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["sustantivo/nombre femenino:
Es un entorno de escenas u objetos de apariencia real. La acepción más común refiere a un entorno generado mediante tecnología informática, que crea en el usuario la sensación de estar inmerso en él."]

REFRENCIA:
Autodesk siempre ha sido una herramienta impecable para todos los diseñadores de todas las areas, si es que se nos puede separa por areas. Pero en el campo especifico del diseño del espacio (tanto arquitectura como interiorísmo), Autodesk viene a revolucionar la manera en la que se trabaja con los softwares como REVIT , 3DS MAX, VRED, MAYA LT y FORGE permite a los diseñadores proyectar a tiempo real un modelo en realidad virtual que pretende ayudar a los diseñadoras encontrar problemas y encontrar mejores soluciones a los proyectos antes de que estos sean concretados y así ahorrar tanto tiempo como dinero.

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Virtual Reality, Immersive Design & Augmented Reality | Autodesk

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Learn about the role and benefits of virtual reality, augmented reality, and immersive design for 3D designers of products, buildings, games, and movies.

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["Semiótica: sustantivo/ nombre femenino: Lingüística ciencia que estudia los sistemas de signos de la comunicación, sus significados y sus relaciones."]

REFERENCIA:
Gaudí era un genio de la arquitectura exterior e interior. Su mayor recurso era la luz y como esta daba vida a los volúmenes. En el caso de  La Cripta Güell se puede visualizar un juego de semiótica por como la luz entra a la planta superior dando un efecto de "divinidad" y los colores utilizados, como lo es el azul y el dorado para simbolizar el cielo, el sol y la divinidad en contraste con el piso inferior que es oscuro , y con poca luz que asemeja un bosque y la sombra que se forma por los arboles. Dado que este edificio es una iglesia de alguna manera esto también hace alusión al contraste de "cielo" e "infierno".

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Esta iglesia forma parte de un ambicioso proyecto de complejo industrial ubicado en la localidad de Santa Coloma de Cervelló (Barcelona). Una gran colonia textil que Eusebi Güell, el gran mecenas de Gaudí, emprendió en 1890. El objetivo que el señor Güell quería con la Colonia Güell era alejarse de la ciudad, donde crecían los movimientos sindicales y plantear las casas de los obreros al lado de la fábrica integrándolas en la misma propiedad, resultando así un núcleo urbano con personalidad propia que aunase la vida social y económica. Como rasgo distintivo de esta colonia, Güell quiso dotarla de equipamientos culturales y deportivos y, aunque en un principio no se contempló la construcción de una iglesia ya que se utilizó una pequeña capilla existente, cuando ésta quedó pequeña por el crecimiento de la población de la colonia, Güell decidió encargar a Gaudí una iglesia de nueva planta que pudiera acoger a todos los habitantes. Sin embargo, poco se imaginó Güell que Gaudí le haría una propuesta tan sobria, austera y radical, pero el arquitecto se basó en el cometido de Güell de realizar un lugar de culto que armonizara con la arquitectura no convencional de las viviendas de los trabajadores de la Colonia Güell, con el bosque cercano y con el desnivel de la colina donde se proyectó.

A pesar de llamarse comúnmente "Cripta Güell" en realidad no se encuentra bajo tierra, ya que todas las ventanas de la iglesia dan a la calle. Es por tanto la nave inferior de la iglesia, que quedó inacabada, como reflejan las escaleras laterales del pórtico que, aunque en la actualidad no comunican con nada, si el proyecto se hubiese completado, permitirían el acceso a una iglesia superior. En 1909, diez años después de comenzar el proyecto se colocó la primera piedra de la iglesia que, continuó construyéndose a pesar de continuas interrupciones hasta que diversos problemas económicos acecharon al señor Güell y se paralizó definitivamente la construcción de la Cripta Güell. En 1915, cuando el templo fue consagrado, sólo se habían construido la "cripta" o iglesia inferior y el pórtico. Lamentablemente no podemos hacernos una idea de cómo hubiera quedado la iglesia de ser completada, ya que en los croquis que Gaudí realizaba de sus obras solo presentaba una idea general y frecuentemente cambiaba y maduraba sus ideas en el transcurso de las construcciones.

La iglesia inferior, de planta poligonal estrellada presenta una gran bóveda central que se apoya sobre cuatro columnas desbastadas de basalto. El deambulatorio, donde se ubica el altar, tiene bóvedas a la catalana sobre columnas de ladrillo y piedra procedentes de una cantera propiedad de los Güell en la comarca cercana del Garraf. Un interior muy rústico y monocromático que sólo se ve interrumpido por el cromatismo de las grandes vidrieras en forma de pétalos de flor o alas de mariposa, sugestivas y coloristas vidrieras obra de Josep M. Jujol que permiten que la luz entre muy tamizada en el oscuro interior. El interior de la Cripta Güell parece más una gruta natural que una construcción fruto de la mano del hombre, este efecto lo consigue al disponer colores oscuros tanto en suelo como en paredes que evocan a la oscuridad de un bosque, sea por las hojas caídas o por la sombra producida por los árboles. Paredes que se ven interrumpidas por pequeños claros de luz polícroma que vendría representada por las vidrieras. Y en la iglesia de la planta superior, la idea era que fuera policromada de azul, dorado y blanco simbolizando el cielo y el sol por encima de los árboles. El conjunto se remataría con unas torres que tendrían palomas de color blanco, aludiendo al nombre de la localidad (coloma= paloma en catalán). Con esta completa simbología, Gaudí mostraría el camino de la salvación a los asistentes, desde la oscuridad del infierno de la iglesia inferior a la gloria dorada, blanca y azul de la iglesia superior.

Aparte del aspecto natural que Gaudí plasmó en la Cripta Güell, también se percibe su respeto por la naturaleza desde el pórtico de la entrada, con la escalera de acceso al piso superior desviada para respetar la presencia de un pino del que, según dicen las fuentes, Gaudí llegó a afirmar " una escalera se hace en poco tiempo, pero un pino tarda mucho en crecer ". La fusión de esta obra con su entorno boscoso es total, una armoniosa presencia que se completa con las columnas del pórtico de entrada que visualmente parecen una extensión del cercano pinar, no sólo por su textura, también porque cada columna es distinta entre sí, al igual que los árboles lo son en la naturaleza. Gaudí no olvidó la incorporación de elementos cristianos, en el pórtico mediante la técnica del trencadís dispuso unos peces, el alfa y el omega, las cruces y los monogramas de Cristo en griego (XP).

Uno de los rasgos más característicos de esta construcción es sin duda su estructura. Una forma que procede de una maqueta de estudio que se conserva llamada " maqueta estereostática o maqueta polifunicular" gracias a la cual Gaudí calculo la estructura de la futura iglesia. Una maqueta a escala 1:10 que llegó a tener más de 4,5 metros de alto y que surgió colgando del techo un cordel por dos puntos y suspendiendo unos pesos que eran saquitos de perdigones. De esta manera se dibujaba en el aire un arco invertido que Gaudí fotografiaba y pasaba a papel dibujando así los futuros arcos y conformando el perfil de la iglesia. Una vez más el genio modernista, cuya regla era " con dos reglas y un cordel se genera toda la arquitectura", demostró en la Colonia Güell poseer conocimientos físicos de gravedad y de presión que, junto con su intuición y experiencia permitieron crear una estructura única que se conformó como un "experimento" de soluciones arquitectónicas que después incorporaría en la Sagrada Familia.

La Cripta Güell fue declarada Bien de Interés Cultural-Conjunto Histórico en 1990 e incorporada en 2005 como Patrimonio Mundial por la UNESCO, destacando sin duda el talento constructivo y poético que Gaudí dejó patente en esta obra, convirtiéndose en un ejemplo de arquitectura original, expresiva y arriesgada que definió en gran medida su posterior trayectoria.

La Colonia Güell, entro en decadencia cuando empezó la crisis del sector textil, llegando a paralizar su actividad en 1973. Poco a poco los diversos terrenos y equipamientos de la Colonia Güell se fueron vendiendo a instituciones públicas.

Imágenes: cortesía David Cardelús.

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La Cripta Güell de Antoni Gaudi | Casa Batlló

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Esta iglesia forma parte de un ambicioso proyecto de complejo industrial ubicado en la localidad de Santa Coloma de Cervelló (Barcelona). Una gran colonia textil que Eusebi Güell, el gran mecenas de Gaudí, emprendió en 1890.

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-Diseño interior como canal de comunicación-

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-Diseño interior como canal de comunicación-

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["Comunicación: sustantivo/nombre femenino: Transmisión de señales mediante un código común al emisor y al receptor."]

REFERENCIA:
Dubai Aquarium & Discovery Center in The Dubai Mall. Como todo en Dubai, este edificio es un centro comercial que tiene el acuario de agua salada mas grande del mundo. Como todo en Dubai debe ser ostentoso y llamativo, esta no es la excepción. Todos los espacios comunican algo, en mi opinión este centro comercial pone en una vitrina nada mas y nada menos que el océano completo en el centro del consumismo y no me grita nada mas que " miren cuanto poder tenemos los humanos que podemos poner el océano entero en un lugar tan "meh" como lo es un centro comercial."
No siempre los interiores comunican cosas positivas, no siempre los diseñadores tenemos conciencia de lo que diseñamos y el impacto y significado que puede tener, por eso es de suma importancia que también nosotros diseñadores nos enfrentemos a no nada mas crear cosas bellas si no también crear con consciencia.

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["sustantivo/ nombre femenino:
Rama de la informática que, en conjunción con otras disciplinas, como las matemáticas, la filosofía y la lógica, estudia la creación de sistemas y máquinas capaces de replicar la inteligencia humana en aspectos como el auto-aprendizaje o la resolución de problemas de diversa índole."]

REFERENCIA:
En la cultura occidental, a menudo la inteligencia artificial es vista como un enemigo del humano, sin embargo en mi opinion es una gran aliada para el desarrollo sostenible de todo lo que nos rodea y lo que podríamos ser como sociedad. La arquitecta, profesora y artista Neri Oxman es un increíble ejemplo de como el diseño, de la mano con la inteligencia artificial es una ventana a una nueva era. También cabe mencionar como sin importar que tan "electronica" se vuelva el mundo siempre todo tiene que ir de la mano con la naturaleza y sus raíces.
La naturaleza realmente es la mejor diseñadora que existe.

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Design at the Intersection of Technology and Biology | Neri Oxman | TED Talks

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["sustantivo:design thinking es un proceso de resolución de problemas utilizando metodologías creativas como la empatía y la experimentación para llegar a una solución innovadora."]

REFERENCIA:
Las leyes de Gestalt son un perfecto ejemplo de la aplicación de design thinking. Exponen una serie de pautas que se utilizan en el diseño, que aunque no sean realmente imperativas en el diseño exitoso,  totalmente están presentes en muchos ejemplos de diseños que han marcado un antes y un después en el area de desempeño.

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Teoría de la Gestalt: leyes y principios fundamentales

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La Teoría de la Gestalt propone una nueva forma de entender la psicología, basada en principios holísticos y rompiendo el paradigma del viejo conductismo.

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["Narrativa: sustantivo/nombre femenino: Habilidad o destreza en narrar o en contar las cosas.'"]

REFERENCIA:
Siempre he pensando que un buen diseño del espacio debería poder contar una historia; ya que para diseñar usualmente siempre hay un concepto en mente por ende debería existir una historia que lo respalde. En el caso del museo del 9/11 la manera en que esta expuesto el recorrido cuenta la historia de la manera mas clara y literal de los acontecimientos de ese día. empezando por un vestíbulo con piezas de metal expuestas de las estructuras de lo que alguna vez fueron las torres, seguidas por una habitación que pone en display los periódicos de ese día , continuando con una habitación donde por medio de grabaciones se escuchan las llamadas de los pasajeros de los aviones, etc. Todo el display del museo esta expuesto cronológicamente cuarto por cuarto de los acontecimientos. Si hay un interiorismo que pueda ejemplificar una narrativa, en definitiva esta es la más literal.

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Visiting The 9/11 Memorial & Museum In New York

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["verbo transitivo: Volver a hacer o decir una cosa que ya se había hecho o dicho."]

REFERENCIA:
La repetición es un recurso sumamente utilizado en el diseño del espacio interno, a mi criterio se usa mucho ya que el punto del diseño interior es crear un impacto visual y sensorial al entrar o salir de un espacio. La repetición, si bien existe en la naturaleza, existe a menor escala, en flores, conchas etc..pero nunca a una escala tan grande que provoca una sensación de pequeñés en el usuario. Este es el lounge de W New York Hotel

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["sustantivo/nombre masculino:
Un punto indica posición. No tiene largo ni ancho. Es el principio y el fin de una línea."]

REFERENCIA:
El punto es el origen de un todo; En cuanto a diseño, el punto es de donde nace una idea, un punto es cada parte a nivel celular de un proyecto macro. Hay una infinidad de maneras de representar un punto en el diseño, en el caso de mi referencia, tomé una ruta mas literal como ejemplo; la obra de Yayoi Kusama. Una artista contemporanea, que hace uso del punto como medida para crear espacios infinitos. Hay cierta belleza en el hecho de que utiliza la medida mas minimalista y básica para crear conceptos tan llenos como lo es "la infinidad".

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Yayoi Kusama
The " Polka Dot Princess" Yayoi Kusama is one of the most exciting and prolific contemporary artist. She has worked in a wide variety of media such as performance, film-making, painting, drawing, sculpture, installation, fashion, poetry, fiction and happenings and, at the age of 80, she's still creating and developing her art.
Her work is based in conceptual art; it's precursory of pop art, minimalism and feminist art movements and shares some characteristics of surrealism, Art Brut and abstract expressionism; infused with autobiographical, psychological, and sexual content. Kusama's art shows her long-term fascination with organic repetitive patterns, vigorous and psychedelic colours, reflection, electric lights, and infinite space. Her vibrant, fascinating, magical work has an almost hallucinatory intensity.

Yayoi Kusama, Dots Obsession, 2000. Installation

Born in Japan in 1929, she studied Nihonga painting in Kyoto in 1948. Frustrated with this distinctly Japanese style and interested in the European and American avant-garde, Kusama went to the United States in 1957, becoming the epicentre of the New York avant-garde. In 1959 she first exhibited Infinity net, the work that changed her career, and define her signature style: obsessive, repetitive and rhythmic. She started to paint using polka dots and nets pattern during her childhood, after her first experiences of hallucinations and severe obsessive thoughts, and has spread them infinitely across the world, covering walls, floors, canvases, and later, household objects and naked assistants. In 1977 she voluntarily admitted herself to a hospital, where she has spent the rest of her life. From here, she continued to produce artworks in a variety of mediums, as well as launching her literary career.

Yayoi Kusama, Dots Obsession Day, 2009. Installation. Serpentine Gallery, London

The most interesting and representative element of Kusama's art is a proliferating circular motif, either a polka dot or, conversely, the negative space seen when a looped mark is applied to a surface. Or the artist "...a polka dot has the form of the sun, which is a symbol of the energy of the whole world and our living life, and also the form of the moon, which is calm. Round, soft, colourful, senseless and unknowing. Polka dots become movement... Polka dots are a way to infinity". Kusama sees her life as "a dot lost among millions of other dots". Put on canvases, sculptures and installations, shop mannequins, even on the artist's body and clothing she has designed, these dots vary in tone and character from strident chromatic contrasts to delicate filigrees of white-on-white.
Dotted pumpkins (which represent for her a kind of alter-ego or self-portrait), whorls, shaped nerves, nets and flower shapes are other obsessive elements present in her works. Kusama's art can be seen as a sublimation of those obsessions, as a cathartic and life-saving operation.

Yayoi Kusama, Obliteration room. Installation

Some of her most important artworks are: Infinity Net series (started in 1959) realized on infinite canvas of ten meters; the soft sculptures Accumulation (1950), Sex Obsession (1962) and Compulsive Furniture (1964), the installation Narcissus Garden (1966) presented at Venice Biennale, the environmental works Passing Winter (2005) and Aftermath of Obliteration of Eternity (2009).

Yayoi Kusama, The moment of Regeneration, 2004

From 1998 to 1999, a major retrospective of Kusama's works opened at the Los Angeles County Museum of Art and travelled to the Museum of Modern Art of New York, to the Walker Art Center and to the Tokyo's Museum of Contemporary Art. In 2004, her solo exhibition " KUSAMATRIX" started at Mori Museum in Tokyo, totalling 520,000 visitors. In 2005 her artworks were exhibited in The National Museum of Modern Art of Kyoto, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Contemporary Art Museum of Kumamoto and Matsumoto City Museum of Art. An exhibition of Kusama'a work opened at the Tate Modern in London in 2012 with artworks from Kusama's entire career.
more. www.yayoi-kusama.jp

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Yayoi Kusama The " Polka Dot Princess" Yayoi Kusama is one of the most exciting and prolific contemporary artist. She has worked in a wide variety of media such as performance, film-making, painting, drawing, sculpture, installation, fashion, poetry, fiction and happenings and, at the age of 80, she's still creating and developing her art.

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["sustantivo/nombre femenino: La Metonimia es una figura retórica que consiste en designar una cosa o idea con el nombre de otra con la cual existe una relación de dependencia o causalidad."]

REFERENCIA:
El museo de los helados es un ejemplo en 3 dimensiones, tangible y sensitivo de los que es una figura retórica. Existen helados gigantes que sirven como sillones, una habitación con nubes de algodón de azúcar, una piscina de chispas de dulce, pero la que mejor referencia a la metonimia hace es una cueva de "pop rocks" que hace alusión a una cueva rocosa pero construida de rocas de dulce que explotan en la boca.

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Museum of Ice Cream Happy Monday Everyone! Today's post by high request my review on the Museum of Ice Cream! Just FYI this post is not sponsored by anyone. Read on for my full review on my experience at the Museum of Ice Cream.

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["sustantivo/nombre femenino:
Figura retórica por la cual un concepto se expresa por otro diferente, manteniendo una relación de semejanza."]

REFERENCIA:

Un muy buen ejemplo de arquitectura e interiorísmo metafórico es el Museo Judío de Berlín por Daniel Libenskind.

No solo esta diseñado utilizando ejes que apuntan en dirección a donde pasaron diferentes eventos del holocausto, si no que el recorrido interior utiliza cambios de altura , luz, temperatura e inclusive humedad para recrear en el usuario una pincelada de las experiencias que vivieron las víctimas del holocausto.

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La forma de este proyecto nace de una deformación de la Estrella de David, expandida entorno al sitio y su contexto. Esta se establece mediante un proceso de conexión de líneas entre distintos lugares de eventos históricos, resultando en la estructura del edificio, una literal extrusión de estas lineas hasta formar un edificio en forma de 'zigzag'.

El diseño se basa en dos estructuras lineales que, combinadas, forman el cuerpo del edificio. La primera línea está formada por varias torceduras, mientras que la segunda línea corta a través de todo el edificio. En las intersecciones de estas líneas se encuentran los 'vacíos' espacios que se elevan 20 metros verticalmente desde la planta baja del edificio hasta el techo. Estos representan el elemento estructural del nuevo edificio y la conexión con el edificio antiguo.

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Aunque la extensión de Libeskind aparece como un edificio independiente, no existe ninguna entrada exterior formal al edificio. Para acceder a él, es necesario hacerlo a través del Kollegienhaus, el antiguo museo barroco situado al lado. El acceso es a través de un pasillo subterráneo que conduce a la escalera principal, descendiendo tres niveles hasta llegar al primer y más largo de los tres ejes. El contraste material, formal y lumínico se vuelven inmediatamente presente, generando una fuerte yuxtaposición física entre el edificio antiguo y el nuevo.

Los tres ejes representan las experiencias de los judíos en Alemania: continuidad, holocausto y exilio. El primer eje, el 'eje de continuidad', se presenta como una extensión del acceso al nuevo edificio conduciendo a las salas de exposiciones. De él, nace el 'eje del holocausto', un pasillo sin salida en el cual el suelo se inclina hacia techo culminando en la 'Torre del Holocausto'. Un espacio vacío de concreto de 24 metros de altura cuya única iluminación es la luz natural que entra por una pequeña grieta en el techo. Finalmente está el 'eje del exilio' que ofrece un punto de escape hacia el exterior, conectando el museo con el 'Jardín del Exilio', un gran cuadrado compuesto por 49 pilares de planta cuadrada dispuestos en una cuadrícula. Estos son de hormigón y huecos, rellenados con tierra de Berlín (salvo el central, que contiene tierra de Jerusalén) y coronados con vegetación.

La escalera que emerge del 'eje de continuidad', hacia la colección permanente, se desarrolla de forma lineal siguiendo la fachada del edificio, otorgando en los descansos acceso a los diferentes niveles del museo. Esta escalera se presenta como un juego de escalas y luces, conduciendo al visitante a través de espacios estrechos y oscuros a espacios amplios y luminosos. Las vigas que la acompañan están dispuestas en direcciones caprichosas y de una apariencia deconstructivista, pero en realidad son funcionales y sirven de arriostramiento.

Seis 'vacíos' corren verticalmente a través del edificio. Sus paredes son de concreto y al igual que la 'Torre del Holocausto' no tienen calefacción o aire acondicionado y en gran medida no tienen luz artificial. Se muestran como elementos independientes del resto del edificio, sólo se puede físicamente acceder a el último de los 'vacíos', el 'Vacio de la Memoria', donde se encuentra la instalación Shalechet de Menashe Kadishman. Esta obra está compuesta por miles de caras de arcilla, que tintinean cuando la gente pasa sobre ellas, creando un escalofriante echo a través del vacío. Al interior del edificio, los muros de exposición que están compartidos con los 'vacíos' están pintados de negro.

El edificio está revestido en zinc, un material que tiene una larga tradición en la historia arquitectónica de Berlín. El zinc no tratado cambia de color y se oxida con la exposición a la luz y la intemperie, generando cambios en la fachada a través de los años. En la fachada destacan también las ventanas en tiras que parecieran cortar el edifico a través de los paneles de zinc, inundando el interior con destellos de luz en todas las direcciones. Esta fachada apenas permite extraer conclusiones sobre que está sucediendo al interior del edificio, ni las divisiones internas, los diferentes niveles o la disposición del programa. Sin embargo, el posicionamiento de las ventanas, principalmente las estrechas rendijas, sigue una precisa matriz. Durante el proceso de diseño, Libeskind trazó las direcciones de destacados ciudadanos judíos y alemanes en un mapa de antes de la guerra de Berlín y unió los puntos para formar una "matriz irracional e invisible" en la que basó el lenguaje de la forma y geometría del edificio.

Arquitectos

Ubicación

Lindenstraße 9, 10969 Berlin, Germany

Architect in Charge

Matthias Reese, Jan Dinnebier, Stefan Blach

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Clásicos de Arquitectura: Museo Judío, Berlín / Daniel Libenskind

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La forma de este proyecto nace de una deformación de la Estrella de David, expandida entorno al sitio y su contexto. Esta se establece mediante un proceso de conexión de líneas entre distintos lugares de eventos históricos, resultando en la estructura del edificio, una literal extrusión de estas lineas hasta formar un edificio en forma de 'zigzag'.

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["adjetivo/nombre masculino

[equipo informático] : Que reúne distintos medios integrados, como audio, video y televisión."]

REFERENCIA:
Es Devlin es una diseñadora  del espacio interno especializada en el diseño de escenarios; Su trabajo no es solo impecable y creativo si no que también es innovador. Es Devlin maneja en sus diseños una mezcla de diferentes medios y así crea diferentes atmósferas y espacios en cuestión de segundos. Entre los medios que utiliza se encuentran: la escultura, la pintura, el video mapping, efectos de sonido, e inclusive estimulantes sensoriales como agua y humo.

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British designer Es Devlin is revered in her field. Not only for the clients she has designed stages for - think Beyonce, Kanye West, Miley Cyrus - but for her ability to translate the core of an artists presence into a visually arresting and enlightening work of art. Yes, Es Devlin does more than design stages, she reaches into the core of those who she designs for and expertly creates powerful sets to communicate what she finds.

Es' latest visual art was for The Weeknd's stage at Coachella music festival. An impressive and impactful 30-foot-high gigantic cracked mask, the face was lit by ever-moving projection-mapped lighting. "I have been working with the idea of concert sculptures as 'pop portraiture': thinking about masks, makeup, enlarged film relay and how this communicates character: how intimacy can be achieved at a grand scale," Es tells It's Nice That.

The connection with the inner-workings of The Weeknd runs deeper than his lyrics and interests - Es fused her aforementioned 'pop portraiture' concept with Abel Tesfaye's (aka The Weeknd) and his close XO collaborator Lamar Taylor's interest in AfroFuturist iconography inspired by their recent work with Kendrick Lamar on Black Panther.

"The fusion of our trains of thought came in the form of a large scale projection mapped scarred mask," Es explains. "Abel's face was 3D scanned, the file was manipulated to achieve the linear striations that are common to certain schools of African masks. A negative mould was CNC cut by AES in California, and the positive laid over in fibreglass. TAIT provided the infrastructure to certify the structure would hold in desert level wind conditions - which are an ever-present possibility at Coachella."

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Es Devlin draws on Afrofuturism to create a powerful and innovative set for The Weeknd at Coachella

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British designer "Es Devlin":https://www.itsnicethat.com/features/es-devlin-art-internationalwomensday-080318 is revered in her field. Not only for the clients she has designed stages for - think Beyonce, Kanye West, Miley Cyrus - but for her ability to translate the core of an artists presence into a visually arresting and enlightening work of art.

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[" sustantivo/nombre masculino: es el elemento ideal que solo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y rectas."]

REFERENCIA:
El plano en el interiorismo se puede atacar desde dos puntos de vista; el pano visual y el plano constructivo. Mi referencia se trata sobre el plano constructivo. Los planos de Louis Khan son precisos, limpios y perfectos.  Los planos de Khan por si solos son una obra de arte y es digno de admirar el nivel de detalle que existen en cada uno de sus planos. Vale la pena recalcar que estos son hechos a mano.

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For Paul Lewis, Marc Tsurumaki and David J. Lewis, the section "is often understood as a reductive drawing type, produced at the end of the design process to depict structural and material conditions in service of the construction contract." A definition that will be familiar to most of those who have studied or worked in architecture at some point. We often think primarily of the plan, for it allows us to embrace the programmatic expectations of a project and provide a summary of the various functions required. In the modern age, digital modelling software programs offer ever more possibilities when it comes to creating complex three dimensional objects, making the section even more of an afterthought.

With their Manual of Section, the three founding partners of LTL architects engage with section as an essential tool of architectural design, and let's admit it, this reading might change your mind on the topic. For the co-authors, "thinking and designing through section requires the building of a discourse about section, recognizing it as a site of intervention." Perhaps, indeed, we need to understand the capabilities of section drawings both to use them more efficiently and to enjoy doing so.

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The book starts by highlighting the uniqueness of section as a representational tool. Section allows us to understand a project's materials, structure, and tectonic logic. The vertical cut, combined with the representation of people, helps to identify scale and proportion. It simultaneously reveals a project's neighboring urban context (the outside), its envelope and internal structure (the cut), and interior ornamental or material visual qualities (the inside). The authors also remind readers that sections and detailed sections help to solve thermal, technical and structural issues.

But the most fascinating suggestion of the text is the authors' categorization of sections into 7 types that allow readers to engage critically with the section as a design tool. These types are "intentionally reductive" to facilitate their recognition and dissociation. "Extrusion," "Stack," "Shape," "Shear," "Hole," "Incline," and "Nest" each highlight a different design strategy that is exemplified by enlarged sections from well-known built projects of the 20th and 21st century. Hybrid cases are also described, showing how to combine various section types within one building. The authors manage to balance clear and informative projects with more intricate and creative ones, thus offering a good overview of section design strategy.

Interestingly, readers can assess the quality of each design in relation to vertical cuts only. The authors have avoided using plans, elevations and renders, and the use of photographs is kept to a minimum. All 63 projects are represented in one-point-perspective section, with the same standardized view and graphic representation to allow for a strictly architectural (as opposed to representational) understanding. This in turn brings complex structural systems into focus, along with sophisticated spatial hierarchies and interplays between the interior and the exterior.

The varied selection of projects is also worth noting. The book shows modernist masterpieces, such as Louis Kahn's Salk Institute for Biological Studies, Le Corbusier's Notre Dame du Haut, Alvar Aalto's Seinajoki Library, Jorn Utzon's Bagsvaerd Church and Paul Rudolph's Yale Art and Architecture Building, while contemporary architects featured include Toyo Ito & Associates, Sou Fujimoto Architects, OMA, Peter Zumthor, Herzog & de Meuron, MVRDV, Steven Holl Architects, Diller Scofidio + Renfro, Weiss/Manfredi, BIG... the list goes on. The authors also give attention to historically significant buildings like Henri Sauvage's social housing project 13 rue des Amiraux and Starrett & Van Vleck's Downtown Athletic Club (later celebrated in Rem Koolhaas' canonical text Delirious New York).

To represent these sections, the authors used an incredible amount of documentation ranging from historical photographs and detail drawings to primary documentation from contemporary architecture firms. Each section also comes with a full description, and if you're attentive to details, you'll even find consistency in the furniture items; don't miss the Thonet chairs and Charlotte Perriand's design in Le Corbusier 's work.

Finally, Manual of Section also includes a short and cohesive "History of Section" that brings perspective to the historical development and recent use of sections. The text notably sheds light on the emergence of section in the early fifteenth century, explaining how sections first appeared as an "analytical device" to depict Roman ruins. Only later did the section progressively become a "generative instrument" for architectural practice, in the works of Palladio, Etienne-Louis Boullée and Eugène Viollet-le-Duc among others.

As history shows, section has always been considered as a representational method first, and its input on architectural discourse is still largely undermined. Manual of Section successfully attempts to reintroduce sections within theoretical discourses; a new reference book for architects.
Manual of Section by Paul Lewis, Marc Tsurumaki, and David J. Lewis published by Princeton Architectural Press (2016) is released on August 23rd.

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Studying the "Manual of Section": Architecture's Most Intriguing Drawing

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For Paul Lewis, Marc Tsurumaki and David J. Lewis, the section "is often understood as a reductive drawing type, produced at the end of the design process to depict structural and material conditions in service of the construction contract." A definition that will be familiar to most of those who have studied or worked in architecture at some point.

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["adjetivo/ nombre femenino {sistema, construcción] : Elemento con función propia concebido para poder ser agrupado de distintas maneras con otros elementos constituyendo una unidad mayor."]

REFERENCIA:
En el hotel Morpheus  por Zaha Hadid, tanto en el aspecto de interiorismo, como lo son las piezas de mobiliario, hasta paredes texturadas, hasta aspectos mas macro como lo es la arquitectura general del hotel ,todo esta construido por módulos de triángulos. Esto le da un orden especial al espacio y de la misma manera provoca una sensación de entrar a otra dimensión ajena a la experiencia humana habitual.

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Gallery of Morpheus Hotel / Zaha Hadid Architects - 3

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Image 3 of 57 from gallery of Morpheus Hotel / Zaha Hadid Architects. Photograph by Virgile Simon Bertrand

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["sustantivo/nombre masculino:
Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda."]

REFERENCIA:
El color es de los elementos mas importantes en el interiorismo y no hay nadie que los sepa manejar y balancear como Luis Barragán. Todas las obras de este talento están repletas de color balanceadas de manera perfecta. utiliza matices de color y el comportamiento de la luz para crear atmósferas únicas.

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The colours and atmosphere of buildings by legendary Mexican architect Luis Barragán are captured in these realistic model photographs by American artist James Casebere, set to go on show in New York. Casebere recreated elements of Barragán's iconic buildings to create the body of work for the exhibition, titled Emotional Architecture.

"The title of the exhibition references the name given to the style of modernist architecture conceived by Barragán and the artist Mathias Goéritz, who, frustrated by the cold functionalism of modernism, embraced space, colour and light to create buildings that engendered warmth, meditation, and reflection," said Sean Kelly Gallery, which will show the images later this month.

Yellow Corridor, 2016

To produce the images, Casebere employed a method known as constructed photography. The artist builds complex table-sized models of the interiors in his studio, using everyday materials. He then photographs them in a way that aims to recreate the lighting conditions and atmosphere in the spaces. In each case, the rooms and areas are pared down to their essential elements, and shown devoid of furniture or inhabitants. "The resulting images invite viewers to project into and inhabit the spaces he has created, relying on their imagination and memory to fill in the gaps," the gallery said.

Vestibule, 2016

The portions of the Pritzker Prize-winning architect's projects reproduced for the series include the yellow corridor at Casa Gilardi, which was completed in 1976 and was the last project he oversaw. The bachelor pad turned family home in Mexico City was also recently captured in a short film. Areas from the house Barragán built for himself in the Mexican capital in 1947 are also interpreted. The first is the vestibule, which features pink, yellow and white walls illuminated by a skylight above the staircase.

Library, 2016

The second from Casa Barragán is the library, a simple space with a wooden ceiling and white walls that are awash with daylight. Images showing a window with a cross-shaped that looks onto a pink-lined courtyard, and a yellow canopy overhanging an outdoor space, are both based on the 1955 Casa Gálvez. Casabere is renowned for his interior studies, with previous projects including an examination of prison cells. Examples of his work can be found in the collections of museums in including the Whitney, Guggenheim and MoMA in New York, and the V&A and Tate in London.

Reception Room, 2017

"In this new body of work, Casebere returns to his career-long interrogation of interior architectural spaces to explore Barragán's sumptuous use of color, dramatic light and simple haptic, planar surfaces," said Sean Kelly Gallery, which will host the exhibition from 27 January to 11 March 2017. New York was also the location of Barragán-focused exhibition last year. The show at the Timothy Taylor gallery space in Chelsea explored the architect's use of colour, alongside the works of prominent artists. Images are copyright James Casebere, courtesy of the artist and Sean Kelly, New York.

Yellow Overhang with Patio, 2016

SOURCE: DEZEEN

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Luis Barragán "emotional architecture" recreated in model photographs

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The colours and atmosphere of buildings by legendary Mexican architect Luis Barragán are captured in these realistic model photographs by American artist James Casebere, set to go on show in New York. Casebere recreated elements of Barragán's iconic buildings to create the body of work for the exhibition, titled Emotional Architecture.

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["adjetivo/nombre femenino [sistema, programa] : Que permite una interacción, a modo de diálogo, entre la máquina y el usuario."]

REFERENCIA:
En conjunto Acne creative agency, häberlein & mauerer y Nowadays agency crearon un evento para la campaña de lanzamiento de la marca RESERVED en el fashion week de Alemania en el 2014. Este equipo creativo se aseguró de crear una experiencia lujosa y digital donde todos los espacios fueran altamente interactivos para crear mayor relación entre el cliente y la marca. Entre los espacios interactivos se encuentran pantallas sensoriales que persiguen e imitan a los usuarios, un Photo Booth táctil que permite al usuario postear sus fotos en redes sociales y también durante el evento se proyectaban en los diferentes salones,  modelos digitales que interactúan con el usuario mientras visten las prendas y se mueven con ellas a tiempo real, etc.

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The German launch of RESERVED went off with a bang! Acne produced several interactive installations and a variety of branded and experiential content. The event featured a depth and motion-sensing light tunnel, an interactive fashion mirror, photobooths and large-format display screens and projections. Partygoers were encouraged to share their images from the interactive areas on social media.

Video music provided by Winterfieldt (winterfieldt.com)