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Leia os dois primeiros parágrafos da introdução.

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O que é Arte Pública?

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A arte pública é arte em qualquer mídia que tenha sido planejada e executada com a intenção de ser encenada no domínio público físico, geralmente fora e acessível a todos. A arte pública é significativa no mundo da arte, entre curadores, órgãos de comissionamento e profissionais de arte pública, a quem significa uma prática de trabalho de especificidade do site, envolvimento da comunidade e colaboração. A arte pública pode incluir qualquer arte que seja exibida em um espaço público, incluindo edifícios publicamente acessíveis, mas muitas vezes não é tão simples. Em vez disso, a relação entre o conteúdo e o público, o que a arte está dizendo e para quem, é tão importante, se não mais importante, do que sua localização física.

Definição institucional
De acordo com a definição institucional, arte pública refere-se às realizações geralmente perenes dos artistas - escultura, arquitetura possivelmente monumental, pintura - planejadas e executadas para serem apresentadas no espaço público: principalmente ao ar livre e acessível a todos, mas também às vezes dentro de edifícios. Aberto ao público. Os monumentos e estátuas são talvez as formas mais antigas e mais visíveis da arte pública oficialmente sancionada, mas o termo pode abranger o mobiliário urbano e todas as iniciativas destinadas a adornar o espaço urbano.

Do ponto de vista institucional, é necessário distinguir entre realizações duradouras e ações efêmeras. Os fundos para o primeiro são investimentos, enquanto os fundos para o segundo são despesas operacionais; na França, a noção de arte pública não existe na lei, os fundos públicos destinados a efêmeros são classificados na rubrica ação cultural. Em Quebec, arte pública significa, na lei, realizações materiais, perenes ou não.

As obras destinadas ao espaço público são muitas vezes construídas com materiais duráveis ​​e de fácil manutenção para evitar os efeitos de elementos e vandalismo; algumas obras, temporárias, podem consistir em materiais mais efêmeros. Trabalhos perenes às vezes são integrados na criação e renovação de edifícios e locais e, mais geralmente, em processos de planejamento urbano.

A arte pública institucional é montada com a permissão ou colaboração dos proprietários e administradores públicos do espaço vizinho.

Escopo
Cher Krause Knight afirma que "a publicidade da arte reside na qualidade e no impacto de seu intercâmbio com o público ... na arte mais pública, a arte amplia oportunidades de engajamento da comunidade, mas não pode exigir conclusões específicas", introduz idéias sociais, mas deixa espaço para o público Nos últimos anos, a arte pública tem cada vez mais se expandido em escopo e aplicação - tanto em outras áreas mais amplas e desafiadoras da forma de arte, quanto em uma gama muito mais ampla do que poderíamos chamar de nosso 'reino público'. Tais intervenções culturais foram freqüentemente realizadas em resposta ao engajamento criativo de um senso de 'lugar' ou 'bem-estar' da comunidade na sociedade.

Monumentos, memoriais e estátuas cívicas talvez sejam a forma mais antiga e óbvia de arte pública sancionada oficialmente, embora se possa dizer que a escultura arquitetônica e a própria arquitetura são mais difundidas e preenchem a definição de arte pública. Arte independente, criada e instalada sem ser oficialmente sancionada, é onipresente em quase todas as cidades. Ele também é instalado em ambientes naturais, e pode incluir trabalhos como escultura, ou pode ser de curta duração, como um balanço de rochas precárias ou um exemplo efêmero de fumaça colorida. Alguns foram instalados debaixo d'água.

Os trabalhos permanentes são às vezes integrados com arquitetura e paisagismo na criação ou reforma de edifícios e locais, sendo um exemplo especialmente importante o programa desenvolvido na nova cidade de Milton Keynes, Inglaterra. A arte pública não se limita aos objetos físicos; a dança, o teatro de rua e até a poesia têm proponentes especializados em arte pública.

Alguns artistas que trabalham nesta disciplina usam a liberdade oferecida por um site externo para criar obras muito grandes que seriam inviáveis ​​em uma galeria, por exemplo, a caminhada de três semanas de Richard Long, intitulada "O caminho é o lugar na fila". Em um exemplo semelhante, o escultor Gar Waterman criou um arco gigante em uma rua da cidade de New Haven, Connecticut. Entre as obras dos últimos trinta anos, que foram as mais aclamadas pela crítica e pelo público, estão peças de Christo, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Andy Goldsworthy, James Turrell e Antony Gormley, cujo trabalho reage ou incorpora seu ambiente.

Os artistas que fazem arte pública vão desde os maiores mestres como Michelangelo, Pablo Picasso e Joan Miró, até aqueles que se especializam em arte pública como Claes Oldenburg e Pierre Granche, até artistas anônimos que fazem intervenções sorrateiras.

Na Cidade do Cabo, África do Sul, o Africa Centre apresenta o Infecting the City Public Art Festival. Seu mandato curatorial é criar uma plataforma de uma semana para a arte pública - sejam obras de arte visuais ou performativas ou intervenções artísticas - que sacudam os espaços da cidade e permitem que os usuários da cidade visualizem as paisagens da cidade de maneiras novas e memoráveis. O Infecting the City Festival acredita que a arte pública deve ser livremente acessível a todos em um espaço público.

História da arte pública
Na década de 1930, a produção de simbolismo nacional implícita nos monumentos do século XIX começa a ser regulada por programas nacionais de longo prazo com objetivos de propaganda (Federal Art Project, Estados Unidos; Escritório Cultural, União Soviética). Programas como o New Deal do presidente Roosevelt facilitaram o desenvolvimento da arte pública durante a Grande Depressão, mas foram forjados com objetivos de propaganda. Os programas de apoio à arte do New Deal pretendiam desenvolver o orgulho nacional na cultura americana, evitando, ao mesmo tempo, abordar a economia vacilante em que a cultura era construída. Embora problemáticos, os programas do New Deal, como o FAP, alteraram a relação entre o artista e a sociedade, tornando a arte acessível a todas as pessoas. O programa do New Deal, o Art-in-Architecture (AiA), desenvolveu o percentual de programas de arte, uma estrutura para o financiamento de obras públicas ainda hoje utilizadas. Este programa deu metade de um por cento dos custos totais de construção de todos os edifícios do governo para comprar arte americana contemporânea para essa estrutura. A AiA ajudou a solidificar o princípio de que a arte pública nos EUA deveria ser verdadeiramente propriedade do público. Eles também estabeleceram a legitimidade do desejo pela arte pública específica do site. Embora problemáticas às vezes, os primeiros programas de arte pública estabelecem a base para o desenvolvimento atual da arte pública.

Essa noção de arte pública muda radicalmente durante a década de 1970, acompanhando as reivindicações do movimento pelos direitos civis no espaço público, a aliança entre programas de regeneração urbana e intervenções artísticas no final da década de 1960 e a revisão da noção de escultura. Nesse contexto, a arte pública adquire um status que vai além da mera decoração e visualização das histórias nacionais oficiais no espaço público, ganhando autonomia como forma de construção e intervenção no campo do interesse público. A arte pública tornou-se muito mais sobre o público. Essa mudança de perspectiva também está presente no reforço das políticas culturais urbanas nesses mesmos anos, como, por exemplo, o Public Art Fund de Nova York (1977) e vários programas urbanos ou regionais de percentual de arte nos Estados Unidos e na Europa. Além disso, o recentramento do discurso da arte pública de um nível nacional para o nível local é consistente com a virada específica do local e as posições críticas em relação aos espaços institucionais de exposição emergentes nas práticas da arte contemporânea desde a década de 1960. A vontade de criar uma conexão mais profunda e pertinente entre a produção da obra de arte e o local em que ela é visível faz com que haja diferentes orientações. Em 1969, o tráfego estacionário de Wolf Vostells foi feito em Colônia.

Os artistas da terra optam por situar intervenções de grande escala e orientadas para o processo em situações de paisagem remota; o Festival de Spoleto (1962) cria um museu de esculturas ao ar livre na cidade medieval de Spoleto, e a cidade alemã de Münster inicia, em 1977, um evento curador que leva a arte a lugares públicos urbanos a cada 10 anos (Skulptur Projekte Münster). Na mostra coletiva When Attitudes Become Form, a situação de exibição é ampliada no espaço público pelas intervenções de Michael Heizer e Daniel Buren; escala arquitetônica emerge no trabalho de artistas como Donald Judd, bem como em intervenções temporárias de Gordon Matta-Clark em edifícios urbanos despedidos.

Arte pública ambiental
Entre as décadas de 1970 e 1980, a gentrificação e as questões ecológicas aparecem nas práticas de arte pública, tanto como motivo de comissão quanto como foco crítico trazido pelos artistas. O indivíduo, elemento de retiro romântico implicado na estrutura conceitual da Land art e sua vontade de reconectar o meio urbano com a natureza, se transforma em uma reivindicação política em projetos como Wheatfield - A Confrontation (1982), da artista americana Agnes Denes, como bem como em 7000 Oaks de Joseph Beuys (1982). Ambos os projetos focam no aumento da consciência ecológica através de um processo de projeto urbano verde, levando Denes a plantar um campo de dois acres de trigo no centro de Manhattan e Beuys para plantar 7000 carvalhos juntamente com blocos de basalto em Kassel, Alemanha, em um jardim de guerrilha ou comunidade moda. Nos últimos anos, programas de regeneração urbana verde visando converter lotes abandonados em áreas verdes regularmente incluem programas de arte pública. Este é o caso da High Line Art, 2009, um programa de comissões para a High Line, derivado da conversão de uma parte da ferrovia na cidade de Nova York; e de Gleisdreieck, 2012, um parque urbano derivado da reconversão parcial de uma estação ferroviária em Berlim que hospeda, desde 2012, uma exposição de arte contemporânea ao ar livre.

Os anos 80 também testemunham a institucionalização dos parques de esculturas como programas de curadoria. Enquanto as primeiras exposições e colecções de esculturas ao ar livre, públicas e privadas, datam da década de 1930, visam criar um cenário apropriado para formas escultóricas de grande dimensão difíceis de mostrar em galerias de museus, experiências como o jardim de Noguchi em Queens, Nova Iorque (1985) afirmar a necessidade de uma relação permanente entre a obra de arte e seu site.

Essa linha também se desenvolve no projeto de Donald Judd para a Chinati Foundation (1986) no Texas, defendendo a natureza permanente das instalações em grande escala, cuja fragilidade pode ser destruída ao se deslocar o trabalho. O julgamento instruído pelo juiz Edward D. Re em 1985 para re-localizar o Tilted Arc do artista americano Richard Serra, uma intervenção monumental encomendada para o Federal Plaza de Manhattan pelo programa "Art-in-Architecture", também contribui para o debate sobre o site de arte pública. -especificidade. Em sua linha de defesa para o julgamento, Richard Serra afirma: "O Tilted Arc foi comissionado e projetado para um local específico: o Federal Plaza. É um trabalho específico do site e, como tal, não deve ser realocado. Remover o trabalho é destruir o trabalho ". O julgamento em torno do Tilted Arc mostra o papel essencial desempenhado pela especificidade do site na arte pública. Além disso, Um dos argumentos trazidos ao julgamento pelo juiz Edward D. Re é a intolerância da comunidade de usuários do Federal Plaza em relação à intervenção de Serra e ao apoio da comunidade artística, representada pelo depoimento do crítico de arte Douglas Crimp. Em ambos os casos, o público se posiciona como um dos principais fatores da intervenção artística no espaço público. Dentro desse contexto, a definição de arte pública passa a incluir projetos artísticos com foco em questões públicas (democracia, cidadania, integração); ações artísticas participativas envolvendo a comunidade; projetos artísticos encomendados e / ou financiados por um órgão público, dentro dos esquemas percentuais de arte, ou por uma comunidade. Re é a intolerância da comunidade de usuários do Federal Plaza em relação à intervenção de Serra e ao apoio da comunidade de arte, representada pelo depoimento do crítico de arte Douglas Crimp. Em ambos os casos, o público se posiciona como um dos principais fatores da intervenção artística no espaço público. Dentro desse contexto, a definição de arte pública passa a incluir projetos artísticos com foco em questões públicas (democracia, cidadania, integração); ações artísticas participativas envolvendo a comunidade; projetos artísticos encomendados e / ou financiados por um órgão público, dentro dos esquemas percentuais de arte, ou por uma comunidade. Re é a intolerância da comunidade de usuários do Federal Plaza em relação à intervenção de Serra e ao apoio da comunidade de arte, representada pelo depoimento do crítico de arte Douglas Crimp. Em ambos os casos, o público se posiciona como um dos principais fatores da intervenção artística no espaço público. Dentro desse contexto, a definição de arte pública passa a incluir projetos artísticos com foco em questões públicas (democracia, cidadania, integração); ações artísticas participativas envolvendo a comunidade; projetos artísticos encomendados e / ou financiados por um órgão público, dentro dos esquemas percentuais de arte, ou por uma comunidade. a definição de arte pública passa a incluir projetos artísticos com foco em questões públicas (democracia, cidadania, integração); ações artísticas participativas envolvendo a comunidade; projetos artísticos encomendados e / ou financiados por um órgão público, dentro dos esquemas percentuais de arte, ou por uma comunidade. a definição de arte pública passa a incluir projetos artísticos com foco em questões públicas (democracia, cidadania, integração); ações artísticas participativas envolvendo a comunidade; projetos artísticos encomendados e / ou financiados por um órgão público, dentro dos esquemas percentuais de arte, ou por uma comunidade.

Novo gênero de arte pública na década de 1990: antimonumentos e práticas memoriais
Nos anos 90, a clara diferenciação dessas novas práticas de formas prévias de presença artística no espaço público exige definições alternativas, algumas delas mais específicas (arte contextual, arte relacional, arte participativa, arte dialógica, arte comunitária, ativista arte), outras mais abrangentes, como "arte pública de novo gênero".

Desta forma, a arte pública funciona como uma intervenção social. Os artistas se engajaram plenamente no ativismo cívico na década de 1970 e muitos adotaram uma abordagem pluralista da arte pública. Essa abordagem acabou se desenvolvendo no "novo gênero de arte pública", que é definido por Suzanne Lacy como "arte interativa socialmente engajada para públicos diversos com conexões a políticas de identidade e ativismo social". Em vez de discutir metaforicamente as questões sociais, assim como a arte pública anterior, os praticantes do "novo gênero" queriam capacitar explicitamente os grupos marginalizados, ao mesmo tempo em que mantêm o apelo estético. A curadora Mary Jane Jacob de "Sculpture Chicago" desenvolveu um show, "Culture in Action", no verão de 1993, que seguiu os princípios da arte pública de novo gênero. A série pretendia investigar sistemas sociais através da arte participativa da audiência, engajar-se especialmente com públicos que normalmente não participavam de museus de arte tradicionais. Embora controversa, Culture in Action introduziu novos modelos de participação comunitária e arte pública intervencionista que vão além do "novo gênero".

Grupos anteriores também usaram a arte pública como uma avenida para a intervenção social. Nos anos 60 e 70, o coletivo situacionista internacional criou um trabalho que "desafiou os pressupostos do cotidiano e de suas instituições" por meio da intervenção física. Outro grupo de artistas interessados ​​em intervenção social, Guerrilla Girls, começou nos anos 80 e persiste hoje. Sua arte pública expõe o sexismo latente e trabalha para desconstruir estruturas de poder masculinas no mundo da arte. Atualmente, eles também abordam o racismo no mundo da arte, a falta de moradia, a AIDS e a cultura do estupro, todas as questões sócio-culturais que o mundo maior experimenta.

Nas palavras da artista Suzanne Lacy, "new genre public art" é "arte visual que usa mídias tradicionais e não tradicionais para se comunicar e interagir dentro de um público amplo e diversificado sobre questões diretamente relevantes para sua vida". Sua posição implica ponderar sobre as condições de comissionamento da arte pública, a relação com seus usuários e, em maior medida, uma interpretação divergente do papel do público. Na prática da crítica institucional de artistas como Hans Haacke (desde os anos 1970) e Fred Wilson (desde os anos 1980), a publicidade do trabalho corresponde a tornar visíveis para a opinião pública e na esfera pública questões públicas controversas como políticas museológicas discriminatórias ou atos ilegais de corporação.

Tornar visíveis questões de interesse público na esfera pública também está na base da filosofia anti-monumentos, cujo objetivo é minar a ideologia da história oficial. Por um lado, introduzindo elementos íntimos em espaços públicos normalmente dedicados a narrativas institucionais, como no trabalho de Jenny Holzer, o projeto de Alfredo Jaar Es usted feliz? / Você está feliz? e imagens de outdoor de Felix Gonzales-Torres. Por outro lado, apontando as incongruências das esculturas e memoriais públicos existentes, como nas projeções de vídeo de Krzysztof Wodiczko sobre monumentos urbanos, ou na construção de contra-monumentos (anos 1980) e Lipstick (Ascendente) de Claes Oldenburg na Caterpillar Tracks (1969) -1974), um objeto pop gigante híbrido - um batom - cuja base é uma faixa de lagarta. Encomendado pela associação de estudantes de arquitetura da Universidade de Yale, o último é uma escultura em grande escala situada no campus em frente ao memorial da Primeira Guerra Mundial. Em 1982, Maya Lin, na época estudante de Arquitetura em Yale , completou a construção do Vietnam Veterans Memorial, listando 59.000 nomes de cidadãos americanos que morreram na guerra do Vietnã. Lin escolhe para este trabalho listar os nomes dos mortos sem produzir quaisquer imagens para ilustrar a perda, se não pela presença de um corte - como uma lesão - no piso do local de instalação. O corte e as lógicas site / non-site permanecerão como uma imagem recorrente em memoriais contemporâneos desde os anos 90. Na época, um estudante sênior de Arquitetura de Yale completou a construção do Vietnam Veterans Memorial, listando 59.000 nomes de cidadãos americanos que morreram na guerra do Vietnã. Lin escolhe para este trabalho listar os nomes dos mortos sem produzir quaisquer imagens para ilustrar a perda, se não pela presença de um corte - como uma lesão - no piso do local de instalação. O corte e as lógicas site / non-site permanecerão como uma imagem recorrente em memoriais contemporâneos desde os anos 90. Na época, um estudante sênior de Arquitetura de Yale completou a construção do Vietnam Veterans Memorial, listando 59.000 nomes de cidadãos americanos que morreram na guerra do Vietnã. Lin escolhe para este trabalho listar os nomes dos mortos sem produzir quaisquer imagens para ilustrar a perda, se não pela presença de um corte - como uma lesão - no piso do local de instalação. O corte e as lógicas site / non-site permanecerão como uma imagem recorrente em memoriais contemporâneos desde os anos 90.

Outra estratégia memorável é focar na origem do conflito responsável pelas vítimas: nesta linha, Robert Filliou propõe, em seu Commemor (1970), que os países europeus troquem seus memoriais; Esther Shalev-Gerz e Jochem Gertz construíram um Memorial contra o Fascismo (1983) na cidade alemã de Hamburgo. Outros, como Thomas Hirschhorn, constroem, em colaboração com as comunidades locais, antimonumentos precários dedicados a pensadores como Spinoza (1999), Gilles Deleuze (2000) e Georges Bataille (2002).

Projetos de arte pública com curadoria
Nessa linha, em 1990, o artista François Hers e o mediador Xavier Douroux inauguram o protocolo "Nouveaux commanditaires", baseado no princípio de que o comissário é a comunidade de usuários que, em colaboração com um curador-mediador, trabalha no contexto do projeto. com o artista. O projeto de comandantes de Nouveaux estende a ideia de especificidade do local na arte pública para a de base comunitária, implicando, portanto, a necessidade de uma conexão "curada" entre as práticas que produzem o espaço da comunidade e a intervenção artística. Este é o contexto da experiência do projeto doual'art em Douala (Camarões, 1991), baseado em um sistema de comissionamento que reúne a comunidade, o artista e a instituição comissionada na realização do projeto.

Por outro lado, a noção de "site-specific" é revisitada na década de 1990, à luz da disseminação de programas de curadoria de arte pública vinculados a bienais e outros eventos culturais. Dois eventos em particular definem o contexto contextual e teórico dos programas de arte pública subsequentes: Lugares com um passado; Em assumir uma situação normal e re-traduzi-la em leituras sobrepostas e múltiplas de condições passadas e presentes. O primeiro, Places with a Past, tenta testar a justaposição de "city sites and sculpture" em um contexto curatorial orientado a projetos. Da mesma forma, On Taking on ... estabelece uma conexão entre a especificidade do site e uma cultura orientada para o projeto, mas ao mesmo tempo, programaticamente, preenche, já no título, diferentes realidades e narrativas urbanas e históricas com novos modos de intervenções artísticas. Enquanto On Taking on... atua ao mesmo tempo na especificidade do site da intervenção artística e da exposição, Places with a Past revisita e renova a tendência das coleções de arte pública em um museu sem paredes de moda. Este último ponto se desenvolverá durante os anos 90 e 2000, em coincidência com a disseminação de bienais e eventos culturais e como conseqüência das estratégias de marketing da cidade no contexto do "efeito Bilbao" e da "cultura de destino" emergentes após a abertura. do museu Guggenheim em Bilbao.

Uma tendência específica nas coleções urbanas de arte pública se desenvolve em conexão com novas políticas de iluminação pública. A Ásia e o mural mais alto do mundo, do artista alemão Hendrik Beikirch, mostra uma paleta monocromática de um pescador que representa uma parcela significativa da população coreana. Foi organizado pela Public Delivery e pintado em Busan, Coréia em 2013.

Documentação on-line
Bases de dados on-line de arte pública local e regional surgiram nos anos 1990 e 2000 em conjunto com o desenvolvimento de dados baseados na web. Os bancos de dados de arte pública on-line podem ser regionais ou nacionais, ou seletivos (limitados a esculturas ou murais). Alguns bancos de dados on-line nacionais, como os Arquivos de Arte Americana do Smithsonian American Art Museum, podem incluir obras de arte públicas em seus bancos de dados, mas não os classificam como tal.

Bancos de dados de arte pública on-line
Em 2006, o projeto Arte Pública em Lugares Públicos foi uma das primeiras organizações não governamentais a criar um extenso banco de dados on-line de arte pública para uma grande área geográfica - as regiões de Los Angeles, Califórnia do Sul e Havaí. Este projeto é ativo e o banco de dados inclui todas as formas de arte pública permanente (não temporária) (incluindo esculturas, murais, estátuas, arte da estação de trânsito, monumentos, memoriais, pontos de referência e atrações turísticas que contêm características ou componentes de arte pública)

Projetos Online Inativos
De 1992 a 1994, a Heritage Preservation financiou o projeto de pesquisa Save Outdoor Sculpture !, cujo acrônimo SOS! faz referência ao sinal internacional de aflição do código Morse, "SOS". Este projeto documentou mais de 30.000 esculturas nos Estados Unidos, que foram disponibilizadas no banco de dados do SIRIS. Este projeto não está mais ativo.

A partir de 2009, a arte do WikiProject Public trabalhou para documentar a arte pública em todo o mundo. Embora esse projeto recebesse atenção inicial da comunidade acadêmica, ele dependia principalmente das contribuições dos alunos. Seu status é desconhecido no momento.

Em 2012, Alfie Dennen relançou o projeto Big Art Mob e se concentrou no mapeamento da Arte Pública do Reino Unido para mapear todo o mundo. No lançamento, o site tinha mais de 12.000 peças de arte pública mapeadas com mais de 600 novas obras mapeadas em 05/09/2012. Este site de banco de dados não está mais ativo.

Arte pública interativa
Algumas formas de arte pública são projetadas para encorajar a participação do público de uma maneira prática. Os exemplos incluem arte pública instalada em museus de ciência, como a principal peça arquitetônica em frente ao Ontario Science Center. Esta obra de arte permanentemente instalada é uma fonte que também é um instrumento musical (hidraulofone) que os membros do público podem jogar a qualquer momento. O público interage com o trabalho, bloqueando os jatos de água para forçar a água através de vários mecanismos de produção de som dentro da escultura. O Federation Bells em Birrarung Marr, Melbourne, também é uma criação de arte pública que funciona como um instrumento musical. A primeira grande arte pública interativa permanente foi criada pelo artista Jim Pallas em Detroit, Michigan em 1980, intitulado Century of Light,

O mapa de alegria e dor de Rebecca Krinke e o que precisa ser dito convidam à participação pública. Em Mapas, os visitantes pintam lugares de prazer e dor em um mapa das Cidades Gêmeas em ouro e azul; em What Needs to Said, eles escrevem palavras e as colocam em uma parede. Krinke está presente e observa a natureza da interação. O artista holandês Daan Roosegaarde explora a natureza do público. Sua obra de arte interativa, Crystal, em Eindhoven, pode ser compartilhada ou roubada. O cristal existe em centenas de cristais individuais de sal que se acendem quando se interage com eles.

De um quadro mais amplo de arte e sua relação com o cinema e a história do cinema; tipos adicionais de 'arte pública' que vale a pena considerar são obras de mídia e filmes no espaço da arte digital. De acordo com Ginette Vincendeau e Susay Hayward, que argumentam em seu livro French Film: Texts and Contexts, ensinado na introdução ao cinema na Universidade de Londres e no ensino superior europeu, o filme é de fato uma forma de arte, e continua argumentando que o filme também é Alta arte. Além disso, o contexto do cinema e dos espaços públicos na história das áreas e monumentos municipais remontam ao pai do filme, Georges Méliès, bem como aos irmãos Lumière que inventaram a imagem em movimento, mais conhecida como filme em 1896. ,

Arte pública digital
A arte pública digital e a arte pública tradicional fazem uso de novas tecnologias em sua criação e exibição. O que distingue a arte pública digital é sua capacidade tecnológica de interagir explicitamente com o público. Essas metodologias de arte pública diferem das obras de arte da comunidade digital (que também foram denominadas Arte de Nova Mídia de Engajamento Social, ou "SENMA") em termos de como elas estabelecem relacionamentos com o público, o site e o resultado. Em obras de arte digital baseadas na comunidade, essas questões evoluem por meio de um processo dialógico e não como um curso de ação explícito, funcionando ou um conjunto de relacionamentos.

Por cento para arte
A arte pública é geralmente encomendada ou adquirida com a autorização e colaboração do governo ou empresa que possui ou administra o espaço. Alguns governos encorajam ativamente a criação de arte pública, por exemplo, orçamentação de obras de arte em novos edifícios, implementando uma política de percentual de arte. Normalmente, um a dois por cento do custo total de um projeto de melhoria da cidade é alocado para obras de arte, mas a quantidade varia muito de um lugar para outro. Os custos de administração e manutenção são por vezes retirados antes que o dinheiro seja distribuído para a arte (Cidade de Los Angeles, por exemplo). Muitos locais têm "fundos gerais" que financiam programas temporários e desempenhos de natureza cultural em vez de insistir em comissões relacionadas a projetos. A maioria dos países europeus, a Austrália, vários países da África (entre os quais a África do Sul e o Senegal) e muitas cidades e estados nos Estados Unidos têm percentual de programas artísticos. O percentual de arte não é aplicado a todos os projetos de melhoria de capital em municípios com percentual de política de arte.

A primeira legislação percentual por arte foi aprovada na Filadélfia em 1959. Esse requisito é implementado de várias maneiras. O governo do Quebec mantém a política de integração de arte e arquitetura, exigindo o orçamento para todos os novos edifícios financiados com recursos públicos, reservando aproximadamente 1% para obras de arte. A cidade de Nova York tem uma lei que exige que não menos do que 1% dos primeiros vinte milhões de dólares, além de não menos do que metade de 1% do valor superior a vinte milhões de dólares, seja alocado para obras de arte em qualquer prédio público que seja de propriedade a cidade. A alocação máxima para qualquer comissão em Nova York é.

Em contraste, a cidade de Toronto exige que 1% de todos os custos de construção sejam reservados para a arte pública, sem limite máximo definido (embora em algumas circunstâncias, o município e o desenvolvedor possam negociar um valor máximo). No Reino Unido, a porcentagem de arte é discricionária para as autoridades locais, que a implementam sob os termos mais amplos de um acordo também conhecido como "ganho de planejamento". Na prática, é negociável e raramente chega a 1%, onde é implementado em tudo. Um percentual para o esquema de arte existe na Irlanda e é amplamente implementado por muitas autoridades locais.

A Arts Queensland, Austrália, apóia uma nova política (2008) para 'art + place', com um orçamento fornecido pelo governo estadual e um comitê de aconselhamento curatorial. Substitui o anterior 'built-in de arte' 2005-2007. Canberra, Austrália, cometeu 1% de seu programa de obras capitais (incluindo out years) de 2007 a 2009 para arte pública, com um valor final de US $ 778.000 previsto para 2011-12.

Arte pública e política
A arte pública tem sido freqüentemente usada para fins políticos. As manifestações mais extremas e amplamente discutidas disso continuam sendo o uso da arte como propaganda dentro dos regimes totalitários, juntamente com a supressão simultânea da dissensão. A abordagem da arte vista na União Soviética de Joseph Stalin e na Revolução Cultural de Mao Zedong na China é um representante.

As estátuas falantes de Roma começaram uma tradição de expressão política no século XVI que ainda continua. A arte pública também é freqüentemente usada para refutar os desejos propagandísticos dos regimes políticos. Os artistas usam técnicas de culture jamming, levando a mídia popular e reinterpretando-a com adaptações de estilo de guerrilha, para comentar questões sociais e políticas relevantes para o público. Os artistas usam o culture jamming para facilitar as interações sociais em torno de preocupações políticas, na esperança de mudar a forma como as pessoas se relacionam com o mundo, manipulando a cultura existente. A revista Adbusters explora as questões sociais e políticas contemporâneas através do culture jamming, manipulando campanhas populares de design.

Em sociedades mais abertas, os artistas costumam achar a arte pública útil para promover suas idéias ou estabelecer meios de contato livres de censura com os espectadores. A arte pode ser intencionalmente efêmera, como no caso de instalações temporárias e peças de performance. Essa arte tem uma qualidade espontânea. É caracteristicamente exibido em ambientes urbanos sem o consentimento das autoridades. Com o tempo, porém, alguma arte desse tipo consegue reconhecimento oficial. Exemplos incluem situações em que a linha entre o graffiti e a arte pública "guerrilheira" é obscura, como a arte dos primeiros trabalhos de Keith Haring (executada sem permissão em publicitários do Metrô de Nova York) e o trabalho de Banksy. Os murais da Irlanda do Norte e os de Los Angeles costumavam responder a períodos de conflito.

Financiamento
Para alguns autores, a arte pública é definida pelo financiamento do Estado ou da comunidade local.

Para os autores que consideram que a arte pública é aquela instalada em local público, o financiamento pode ser público, privado no caso de patrocínio, ou subscrição pública, como acontece para a instalação de memoriais. As empresas podem financiar a arte pública, levantando novas controvérsias, como as que cercam a instalação da Fearless Girl contra a Bull em Wall Street. Neste caso exemplar e complexo, as autoridades municipais têm apenas um papel regulador, enquanto as partes pedem aos tribunais a arbitragem.

Alguns governos encorajam ativamente a criação de arte, sem que esse incentivo conduza necessariamente a uma arte pública, em um ou outro dos sentidos previstos. A obrigação de dedicar à arte uma porcentagem dos custos de construção de um novo prédio não obriga os promotores a financiar a arte pública. Os fundos são privados e as obras podem ser exibidas em partes coletivas, mas não públicas, do edifício. O mesmo se aplica às disposições orçamentárias dedicadas ao art.

Atribuir 1% do custo da construção à arte é uma regra em alguns países, mas os valores podem variar muito dependendo da localização. Na França, o fornecimento de 1% artístico foi instituído em 1951 para financiar obras relacionadas à criação de arquitetura pública. Em Quebec, o orçamento de todos os edifícios financiados publicamente deve reservar 1% para a arte desde a década de 1960 9. Em Nova York, pelo menos 1% dos primeiros US $ 20 milhões (e meio por cento) devem ser alocados para obras em qualquer edifício público de propriedade da cidade. Em Toronto, a lei exige que pelo menos 1% de qualquer orçamento de construção seja destinado à arte pública. No Reino Unido, o montante é deixado ao critério das autoridades locais.

Estética
Governos que buscam apoio popular têm promovido a produção de obras monumentais em lugares públicos usando convenções e processos artísticos tradicionais que são acessíveis sem qualquer educação especial: o muralismo mexicano desenvolvido como resultado da Revolução Mexicana; os governos do bloco oriental impõem o realismo socialista à arte pública.

Movimentos que questionam as instituições do campo artístico, por sua vez, também desafiam a estética que dela emana, o que favorece a ruptura e a novidade. Buscando a valorização de um público que não busca arte, na maioria das vezes utilizam formas mais acessíveis e mais convencionais que divulgam quadrinhos, prensas de desenho e ilustração em geral.

Por outro lado, as instituições governamentais podem buscar, por meio de sua política e apresentação de compras, trazer as tendências da arte contemporânea para o público. Em geral, no entanto, o processo de concessão de uma ordem pública aborda várias preocupações e diz respeito a vários serviços administrativos. Os critérios estéticos diferem de acordo com o destino da obra, instalados em vias públicas ou expostos em um museu.

Alguns artistas aproveitam a apresentação no espaço público para produzir obras de grande formato, grandes demais para uma exposição clássica. Por exemplo, O Caminho é o Lugar na Linha é um trabalho de Richard Long que consiste em uma caminhada de três semanas. Gar Waterman criou um arco gigantesco, medindo 10 metros de altura e comprimento, abrangendo uma rua em New Haven. Artistas como Christo e Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell e Antony Gormley reagem ou incorporam seu ambiente.

Controvérsias
A arte pública às vezes se mostra controversa. Uma série de fatores contribuem para isso: o desejo do artista de provocar, a natureza diversa do público, questões de usos apropriados de recursos públicos, espaço e recursos, e questões de segurança pública.

O Heidelberg Project de Detroit foi controverso devido à sua aparência berrante por várias décadas desde sua criação em 1986.
A peça minimalista de Richard Serra, Tilted Arc, foi removida da Foley Square, em Nova York, em 1989, depois que os funcionários do escritório reclamaram que sua rotina de trabalho foi interrompida pela peça. Uma audiência do tribunal público decidiu contra a exibição continuada do trabalho.
O pavilhão Apollo de Victor Pasmore na cidade nova inglesa de Peterlee tem sido um foco para políticos locais e outros grupos reclamando sobre a governança da cidade e a alocação de recursos. Artistas e líderes culturais montaram uma campanha para reabilitar a reputação do trabalho com o Centro Báltico de Arte Contemporânea, contratando artistas Jane e Louise Wilson para fazer uma videoinstalação sobre a peça em 2003.
House, um grande trabalho de 1993-1994 de Rachel Whiteread no leste de Londres, foi destruído pelo conselho local depois de alguns meses. O artista e seu agente só conseguiram permissão temporária para o trabalho.
A árvore do Semáforo de Pierre Vivant, perto de Canary Wharf, também no leste de Londres, causou alguma confusão entre os motoristas quando construída em 1998, alguns dos quais acreditavam que eles eram sinais reais de trânsito. No entanto, uma vez que a peça ficou mais famosa, foi eleita a rotatória favorita do país por uma pesquisa com motoristas britânicos.
O Dreamspace V, de Maurice Agis, um enorme labirinto inflável erguido em Chester-le-Street, no condado de Durham, matou duas mulheres e feriu gravemente uma menina de três anos em 2006, quando um forte vento quebrou suas amarras ar, com trinta pessoas presas dentro.
16 Toneladas, a vasta obra de Seth Wulsin em 2006 inclui a demolição da matéria-prima com a qual trabalha, uma antiga prisão em Buenos Aires. A fim de obter autorização para realizar o projeto, Wulsin teve que envolver uma rede de agências governamentais locais, municipais e nacionais, bem como ex-prisioneiros da cadeia, grupos de direitos humanos e militares.

Sustentabilidade
A arte pública enfrenta um desafio de design por sua própria natureza: como melhor ativar as imagens em seus arredores. O conceito de "sustentabilidade" surge em resposta às deficiências ambientais percebidas de uma cidade. O desenvolvimento sustentável, promovido pelas Nações Unidas desde os anos 80, inclui aspectos econômicos, sociais e ecológicos. Um trabalho de arte pública sustentável incluiria planos de regeneração e desmontagem urbana. A sustentabilidade tem sido amplamente adotada em muitos projetos de planejamento ambiental e engenharia. A arte sustentável é um desafio para responder às necessidades de um espaço de abertura em público.

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A arte pública é arte em qualquer mídia que tenha sido planejada e executada com a intenção de ser encenada no domínio público físico, geralmente fora e acessível a todos. A arte pública é significativa no mundo da arte, entre curadores, órgãos de comissionamento e profissionais de arte pública, a quem significa uma prática de trabalho de especificidade do site, envolvimento da comunidade e colaboração.

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Observe as esculturas e escolha a que mais te agrada e por quê?

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Chamada de Force of Nature (Força da Natureza, em tradução livre), esta escultura está localizada em diversas cidades ao redor do mundo e foi desenhada pelo artista italiano Lorenzo Quinn. Ele se inspirou na destruição por furacões, os quais testemunhou. Feita de bronze, aço inoxidável e alumínio, a obra retrata a mãe natureza arremessando o planeta em círculos. A obra vista na foto está localizada em Londres.

Grande parte do trabalho do artista francês Louise Bourgeois (1911-2010) visa trazer os conceitos de ciúmes, raiva, medo e solidão para o público. Para esta escultura, chamada de The Couple (O Casal, em tradução livre), ele não fez diferente e retratou um casal pendurado em uma árvore. Nesta relação, eles estão dentro um do outro, como um só, para melhor ou pior, mas em conjunto.

Projetada pelo escultor checo Jaroslav Róna, a estátua do escritor alemão Franz Kafka, baseia-se em uma cena de seu primeiro romance Amerika (1927), quando um candidato político é carregado nos ombros de um homem gigante durante uma manifestação. Localizado em Praga, na República Checa, a obra foi concluída em 2003.

Esta escultura foi projetada por Zenos Frudakis. Chamada de Freedom Sculpture (Escultura da Liberdade, em tradução livre), a obra tem cerca de seis metros de comprimento e está localizada na Filadélfia, nos EUA. Concluída em 2001, a peça de bronze (que pesa cerca de 3.175 kg) retrata a luta em libertar-se de tudo o que nos retém.

Les Voyageurs (Os Viajantes, em tradução livre), foi feita pelo artista francês Bruno Catalano, e está localizada em Marselha, na França. Seu propósito é evocar lembranças e partes de si mesmo que cada viajante inevitavelmente deixa para trás quando sai de casa.

Chamada de The Shoes On The Danube Bank (Os sapatos no banco de Danúbio, em tradução livre), esta escultura foi projetada por Can Togayand Gyula Pauer, e tem o forte propósito de relembrar as centenas de judeus húngaros que tiveram que deixar seus sapatos na margem do rio antes de serem baleados durante o Holocausto, na Hungria.

A escultura The Unknown Official (Oficial Desconhecido, em tradução livre), está localizada em Reykjavik, na Islândia. O monumento foi construído em 1993 por Magnús Tómasson. Feito de bronze e pedra, a obra retrata um burocrata caminhando sem pressa. No entanto, pedra maciça em cima do corpo significa que nem o espectador nem o burocrata podem conversar sobre os motivos do próximo movimento das autoridades.

Esta obra se chama Digital Orca (Orca Digital, em tradução livre) e foi feita por Douglas Coupland. O trabalho com aparência digital foi encomendado pela cidade de Vancouver, no Canadá, para contemplar o porto e as montanhas do Cypress Provincial Park. Feita de aço com revestimento de alumínio e cubos preto e branco, a escultura tornou-se uma atração para os turistas e locais.

A escultura First Generation (Primeira Geração, em tradução livre), foi feita por Chong Fah Cheong. A obra foi encomendada pelo Conselho de Turismo de Singapura e mostra um grupo de meninos que pulam no rio Singapura.

Chamada de Balloon Flower (Red) - Flor de Balão Vermelho, em tradução livre -, esta escultura foi feita por Jeff Koons e está ao lado do novo World Trade Center, em Nova York, nos EUA. O trabalho foi encomendado por Larry Silverstein, o empresário que comprou as torres originais meses antes do atentado de 11 de setembro.

Esta obra se chama Mustangs e foi feita por Robert Glen. A escultura, feita de bronze, foi encomendada pela cidade de Las Colinas, no Texas, e representa nove cavalos selvagens galopando em uma fonte.

A escultura The Knotted Gun (A Arma de Nó, em tradução livre), foi desenvolvida por Carl Fredrik Reuterswärd e está localizada em Nova York. A obra passou a representar a esperança de um futuro não-violento. A peça foi citada como uma das inspirações por trás do movimento arms-to-art (armas-a-arte, em tradução livre).

Esta escultura se chama (Portal das Nuvens, em tradução livre), e foi feita por Anish Kapoor. A peça de 110 toneladas está localizada no Millennium Park, e reflete o famoso horizonte da cidade de Chicago, nos EUA, bem como os rostos dos visitantes que caminham ao seu lado. Inspirado pelo mercúrio líquido, a escultura tem 20 metros de comprimento e 10 metros de altura.

Desenvolvida por David Černý, a escultura Metalmorphosis (Metamorfose, em tradução livre), fica na República Tcheca e foi feita de camadas de aço inoxidável, que formam uma cabeça maciça e rodam 360 graus. A escultura também possui sua própria webcam e foi encomendada pela American Asset Corp.

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14 esculturas públicas fascinantes espalhadas pelo mundo

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As esculturas públicas estão presentes nas cidades há bastante tempo. Muitas se tornaram atrações turísticas. Selecionamos 14 obras fascinantes que podem ser encontradas pelas ruas agitadas de Nova York ou até nos lugares mais bucólicos, como em Howick, na África do Sul

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Passeio Arte Pública - Sesc Santana
Foto: Dalmir Ribeiro Lima

Manifestação, performance, diversão, cultura, política, movimento, criatividade, liberdade, encontro. O que é arte pública para você?

Palavras que expressam a vivência durante o roteiro "Arte Pública", realizado pelo Turismo Social do Sesc São Paulo. Elas foram tintadas em camisetas pelos participantes, e ficaram disponíveis às pessoas que passavam pelo Parque da Luz no centro de São Paulo. A atividade ao final do roteiro se constituiu de u ma pequena intervenção artística que rapidamente foi "vestida" pelo público. O passeio tinha a proposta de (re)conhecer e refletir sobre algumas obras artísticas localizadas em espaços públicos. Os passos apressados na rotina do trabalho foram deixados de lado e uma nova relação estabelecida com a cidade, próxima da atitude de um "flâneur", personagem descrito pelo poeta Charles Baudelaire como uma pessoa que anda pela cidade a fim de experimentá-la.

Anterior ao passeio, o Sesc Santana promoveu o bate-papo 'O que faz a arte pública visível?', com o músico e compositor Tom Zé, além do filósofo Nelson Brissac Peixoto e Julia Lima, do Núcleo de Pesquisa e Curadoria do Instituto Tomie Othake. A discussão foi sobre o modo como a arte pública insere-se na cidade e modifica a paisagem circundante, de modo permanente ou temporário. O público pôde viajar de outra maneira por alguns espaços da metrópole refletindo sobre o tema a partir da apresentação de projetos e conceitos. A atividade foi repleta de intervenções musicais e poéticas do ícone da MPB que participou ativamente do movimento 'Tropicália' na década de 60 e tem sua história pessoal e obras permeadas pela cidade de São Paulo.

O passeio "Arte Pública" acontece novamente dia 28/03 no Sesc Santana, com acompanhamento das especialistas Ana Carolina Roman Rodrigues e Elisabeth Costa Marcolino, mas desta vez os viajantes poderão conhecer um pouco mais sobre outra região da cidade, o Bom Retiro. Além da arte e arquitetura, serão abordados os aspectos da urbanização e a influência dos imigrantes.

O termo arte pública, em traços gerais, designa todas as intervenções artísticas realizadas num espaço público de livre acesso. Uma rua, uma praça, o jardim, a fachada de um edifício, o metrô, a internet. Até onde vai o espaço público? O que consideramos como público? Muitas variáveis políticas, sociais, arquitetônicas, tecnológicas, podem determinar estas fronteiras por vezes invisíveis e mutáveis. O desenho da cidade, sua forma e identidade, são delineados por diferentes usos e narrativas tecidas sobre estes espaços de circulação.

Diversos gêneros artísticos podem se encontrar nesta esfera. Desde a escultura e pintura, passando pelo hapenning e a performance, até o grafite e o sticker. A definição do que é considerado arte também varia muito de acordo com a subjetividade de cada espectador e/ou participante. São inúmeras as intervenções possíveis nesta enorme tela que configura a paisagem das cidades. A pichação, por exemplo, é uma destas manifestações que desperta debates acirrados sobre liberdade de expressão e poluição visual, entre vandalismo e arte, identidade e espaços coletivos.

A certeza é que, independente da plataforma utilizada, o espectador tem lugar cativo nesta vertente artística. Sua percepção e participação são determinantes na obra desde a criação, e por vezes são considerados até como parte do tema conjuntamente com o próprio ambiente. O Turismo Social do Sesc São Paulo também participa desta cena ao proporcionar o contato do viajante com estas linguagens e inspirar um olhar diferente sobre a cidade, através do véu da rotina e de acordo com as cores próprias de cada retina.

No Flickr do Sesc São Paulo, você pode ver a galeria de fotos do passeio "Arte Pública":

Foto: Dalmir Ribeiro Lima

Consulte a programação completa de Março e Abril de 2015 com os roteiros da Capital e Grande São Paulo:

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Postado em Manifestação, performance, diversão, cultura, política, movimento, criatividade, liberdade, encontro. O que é arte pública para você? Palavras que expressam a vivência durante o roteiro "Arte Pública", realizado pelo Turismo Social do Sesc São Paulo. Elas foram tintadas em camisetas pelos participantes, e ficaram disponíveis às pessoas que passavam pelo Parque da Luz no centro de São Paulo.

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a)    Que informação o artista quer transmitir?

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Direção: Felipe Briso Montagem: Marcelo Felipe Sampaio e Gilberto Topcwevsky Trilha Sonora: Instituto