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https://www.youtube.com/watch?v=_GykxLW-e4I

Este video es una obra de tango de él director German Cornejo, y se puede tener varios puntos de vista acerca de lo que representan en este show, pero lo que se puede ver claramente la evolución de las técnicas, de la fusión de otras danzas y esta posibilidad de bailar de a tres sumando acrobacias. El tango es una danza muy cuestionada cuando aparecen estas propuestas, por la esencia de la caminada, del abrazo, de las figuras características que debe tener, pero acá es donde aparece lo que habla Nicolas Bourriaud “el artista debe asumir

los modelos simbólicos que expone: toda representación reenvía a valores que se podrían trasponer en la sociedad, pero el arte contemporáneo modeliza más de lo que representa, en lugar de inspirarse en la trama social se inserta en ella. Actividad humana basada en el comercio, el arte es a la vez objeto y sujeto de una ética: tanto más porque, a la inversa de otras actividades, no tiene otra función que la de exponerse a ese comercio”.

La evolución del arte en muy cuestionada, puede ser aceptada o no pero lo cierto es que lo que no se puede comercializar está destinado a desaparecer.

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Clase 2. Módulo III. Reichert Marta Noemí.

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Clase 2. Módulo III. Reichert Marta Noemí.

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Teniendo en cuenta la Actividad N° 1 y luego de un análisis profundo de la “Estética Relacional” de Nicolás Bourriaud. Me atrevo a citar a Marcel Duchamp, “el arte es un juego entre los hombres de todas las épocas”, dando alusión de que aunque el arte pase de generación en generación, en el que cambia el contexto, las personas, la sociedad, la forma de ver y plantearse el arte… éste sigue siendo el mismo. Citando a Bourriaud, “Toda obra de arte está pensada, analizada y desarrollada mediante diversos tipos de signos, objetos, formas y gestos. La forma de la obra contemporánea se extiende más allá de su forma material: es una amalgama, un principio aglutinante dinámico. Una obra de arte es un punto sobre una línea.” Este tipo de instalación requiere de un contacto directo con los espectadores, ya que sin ellos no habría obra de arte.

SUBMERGENCE, presentado por Watershed, Bristol
En la UK premiere de la famosa instalación de luz, los visitantes experimentan un mundo virtual, donde pixeles sobre una pantalla son remplazados por miles de puntos de luz flotando en el espacio. Creado por Award-winning de artistas digitales Squidsoup, Submergence es un recorrido de gran experiencia inmersiva. Utiliza 8,064 puntos individuales de luz suspendida para crear sentimientos de presencia y movimiento dentro del espacio físico.

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Módulo 3- Segunda Parte- HAISS DIEGO RENÉ

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Módulo 3- Segunda Parte- HAISS DIEGO RENÉ

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MÓDULO 3 -SEGUNDA PARTE: HAISS DIEGO RENÉ

Según el texto el ARTE se reconoce como  estética relacional, ya que, se convierte  en un compromiso para aprender de nosotros mismos y de los demás, siendo esto el resultado de acciones colectivas, de encuentros posibles y  creación de  mejores condiciones para el intercambio y la calidad de vida escolar.

Al hablar del arte como contexto de vida y relación, hablamos entonces en la escuela de una forma de arte que nos conecta y cuyo principal valor reside en la calidad de las relaciones humanas que promueve, reconoce y celebra como por ejemplo hablar del arte comunitario como proyecto escolar, nos permiten profundizar en el entretejido esencial de la construcción social del conocimiento como experiencia dialógica, entendiendo que somos creativos en el reconocimiento de la creatividad de los otros y como acto generoso de servicio a la comunidad.

Así, el arte descubre relaciones inéditas entre los acontecimientos y las personas que conviven en el espacio escolar, constituyendo al mismo tiempo, revelación y conexión con el mundo.

El arte está definido como un proceso de semiotización  no verbal, y no como una categoría separada de la producción global. Se trata de desarraigar el fetichismo para afirmar el arte como modo de pensamiento e "invención de posibilidades de vida" (Nietzsche): la finalidad última de la subjetividad no es más que una individuación a conquistar.

https://www.youtube.com/watch?v=fKnoRJ3IlkI&index=10&list=RDQM1h1vmsTuNRg

¿SE PUEDE HABLAR DE ARTE RELACIONAL?

https://www.youtube.com/watch?v=UP7IujYBxp8

Adjunto este artículo de Claire Bishop donde lo relacional (línea Bourriaud) es duramente cuestionado cuando señala que no basta con conectar a la gente y generar una experiencia participativa. Es necesario preguntarse ¿para qué?: “Creo que si uno se olvida del ‘para qué’, queda un mero ‘arte Nokia’, que produce relaciones interpersonales por el solo hecho de hacerlo, sin llegar nunca a apelar a los aspectos políticos de esas relaciones”…

Catalina Vaughan

Antagonismo y estética relacional

El juicio estético. A quien conozca el ensayo de Althusser Ideología y aparatos ideológicos de Estado, de 1969, le resultará familiar la idea de que las formaciones sociales producen relaciones humanas. La defensa que hace Nicolas Bourriaud de la estética relacional le debe bastante a la idea althusseriana de que la cultura –en tanto “aparato ideológico de Estado”– no refleja sino que produce la sociedad. Tal como fue leído en los setenta por artistas feministas y críticos de cine, el ensayo de Althusser hizo posible una expresión más matizada de lo político en el arte.

Como ha señalado Lucy Lippard, buena parte del arte de fines de los sesenta aspiró a democratizar sus alcances, más a través de la forma que del contenido; el agudo ensayo de Althusser sentó las bases para el reconocimiento de la necesidad de refinar una crítica de las instituciones que hasta entonces sólo las burlaba. No bastaba con mostrar que el sentido de una obra está subordinado al marco (sea en un museo o en una revista) sino que era igualmente importante considerar la identificación del propio espectador con la imagen. Rosalyn Deutsche resume bien este cambio de perspectiva en Evictions: Art and Spatial Politics [Desalojos: arte y políticas del espacio] (1966), cuando compara a Hans Haacke con la generación siguiente de artistas que incluye a Cindy Sherman, Barbara Kruger y Sherrie Levine. La obra de Haacke, escribe Deutsche, “invitaba a los espectadores a descifrar relaciones y a hallar contenidos ya inscriptos en las imágenes, pero no les pedía que examinaran su propio papel y participación en la producción de las imágenes”. En cambio, la generación siguiente de artistas “consideraba la imagen misma como una relación social y al espectador como un sujeto construido por el objeto del que hasta entonces alegaba estar separado”.

Volveré más tarde al concepto de identificación que menciona Deutsche. Por el momento, es preciso señalar que hay sólo un paso entre pensar la imagen como una relación social y pensar, como propone Bourriaud, que la estructura de una obra de arte produce una relación social. Aun así, no es fácil identificar la estructura de una obra de arte relacional, precisamente porque la obra pide que se la considere como abierta. El problema se agrava porque el arte relacional es una ramificación del arte de instalación, una forma que desde sus inicios exigió la presencia literal del espectador. A diferencia de la generación de artistas de “Public Vision”, cuyos logros –sobre todo en el campo de la fotografía– la ortodoxia de la historia del arte asimiló sin mayor problema, el arte de instalación ha sido a menudo descalificado como una forma más del espectáculo posmoderno. Para algunos críticos, especialmente para Rosalind Krauss, la instalación, en su diversidad de medios, queda divorciada de la tradición de los medios específicos y, por lo tanto, carece de convenciones inherentes a las que oponerse con una práctica autorreflexiva, así como de criterios con los que evaluar sus logros. Sin una noción de la instalación como medio, la obra no puede alcanzar el santo grial de la crítica autorreflexiva. He sugerido en otro lugar que la presencia del espectador bien podría ser una manera de identificar el arte de instalación como medio, pero Bourriaud cuestiona esa afirmación cuando postula que los criterios que debemos usar para evaluar las obras de arte abiertas y participativas no sólo son estéticos, sino también políticos e incluso éticos: es necesario juzgar las “relaciones” que produce el arte relacional.

Bourriaud sugiere que, ante una obra de arte relacional, nos hagamos las siguientes preguntas: “¿Me permite entrar en diálogo? ¿Puedo existir en el espacio que define? ¿De qué manera?”. Llama a estas preguntas que deberíamos hacernos frente a cualquier producción estética “criterios de coexistencia”. En teoría, frente a cualquier obra de arte, podríamos preguntarnos qué clase de modelo social produce. ¿Podría yo vivir en un mundo estructurado según los principios organizadores de una pintura de Mondrian?, por ejemplo. O bien, ¿qué “formación social” produce un objeto surrealista? El problema que surge de la noción de “estructura” de Bourriaud es que establece una relación errática con el tema explícito de la obra o su contenido. Podríamos, por ejemplo, preguntarnos qué valoramos en los objetos surrealistas. ¿Lo que cuenta es que reciclan artículos obsoletos, o el hecho de que su imaginería y sus desconcertantes yuxtaposiciones exploran los deseos y angustias inconscientes de sus creadores? Responder esas preguntas es aún más difícil en el caso de la estética relacional y su híbrido de instalaciones y performances, tan fuertemente apoyado en el contexto y en el compromiso literal del espectador. Para Bourriaud es menos importante qué, cómo y para quién cocina Rirkrit Tiravanija en sus performances-instalaciones, por ejemplo, que el hecho de que distribuya gratuitamente lo que cocina. Lo mismo podría plantearse respecto de las carteleras con anuncios que Liam Gillick incluye en sus obras: Bourriaud no analiza los textos y las imágenes de los recortes fijados en las carteleras, ni la disposición formal y la yuxtaposición de los fragmentos, sino la democratización del material y el formato flexible de la obra. (El dueño del tablero tiene la libertad de modificar la variedad de elementos en cualquier momento, de acuerdo con la circunstancia y sus gustos personales.) Para Bourriaud, la estructura es el tema y, en este sentido, es mucho más formalista de lo que admite. Desligadas de su intencionalidad artística y de la consideración del contexto más amplio en que operan, las obras de arte relacional se vuelven, como las carteleras de Gillick, apenas “un retrato extremadamente cambiante de la heterogeneidad de la vida cotidiana” y no examinan su relación con ella. En otras palabras, aunque las obras se proclaman subordinadas al contexto, no cuestionan su imbricación en él. Se acepta la estructura “democrática” de las carteleras de Gillick, pero sólo los dueños pueden modificar su disposición. Como el “Group Material” de los ochenta, deberíamos preguntarnos: “¿Quién es el público? ¿Cómo se hace una cultura y para quién?”.

No estoy pidiéndole al arte relacional que estimule una mayor conciencia social mediante obras que, por ejemplo, incluyan carteleras con recortes sobre el terrorismo internacional u ofrezcan curries gratis a refugiados. Simplemente me pregunto cómo decidir en qué consiste la “estructura” de una obra de arte relacional y si la estructura es tan separable del tema manifiesto de la obra o tan permeable a su contexto. Bourriaud quiere equiparar el juicio estético con el juicio ético político de las relaciones que produce una obra de arte. Pero ¿cómo medir o comparar esas relaciones? Nunca se examina o se cuestiona la cualidad de las relaciones de la “estética relacional”. Cuando Bourriaud afirma que “los encuentros son más importantes que los individuos que los protagonizan”, intuyo que la pregunta anterior le resulta innecesaria; toda relación que permite el “diálogo” se asume automáticamente como democrática y, por lo tanto, positiva. Pero, ¿cuál es el verdadero significado de “democracia” en este contexto? Si el arte relacional produce relaciones humanas, la pregunta lógica que sigue es qué tipo de relaciones se producen, para quién y por qué.

Antagonismo. Rosalyn Deutsche sostiene que la esfera pública sólo puede conservar su carácter democrático en la medida en que se consideren las exclusiones naturalizadas y se las abra a la contestación: “El conflicto, la división y la inestabilidad no dañan por lo tanto la esfera pública democrática; son condiciones de su existencia”. Deutsche se hace eco de lo que postulan Ernesto Laclau y Chantal Mouffe en Hegemonía y estrategia socialista. Hacia una radicalización de la democracia (1985), una de las primeras relecturas de la teoría política de izquierda a través del prisma del postestructuralismo, después de la impasse de la teoría marxista que los autores señalan en los años setenta. Laclau y Mouffe releen a Marx a través de la teoría gramsciana de la hegemonía y la concepción lacaniana de la subjetividad escindida y descentrada. Muchas de las ideas allí postuladas permiten repensar desde una perspectiva más crítica las afirmaciones de Bourriaud acerca de la política de la estética relacional.

La primera de estas ideas es el concepto de antagonismo. Laclau y Mouffe sostienen que una sociedad democrática en pleno funcionamiento no es aquella en que ha desaparecido el antagonismo, sino aquella en que las nuevas fronteras políticas se trazan y se debaten permanentemente. En otras palabras, una sociedad democrática es aquella en que se mantienen –en lugar de borrarse– las relaciones de conflicto. Sin antagonismo sólo existe el consenso impuesto propio del orden autoritario, una supresión total del debate y la discusión, nociva para la democracia. Es importante remarcar que Laclau y Mouffe no entienden el antagonismo como una aceptación pesimista del callejón sin salida de la política; el antagonismo no implica “la expulsión de la utopía del campo de lo político”. Por el contrario, los autores aseguran que sin el concepto de utopía no hay imaginario radical posible. La tarea consiste en equilibrar la tensión entre el ideal imaginario y la administración pragmática de una positividad social sin caer en el totalitarismo.

Esta interpretación del antagonismo se funda en la teoría de la subjetividad que elaboraron Laclau y Mouffe. Siguiendo a Lacan, sostienen que la subjetividad no es una presencia pura, transparente y racional, sino irremediablemente descentrada e incompleta. Ahora bien, ¿el concepto de un sujeto descentrado entra necesariamente en conflicto con la idea de acción política? El “descentramiento” del sujeto implica la ausencia de un sujeto unificado, mientras que “acción” supone un sujeto autónomo, de presencia plena, con voluntad política y autodeterminación. Pero Laclau sostiene que este conflicto es falso, ya que el sujeto no está ni totalmente descentrado (lo que implicaría una psicosis) ni totalmente unificado (como un sujeto absoluto). Siguiendo una vez más a Lacan, afirma que nuestra identidad estructural es fallida y en consecuencia depende de la identificación para proceder. Dado que la subjetividad es precisamente este proceso de identificación, somos por fuerza entidades incompletas. Por lo tanto, el antagonismo es la relación que se establece entre esas entidades incompletas. Laclau lo contrapone a las relaciones entre entidades completas, como la contradicción (A-no A) o la “diferencia real” (A-B).Todos profesamos creencias contradictorias (hay materialistas que leen horóscopos, por ejemplo, y psicoanalistas que envían tarjetas navideñas), pero esto no genera antagonismo. La “diferencia real” (A-B) tampoco equivale al antagonismo: dado que atañe a identidades completas, lleva a una colisión, como un choque de automóviles o la “guerra contra el terrorismo”. En el caso del antagonismo, sostienen Laclau y Mouffe, “nos enfrentamos a una situación diferente: la presencia del ‘Otro’ me impide ser totalmente yo mismo. La relación no surge de totalidades completas, sino de la imposibilidad de que las totalidades completas se constituyan”. En otras palabras, la presencia de lo que no soy “yo” vuelve precaria y vulnerable mi identidad; la amenaza que el otro representa pone en cuestión mi propio sentido de identidad. Llevado al plano social, el antagonismo puede verse como el límite de la capacidad de una sociedad para constituirse completamente como tal. Buscando definir lo social (y la identidad), aquello que está en su límite también destruye su ambición de constituirse en presencia plena: “En tanto condiciones de posibilidad para la existencia de una democracia pluralista, los conflictos y los antagonismos constituyen al mismo tiempo la condición de imposibilidad de su logro definitivo” (Mouffe, 1998).

La teoría de Laclau me permite proponer que las relaciones que la estética relacional establece no son, como afirma Bourriaud, intrínsecamente democráticas, puesto que descansan con demasiada comodidad en los ideales de la subjetividad como un todo y de la comunidad como un inmanente “estar juntos”. No cabe duda de que hay debate y diálogo en las obras culinarias de Rirkrit Tiravanija, pero no hay fricción inherente, en tanto la situación es, tal como la llama Bourriaud, “microtópica”: produce una comunidad cuyos miembros se identifican unos con otros porque tienen algo en común. La única crónica sustancial que he podido encontrar sobre la primera muestra individual de Tiravanija en la 303 Gallery es la de Jerry Saltz en Art in America y dice lo siguiente:

A menudo en la 303 Gallery me sentaba junto a un desconocido o alguien se me acercaba, y pasaba un buen rato. La galería se transformaba en un lugar para compartir, abierto a la conversación franca y la diversión. Comí montones de veces con galeristas. Una vez comí con Paula Cooper, que ventiló con lujo de detalles un intrincado chisme del ambiente. Otro día, Lisa Spellman contó con detallismo hilarante las infructuosas intrigas de un galerista amigo para seducir a uno de sus artistas. Una semana más tarde comí con David Zwirner. Me crucé con él en la calle y me dijo: “Hoy todo me salió mal, vayamos a lo de Rirkrit”. Fuimos. Zwirner me habló de la falta de emoción en el mundo artístico neoyorkino. Otra vez comí con Gavin Brown, el artista y galerista […] que se explayó sobre el colapso del SoHo, sólo que él estaba a favor y creía que era bastante oportuno, considerando la cantidad de arte mediocre que las galerías habían exhibido durante los últimos tiempos. Más tarde en la muestra se me acercó una desconocida y se suscitó un extraño coqueteo. Otra vez conversé con un joven artista de Brooklyn que hacía observaciones muy agudas sobre las muestras que acababa de ver.

La locuacidad informal de esta crónica deja en claro qué tipo de problemas deberá enfrentar quien quiera saber más sobre una obra como esta: la reseña crítica sólo nos dice que la intervención de Tiravanija es buena porque permite establecer una red entre galeristas y un grupo afín de aficionados al arte y porque evoca la atmósfera de un bar nocturno. Todos comparten el interés por el arte y lo que de allí resulta son rumores del mundo artístico, comentarios sobre muestras y ocasiones de coqueteo. Aunque hasta cierto punto es una buena forma de comunicación, no es en sí ni de por sí representativa de la “democracia”. Para ser justos, creo que Bourriaud es consciente de este problema, pero no lo señala en el caso de los artistas que promueve: “Conectar a la gente, crear una experiencia interactiva y comunicativa”, dice. “Pero, ¿para qué? Creo que si uno se olvida del ‘para qué’, queda un mero ‘arte Nokia’, que produce relaciones interpersonales por el solo hecho de hacerlo, sin llegar nunca a apelar a los aspectos políticos de esas relaciones”. Me animaría a afirmar que el arte de Tiravanija, al menos tal como lo presenta Bourriaud, no se interesa por el aspecto político de la comunicación, a pesar de que a primera vista algunos de sus proyectos parecen plantearlo con cierta disonancia. Tomemos las reseñas críticas del proyecto de Tiravanija en Colonia, Untitled (Tomorrow Is Another Day) [Sin título (Mañana será otro día)]. Según el comentario del curador Udo Kittelman, la instalación ofrecía a todos los asistentes “la impresionante experiencia de un ‘estar juntos’”.Y prosigue: “La gente preparaba comidas en grupo y conversaba, se bañaba u ocupaba la cama. Nuestro temor de que alguien dañara el ‘espacio artístico habitable’ no se hizo realidad. […] El espacio artístico perdió su función institucional y terminó por transformarse en un espacio social libre”. El Kölnischer Stadt-Anzeiger coincidió en que la obra ofrecía “una especie de ‘asilo’ para cualquiera”. Pero ¿quién es “cualquiera” en este caso? Puede que se trate de una microtopía, pero aun así, como la utopía, se predica a partir de la exclusión de aquellos que obstaculizan o impiden su realización. (Tienta imaginar qué podría haber pasado si el espacio hubiera sido invadido por personas en busca de “asilo” efectivo.) Las instalaciones de Tiravanija reflejan la concepción esencialmente armoniosa que tiene Bourriaud de las relaciones que producen las obras de la estética relacional, porque están dirigidas a una comunidad de sujetos espectadores que tienen algo en común.

Es por eso que las obras de Tiravanija son políticas sólo en el sentido más vago de promover el diálogo por sobre el monólogo (la comunicación unidireccional que los situacionistas equiparaban con el espectáculo). El contenido de este diálogo no es en sí democrático, ya que todas las preguntas conducen a otra ociosa de tan trillada: “¿es arte?”. A pesar del discurso de Tiravanija en favor de la obra abierta y la liberación del espectador, la estructura de la obra limita de antemano el efecto y se apoya en el hecho de que sucede en una galería para diferenciarse del mero entretenimiento. La microtopía de Tiravanija abandona la idea de transformar la cultura pública y reduce su campo de acción a los placeres de un grupo privado cuyos integrantes se identifican como “asistentes a muestras de arte”.

La posición de Gillick respecto del diálogo y la democracia es más ambigua. A primera vista parece adherir a la tesis de Laclau y Mouffe sobre el antagonismo:

Si bien admiro a los artistas que construyen “mejores” visiones de cómo deberían ser las cosas, los territorios intermedios, en negociación, que me interesan encierran siempre la posibilidad de llegar a momentos en que el idealismo es confuso. En mi obra hay tantas demostraciones de acuerdo, estrategia y colapso, como recetas claras acerca de cómo puede mejorar nuestro entorno.

Con todo, si uno busca “recetas claras” en la obra de Gillick, encuentra pocas si acaso, o ninguna. “Estoy trabajando en una nebulosa de ideas”, asegura, “que son parciales o paralelas antes que didácticas”. Reacio a definir qué ideales se juegan en su obra, Gillick se aprovecha de la credibilidad de la arquitectura de referencia (su compromiso con situaciones sociales concretas) mientras que la articulación de una posición específica sigue teniendo carácter abstracto. Las Discussion Platforms [Plataformas de discusión], por ejemplo, no apuntan a un cambio particular, sino al cambio en general; son “escenarios” en los que pueden o no emerger “relatos” potenciales. La posición de Gillick es resbaladiza y en última instancia parece proponer el acuerdo y la negociación como recetas de mejoramiento. Naturalmente, este pragmatismo equivale a un abandono o a un fracaso de los ideales. Su obra es la demostración de un pacto antes que la articulación de un problema.

La teoría de la democracia como antagonismo de Laclau y Mouffe se verifica en cambio en la obra de dos artistas notablemente ignorados por Bourriaud en Estética relacional y Post producción: el suizo Thomas Hirschhorn y el español Santiago Sierra. Estos artistas establecen “relaciones” que subrayan el papel del diálogo y la negociación, sin aplastar estas relaciones en el contenido de la obra. Las relaciones que producen sus performances e instalaciones se caracterizan por promover inquietud e incomodidad antes que pertenencia, en la medida en que la obra reconoce la imposibilidad de una “microtopía” y mantiene en cambio una tensión entre los espectadores, los participantes y el contexto. Una parte integral de esta tensión resulta de la participación de colaboradores provenientes de otros estratos económicos, lo que a su vez ayuda a cuestionar la percepción que el arte contemporáneo tiene de sí, como dominio que abarca otras estructuras sociales y políticas.

Claire Bishop

Traducción: Maximiliano Papandrea y Silvina Cucchi

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Nicolas Bourriaud habla del planteo que los artistas se hacen acerca de las apuestas reales del arte contemporáneo y sus relaciones con la sociedad, la historia y la cultura. En este anuncio publicitario se ve claramente al sujeto ideal de la sociedad reducido a la condición de mero consumidor de tiempo y espacio. Hablar y consumir una determinada marca de gaseosa como forma simbólica de las relaciones humanas. El lazo social se convirtió en un artefacto estandarizado en un mundo regulado por el "imperio". La realización artística aparece como un terreno en experimentaciones sociales, como un espacio parcialmente uniforme de los comportamientos y de la cotidianeidad de los argentinos. La obra (creación publicitaria) "dibuja" una utopía de proximidad a modo de "someter" a los individuos del consumo de cierto producto.
Es cierto que el artista habita circunstancias que el presente le ofrece para transformar el contexto de su vida; su relación con el mundo sensible haciéndose inquilino de su cultura, pero el arte como intersticio social debe tener la posibilidad social real que de cambio a objetivos estéticos y culturales que hagan a nuestras tradiciones. La evolución del arte y su modo de presentación indica un crecimiento de la experiencia artística; ese "estado de encuentro" que se le impone al hombre debería ser un estado intersubjetivo entre observador-obra y elaboración del sentido, y que la imagen por sí misma funcione como dialogo relacional y no creando un espacio de consumo privado con imágenes unívocas. La tecnología muchas veces como instrumento de democratización de los bienes  simbólicos y culturales, utiliza la homogeneización de la identidad regional.
Es cierto que el contexto social actual crea espacios específicos y preestablecidos que limitan las posibilidades de intercambio humano y que la mecanización general de las funciones sociales reduce poco a poco el espacio racional...pero también se debe confiar que desde el lado artístico con gestos y acciones cotidianas reales, valores y criterios estéticos, analizando coherencia entre forma, mensaje y valor simbólico que propone el arte, se puede trasponer en la sociedad el verdadero sentido del encuentro. Así como expresa Bourriaud "el arte es un estado de encuentro" en sí mismo.

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Publicidad COCA COLA - Los argentinos somos los que a menos distancia estamos del otro

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Cuevas, Maria Rosa

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MODULO III. Clase N°2. García Loza, Graciela

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MODULO III. Clase N°2. García Loza, Graciela

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https://youtu.be/Rrd9Z1yoHdc
Este es un ejemplo de Arte Relacional realizado en el marco del 1er Encuentro de Arte Relacional en Perú - Colombia y que fue dirigido a docentes de arte, literatura artística, escritores, poetas, alumnos y publico en general.

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Clase 2. Módulo III. SOTELO, Norma Rocio

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Clase 2. Módulo III. SOTELO, Norma Rocio

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https://www.youtube.com/watch?v=71PktRQU24g

Este es un fragmento de la película Noviembre, basada en el grupo de teatro madrileño de mismo nombre. En ella vemos la recreación de uno de los espectáculos producidos por el grupo en el subte de Madrid. Estos artistas fueron producto de la contemporaneidad que describe Borriaud. A través de sus representaciones buscaban un aspecto relacional del ser humano. Proponían un teatro desde un modelo experimental y crítico  El objetivo no era repetir las formulas y postulados anteriores, atreviéndose incluso a romper con la función tradicional del teatro. Una representación en un vagón de subte, sin cuarta pared y con el objetivo de levantar el ánimo de los madrileños por la mañana. Todo ello sin buscar imponer un estilo, una manera de hacer teatro como proponían las vanguardias. Es el teatro que los autores veían que la sociedad sentía y necesitaba en ese momento. Ellos, en todo momento, intentaban convertirse en esos “inquilinos de la cultura” que mencionan Borriaud y de Certeau, reciclando elementos del teatro para insertarlos en lo cotidiano cambiando los cánones establecidos.   A su manera luchaban contra la escena teatral del sistema productivo e invitaban a pensar en otra forma de vivir.

En este mismo sentido se encuadra en el arte relacional del que habla Borriaud. Noviembre se niega a dejar fuera al espectador, el espectador debe formar parte de la función, porque la función es sobre ellos mismos y la realidad que los enmarca. La ciudad y sus puntos de encuentro son el lugar para interaccionar: subte, calles comerciales, plazas, todos ellos lugares donde se pueden producir intercambios no vinculados a la economía, intercambios de sensaciones y de experiencias rompiendo el ritmo impuesto por la vida cotidiana. Ellos crean un estado de encuentro donde se cuestionan las costumbres y valores éticos de la sociedad, convirtiendo el arte en un vehículo de intersticio social.

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https://www.youtube.com/watch?v=qJzRzdsGhC0
Flash Mob en Ted por Río de la plata 2013-El Brindis de la Traviata de Verdi.

Este video da cuenta de cómo fueron cambiando los tiempos frente a la evolución tecnológica cultural. Se visualiza una interacción entre artista y espectador, un asombro, ya que era raro ver una ópera en lugares públicos, solo era antes para un solo sector social, es como lo plantea el escritor, crítico de arte y curador francés, Nicolás Bourriaud en su libro “Estética relacional, 2° edición, pág. 13:

“Si la obra de arte pudo aparecer durante mucho tiempo como un lujo señorial en el contexto urbano-tanto las dimensiones de la obra como las de la casa servían para distinguir al propietario –la evolución de la función de las obras y de su modo de presentación indica una urbanización creciente de a experiencia artística”.

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https://www.youtube.com/watch?v=qJzRzdsGhC0
Flash Mob en Ted por Río de la plata 2013-El Brindis de la Traviata de Verdi.

Este video da cuenta de cómo fueron cambiando los tiempos frente a la evolución tecnológica cultural. Se visualiza una interacción entre artista y espectador, un asombro, ya que era raro ver una ópera en lugares públicos, solo era antes para un solo sector social, es como lo plantea el escritor, crítico de arte y curador francés, Nicolás Bourriaud en su libro “Estética relacional, 2° edición, pág. 13:

“Si la obra de arte pudo aparecer durante mucho tiempo como un lujo señorial en el contexto urbano-tanto las dimensiones de la obra como las de la casa servían para distinguir al propietario –la evolución de la función de las obras y de su modo de presentación indica una urbanización creciente de a experiencia artística”.

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MODULO III. Clase N°2. Espindola, Olga Zunilda.
https://www.youtube.com/watch?v=TVRpVjyWidY TITANIUM - Flashmob Mundial 2014 (Vamos Argentina).

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MÓDULO III - Clase Nº 2
staneff, José Agustín

Esta tecnología, que no es mala ni buena (depende de como se la utilice), puede ser un instrumento de democratización de los bienes culturales y simbólicos a nivel mundial, ya que puede hacer reflexionar a nuestros alumnos sobre la homogenización cultural y las particularidades e identidades regionales y/o universales.

Nicolás Bourriaud “es importante aprehender de las transformaciones que se dan hoy en el campo social, captar lo que ya ha cambiado y lo que continúa transformándose...

https://www.youtube.com/watch?v=QttUcKZ8NMU

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https://www.youtube.com/watch?v=WcmN5mZZXWk

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https://es.russianbroadway.com/the-nutcracker

https://quealucine.wordpress.com/2010/05/07/street-dance-3d-la-primera-pelicula-de-baile-en-3d-del-mundo/

Después de analizar el material de Borriaud y de ver leído la introducción de la actividad nº1 me detengo justamente en esto que dice: “La Actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable”. Es por eso que elegí estas dos imágenes donde se puede observar que  el Ballet experimento un gran desarrollo  marcando épocas y solo podían disfrutar del mismo la clase alta de la sociedad. Al referirse que la actividad artística evoluciona en sus formas, modalidades y según la época  seleccione la otra imagen justamente donde podemos ver todo esto que dice el autor. Ciertos aspectos de la modernidad ya no existen pero  el espíritu que lo sustenta continúa latente;  así seguimos usándola en relación con las prácticas actuales.

Los artistas que hacen su práctica hoy en día no tienen la ambición de repetir las formas o los postulados de antes, habita  en su circunstancias  que el presente le ofrece para transformar su contexto, un universo duradero. La posibilidad de un arte que se transmita  a interacciones humanas  y a su contexto social, más que a un espacio simbólico autónomo y privado da cuenta de un cambio radical de los objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el arte moderno.

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https://www.youtube.com/watch?v=OArCE-RDqxI
Compañia de tango de Medellin -Colombia "Che Tango" campeones World tango championships 2016.
Tango, "un laboratorio de formas vivas que cualquiera se puede apropiar".
Es una forma de arte donde la intersujectividad forma el sustrato y que fo que toma por tema central el estar juntos, el encuentro entre el espectador y obra, la elaboracion colectiva del sentido. "El Arte es un Estado de Encuentro".

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Figueroa, Lorena
El video que seleccioné para relacionar los conceptos expuestos por  Nicolas Bourriaud es el siguiente: https://www.youtube.com/watch?v=a__PqYf3Cyw, este video interpretado por Alejandro Dolina; escritor, músico, conductor de radio y de televisión y actor argentino, en su programa “La venganza será terrible”. El radiocine interpretado por el actor, es una parodia del cuento “Caperucita Roja” del escritor Charles Perrault en este sentido se fusiona lo clásico con lo contemporáneo por medio de la tecnología.

La digitalización va haciendo que todo usuario de algún producto cultural que circula sobre la red, se vaya convirtiendo en un productor cultural y no solo interviniendo un texto, sino también creando sus propios textos. Sin lugar a dudas las nuevas tecnologías cambian la forma de acceder al arte y al entretenimiento.  Como expone Bourriaud: “La actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable”. Es por ello que surge de este modo la democratización de la cultura por medio de un clásico fusionado por cientos de talentos que siguen creando y haciendo de la tecnología partícipe fundamental del arte.

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CLASE 2 . MODULO III MIRTA FABIANA LEDESMA

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CLASE 2 . MODULO III MIRTA FABIANA LEDESMA

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Transcribo dos citas de Nicolas Bourriaud que considero relevantes para la imagen elegida. "La posibilidad de un arte relacional- un arte que tomaría como horizonte teórico la esfera de las interacciones humanas y su contexto social, mas que la afirmación de un espacio simbólico autónomo privado- da cuenta de un cambio radical de los objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el arte moderno".
"El arte contemporáneo desarrolla efectivamente un proyecto político cuando se esfuerza en abarcar la esfera relacional, problematizandolas."

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   Cuevas, María Rosa. Actividad 2, Modulo III   LAS MENINAS DE DIEGO VELAZQUEhttp://www.donquijote.org/cultura/espana/arte/pintores/las-meninas    Asunto: El cuadro presenta el momento en el que la  familia real va visitar a los reyes mientras Velázquez los retrata. La figura de los monarcas se observa en el espejo del fondo. Los personajes, que miran a los retratados, son:   Velázquez, doña Agustina Sarmiento, menina de la infanta, la infanta Margarita,  Doña Isabel de Velasco, menina de la infanta, Maribárbola, bufona y Nicolasita Pertusa. Detrás se ve a Marcela de Ulloa y, para algunos, Diego Ruiz de Azcona. En último plano de ver a José nieto, aposentador de la reina, mayordomo y guardadamas.      Significado: La obra fue ejecutada para la contemplación del rey. Velázquez quiso animar al rey a pensar sobre la condición del pintor de cámara real.     Valoración estética e histórica: Velázquez logra en este cuadro  captar el espacio a la vez que transmite silencio y tranquilidad, solo rotos por Marcela de Ulloa. En este cuadro utiliza pinceladas largas, que hace que la imagen solo se forme en la retina a una cierta distancia, para ello   utiliza largos pinceles. Uno de los pocos elementos barrocos que posee el lienzo es la gran porción de techo. También se aprecia la delicadeza de los retratos, tema por el que siempre se había interesado Velázquez. El uso de color acusa una notable influencia de Ticiano, cuyo cuadro Palas y Aracne  puede verse copiado en el fondo de la sala.El cuadro fue pintado en 1656. Este es uno de los últimos lienzos que pinta Velázquez por lo que su técnica de luz y perspectiva esta ya perfeccionada .En esta época Velázquez llevaba mucho tiempo al servicio de la corte. Velázquez llevaba la orden de Santiago, que se le fue concedida dos años después de pintar el cuadro, y con ello vio cumplida su máxima aspiración como cortesano. La cruz se le, añadió a la composición en   1659. Poco tiempo después de pintar Las Meninas Velázquez inicia otra gran lienzo de Las hilanderas, que  junto con Las Meninas forman sus dos grandes composiciones.  Como dice Nicolás Bourriaud en Estética Relacional pag. 17  Una exposición genera un "dominio de intercambio" propio, que debe ser juzgado con criterios estéticos, o sea analizando la coherencia de la forma y luego el valor "simbólico" del mundo que nos propone, de la imagen de las relaciones humanas que refleja. Dentro de este intersticio social, el artista debe asumir los modelos simbólicos que expone: toda representación reenvía a valores que se podrían trasponer en la sociedad,

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   Cuevas, María Rosa. Actividad 2, Modulo III   LAS MENINAS DE DIEGO VELAZQUEhttp://www.donquijote.org/cultura/espana/arte/pintores/las-meninas    Asunto: El cuadro presenta el momento en el que la  familia real va visitar a los reyes mientras Velázquez los retrata. La figura de los monarcas se observa en el espejo del fondo. Los personajes, que miran a los retratados, son:   Velázquez, doña Agustina Sarmiento, menina de la infanta, la infanta Margarita,  Doña Isabel de Velasco, menina de la infanta, Maribárbola, bufona y Nicolasita Pertusa. Detrás se ve a Marcela de Ulloa y, para algunos, Diego Ruiz de Azcona. En último plano de ver a José nieto, aposentador de la reina, mayordomo y guardadamas.      Significado: La obra fue ejecutada para la contemplación del rey. Velázquez quiso animar al rey a pensar sobre la condición del pintor de cámara real.     Valoración estética e histórica: Velázquez logra en este cuadro  captar el espacio a la vez que transmite silencio y tranquilidad, solo rotos por Marcela de Ulloa. En este cuadro utiliza pinceladas largas, que hace que la imagen solo se forme en la retina a una cierta distancia, para ello   utiliza largos pinceles. Uno de los pocos elementos barrocos que posee el lienzo es la gran porción de techo. También se aprecia la delicadeza de los retratos, tema por el que siempre se había interesado Velázquez. El uso de color acusa una notable influencia de Ticiano, cuyo cuadro Palas y Aracne  puede verse copiado en el fondo de la sala.El cuadro fue pintado en 1656. Este es uno de los últimos lienzos que pinta Velázquez por lo que su técnica de luz y perspectiva esta ya perfeccionada .En esta época Velázquez llevaba mucho tiempo al servicio de la corte. Velázquez llevaba la orden de Santiago, que se le fue concedida dos años después de pintar el cuadro, y con ello vio cumplida su máxima aspiración como cortesano. La cruz se le, añadió a la composición en   1659. Poco tiempo después de pintar Las Meninas Velázquez inicia otra gran lienzo de Las hilanderas, que  junto con Las Meninas forman sus dos grandes composiciones.  Como dice Nicolás Bourriaud en Estética Relacional pag. 17  Una exposición genera un "dominio de intercambio" propio, que debe ser juzgado con criterios estéticos, o sea analizando la coherencia de la forma y luego el valor "simbólico" del mundo que nos propone, de la imagen de las relaciones humanas que refleja. Dentro de este intersticio social, el artista debe asumir los modelos simbólicos que expone: toda representación reenvía a valores que se podrían trasponer en la sociedad,

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Clase 2. Módulo III - Ramirez, José Luis 

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Clase 2. Módulo III - Ramirez, José Luis 

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Video elegido: https://www.youtube.com/watch?v=z9UDn6jhYoU

El panorama actual del arte contemporáneo nos confronta a un crecimiento exponencial de encuentros, festivales y eventos, un mercado próspero y activo, un mundo del arte que no cesa de extenderse, artistas que se vuelven funcionales a este mundo, una producción artística que se circunscribe a un devenir-espectáculo. En estas condiciones y sobrepasando posiciones críticas que han mostrado históricamente sus límites, entonces es posible pensar, proponerse y proponer, para las prácticas artísticas actuales, nuevas configuraciones simbólicas y/o materiales en el contexto de nuestras sociedades. Y también como la producción artística contemporánea se posiciona y se constituye en el marco de condicionamientos, inclusiones, recuperaciones y re-alineamientos que son parte del complejo mecanismo que el sistema propone y que nosotros proponemos llamar operaciones de cosificación. La producción artística contemporánea, una parte al menos, se constituye entre procesos de legitimación, valorización, visibilidad, y de institucionalidad. Sin embargo, estos procesos obran como operadores de cosificación que, interactuando entre sí, determinan el arte y son, a su vez, determinados por él en un juego dialéctico que no funciona, evidentemente, sin tentativas de escapatoria, de resistencia, de obstrucción, de fugas más o menos conscientes.

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Clase 2. Mòdulo III- Prof. Sosa Norma Noemì

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Clase 2. Mòdulo III- Prof. Sosa Norma Noemì

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https://www.youtube.com/watch?v=wTzB6icdNGE
"Ya no se trata de partir de oposiciones y conflicto frontales, sino de inventar nuevas relaciones posibles, construcciones de alianzas entre diferentes actores, si el arte de ayer necesitaba anunciar un mundo futuro esencialmente diferente, hoy modela universos posibles, el arte relacional es un horizonte que aparece conformado por la esfera de las interacciones humanas y su contexto social, el arte relacional inspira sobre todo en los procesos flexibles que rigen la vida comùn..lo cotidiano.."

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Pedro Rafael Gómez
https://www.youtube.com/watch?v=kOkQ4T5WO9E&list=RDQM1h1vmsTuNRg
El autor considera "sociedad del espectáculo" afecta los canales relacionales, aclarando que se trata de una sociedad en la cual las relaciones humanas ya no son "vividas directamente" sino que se distancian en su representación "espectacular".

El arte de hoy continúa un combate, proponiendo modelos perceptivos, experimentales, críticos, participativos, en la dirección indicada por los filósofos del Siglo de las Luces, agrega que si la crítica tiene dificultad en reconocer la legitimidad o el interés de estas experiencias es porque aparecen libres del peso de una ideología, se presentan fragmentarias, aisladas, desprovistas de una visión global del mundo.
Las obras ya no tienen como meta formar realidades imaginarias o utópicas, sino constituir modos de existencia o modelos de acción dentro de lo real ya existente, cualquiera que fuera la escala elegida por el artista.
Expresa que no se puede considerar a la obra contemporánea como un espacio por recorrer, la obra se presenta ahora como una apertura posible hacia un intercambio ilimitado, una forma de arte que parte de la intersubjetividad, y tiene por tema central el "estar-junto", el encuentro entre observador y cuadro, la elaboración colectiva del sentido., al que llama como "estados de encuentro".
Se trata de un espacio para las relaciones humanas que sugiere posibilidades de intercambio distintas integrado de manera más o menos armoniosa y abierta.

Crear espacios libres, duraciones cuyo ritmo se contrapone al que impone la vida cotidiana, favorecer un intercambio humano diferente al de las "zonas de comunicación" impuestas afirmando que el arte contemporáneo desarrolla efectivamente un proyecto político cuando se esfuerza en abarcar la esfera relacional, problematizándola.
Señala el autor que la exposición es un lugar privilegiado donde se instalan estas colectividades instantáneas, genera un "dominio de intercambio" propio, que debe ser juzgado con criterios estéticos, o sea analizando la coherencia de la forma y luego el valor "simbólico" del mundo que nos propone, de la imagen de las relaciones humanas que refleja.
El encuentro intensivo termina por producir prácticas artísticas que tienen como centralidad "estar-junto", el encuentro entre el observador, la obra  y la elaboración colectiva del sentido.

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Karina González.
https://www.youtube.com/watch?v=GggujyJJaN8
1)      Obra: BALI ZABALA Espacio de Arte y Tecnología. Video instalaciones de Margarita Bali.

Es una obra que conjuga muchísimos elementos, borrando los límites entre las diferentes manifestaciones del arte y conformando una Instalación multidisciplinaria. Inclusive, el “lugar” o rol propuesto para el espectador, rompe los lineamientos convencionales, así como el propio espacio escénico, donde no existe diferenciación de lugares entre obra y espectador.

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Clase 2 Modulo III. Por Ailén Pérez Bertoldi.

Todo el desarrollo técnico de las artes que nos precede ha servido para encontrar el camino a este tipo de modelos, en los que el concepto de arte es amplio y profundo. Y ahora más que nunca es necesario profundizar en el análisis del juego complejo de los problemas que enfrenta una
época y el artista en sí mismo.
Elegí este material porque me parece que representa a esos artistas y espectadores que no se han transformado en meros consumidores.
"...no se puede considerar a
la obra contemporánea como un espacio por recorrer (donde
el "visitante" es un coleccionista). La obra se presenta ahora
como una duración por experimentar, como una apertura
posible hacia un intercambio ilimitado."
El arte modelando universos posibles en lugar de anunciar el futuro, no concentrada en lo nuevo o en lo viejo. No hablamos de copiar, imitar o repetir, si no de hacer arte en el presente. Un presente en el que necesita del espectador para existir. Cambian las definiciones, las formas, los métodos y las técnicas porque el arte como la cultura no es inmutable ni igual en un lugar que en otro.

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Rima Baransi dancing in Trieste, Italy with violinist Ivo Remenec [Horizontally stabilized]

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Luego de “rastrear” por la web, he seleccionado como material, de acuerdo a mi especialidad, los siguientes links:

- Obra 1: “La Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky: http://www.youtube.com/watch?v=UAI_Id4ve-M

- Obra 2: Video del Malambo del Ballet “Estancia” de Alberto Ginastera: http://www.youtube.com/watch?v=uhFpd0fDmZ4

- Obra 3: Repertorio de la Orquesta de Instrumentos Autóctonos de la Universidad Tres de Febrero (Buenos Aires, Argentina): http://www.youtube.com/watch?v=f4Fmm7xHKwI

En relación a estas obras seleccionadas, podemos citar a Bourriaud, afirmando que la actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable. La tarea del crítico consiste en estudiarla en el presente. El arte tenía que preparar o anunciar un mundo futuro: hoy modela universos posibles. Los artistas que inscriben su práctica en la estela de la modernidad histórica no tienen la ambición de repetir las formas o los postulados de antes, menos aún de asignarle al arte las mismas funciones.

Althusser decía que siempre se toma el tren del mundo en marcha; Deleuze, que "el pasto crece en el medio" y no abajo o arriba. El artista habita las circunstancias que el presente le ofrece para transformar el contexto de su vida (su relación con el mundo sensible o conceptual) en un universo duradero. Toma el mundo en marcha: es un "inquilino de la cultura".

La posibilidad de un arte relacional - un arte que tomaría como horizonte teórico la esfera de las interacciones humanas y su contexto social, más que la afirmación de un espacio simbólico autónomo y privado- da cuenta de un cambio radical de los objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el arte moderno. La urbanización general, que crece a partir del fin de la segunda Guerra Mundial, permitió un crecimiento extraordinario de los intercambios sociales, así como un aumento de la movilidad de los individuos a través del desarrollo de redes y de rutas, de las telecomunicaciones y de la conexión de sitios aislados, que tuvieron consecuencias en las mentalidades.

El régimen de encuentro intensivo, una vez transformado en regla absoluta de civilización, terminó por producir sus correspondientes prácticas artísticas: es decir, una forma de arte que parte de la intersubjetividad, y tiene por tema central el "estar-junto", el encuentro entre observador y cuadro, la elaboración colectiva del sentido.

El arte siempre ha sido relacional en diferentes grados, o sea, elemento de lo social y fundador del diálogo.

El arte es un estado de encuentro.

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https://www.youtube.com/watch?v=dF5ryJMWWAs
En el video clip elegido vemos una gran diversidad de ramas del arte presentes: el plástico que diseña las máscaras, el músico que compuso el sonido, el técnico o profesor de expresión corporal que creó la danza en el entramado de cuerdas, el coreógrafo que planeó los desplazamientos y el tipo de movimiento; se trata de una gran diversidad de campos que se interrelacionan para formar una obra acabada, se unen para “darle forma material a una obra.” (Bourriaud). También está presente la literatura a través de la letra de la canción.

La presencia de lo cotidiano (comida y bebida) comparten con lo virtual (hojas que nacen de la barba o hilo que se saca por la boca) y con lo simbólico: colores (lobo blanco= mujer y lobo marrón=hombre)  movimientos (suave y circulares= mujer y rígidos y rectos=l hombre). Las pautas del pasado conviven con las nuevas tecnologías que identifican a la sociedad de consumo). Dice Bourriaud: “La actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las unciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable.” La sociedad actual se centra y está regida por el consumo, el comercio; se perdió “la visión idealista y teleológica”.

Sin lugar a dudas, el video clip es hoy un producto de consumo masivo, sobretodo en la franja etaria de adolescente y jóvenes, que representa un número importante y que manejan la nuevas tecnologías mejor que la comunicación cara a cara. Esta es la realidad hoy.

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PROF. LILIANA SILVA.

https://www.youtube.com/watch?v=ZdQTTxyEU00

El empleo de las nuevas Tecnologías de la Información y la Comunicación constituyen una herramienta de aprendizaje, pero  no debería   limitar las interacciones humanas ya que las manifestaciones artísticas orientadas y con técnicas específicas  constituyen un medio vital para desarrollar en el alumno la percepción, la expresión estética y representan una de las vías más sugerentes y personales para expresarse y comunicarse en la sociedad en la que vive.  Considero además que puede influir en la construcción de la subjetividad estableciendo un ideal de belleza,   que no puede ser sujeto a críticas ya que se realiza en un espacio privado, personal, sin relación con otros.

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Castro Horacio Matias Elias
“El artes es la posibilidad de hacer pragmáticos, todo aquello que se siente y/ se piensa. Las ideas no se mueren, quedan impresas en la pieza artística. Las épocas, las sociedades, los avaneces tecnológicos y los medios de comunicación masivos van determinar la forma del arte.

El arte de la modernidad está vivo en las técnica, y metodologías necesarias para la contrición de formas que generes rupturas en lo cotidiano. Las nuevas formas artísticas requieren de estudio y dedicación, para la combinación de las vanguardias y recursos  existentes. Pero sobre todo perseverancia y amor propio, ya que en la sociedad actual conviven diversas disciplinas, cada uno con sus intereses y objetivos. Esto genera una diversidad, que en su mayoría son modelos copiados de otras culturas que no son mejore ni peores que la propia, el artista debe entender que  lo suyo es propio y diferente, verdadero y necesario”
https://www.youtube.com/watch?v=5db0KZh5KuA

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CLASE 2 MODULO III
PROF. MAURICIO RAÚL LEZCANO
"El arte contemporáneo como una actividad artística que constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales y no tiene una esencia inmutable".

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CLASE 2 MODULO III
PROF. MAURICIO RAÚL LEZCANO
“el arte es la organización de presencia compartida entre objetos, imágenes y gente”, pero también “un laboratorio de formas vivas que cualquiera se puede apropiar”.De acuerdo con esta definición, la actividad artística es un juego que precisa de la participación del receptor, no ya para adquirir sentido sino incluso para existir. La obra carece de esencia, no es un objeto, sino más bien una “duración”, el tiempo en que se produce el encuentro.

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Prof. Liliana E. falcón
https://www.youtube.com/watch?v=diFjQVUL7wk

Este video de gimnasia de alguna manera recicla lo cotidiano al decir de Bourriaud, evita la socialización del individuo, apunta a la inmediatez de la actualidad ya que no necesita el interesado salir de su hogar para realizar un trabajo físico determinado, lo realiza en su casa con un tutorial. Marca un estereotipo de belleza femenina con cuerpo armonioso a través de la modelación con la práctica de una rutina provista por quien elabora el video. La intencionalidad del mismo es clara e influye en la construcción de subjetividades e ideales de belleza, envía un mensaje para estar acorde a los tiempos que vivimos con un modelo corporal realizad en modalidad de aprendizaje virtual, a la vez que convierte al usuario en consumidor de su producto.

En este ejemplo se identifica no solo la homogenización sino la manera de comunicarnos sin relacionarnos a la que hace referencia el autor de La Estética Relacional, se cosifica la relación humana hay una relación virtual, distante sin interrelación sin feedback comunicacional.

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Sena Diana Soledad.
… Partiendo de estas palabras de Bourdieu,
“El marco social se convierte en la esencia de la práctica artística”. Alojo el link el cual emitiré mi pequeño discurso
Vivir sin miedo, Patricia Ariza https://www.youtube.com/watch?v=1Dal-pt6bXg
Coincido en gran parte con La Estética relacional del teórico y crítico Nicolas Bourriaud, el cual cita a otros autores con aportes muy interesante sobre la estética y el arte.
Nos transmiten en estas páginas que el arte es un intercambio social, en donde podemos encontrar, observar y demostrar infinitas informaciones a través de las relaciones con los otros, con los objetos y con el mundo. El arte es el reflejo político, económico y social  de todo el mundo. Con la aparición de la Tic, podemos observar diferentes situaciones en la que está viviendo el mundo y como las manifestaciones artísticas gritan y comunican. Esto se viraliza a través de internet, de diferentes medios de sociabilidad aportándonos informaciones de otros lugares.
Estamos viviendo desde los años 90’  lo que Bourriaud denomina una esfera de relaciones humanas y en donde también resalta “el arte es un estado de encuentros”  “es el conjunto de formas de encontrarse y crear relaciones  a través de Meeting, manifestaciones, fiestas, juegos, obras teatrales, danzas, etc”  es decir en lugares en donde se pone en juego el “convivio.
Cito frases  relevantes que  se encuentran en el apunte leído que aportan al link seleccionado
…Círculo Ramo Nash (artistas de la colección Devautour) asegura que "el arte es un sistema altamente cooperativo: la densa red de interconexiones entre sus miembros implica que todo lo que pasa en él puede ser una función de cada uno de los miembros",…
..La forma sólo puede nacer de un encuentro entre dos planos de la realidad: porque la homogeneidad no produce imágenes, sino lo visual, es decir  información sin fin"…

A través de un hecho artístico damos múltiples interpretaciones y subjetividades,  reflejamos el momento histórico; sus situaciones políticas, económicas  y sociales, que al indagar sobre otros lugares del país nos damos cuenta que todos estamos viviendo, denunciando y sufriendo prácticamente lo mismo. Ej: el femicidio,  violencia, desigualdad de género, el maltrato infantil, la trata de persona, desaparecido, etc. ¿Y cómo podemos comunicar  o dar a conocer esto? a través de las socializaciones y las relaciones con los otros, con el mundo, vivenciando y plasmándolo en una manifestación artística que repercute en la sociedad desde otro lugar.
Unas de las vivencias más cercanas que tuvimos en nuestra provincia fue el encuentro de mujeres, allí hubo intercambio social, relaciones con los otros y con el mundo, además de diferentes manifestaciones artísticas que fueron llevando en distintos puntos de nuestra ciudad.

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Rosa Melgarejo.
En los conceptos de Bourriaud, subyacen la necesidad de que el artista tome conciencia del mensaje que transmite por medio de su arte. Le pide que realice una lectura de su realidad para que luego intervenga en ella, tomando una postura.

La incomunicación es una de las lecturas que realiza el autor, de la cual considera al arte como irruptora de la misma; diferenciando cuales permiten una comunicación inmediata como sucede en nuestra provincia en los encuentros de esculturas “Bienal”. Se logra una comunicación entre espectadores y a la vez con los artistas. Diferencia al Teatro en donde no se realiza esta comunicación inmediata, hasta luego de finalizada la misma. Difiero en parte de esta opinión: si bien no se da en forma verbal, existe una comunicación no verbal que logra una comunicación activa por parte del público y que a la vez lo comunica con los artistas “actores”: risas, silencio, ruidos, personas que se levantan y se van, llantos. La dimensión aurática de la presencia corporal a la que se refiere el crítico e historiador teatral Jorge Dubatti en su libro “El convivio teatral”.
Los grandes medios de comunicación están inmersos en propagandas de grandes empresas comerciales, a las cuales les favorece el individualismo. No es lo mismo vender un móvil para toda la familia, que un auto para cada uno; para cada integrante (fiat uno).

Es en el arte donde se crean espacios libres, donde su duración y ritmo es diferente al impuesto en la vida cotidiana. El arte es en su naturaleza contrario a todo lo que deshumaniza, la incomunicación,el consumismo.

Nicolas Bourriaud pide al artista que asuma los modelos simbólicos que expone, por sus valores que se podrían transponer en la sociedad. Siendo el arte objeto y sujeto de una ética, debiendo exponerse al comercio.

https://www.youtube.com/watch?v=qjpFgKUxe_Q

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Prof. Jorge Gustavo Chavez

El régimen de encuentro intensivo, una vez transformado en regla absoluta de civilización, termina por producir sus correspondientes prácticas artísticas: es decir, una forma de arte que parte de la intersubjetividad, y tiene por tema central el "estar-junto", el encuentro entre observador y cuadro ("obra de arte") la elaboración colectiva del sentido.

Una de estas virtualidades de la imagen es su poder de reunión que generan un lazo. El arte (...) se revela particularmente propicio para la expresión de esta civilización de lo próximo, porque reduce el espacio de las relaciones

Como profesor de Danzas Folklóricas, transmito a los alumnos la necesidad cada vez más imperiosa de consumir bienes culturales propios, sin necesidad de gastar grandes sumas de dinero, convirtiendo el espacio personal o los lugares donde comparte su tiempo con otras personas, en posibles lugares de encuentro con el arte o las costumbres locales: una peña, una mateada, un compartir un asado con los amigos, donde se cultive y se mantenga lo propio.

http://www.cadena3.com/contenido/2017/05/26/La-Incendiada-hizo-bailar-al-equipo-de-Viva-la-Radio-184469.asp

Inclusive en lugares donde antes parecía lejana la incorporación de determinados géneros de música:

http://diarioprimeralinea.com.ar/el-grupo-folclorico-40-grados-presentara-destino-en-el-guido-miranda/

El arte es el lugar de producción de una sociabilidad específica: queda por ver cual es el estatuto de este espacio en el conjunto de los "estados de encuentro" propuestos por la Ciudad

El siguiente video muestra cómo se recupera la voz, se comunica una manera de pensar, que puede o no coincidir con el del otro, pero que comparte un espacio y un tiempo "junto con" el otro, espacio que se va perdiendo cada vez más, vaya a saber uno si por mandato de otros o por decisiones propias:

https://www.youtube.com/watch?v=BfvJfQNC11g

Así también existen políticas públicas que aún dan valor a lo cultural y siguen creando espacios de debate y compartir lo propio

https://www.24siete.info/nota-198520-cultura-mas_de_200_personas_vieron_nacer_la_maquinaria_en_el_cecual_.html

https://www.24siete.info/nota-229922-cultura-llega_a_resistencia_la_region_encendida_mercado_de_la_musica_y_el_diseno_del_nea.html

Prof.  Gustavo Chavez - ISPEA Música

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PROF. JUAN CARLOS CASTAÑEDA
https://www.youtube.com/watch?v=iph-O76ajlQ&t=900s

ESTETICA RELACIONAL –de Nicolás Bourriaud

Nicolas Baurriaud expresa que la parte más vital del juego que se desarrolla en el tablero del arte y que responde a nociones interactivas, sociales y relacionales. Este autor considera la "separación" suprema, aquella que afecta los canales relacionales, constituye el último estadio de la mutación hacia la "sociedad del espectáculo" tal como la describe Guy Debord. Y aclara Bouriiaud que una sociedad en la cual las relaciones humanas ya no son "vividas directamente" sino que se distancian en su representación "espectacular". Y Afirma este autor que es ahí donde se sitúa la problemática más candente del arte de hoy: la realización artística aparece hoy como un terreno rico en experimentaciones sociales,

Es importante aprehender que las transformaciones que se dan hoy en el campo social (como el vaciamiento que ha despojado  de sustancia a los criterios de la crítica estética), pueda captar lo que ya ha cambiado y lo que continúa transformándose.

Las prácticas artísticas contemporáneas y el proyecto cultural

Este autor explica que existen diferentes versiones de la modernidad. También aclara que el arte de hoy continúa un combate, proponiendo modelos perceptivos, experimentales, críticos, participativos, en la dirección indicada por los filósofos del Siglo de las Luces, por Proudhon, Marx, los dadaístas o Mondrian. Y que además dice que si la crítica tiene dificultad en reconocer la legitimidad o el interés de estas experiencias es porque no aparecen ya como los fenómenos precursores de la evolución histórica ineluctable: por el contrario, libres del peso de una ideología, se presentan fragmentarias, aisladas, desprovistas de una visión global del mundo.

No es la modernidad la que murió, sino su versión idealista y teleológica.

Bourriaud expresa que los artistas que inscriben su práctica en la estela de la modernidad histórica no tienen la ambición de repetir las formas o los postulados de antes, menos aún de asignarle al arte las mismas funciones. Es como una  "suerte"- lo explica Bourriaud- que puede resumirse en pocas palabras: aprender a habitar el mundo, en lugar de querer construirlo según una idea preconcebida de la evolución histórica. Las obras ya no tienen como meta formar realidades imaginarias o utópicas, sino constituir modos de existencia o modelos de acción dentro de lo real ya existente, cualquiera que fuera la escala elegida por el artista. Nicolas Bourriaud cita a Deleuze- entre otros - el artista habita las circunstancias que el presente le ofrece para transformar el contexto de su vida (su relación con el mundo sensible o conceptual) en un universo duradero. Toma el mundo en marcha: es un "inquilino de la cultura", democrático" intelectual.

La obra de arte como intersticio social

La evolución de la función de las obras y de su modo de presentación indica una urbanización creciente de la experiencia artística, dice Nicolás Bourriaud. Además expresa que No se puede considerar a la obra contemporánea como un espacio por recorrer (donde el "visitante" es un coleccionista). La obra se presenta ahora como una duración por experimentar, como una apertura posible hacia un intercambio ilimitado, una forma de arte que parte de la intersubjetividad, y tiene por tema central el "estar-junto", el encuentro entre observador y cuadro, la elaboración colectiva del sentido. Este espacio lo llama como "estados de encuentro".

Coincido con Bourriaud cuando expresa que “La obra de arte representa un intersticio social. Explica que este término, "intersticio", fue usado por Karl Marx para definir comunidades de intercambio que escapaban al cuadro económico capitalista por no responder a la ley de la ganancia: trueque, ventas a pérdida, producciones autárquicas, etc. El intersticio es un espacio para las relaciones humanas que sugiere posibilidades de intercambio distintas de las vigentes en este sistema, integrado de manera más o menos armoniosa y abierta en el sistema global. Bourriaud explica que : crear espacios libres, duraciones cuyo ritmo se contrapone al que impone la vida cotidiana, favorecer un intercambio humano diferente al de las "zonas de comunicación" impuestas afirmando que el arte contemporáneo desarrolla efectivamente un proyecto político cuando se esfuerza en abarcar la esfera relacional, problematizándola.

Nicolás Bouriaud toma prestado de otro autor el concepto de"still life"- naturaleza muerta- que son hoy las relaciones con el otro. La exposición es un lugar privilegiado donde se instalan estas colectividades instantáneas, regidas por diferentes principios: el grado de participación exigido al espectador por el artista, la naturaleza de la obra, los modelos de lo social propuestos o representados. Y explica Bourriaud que una exposición genera un "dominio de intercambio" propio, que debe ser juzgado con criterios estéticos, o sea analizando la coherencia de la forma y luego el valor "simbólico" del mundo que nos propone, de la imagen de las relaciones humanas que refleja.

Coincido con Bourriaud respecto de que dentro de este intersticio social, el artista debe asumir los modelos simbólicos que expone: toda representación reenvía a valores que se podrían trasponer en la sociedad, pero el arte contemporáneo modeliza más de lo que representa, en lugar de inspirarse en la trama social se inserta en ella. Como también la Actividad humana basada en el comercio, el arte es a la vez objeto y sujeto de una ética: tanto más porque, a la inversa de otras actividades, no tiene otra función que la de exponerse a ese comercio. Coincido completamente con Nicolás Bourriaud que expresa que   El arte es un estado de encuentro

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Villa Albarrán Claudia Irina
El video que selecciono para relacionar los conceptos vertido por  Nicolas Bourriaud es el siguiente: https://www.youtube.com/watch?v=CONOK7HAygg; este video contiene una versión del cuento tradicional “Caperucita Roja”, es la versión de la escritora  Luisa Valenzuela, quien propone realizar una transformación de la historia original y nos interpela como lectores a construir sentido e interpretación de esta nueva versión, realizando transformaciones culturales y sociales que invitan a repensar el cuento original. La lectura, en este sentido, puede interpretarse como una relación del texto con la vida social, y no es solamente un soporte material, si no que la lectura permite activar algunos de los múltiples sentidos posibles que le podemos otorgar como lectores. “El arte es un estado de encuentro” Sostiene Bourriaud, y es en este video que podemos visualizar ese encuentro entre la lectura, la música, la puesta en escena y la resignificación de una obra tradicional. Por ello el autor anteriormente mencionado expresa:”…en el campo del comercio de las representaciones, crear espacios libres, duraciones cuyo ritmo se contrapone al que impone la vida cotidiana, favorecer un intercambio humano diferente al de las zonas de comunicación impuestas”; y desde luego podemos entonces, reflexionar acerca del “valor simbólico” que cada obra de arte nos propone.-

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 Buenas. Les dejamos este muro para subir el material audiovisual y socializar con los demás colegas. ¡Buena suerte!

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 Buenas. Les dejamos este muro para subir el material audiovisual y socializar con los demás colegas. ¡Buena suerte!

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Prof. Víctor Cardozo