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Film "Whiplash" de Damien Chazelle, 2014 

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Film "Whiplash" de Damien Chazelle, 2014 

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Whiplash - Bande-annonce officielle VF [HD]

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5 émotions à travers la musique (5 émissions de France culture)

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5 émotions à travers la musique (5 émissions de France culture)

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À propos de la série

Peur, tristesse, colère ou extase, toutes les musiques sont conviées pour un parcours qui devrait exciter vos sens, de Franz Schubert à Donna Summer, d'Ennio Morricone à Francis Bebey.

Frissonner, pleurer ou même... rire ! La musique serait la langue des émotions, paraît-il, jusque dans le corps, et " La Série musicale d'été " invite toute la semaine à ressentir et comprendre ce qui nous rend bien vivants, dans les écouteurs ou en salle de concert. Peur, tristesse, colère ou extase, toutes les musiques sont conviées pour un parcours qui devrait exciter vos sens, de Franz Schubert à Donna Summer, d'Ennio Morricone à Francis Bebey.

Antoine Lachand est producteur à France Culture depuis 1997 et a collaboré à plusieurs émissions dont Panorama, Première édition, Ça me dit l'après-midi, Tout arrive ! et La Fabrique de l'histoire. Il a notamment réalisé des documentaires et fait des chroniques. Il est aujourd'hui responsable adjoint du service numérique de France Culture pour lequel il travaille depuis 2002.

Provenant de l'émission

La Série musicale, le dimanche de 17 à 18h sur France Culture

Une émission musicale libre de tous les styles, tous les rites, toutes les origines et de toutes les provenances.

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Émotions musicales : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Peur, tristesse, colère ou extase, toutes les musiques sont conviées pour un parcours qui devrait exciter vos sens, de Franz Schubert à Donna Summer, d'Ennio Morricone à Francis Bebey.

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Marta C.Gonzalez, ancienne danseuse étoile, atteinte de la maladie d’Alzheimer (2019) 

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Marta C.Gonzalez, ancienne danseuse étoile, atteinte de la maladie d’Alzheimer (2019) 

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En 1967, elle a présenté le célèbre « Lac des Cygnes » à New York en 1967. Cinquante ans plus tard, en 2019, la vieille dame se souvient soudain de la chorégraphie, en entendant la musique de Tchaïkovski. Un moment extraordinaire

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Atteinte d’Alzheimer, l’ancienne étoile se remet à danser en écoutant le «Lac des Cygnes»

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B.O. film Timbuktu (2014) réalisé par Abderrahmane Sissako

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B.O. film Timbuktu (2014) réalisé par Abderrahmane Sissako

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Regardez la bande annonce du film Timbuktu (Timbuktu Bande-annonce VO). Timbuktu, un film de Abderrahmane Sissako

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Petite histoire du "Chant des Partisans" (1941)

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Petite histoire du "Chant des Partisans" (1941)

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C'est l'une des rares chansons qu'il nous reste de la Résistance, et qui est toujours jouée lors de cérémonies officielles. Le Chant des partisans, parfois surnommé La Marseillaise de la Libération, a une histoire particulière, souvent méconnue, qui est à la hauteur de sa puissance symbolique.

Tout d'abord parce que nous devons sa naissance à une femme : Anna Marly. Née en 1917 à Petrograd (Saint-Pétersbourg) en pleine Révolution d'Octobre, son père est fusillé en 1918 et elle est contrainte de fuir son pays avec sa mère, sa sœur et sa gouvernante pour la France en 1921. Sa famille s'installe alors à Menton, dans les Alpes-Maritimes. Elle reçoit une guitare à l'âge de 13 ans, instrument qui marque le début de sa vocation pour la musique.Sergueï Prokofiev, une connaissance de sa famille, lui apprend les rudiments de la composition. Anna Marly sera également danseuse dans la troupe des Ballets russes de Monte Carlo avant de gagner Paris, où elle étudie au Conservatoire, puis se produit dans les cabarets en interprétant ses chansons. C'est à cette époque qu'elle prend le nom de Marly.

Elle épouse le baron Van Doorn en 1939 et tous deux fuient la guerre pour l'Angleterre. Engagée comme cantinière dans les Forces françaises libres (FFL) à Londres, elle met peu à peu son talent musical au service de la résistance. " Elle jouera dans le Théâtre aux armées pour les soldats britanniques, tchèques ou polonais, explique Lionel Dardenne, historien et commissaire de l'exposition Le Chant des partisans au Musée de l'Ordre de la Libération à Paris.

En 1941, en lisant un article sur le rôle des Partisans soviétiques pendant la bataille de Smolensk, Anna Marly a une " réaction viscérale et se met à écrire une chanson " poursuit Lionel Dardenne. " Elle évoque ce combat de la population civile contre l'armée allemande. C'est vraiment le mot de partisan qui l'a faite réagir. En Russie, les partisans sont le dernier rempart de la patrie en danger ".

Cette première version de la chanson est en russe et s'appelle la Marche des partisans. Elle la jouera plusieurs fois sur scène ou à la BBC, où elle remporte un franc succès. En 1942, elle joue sa chanson lors d'une soirée en présence d' Emmanuel d'Astier de la Vigerie, écrivain et journaliste qui a réussi à gagner l'Angleterre en passant par l'Espagne. Celui-ci est tout de suite séduit par la chanson et la propose à André Gillois, résistant et animateur de radio, qui cherche un indicatif pour son émission Honneur et Patrie, diffusée par la BBC entre 1940 et 1944.

Il se trouve que la mélodie sifflée de cette Marche des résistants permet d'être tout de suite identifiable sur les ondes, et ce malgré le brouillage allemand. Constatant le potentiel de la chanson, d'Astier de la Vigerie, met par la suite en relation Anna Marly avec Joseph Kessel et son neveu Maurice Druon, tous deux écrivains et fraîchement arrivés à Londres pour s'engager dans la résistance.

" Emmanuel d'Astier de la Vigerie disait qu'on ne gagnait une guerre qu'avec des chansons. En tant que fondateur du mouvement Libération Sud, il connaissait très bien les réseaux de la résistance en France occupée et les cadres de la France libre à Londres. Il savait donc bien que beaucoup de gens combattaient pour le même idéal de libération de la France mais sans se connaître pour autant. Quand il entend la chanson d'Anna Marly, il se dit " c'est cette chanson qu'il faut pour la France ! ". Il demande donc à Kessel et Druon d'écrire des paroles en français en leur précisant qu'il veut donner l'impression que le chant vienne du maquis ", poursuit Lionel Dardenne.

Ce sera chose faite le 30 mai 1943, jour où la chanteuse Germaine Sablon, compagne de Joseph Kessel, enregistre une première version du Chant des partisans pour un film du cinéaste brésilien Alberto Cavalcanti. C'est d'ailleurs à la même époque qu'Anna Marly et Emmanuel d'Astier de la Vigerie écrivent la Complainte du partisan. Une chanson devenue mondialement célèbre grâce à sa reprise - The Partisan - par Leonard Cohen en 1969.

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Après quelques modifications apportées au texte, d'Astier de la Vigerie l'emmène avec lui en France où il atterrit clandestinement en juillet 1943. En septembre, le texte est imprimé dans le premier numéro de la revue clandestine les Cahiers de Libération. Aucune mention n'est faite d'Anna Marly, ni de Kessel ou de Druon. C'était la volonté d'Astier de la Vigerie : rendre anonyme la chanson pour que tout le monde puisse se l'approprier. Mais à cette époque, peu de gens ont accès à la revue et malgré la présence de la mélodie à la radio et l'impression des paroles sur des tracts lancés par la Royal Air Force, le Chant des partisans demeure peu connu. Il faut attendre la Libération et la fin de la guerre pour que la chanson s'impose et devienne très populaire.

" On peut dire que c'est la Marseillaise de la Résistance, explique Lionel Dardenne. Elle est d'ailleurs toujours jouée aujourd'hui lors de cérémonies de mémoire, comme lors du transfert des cendres de Pierre Brossolette et Jean Zay au Panthéon (le 27 mai 2015, ndlr). Et c'est l'une des rares chansons qui peut à la fois être chantée par le Chœur de l'Armée française et par Léo Ferré, par exemple ".

Le Chant des partisans sera fois repris par des artistes aussi différents que Yves Montand, les Chœurs de l'Armée rouge, Johnny Halliday, Mireille Mathieu, Zebda, Camélia Jordana ou Les Stentors. " C'était le coup de génie d'Astier de la Vigerie, d'Anna Marly, de Joseph Kessel et Maurice Druon : laisser entendre que le Chant des partisans venait des profondeurs de la France occupée. Et aujourd'hui encore, cela fonctionne. La chanson n'appartient pas à un mouvement en particulier. Comme le disait Maurice Druon, elle appartient à tous ceux qui l'ont chantée " conclut Lionel Dardenne.

Après le succès de ses chansons de la France d'après-Guerre, Anna Marly part dans une grande et longue tournée en Afrique, en Amérique du Sud avant de s'installer aux Etats-Unis mais elle n'y connaît pas le succès qu'elle espérait. Le 18 juin 2000, elle interprète une dernière fois Le Chant des partisans en la cathédrale Saint-Louis des Invalides. Elle termine sa vie en Alaska, un ancien territoire russe et meurt en 2006. Le Général de Gaulle, qu'elle avait servi à table lorsqu'elle était cantinière de la France libre à Londres, disait qu'elle avait fait " de son talent une arme pour la France ".

Exposition Le Chant des partisans - création et diffusion, jusqu'au 5 janvier 2020 au Musée l'Ordre de la Libération, Paris.

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L'histoire méconnue du Chant des partisans

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À l'origine simple indicatif musical d'une émission de radio de la BBC sur la France libre, "Le Chant des partisans" est devenu l'hymne de la Résistance à partir de 1945. Quelle est l'histoire de ce chant national ?

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Nirvana (Kurt Cobain), "Smells like teen spirit" 1991

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Nirvana (Kurt Cobain), "Smells like teen spirit" 1991

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Nirvana - Smells Like Teen Spirit (Official Music Video)

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Documentaire "Pearl, la face cachée de la pionnière Janis Joplin"

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Documentaire "Pearl, la face cachée de la pionnière Janis Joplin"

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#13 - PEARL, ou la face cachée de la pionnière JANIS JOPLIN

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Janis Joplin, Une étoile filante du rock

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Janis Joplin, Une étoile filante du rock

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Enterrée vivante dans le blues ( buried alive in the Blues), c'est le titre d'un morceau que Janis Joplin doit enregistrer le 5 octobre 1970, sur sa relation avec Pearl. À lire sur le site américain Vulture.bis, Janis Joplin ne viendra pas. La veille, elle a succombé à une overdose, seule dans la chambre 115 du Landmark Hotel à Los Angeles.

Deux ans avant, en 1968, le Times de New York titre : Une étoile est née, en parlant de celle qui est réellement née en 1943 à Port Arthur au Texas. Forcément, il y a eu en 1967 le Monterey Pop Festival, où la voix de Janis Joplin, influencée par les chanteuses noires Bessie Smith, Big Mama Thornton, Billie Holliday, a mis le feu au public. On pourrait remonter ainsi sa courte existence à la recherche des premières lueurs de l'incandescence, pour trouver peut-être les raisons qui expliquent qu'elle figure aujourd'hui au panthéon des stars consumées vivantes juste à côté de Jimi Hendrix et Jim Morrison.

Mais presque 50 ans après sa mort, la flamme n'est pas éteinte : la musique de Joplin est jouée, le personnage de Janis inspire encore. Dans le ciel du rock, une étoile brille encore ... Dans son sillage, on entendra des lettres de Janis, écrites à sa sœur Laura, sous le titre Love, Janis (Villard Book, 1992), une correspondance inédite en français.

À ÉCOUTER AUSSI

Réécouter Sur la route de Janis Joplin (1/5) : Janis Joplin : naître et grandir 1943-1962 écouter (1h20) 1h20

Avec Anne Cressent, comédienne. Elle a incarné en 2013 Janis dans la pièce Pearl , écrite par Fabrice Melquiot ; Frank Tortiller, vibraphoniste. Il a monté un spectacle intitulé Janis, the Pearl, avec au chant Jacques Mahieux ; Jean-Yves Reuzeaux, biographe de Janis Joplin ; Sébastian Danchin, spécialiste de la musique noire américaine ; Christian Rose, photographe. Il était à l'Olympia en 1969.

Lectures des lettres de Janis à Laura Joplin : Myriam Ajar

Un documentaire de Michel Pomarède, réalisé par Christine Diger avec la complicité de Grégory Pasquier. Prise de son Emmanuel Mors-Duncan ; mixage Alain Joubert. Avec la collaboration d'Annelise Signoret de la Bibliothèque de Radio France et Sylvia Favre. Rediffusion du 10 août 2019.

Pour aller plus loin :

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Une comète nommée Janis Joplin (1943-1970) - Ép. 3/5 - Création au féminin (second volet)

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Enterrée vivante dans le blues ( buried alive in the Blues), c'est le titre d'un morceau que Janis Joplin doit enregistrer le 5 octobre 1970, sur sa relation avec Pearl. À lire sur le site américain Vulture.bis, Janis Joplin ne viendra pas.

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B.O. Film "The Rose", de Mark Rydell, 1979

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B.O. Film "The Rose", de Mark Rydell, 1979

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bande originale du film the rose  -   Bette Middler  ( 1979 )

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Spectacle (extrait) Les gueules noires, Cie Niya, 2016

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Spectacle (extrait) Les gueules noires, Cie Niya, 2016

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Teaser "Résurgences" / création 2018 / Cie niya

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Karajan et la 5e symphonie de Beethoven, filmé par HG Clouzot, 2007

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Karajan et la 5e symphonie de Beethoven, filmé par HG Clouzot, 2007

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Découvrez l'offre VOD-DVD de la boutique ARTE

Au milieu des années 1960, une fructueuse coopération artistique naît entre Herbert von Karajan et le cinéaste Henri-Georges Clouzot. Le premier, fasciné notamment par "Le mystère Picasso" et "Quai des Orfèvres", propose au second d'orchestrer une interprétation visuelle de chefs-d'oeuvre musicaux.

Au milieu des années 1960, fasciné par Le mystère Picasso et Quai des orfèvres, Herbert von Karajan propose à Henri-Georges Clouzot d'"orchestrer" une interprétation visuelle de chefs-d'oeuvre musicaux. Dès lors, la partition se mue en scénario, les phrases musicales deviennent des séquences filmiques, et les musiciens des comédiens. Dans cet enregistrement de la Symphonie no 5 en ut mineur, réalisé en 1966, la caméra capte ainsi toutes les nuances de l'interprétation, et reflète fidèlement la puissance et la passion de Karajan.

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Au milieu des années 1960, une fructueuse coopération artistique naît entre Herbert von Karajan et le cinéaste Henri-Georges Clouzot. Le premier, fasciné notamment par "Le mystère Picasso" et "Quai des Orfèvres", propose au second d'orchestrer une interprétation visuelle de chefs-d'oeuvre musicaux.

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Qu'est-ce que le Fado ?
Il est extrêmement difficile de définir ce qu'est le Fado sans tomber dans la dérive d'une description limitative et stéréotypée.
Il est certes, important, de savoir, que, dans la plupart des cas, le chanteur ou la chanteuse de Fado, nommé(e) " fadista " est entouré(e) de deux musiciens : l'un qui l'accompagne rythmiquement avec une guitare classique que l'on nomme " viola " en portugais et l'autre qui sublime mélodiquement le chant avec " a guitarra portuguesa ", la guitare portugaise. Mais peut-on vraiment dire que ce sont ces éléments-là qui caractérisent le plus fidèlement le Fado ?

Doit-on plutôt parler de son caractère mélancolique, de l'expression de cette saudade considérée comme la poésie du Fado par le poète Fernando Pessoa ? Limiter le Fado à cette unique vision serait en laisser une image erronée.

A saudade é a poesia do fado
La Saudade est la poésie du Fado - Fernando Pessoa

Doit-on plutôt s'attacher à décrire les formes qu'il peut prendre : Fado de Coimbra ou de Lisbonne, Fado traditionnel des Maisons de Fado de la capitale portugaise ou Fado Nouveau des grandes scènes internationales, celui des tavernes et bordels du XIX ème siècle ou celui des salons bourgeois et théâtres du XX ème ? Ses formes sont tellement variées que n'en décrire qu'une ne nous laisserait qu'une image bien trop partielle de ce qu'il est véritablement.

Un art au cœur d'un débat perpétuel

Il est aujourd'hui reconnu que ce genre musical serait arrivé du Brésil et qu'il avait, au départ, une forme dansée*. Depuis son arrivée, il a traversé les époques et ses codes actuels ne sont que le reflet de toute son histoire, riche, tumultueuse, et parfois paradoxale.
* Le talentueux musicien Ricardo J. Martins réunit lui aussi magnifiquement la guitare portugaise et la danse dans sa composition contemporaine Danças na Eira.
Ce genre musical, promu Patrimoine Culturel Immatériel de l'Humanité en 2011 par l'Unesco, a toujours été au cœur de débats idéologiques forts pour le peuple portugais et encore aujourd'hui, définir le Fado engage une part de subjectivité, voire un parti pris. Ce n'est jamais neutre que de parler du Fado.

C'est pourquoi, plutôt que d'en donner une définition que nous estimerions incomplète ou insatisfaisante, nous vous proposons, à travers le texte de Raul Portela et Mario Rainho, de découvrir la chanson de Mariza, Recusa, qui illustre à merveille cette grande difficulté de le définir sans tomber dans des clichés.

Le Fado d'eLeZieLa

Le Fado est un art vivant et la suite de son histoire ne dépendra que de ce que les artistes en feront. Avec eLeZieLa, nous vous en proposons une interprétation, une illustration musicale fidèle à ce que nous sommes et à ce que le Fado nous fait ressentir. Nous nous sommes grandement inspirés du répertoire d'Amália Rodrigues, que l'on appelait la Reine du Fado, et qui reste la chanteuse la plus connue du monde du Fado. Mais nous ne pouvons que vous inciter à approfondir la découverte de cette forme musicale si polymorphe en écoutant les différents artistes d'hier ou d'aujourd'hui qui le font vivre et l'ont transmis aux générations suivantes. Le Fado est d'une richesse infinie et le vivre reste le meilleur moyen de mieux le connaître.

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Le Fado : Définition, Histoire et Interprétation - eLeZieLa Fado

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Il est extrêmement difficile de définir ce qu'est le Fado sans tomber dans la dérive d'une description limitative et stéréotypée.

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Appel à la prière du muezzin: un exemple à Istanbul

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Appel à la prière du muezzin: un exemple à Istanbul

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L'un des plus beaux adhan jamais entendu parler

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Bruno Coulais, "Vois sur ton chemin", 2004

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Bruno Coulais, "Vois sur ton chemin", 2004

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Les Choristes (The Chorus) - Bruno Coulais - Vois Sur Ton Chemin

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Lead Belly, "Pick a bale of cotton", 1945

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Lead Belly, "Pick a bale of cotton", 1945

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Aux Etats-Unis, l'esclavage racial s'est mis en place dès le 17è siècle pour véritablement s'institutionnaliser dans la seconde moitié de ce même siècle. Il était ''normal'' pour les colons blancs de disposer d'une main d'œuvre noire, notamment pour le dur labeur des champs. L'esclavage noir s'est, en effet, fortement développé dans les champs de tabac et de coton du sud-est des Etats-Unis avant de s'étendre vers le Texas, l'Arkansas et même la Californie avec la Conquête de l'Ouest. A l'aube du 19è siècle, près de 60% de la population des états sudistes sont composés d'esclaves noirs dont les conditions de travail inhumaines ont permis aux colons américains de faire passer leur part de production mondiale de coton de 5% à 70% entre 1790 et 1805. A la fin de la Guerre de Sécession (1865), le XIIIè Amendement de la Constitution Américaine mettait officiellement fin à l'esclavage. Il ouvrait aussi cependant la voie à la ségrégation raciale (cfr les Durant cette triste période de l'histoire américaine(1), les Etats-Unis se sont positionnés comme le leader du marché du coton. Pour la vente et l'exportation, le coton était conditionné en balles de 250 kilos. Dans les champs sud, les journées étaient longues pour les esclaves, elles débutaient à l'aube pour se terminer au coucher du soleil. Chaque esclave devait ramasser l'équivalent d'une balle par jour, soit 250 kilos ce qui était impossible sans l'adjuvant de coups de fouet ''motivateurs'' ; ceux qui n'arrivaient pas au quota recevaient autant de coups de fouet qu'il manquait de kilo... Alors, une solidarité s'est mise en place, les plus forts aidaient les plus faibles à récolter leur 250 kilos quotidiens. Il n'était pas rare de voir les propriétaires de champs de coton créer des chansons racistes sur la vie de leurs esclaves. Huddie William Ledbetter est né dans une plantation de coton, en 1885, vingt ans après l'émancipation des esclaves noirs. Ses parents étaient esclaves dans les plantations, en Louisiane et ont continué à y travailler après l'adoption du XIIIè Amendement de la Constitution. En 1890, la famille migre vers le Texas où Huddie grandit dans un univers musical imprégné de chants d'esclaves que son père fredonne sans même plus s'en rendre compte. A vingt ans, celui que l'on surnomme désormais LeadBelly (Ventre de Plomb) commence à gagner sa vie par la musique mais est arrêté net à l'issue d'une bagarre dans laquelle un blanc est tué. Victime des lois Jim Crow, il est accusé du meurtre et envoyé dans un pénitencier du Texas. Rien n'étaye sa culpabilité - il la niera d'ailleurs toute sa vie -, aucun témoin ne peut confirmer qu'il a frappé la victime mais sa simple présence sur place en fait le suspect numéro un et bientôt le coupable désigné. Le doute lui évite quand même la peine de mort, LeadBelly est condamné à 20 ans de réclusion. Libéré dans les années '20 pour bonne conduite, il reprend une carrière de chanteur mais est arrêté, à nouveau, en 1930 pour s'être défendu alors qu'il était agressé par un blanc ivre. Il est condamné pour tentative de meurtre car, toujours selon les Lois Jim Crow, se défendre pour un noir est assimilé à une tentative de meurtre ! A fortiori s'l a déjà fait de la prison... Il est interné en Louisiane où il passe ses journées à chanter et à jouer de la guitare. Il y est repéré, en 1933, par deux musicologues, Alan et John Lomax, qui viennent donner des cours de musique au pénitencier. Rapidement, ceux-ci mettent en place un système qui leur permet d'enregistrer la voix unique de LeadBelly. Les Lomax parviennent, en 1934, à faire libérer LeadBelly en demandant l'appui du Gouverneur de Louisiane, O.K. Allen. A sa sortie de prison, LeadBelly est pris en charge par les frères Lomax qui entendent en faire un chanteur et musicien reconnu.A cette époque, la Grande Dépression a engendré des conditions de vie délicates pour une très grande frange de la population étasunienne. Elle sert aussi de tremplin à la protest song (chant de protestation) dont Aunt Molly Jackson, Fats Waller ou Joe Hill sont les figures de proue. Si elle existe depuis la fin du 19è siècle, la protest song reste confidentielle dans le grand public. C'est pourtant vers elle que LeadBelly se dirige après les échecs répétés de ses premiers enregistrements de blues. En effet, quels meilleurs chants de protestation que les chants d'esclaves ? A l'aube des années '40, il se lie d'amitié avec une future valeur sûre de la scène folk, Woody Guthrie qui est aussi partisan de la protest-song. Il prend avec lui la direction de New York où les chants protestataires sont davantage écoutés. Ils y rencontrent Pete Seeger et deviennent rapidement les ténors de la protest song. LeadBelly a entendu des milliers de fois son père fredonner La chanson connait un petit succès qui permet à LeadBelly de s'installer comme l'un des piliers de la folk music américaine, au même titre que ses amis Woody Guthrie et Pete Seeger. En 1949, RCA lui offre une tournée européenne mais il apprend lors de celle-ci qu'il est atteint de sclérose amyotrophique qui l'emporte très rapidement puisque LeadBelly s'éteint le 5 décembre 1949.Assurément LeadBelly n'aura pas connu la gloire que son talent méritait. En effet, il faudra attendre les années '50 et surtout '60, avec Bob Dylan et Joan Baez, notamment, pour que la protest song explose au yeux du public. Cependant Lois Jim Crow qui ne seront abolies qu'en 1964) et à des organisations raciales et suprématistes blanches comme le Ku Klux Klan qui avancent un passage de la genèse 9:27 pour légitimer son existence. Pendant plus de 150 ans, la population noire américaine fut réduite à l'esclavage et affirmée légalement comme inférieure, ensuite elle fut émancipée mais ségréguée jusqu'à la lutte pour les droits civiques des années '60. Pick a bale of cotton (
Pick a ball of cotton , il décide donc de l'adapter et de l'enregistrer. Sa version, la première enregistrée, sort en 1945 chez RCA.
Pick a bale of cotton connut un énorme succès après la mort de LeadBelly à un point tel que plusieurs artistes comme Lonnie Donnegan, John Littleton ou, de manière plus surprenante, The Quarrymen (un groupe anglais précurseurs des Beatles dont faisaient partie Paul McCartney, John Lennon et George Harrison) et Abba l'ajoutèrent à leur répertoire.

Lead Belly Pick A Bale Of Cotton live 1945

Ramasser une balle de coton ) en était une, elle rappelait aux esclaves leur obligation quotidienne. Durant la journée de travail aux champs, il était totalement interdit aux esclaves noirs de parler entre eux mais pas de chanter, ce qu'ils faisaient pour se donner du courage. Pick a bale of cotton fut donc récupérée et adaptée pour devenir un chant de travail traditionnel des champs de coton. Dans la bouche des esclaves, elle évoque l'histoire de l'un d'entre eux qui parle à Dieu pour lui dire que sans l'aide de sa femme, de sa fille, de son ami et de son partenaire de travail il lui serait impossible de ramasser ses 250 kilos de coton.

Du chant d'esclaves à la protest song...

Du chant raciste au chant d'esclaves...

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Pick a bale of cotton - The Blog That Rocked

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Aux Etats-Unis, l'esclavage racial s'est mis en place dès le 17è siècle pour véritablement s'institutionnaliser dans la seconde moitié de ce même siècle. Il était ''normal'' pour les colons blancs de disposer d'une main d'œuvre noire, notamment pour le dur labeur des champs.

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Biographie de Janis Joplin (article du journal Le Monde 30 septembre 2000)

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Biographie de Janis Joplin (article du journal Le Monde 30 septembre 2000)

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Eléments sur le boxeur Robin Carter accusé à tort de 3 meurtres

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Eléments sur le boxeur Robin Carter accusé à tort de 3 meurtres

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par

"Repose en paix Rubin, ton combat est achevé mais ne sera pas oublié", peut-on lire sur le site de l'association de défense des victimes d'erreurs judiciaires ( AIDWYC), dont Rubin Carter fut le directeur exécutif de 1993 à 2005. Rubin Carter, surnommé " Hurricane " s'est éteint, chez lui à Toronto, au Canada, d'un cancer de la prostate. C'est John Artis qui a annoncé la mort de l'ex champion. Il avait été condamné avec lui et l'accompagnait dans sa maladie. L'histoire de Carter ne relève pas d'un, mais de plusieurs combats. Des combats sur le ring C'est sa rapidité à mettre ses adversaires K.O qui lui vaudra le surnom de " Hurricane ". En 40 combats dans la catégorie des poids moyens, le boxeur l'avait emporté à 27 reprises (8 KO et 11 KO techniques), contre 19 défaites et un ex-aequo. Il a souvent combattu au Madison Square Garden à New York, mais aussi à Londres et à Paris. En 1963, Ring Magazine le déclare parmi les meilleurs boxeurs de la catégorie poids moyens. Il avait réussi à battre des champions du monde comme Emil Griffith et Jimmy Ellis. En 1964, il gagne un titre mondial face à Joey Giardello.

Un combat contre l'injustice " Il aurait pu être le champion du monde (de boxe, ndlr)" entonne Bob Dylan dans sa chanson consacrée à l'histoire du boxeur. Mais sa carrière prend fin rapidement lorsqu'il est arrêté le 17 juin 1966, pour le meurtre de trois hommes blancs dans un bar de Paterson, dans le New Jersey. Les témoins parlent d'une fusillade commise par deux Noirs. Carter et son ami John Artis qui se trouvent non loin des lieux font de parfaits coupables. Face à un jury exclusivement blanc, Rubin Carter nie les accusations et affirme son innocence, mais est tout de même incarcéré. Une fois détenu, Rubin Carter reçoit le soutien de la chanteuse Joni Mitchell et du boxeur Mohammed Ali. Condamné deux fois de suite (1967 et 1976) pour ce triple meurtre, il reste 19 ans en prison. C'est finalement un juge fédéral qui décide de le libérer en 1985, estimant que la peine était " marquée par le racisme plutôt que par la raison et par les dissimulations plutôt que par les révélations ". A sa sortie de prison, c'est tout naturellement que " Hurricane " se lance dans la lutte contre les erreurs judiciaires. Il crée sa propre association, AIDWYC, et se bat par exemple pour la libération de David McCallum, un Noir new-yorkais incarcéré depuis 1985. Il publie d'ailleurs une tribune appelée " L'ultime vœu de Hurricane Carter " dans le New York Daily News, le 21 février 2014. Dans l'article, il demande une nouvelle audience pour le prisonnier car il est persuadé que son cas est " entaché de racisme". Ses combats en musique et en images Lorsqu'il est en prison, Rubin Carter écrit son autobiographie qu'il appelle The 16th round pour raconter son histoire. Il l'envoie au chanteur Bob Dylan qui décide aussitôt d'écrire une chanson sur lui. " Hurricane " sortira dix ans avant la libération de Carter. " Voici l'histoire de " Hurricane ", l'homme que les autorités ont blâmé pour un crime qu'il n'avait jamais commis, puis mis dans une cellule. Mais un jour, il aurait pu être le champion du monde " (Extrait de la chanson " Hurricane " de Bob Dylan, 1975)

Le réalisateur Norman Jewison, lui aussi, est touché par son histoire. Il réalise " The Hurricane ", avec Denzel Washington dans le rôle principal de Rubin Carter. Le film sort sur les écrans en 1999. L'acteur américain reçoit un Golden Globe et est nominé aux Oscars pour sa prestation. Rubin Carter est un symbole fort de la lutte contre l'injustice et le racisme aux Etats Unis. La population afro-américaine a longtemps été victime d'un système judiciaire favorable aux personnes de couleur blanche et, de nombreuses personnes continuent à se battre pour que la pigmentation de la peau ne soit plus un facteur d'accusation. En 2012, ce débat a été relancé dans l'affaire Trayvon Martin. Le jeune afro-américain de 17 ans avait été abattu par un policier blanc faisant une ronde, alors qu'il se rendait chez son père. En 2013, l'acquittement du policier George Zimmerman avait mobilisé des milliers de personnes qui réclamaient " justice et équité ".

Sujet Rubin "Hurricane" Carter

Journal International - TV5 MONDE

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Rubin "Hurricane" Carter : une vie de combats

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par "Repose en paix Rubin, ton combat est achevé mais ne sera pas oublié", peut-on lire sur le site de l'association de défense des victimes d'erreurs judiciaires ( AIDWYC), dont Rubin Carter fut le directeur exécutif de 1993 à 2005. Rubin Carter, surnommé " Hurricane " s'est éteint, chez lui à Toronto, au Canada, d'un cancer de la prostate.

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Spectacle "Hip hop or not" vu eau lycée. Compagnie Daruma

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Spectacle "Hip hop or not" vu eau lycée. Compagnie Daruma

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Cie Daruma - Hip-Hop(s) or not...? (teaser de la conférence dansée)

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Uploaded by Cie Daruma Milène Duhameau on 2016-01-28.