymond Thevenot (Ginebra, 1942 - Lima, 2005) fue un músico suizo especializado en aerofonos andinos. A los 8 años empezó a aprender flauta traversa en el co…

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Eva Ayllón ha sido una figura clave en la música afroperuana y en la fusión de géneros tradicionales con elementos modernos. Su discografía abarca una amplia gama de ritmos como la cumbia, el festejo, la zamacueca, el landó, y otros géneros del folklore peruano. A continuación, te recomiendo algunos de sus álbumes más destacados:

1. Eva Ayllón y su Canta Perú (1996)

Este álbum es fundamental en su carrera, en el que interpreta canciones representativas de la tradición afroperuana. Ayllón trabaja con un repertorio que incluye el festejo, el landó, y otras manifestaciones musicales de la costa peruana. Su voz es reconocida por su fuerza y su capacidad para transmitir las emociones de la música afroperuana.

2. Eva Ayllón: 40 años de música (2011)

En este álbum, Ayllón celebra su carrera con un recorrido por los momentos más importantes de su trayectoria. Incluye tanto piezas clásicas de la música peruana como algunas composiciones más recientes, reflejando su evolución artística y su pasión por fusionar géneros. La recopilación es una excelente forma de conocer su estilo vocal único y su enfoque hacia el folklore peruano.

3. La Nación del Sol (2014)

Este disco es una exploración de la música tradicional peruana, con Ayllón interpretando piezas emblemáticas del huayno, marinera y zamacueca, entre otros estilos. La mezcla de estos géneros con una interpretación moderna hace de este álbum una pieza clave para conocer cómo Ayllón ha renovado la música popular peruana.

4. De Mí para Ti (2016)

Este álbum refleja su versatilidad artística, con canciones que abarcan no solo la música afroperuana y el folklore tradicional, sino también influencias de jazz y otros géneros contemporáneos. En este disco, Ayllón demuestra su capacidad para adaptarse a distintos estilos, manteniendo siempre la esencia de su voz poderosa y emotiva.

5. Eva Ayllón en Vivo en el Teatro Municipal de Lima (2009)

Este disco en vivo captura la energía de Ayllón en el escenario, una de sus facetas más admiradas. En el escenario, su presencia y su interacción con el público son tan poderosas como su voz. Aquí, interpreta algunas de sus canciones más queridas y populares.

6. Mi Música, Mi Voz (2019)

Este disco es una celebración de su carrera y la música peruana, con una mezcla de géneros, pero siempre con una fuerte base en la tradición afroperuana. Es una muestra más de la capacidad de Ayllón para fusionar lo tradicional con lo moderno, creando un sonido que sigue resonando tanto en Perú como en el mundo.

Estos discos no solo son fundamentales para entender la obra de Eva Ayllón, sino también para explorar la riqueza y diversidad de la música peruana a lo largo de las últimas décadas. Si te interesa profundizar en la música afroperuana y su evolución, su discografía es una de las mejores puertas de entrada.

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Victoria Santa Cruz (1922–2014) fue una de las figuras más prominentes de la música y la danza afroperuana, conocida por su incansable trabajo en la reivindicación de la cultura afrodescendiente en Perú. Su obra abarcó no solo la música, sino también la danza y la investigación cultural, y su legado es fundamental para entender la identidad afroperuana en la música popular.

Algunas de sus Canciones Más Icónicas fueron:

1. Zamba Malató (1973)

Una de sus canciones más famosas, Zamba Malató es un clásico de la música afroperuana que fusiona elementos tradicionales con una interpretación profunda y emotiva. En esta pieza, Santa Cruz resalta la influencia de las raíces africanas en la música peruana, utilizando la zamba como vehículo para expresar su mensaje. Esta canción es fundamental para conocer su estilo y su influencia en la música popular peruana.

2. Soy la Negra (1976)

En este tema, Santa Cruz explora su identidad como mujer afroperuana, celebrando su herencia con orgullo. Soy la Negra es una declaración de empoderamiento, y muestra la importancia de aceptar y valorar la cultura negra en un contexto social que a menudo minimiza su valor.

3. La Cañonera (1985)

Una canción cargada de historia y simbolismo, La Cañonera es otro clásico de la música afroperuana interpretado por Santa Cruz. Aquí, la artista utiliza su poderosa voz para narrar historias del pueblo negro en Perú, con una gran carga emocional y de denuncia.

4. Me Gritaron Negra (1990)

En esta canción, Santa Cruz reflexiona sobre las dificultades y los prejuicios que enfrentan las personas de descendencia africana en Perú, al mismo tiempo que celebra la belleza de la identidad negra. La canción combina el festejo y el landó, dos géneros clave de la música afroperuana.

5. El Pescador (1973)

Una canción que combina poesía, historia y música, El Pescador es una de las piezas más conmovedoras en la discografía de Santa Cruz. En ella, se relata la vida de un hombre humilde que trabaja en el mar, una metáfora de la lucha de las comunidades afroperuanas por sobrevivir y prosperar.

6. Festejo de la Victoria (1982)

Esta es una de sus canciones más festivas y representativas de la alegría y la resistencia afroperuana. Con ritmo alegre y contagiante, Festejo de la Victoria es una muestra clara de cómo Santa Cruz celebraba la música y cultura de su comunidad.

7. Sabor a Mí (1992)

Aunque originalmente no es una composición de Santa Cruz (es una canción famosa de Álvaro Carrillo), su versión aporta una interpretación única, llena de matices y emoción, que fusiona su estilo con la tradición afroperuana.

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Escucha Victoria Santa Cruz en Spotify. Artista · 17.6K oyentes mensuales.