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L'opera del lunedì, speciale Paul Gauguin

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Lezioni d'autore con Irene Baldriga - L'eredità dell’Impressionismo e i suoi sviluppi

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https://padlet.com/torniai_paola/l-europa-del-xix-secolo-e-il-japonisme-4aq7udij8km6

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" Nel 1910 il critico Roger Fry organizzò una mostra dal titolo 'Manet and the Post-Impressionists', fondamentale per far conoscere artisti come Cézanne, van Gogh, Seurat.Se oggi conosciamo approfonditamente e ammiriamo artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Paul Cézanne, gran parte del merito è da attribuire a un critico e storico dell’arte inglese, che occasionalmente faceva anche l’artista: Roger Fry (1866 - 1934). Per conoscere l’inizio di questa storia, bisogna tornare indietro fino al gennaio del 1910 e recarsi in un luogo preciso: la stazione di Cambridge. Fry è appena tornato dagli Stati Uniti, dove lavora come curatore della sezione di pittura europea al Metropolitan Museum di New York. O meglio: dove lavora ufficialmente, perché di fatto è in rotta con il consiglio di amministrazione del museo, e in particolare con il suo presidente, il banchiere John Pierpont Morgan. Colpa di divergenze di vedute sulla gestione della collezione: le dimissioni di Fry dal suo ruolo sarebbero arrivate, in pratica come pura formalità, nel febbraio dello stesso anno. Pochi mesi prima, il critico aveva ricevuto un’offerta dal Burlington Magazine per una posizione da direttore, da condividere con lo storico dell’arte Lionel Cust: anche senza l’impiego al Metropolitan, Fry non rimarrebbe dunque senza lavoro. E ne ha davvero bisogno: la moglie, Helen Coombe, è affetta da un disturbo mentale che proprio agli inizi del 1910 si aggrava e la costringe a farsi ricoverare in una clinica psichiatrica, nella quale sarebbe rimasta per il resto dei suoi giorni. Insomma: l’anno, per Roger Fry, non inizia davvero nel migliore dei modi." 

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" Nel 1910 il critico Roger Fry organizzò una mostra dal titolo 'Manet and the Post-Impressionists', fondamentale per far conoscere artisti come Cézanne, van Gogh, Seurat.Se oggi conosciamo approfonditamente e ammiriamo artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Paul Cézanne, gran parte del merito è da attribuire a un critico e storico dell’arte inglese, che occasionalmente faceva anche l’artista: Roger Fry (1866 - 1934). Per conoscere l’inizio di questa storia, bisogna tornare indietro fino al gennaio del 1910 e recarsi in un luogo preciso: la stazione di Cambridge. Fry è appena tornato dagli Stati Uniti, dove lavora come curatore della sezione di pittura europea al Metropolitan Museum di New York. O meglio: dove lavora ufficialmente, perché di fatto è in rotta con il consiglio di amministrazione del museo, e in particolare con il suo presidente, il banchiere John Pierpont Morgan. Colpa di divergenze di vedute sulla gestione della collezione: le dimissioni di Fry dal suo ruolo sarebbero arrivate, in pratica come pura formalità, nel febbraio dello stesso anno. Pochi mesi prima, il critico aveva ricevuto un’offerta dal Burlington Magazine per una posizione da direttore, da condividere con lo storico dell’arte Lionel Cust: anche senza l’impiego al Metropolitan, Fry non rimarrebbe dunque senza lavoro. E ne ha davvero bisogno: la moglie, Helen Coombe, è affetta da un disturbo mentale che proprio agli inizi del 1910 si aggrava e la costringe a farsi ricoverare in una clinica psichiatrica, nella quale sarebbe rimasta per il resto dei suoi giorni. Insomma: l’anno, per Roger Fry, non inizia davvero nel migliore dei modi." 

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Nel 1910 il critico Roger Fry organizzò una mostra dal titolo 'Manet and the Post-Impressionists', fondamentale per far conoscere artisti come Cézanne, van Gogh, Seurat.

Se oggi conosciamo approfonditamente e ammiriamo artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Paul Cézanne, gran parte del merito è da attribuire a un critico e storico dell'arte inglese, che occasionalmente faceva anche l'artista: Roger Fry (1866 - 1934). Per conoscere l'inizio di questa storia, bisogna tornare indietro fino al gennaio del 1910 e recarsi in un luogo preciso: la stazione di Cambridge. Fry è appena tornato dagli Stati Uniti, dove lavora come curatore della sezione di pittura europea al Metropolitan Museum di New York. O meglio: dove lavora ufficialmente, perché di fatto è in rotta con il consiglio di amministrazione del museo, e in particolare con il suo presidente, il banchiere John Pierpont Morgan. Colpa di divergenze di vedute sulla gestione della collezione: le dimissioni di Fry dal suo ruolo sarebbero arrivate, in pratica come pura formalità, nel febbraio dello stesso anno. Pochi mesi prima, il critico aveva ricevuto un'offerta dal Burlington Magazine per una posizione da direttore, da condividere con lo storico dell'arte Lionel Cust: anche senza l'impiego al Metropolitan, Fry non rimarrebbe dunque senza lavoro. E ne ha davvero bisogno: la moglie, Helen Coombe, è affetta da un disturbo mentale che proprio agli inizi del 1910 si aggrava e la costringe a farsi ricoverare in una clinica psichiatrica, nella quale sarebbe rimasta per il resto dei suoi giorni. Insomma: l'anno, per Roger Fry, non inizia davvero nel migliore dei modi.

Eppure ha un'idea che, con tutta evidenza, gli balena per la testa da un po': decide dunque di raccontarla, quel mattino del gennaio 1910, alla sua amica Vanessa Bell e a suo marito, il critico d'arte Clive Bell, sul treno che da Cambridge conduce a Londra. L'idea, racconta Clive Bell in una sua memoria, è quella di "mostrare al pubblico inglese le opere d'arte dei nuovi pittori francesi". Un'idea per la quale il nuovo amico (Vanessa lo aveva presentato a Fry proprio quella mattina) si mostra entusiasta, anche perché lui stesso aveva ben scritto a proposito di alcuni di questi nuovi "rivoluzionari" pittori, come Cézanne e Gauguin. Tuttavia, per il momento, l'idea rimane sulla carta, e non trova modo di concretizzarsi: resta, in sostanza, una chiacchierata tra amici sul treno.

Ma l'occasione di mettere in atto il "piano" non tarda ad arrivare: nel settembre dello stesso anno, la Grafton Galleries Company, l'azienda che gestisce uno degli spazi espositivi più importanti di Londra (le Grafton Galleries appunto, note anche con la forma al singolare, Grafton Gallery), si rivolge a Roger Fry perché ha un buco nel calendario delle mostre da riempire. Come da classico copione, il critico si trova di fronte a una notizia buona e a una notizia cattiva. La notizia buona è che finalmente può organizzare la sua mostra sulla pittura francese contemporanea, e per di più può farlo in una location (come si direbbe oggi) di prestigio, che aveva già ospitato mostre di richiamo, come quella sull' impressionismo del 1905, organizzata da Paul Durand-Ruel, che aveva portato a Londra quadri di Manet, Monet, Degas, Renoir, Pissarro, Sisley, e anche qualcosa di Cézanne, oppure quella dei quadri di Joaquín Sorolla nel 1908. La notizia cattiva è che Fry ha pochissimo tempo a disposizione: appena un paio di mesi, perché la mostra verrà inaugurata a novembre e rimarrà aperta fino al gennaio del 1911. Il critico acchiappa al volo un suo amico giornalista, Desmond MacCarthy, a cui spetta un ruolo organizzativo all'interno dell'esposizione, e senza perdere alcun tempo si reca in Francia proprio nel settembre del 1910 per raccogliere un po' di opere d'arte. A Parigi si incontrano con Clive Bell e iniziano ad andare a caccia dei migliori mercanti d'arte e dei migliori collezionisti per cercare quadri validi da esporre alle Grafton Galleries.

Fry ha con sé una lista di gallerie da visitare. C'è la galleria del suo coetaneo Ambroise Vollard, interessato all'arte di Cézanne, di Picasso e dei Fauves, e ovviamente in possesso di diverse opere dei suddetti. C'è la Galerie Druet, che detiene quadri di Gauguin. C'è la nuova galleria del giovanissimo Daniel Kahnweiler, che ha solo ventisei anni ma che già inizia a promuovere l'arte dei cubisti. Ci sono insomma tutti i galleristi e i collezionisti che secondo Fry potrebbero essere utili alla causa. Ma non solo: l'11 settembre Fry manda Desmond MacCarthy a Monaco di Baviera per incontrare lo storico dell'arte tedesco Rudolf Meyer Riefstahl, uno dei primi accademici che si sono occupati dell'arte di Vincent Van Gogh. La speranza è che Riefstahl possa mettere in contatto Fry con i collezionisti che sono in possesso delle opere del genio olandese. La speranza è ben ripagata, perché Fry ottiene i contatti (e le opere). La missione in Francia può dirsi conclusa: Fry torna in Inghilterra con la consapevolezza di aver fatto un ottimo lavoro.

Selezionate le opere, tocca scegliere il titolo per la mostra. Il ventaglio delle ipotesi è piuttosto ampio, perché gli artisti che Fry si appresta a presentare al pubblico coprono esperienze diverse, spesso anche lontane tra loro, ed è necessaria un'etichetta in grado di raccoglierli tutti. "Neo- impressionisti" non va bene, perché Gauguin di impressionista aveva ben poco. "Espressionisti" a Fry piace, ma l'espressione non accoglie il favore unanime. Non rimane che scegliere il termine "post- impressionisti", che Fry aveva già introdotto, per primo, nel 1906 in un suo saggio. Del resto, i dipinti sono tutti di artisti sorti dopo l' impressionismo. Serve però anche un nome familiare al pubblico, che possa funzionare un po' da "calamita" con la quale attirare visitatori alle Grafton Galleries. Si opta dunque per inserire il nome di Manet, artista all'epoca già ben noto in Inghilterra, considerato il padre dell'impressionismo (e quindi il suo nome è anche funzionale a garantire in qualche modo anche la bontà dell'operazione da un punto di vista storico): l'idea di utilizzare un nome di grande richiamo per una mostra dunque non è affatto una novità dei giorni nostri. Il titolo è quindi scelto: sarà Manet and the Post-Impressionists ("Manet e i post-impressionisti"). Si procede così alla creazione del manifesto, all'ideazione della campagna pubblicitaria (incluse alcune uscite sul Burlington Magazine) e alla convocazione della conferenza per presentare la mostra alla stampa. Finalmente, l'8 novembre del 1910 l'esposizione può aprire le porte al pubblico.

Di recente è stato ricostruito un catalogo piuttosto completo dei dipinti presenti in mostra. Di Manet ci sono otto dipinti: spicca il celeberrimo Bar aux Folies-Bergère che, già esposto a Parigi in un paio di occasioni, raggiungeva Londra per la prima volta. Le opere di Manet vengono esposte all'inizio della mostra insieme a diversi dipinti di Paul Cézanne, presente con una nutrita schiera di lavori, come i Bagnanti oggi a Ginevra, oppure L'Estaque finito nel 1963 al Philadelphia Museum of Art. Il visitatore viene poi introdotto alle opere di Paul Gauguin (ce ne sono tantissime, anche relative al suo periodo tahitiano, come La montagna sacra - Parahi te marae, anch'essa oggi al Philadelphia Museum of Art) e di Vincent Van Gogh, esposte assieme negli stessi ambienti, date le affinità tra i due artisti. Di Van Gogh ci sono quasi trenta opere: tra queste probabilmente ci sono anche i celeberrimi Girasoli oggi alla National Gallery di Londra, e di sicuro c'è l' Autoritratto al cavalletto. Abbiamo poi Georges Seurat (presente con, tra i vari dipinti, il Faro di Honfleur) e Paul Signac (con tre opere) ed Henri-Edmond Cross in rappresentanza del pointillisme, e ci sono anche Pablo Picasso, Henri Matisse, Odilon Redon, Maurice Denis, Felix Vallotton.

Édouard Manet, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882; olio su tela, 96 x 130 cm; Londra, Courtauld Gallery)

La mostra si traduce in un grande successo di pubblico, e anche in un certo successo commerciale: le vendite non sono poche, e Fry riesce addirittura a far molto meglio di un mercante di professione come Durand-Ruel, che alla mostra del 1905 non era riuscito a vendere alcunché. Tuttavia, l'enorme sconquasso causato da Fry nei confronti della scena artistica inglese, rimasta ancorata a un'arte d'imitazione e che non ha mai visto opere di artisti come Gauguin, Van Gogh e Matisse, porta molti giornalisti a scrivere feroci critiche sull'esposizione. Gran parte del pubblico non può tollerare novità dirompenti come la violenza dei colori di Van Gogh, la sfrontatezza dei ritratti di Matisse, le scomposizioni di Picasso. Le recensioni negative si abbattono dunque sull'esposizione, compromettendo anche la stessa credibilità di Roger Fry come critico e curatore. Per Ebenezer Wake Cook della Pall Mall Gazette, le opere sono assimilabili alla "produzione di un manicomio". Per il poeta Wilfred Scawen Blunt in mostra ci sono "opere di una pigra e impotente stupidità" e l'esposizione è "uno spettacolo pornografico", mentre per lo storico dell'arte Alexander Joseph Finberg i lavori esposti sono semplicemente "aborti". Per Robert Ross del Morning Post "le emozioni di questi artisti possono giusto interessare gli studenti di patologie e gli specialisti di anormalità", e siccome la conferenza stampa si era tenuta il 5 novembre, ovvero il giorno della congiura delle polveri (il fallito complotto contro Giacomo I d'Inghilterra ordito da Guy Fawkes), lo stesso Ross si spinge a fare paragoni con l'evento del 1605, asserendo che la mostra di Fry può essere considerata "un complotto per distruggere l'intero tessuto della pittura europea". Anche Desmond MacCarthy, in una sua memoria, racconta dell'atmosfera che si respirava dopo l'apertura della mostra: "Presentando al pubblico inglese le opere di Cézanne, Matisse, Seurat, Van Gogh, Gauguin e Picasso, Roger Fry distrusse la sua reputazione di critico d'arte per lungo tempo. I più gentili dicevano che era matto, e oltretutto ricordavano che sua moglie era ricoverata in un manicomio. La maggior parte della critica dichiarò che Fry era un sovvertitore della morale e dell'arte, oltre che uno sfacciato promotore di se stesso". E lo stesso Fry scrive una lettera al padre dicendogli che su di lui si è abbattuto un uragano di critiche.

Lo studioso però non si arrende, e decide di scrivere articoli per rispondere alle critiche, difendendo le ragioni dei post-impressionisti, artisti che, con le loro opere, non esprimevano ciò che vedevano con gli occhi, e quindi non avevano l'obiettivo di fornire una rappresentazione della realtà: il loro intento era quello di esprimere le loro emozioni e la loro visione personale della realtà, così da fare in modo che la realtà assumesse significati nuovi e sempre diversi. "Dobbiamo", scriveva Fry, "andare alla scoperta di quella difficile scienza che è la scienza del disegno espressivo. Dobbiamo ricominciare da capo, e imparare ancora una volta l'ABC della forma astratta. È proprio ciò che questi artisti francesi hanno cominciato a fare, e il tutto con quella chiara, logica, intensa determinazione, e quell'assenza di ogni compromesso e di ogni riguardo per le questioni secondarie, che hanno sempre nobilmente contraddistinto il genio francese". Tuttavia, malgrado le numerose critiche, Roger Fry può contare sull'apporto degli amici che credono nel suo lavoro (su tutti Virginia Woolf, sorella di Vanessa Bell) e lo studioso decide, incurante di tutto, di organizzare una nuova mostra dei post-impressionisti nel 1912, continuando a credere che la cultura figurativa inglese debba aggiornarsi sulle esperienze provenienti dalla Francia e dal resto d'Europa.

Gli articoli in difesa dei post-impressionisti e, in generale, i saggi legati alle mostre dei post-impressionisti, sono considerati oggi tra gli scritti fondamentali per capire l'arte di Gauguin, Van Gogh, Seurat, Cézanne, Matisse e colleghi. E la mostra è ritenuta l'evento che ha di fatto posto le basi per la consacrazione dei post-impressionisti: forse è troppo dire che senza Manet and the Post-Impressionists la storia dell'arte avrebbe preso un'altra piega, ma di sicuro l'esposizione suscitò diversi effetti positivi, contribuendo ad aggiornare in modo sostanziale l'ambiente artistico inglese e facendo in modo che Cézanne, Gauguin, Van Gogh e gli altri iniziassero a essere presi in considerazione come artisti di fondamentale rilevanza. E a distanza di più di cento anni, possiamo dire che si rivelò del tutto fondata la considerazione che apparve sulla rivista The Athenaeum poco dopo l'apertura della mostra curata da Roger Fry: "il 1910 verrà ricordato nella nostra storia dell'arte come l'anno dei post-impressionisti".

Bibliografia di riferimento

Charles Molesworth, The Capitalist and the Critic: J.P. Morgan, Roger Fry, and the Metropolitan Museum of Art, University of Texas Press, 2016

Anna Gruetzner Robins, Manet and the Post-Impressionists': a checklist of exhibits in The Burlington Magazine, 2010, vol. 152 n. 1293, pp. 782-793

Frances Spalding, Roger Fry, Art and Life, Black Dog Books, 2n edition, 1999

Christopher Reed, A Roger Fry Reader, Chicago University Press, 1996

Stanford Patrick Rosenbaum, The Bloomsbury Group: A Collection of Memoirs and Commentary, University of Toronto Press, 1995

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Roger Fry e l'"invenzione" del postimpressionismo

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Nel 1910 il critico Roger Fry organizzò una mostra dal titolo 'Manet and the Post-Impressionists', fondamentale per far conoscere artisti come Cézanne, van Gogh, Seurat. Se oggi conosciamo approfonditamente e ammiriamo artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Paul Cézanne, gran parte del merito è da attribuire a un critico e storico dell'arte inglese, che occasionalmente faceva anche l'artista: Roger Fry (1866 - 1934).

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Loving Vincent: Trailer italiano ufficiale | HD

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Autoritratto con Cristo giallo di Gauguin

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http://www.vggallery.com/misc/archives/aurier.htm
https://youtu.be/SUmsePJCTM8   Mostra di Van Gogh a Roma

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La lettera, indirizzata all'artista Emile Bernard, è stata scritta a quattro mani da Vincent van Gogh e Paul Gauguin durante il loro soggiorno alla Casa Gialla di Arles. Il prossimo autunno il documento sarà esposta al Van Gogh Museum in occasione della mostra dedicata alle lettere di van Gogh

Con una raccolta che comprende 875 documenti, il Van Gogh Museum di Amsterdam conserva la più grande collezione al mondo di lettere scritte da Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), ad oggi la principale fonte di informazioni sulla vita, le opere, le emozioni e i turbamenti che hanno caratterizzato l'esistenza dell'artista olandese. Le più note sono quelle scritte al fratello Theo, ma tante altre sono indirizzate ad artisti e amici. Una in particolare, recentemente acquisita dal Van Gogh Museum a un'asta, si differenzia dalle altre: l'averla scritta a quattro mani con Paul Gauguin, nel periodo in cui vissero insieme ad Arles nella "Casa Gialla", diventata poi protagonista di un celebre dipinto di van Gogh.

LA LETTERA SCRITTA A QUATTRO MANI DA VAN GOGH E GAUGUIN

La lettera, scritta nel 1888, è indirizzata all'artista Emile Bernard: gli amici van Gogh e Gauguin gli raccontano, in una sorta di resoconto, la loro vita ad Arles, le loro abitudini, la loro ricerca artistica, la loro visione dell'arte moderna. Argomenti, questi, che animavano le giornate di van Gogh e Gauguin, non solo all'interno della Casa Gialla, ma anche al bordello da loro frequentato. La lettera fu scritta dai due artisti circa una settimana dopo il trasferimento di Gauguin ad Arles, rappresentando per van Gogh il primo passo verso il suo sogno: fondare nella città francese una colonia di artisti. Attraverso la lettera, van Gogh voleva così convincere Emile Bernard a trasferirsi ad Arles, fornendogli informazioni molto dettagliate sulle attività sue e di Gauguin nella Casa Gialla, oltre a dare una spiegazione visionaria della loro collaborazione artistica. Si alternano così le voci di van Gogh e Gauguin, dai toni e dalle sensibilità diversi, dando alla lettera un'ulteriore carica psicologica, alla luce di quello che sarebbe accaduto da lì a breve: durante un episodio psicotico, van Gogh si taglia un orecchio, probabilmente a causa di una discussione con Gauguin che ha troncato la loro collaborazione artistica.

LA MOSTRA "YOUR LOVING VINCENT" AL VAN GOGH MUSEUM DI AMSTERDAM

La lettera scritta a quattro mani con Gauguin sarà esposta al Van Gogh Museum in occasione della mostra Your Loving Vincent , la cui inaugurazione è prevista il prossimo 9 ottobre. Attraverso questo evento, il museo farà conoscere al pubblico un van Gogh meno noto, ovvero l'appassionato scrittore di lettere, delle quali ne saranno mostrate 40 tra le più famose, insieme a capolavori iconici come La camera di Vincent ad Arles (1888), Il seminatore (1888), I mangiatori di patate (1885). "Siamo lieti e molto grati che la Fondazione Vincent van Gogh abbia permesso di aggiungere una lettera così straordinaria alla nostra collezione, soprattutto in questi tempi difficili" , ha dichiarato Emilie Gordenker, direttore del Van Gogh Museum. "Il museo non sarebbe stato fondato o esisterebbe oggi senza la Vincent van Gogh Foundation. È ancora una volta grazie alla fondazione che possiamo aggiungere un nuovo significativo elemento alla collezione del museo. Siamo entusiasti che, grazie a questa acquisizione, questa importante lettera possa essere inclusa nella nostra mostra autunnale incentrata sulle lettere di van Gogh".
- Desirée Maida

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Storia della lettera scritta a quattro mani da van Gogh e Gauguin

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La lettera, indirizzata all'artista Emile Bernard, è stata scritta a quattro mani da Vincent van Gogh e Paul Gauguin durante il loro soggiorno alla Casa Gialla di Arles.

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Paul Gauguin - La visione dopo il sermone

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L'opera del lunedì, la notte stellata di Vincent Van Gogh

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Gauguin, Da dove veniamo? Cosa siamo? Dove andiamo?

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Campo di grano con corvi di Vincent van Gogh

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Lezioni d'autore con Tomaso Montanari - Un’arte moderna

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Sesto episodio della blog serie su Vincent van Gogh.
La serie completa è su What's on?, il blog della Galleria Nazionale.

Vincent van Gogh ( Zundert, 30 marzo 1853 - Auvers-sur-Oise, 29 luglio 1890)

Self-Portrait, Paris 1887 (Art Institute of Chicago)
Self-portrait with Bandaged Ear, Easel and Japanese Print, Arles 1889 (Courtauld Institute Galleries)
Self-Portrait, Saint-Rémy 1889 (Musée d'Orsay)

Figlio di un pastore protestante, Vincent van Gogh compie studi irregolari e si impiega come commesso nella casa d'arte Goupil a l'Aja, poi nelle filiali di Londra e Parigi. Decide poi di intraprendere la carriera di predicatore e di missionario, incontrando però ostilità e rifiuti. Nel 1879 inizia a disegnare, e dall'anno seguente questa attività assume un ruolo importante. Ridisegna le opere di altri pittori, inoltre esegue studi di figure, soprattutto contadini, dopo aver preso lezioni a Bruxelles e a L'Aja. Solo a partire dal 1881 decide di dedicarsi alla pittura, ed in meno di dieci anni di intenso lavoro produce un numero molto rilevante di opere, che operarono una profonda rivoluzione nella cultura artistica europea. La sua formazione si deve principalmente all'esempio del realismo paesaggistico dei pittori di Barbizon unito al messaggio etico e sociale di Jean-François Millet.

Nel settembre del 1883 va a vivere nel nord dei Paesi Bassi, nella Drenthe, regione ricca di torbiere, spostandosi spesso e ritraendo gli operai e i contadini mentre sono intenti nel duro lavoro. Nel dicembre si trasferisce quindi a Nuenen, nel Brabante, dove realizza quasi duecento quadri e numerosissimi acquerelli e disegni. Protagonisti di queste sue opere sono i tessitori al lavoro, il villaggio di Nuenen e, ovviamente, i contadini, ai quali van Gogh dedica I mangiatori di patate, il capolavoro del suo periodo olandese, per il quale realizza studi dettagliati e che porterà a termine nel 1885.

Un breve viaggio in Olanda, ad Amsterdam e la visita al Rijksmuseum gli permettono di riscoprire Frans Hals e Rembrandt, che riconosce come gli ideali anticipatori della sua ricerca formale. Nel novembre del 1885 si trasferisce ad Anversa per seguire i corsi dell'Accademia, frequentando le chiese ed i musei della città, dove ammira il vivace colorismo di Rubens. Altrettanto importante per lui è l'interesse per le stampe giapponesi, che acquista in quantità e che porta ovunque con sé. Alla fine del febbraio 1886 parte per Parigi, vivendo nell'appartamento del fratello Theo. A Parigi conosce molti artisti, tra i quali Émile Bernard ed Henri de Toulouse-Lautrec, più giovani di lui ma animati dalla medesima insofferenza verso i tradizionalismi; importanti anche le amicizie con Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley e i pointillistes Seurat e Signac, e con Julien père Tanguy, mercante di colori che gli commissiona due ritratti. Van Gogh prova ad immettere colori più chiari nei suoi lavori.

Dipinge vedute di città, autoritratti e nature morte. Nell'inverno del 1886 avviene l'incontro con Paul Gauguin, pittore che era appena giunto a Parigi dalla città bretone di Pont-Aven. Particolarmente intensa fu l'amicizia con Paul Signac, con il quale nella primavera del 1887 va a lavorare ad Asnières, sulle rive della Senna. Nello stesso periodo frequenta il Café du Tambourin sul boulevard de Clichy, intrecciando una relazione sentimentale con la proprietaria, Agostina Segatori, da lui immortalata in un celebre ritratto. Sempre nello stesso anno il pittore organizza una mostra con l'intento di riunire tutti i suoi amici-artisti: all'esposizione parteciparono Bernard, Gauguin e Louis Anquetin.

Nel febbraio del 1888, attratto dalla luce meridionale e dagli intensi colori del posto, si trasferisce ad Arles, in Provenza, dove realizza ben duecento dipinti e cento altre opere tra disegni e acquerelli. Opere come La sedia di Vincent, La camera di Vincent ad Arles , Il caffè di notte , Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles , Notte stellata sul Rodano, oltre che la serie dei , furono tutte realizzate durante il soggiorno arlesiano. Nel settembre di quello stesso anno va a vivere nell'ala destra della Casa gialla. In quest'edificio, ubicato nella zona nord della città, van Gogh sognava di fondare l'Atelier du Midi, una comunità solidale di artisti. Invita Paul Gauguin a raggiungerlo ad Arles, ma la loro convivenza è resa impossibile dalla diversità dei caratteri e dalle differenti idee sull'arte. Le incomprensioni sfociano nel tragico episodio del dicembre del 1888, quando dopo una discussione van Gogh si mutila un orecchio. Gauguin lascia Arles, e van Gogh nel maggio 1889 entra volontariamente nella Maison de Santé di Saint-Paul-de-Mausole, un vecchio convento adibito a ospedale psichiatrico a Saint-Rémy-de-Provence, a una ventina di chilometri da Arles. Il ricovero non gli impedisce di essere molto produttivo: realizza infatti ben centoquaranta dipinti, figure di contadini, i paesaggi caratterizzati dai luminosi vigneti o dagli uliveti grigio-argentei intorno Saint-Rémy, fra i quali la Notte stellata, oltre a numerosi ritratti, tra i quali primeggiano quelli dedicati all' Arlesiana M.me Ginoux, con ben tre versioni ancora diverse dalle due realizzate ad Arles (tra queste ultime è la versione di proprietà della Galleria Nazionale di Roma). È probabilmente da ascrivere a questo periodo anche Il Giardiniere (anch'esso di proprietà della Galleria Nazionale).

Il 16 maggio 1890 Vincent lascia definitivamente Saint-Rémy per raggiungere il fratello a Parigi, dove conosce per la prima volta il nipotino e la cognata. Il 21 maggio parte per stabilirsi a Auvers-sur-Oise, un villaggio a una trentina di chilometri da Parigi dove risiedeva un medico amico di Théo, il dottor Paul-Ferdinand Gachet che si sarebbe preso cura di lui. Van Gogh prende alloggio nel caffè-locanda gestito dai coniugi Ravoux, nella piazza del Municipio. Sono di quel periodo oltre al Ritratto del dott. Gachet, paesaggi con case di contadini e campi di grano, giardini e tra le sue più violente pitture di fiori. Si spara un colpo di rivoltella il 27 luglio 1890, una domenica, dopo essere uscito per dipingere i suoi quadri come al solito nelle campagne che circondavano il paese, e muore due giorni dopo assistito dal fratello Theo, all'età di 37 anni. I due fratelli sono sepolti uno accanto all'altro ad Auvers-sur-Oise.

Il carteggio: Lettere a Theo, la raccolta di lettere tra Vincent e il fratello minore, il mercante d'arte Théo van Gogh, con il quale intratteneva un rapporto particolarissimo e intimo, e che gli fornì non solo il sostegno finanziario necessario per dipingere, ma soprattutto il supporto emotivo per gran parte della sua vita, costituisce la fonte primaria per la comprensione dell'arte di van Gogh. Tra il 1872 e il 1890 i due fratelli si scambiarono centinaia di lettere: più di seicento da Vincent a Théo e quaranta da Théo a Vincent. Oltre alle lettere da Vincent per Théo ne sono state conservate altre e, in particolare, quelle a van Rappard, a Émile Bernard e alla sorella Wil. Il corpus di lettere è stato pubblicato nel 1913 dalla vedova di Théo, Johanna van Gogh-Bonger.

Testo di Barbara Tomassi

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Sesto episodio della blog serie su Vincent van Gogh. La serie completa è su What's on? , il blog della Galleria Nazionale.

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https://youtu.be/G3nmp680vyg Lezioni d'autore con Valerio Terraroli - Simbolismo e Postimpressionismo

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National Gallery – Van Gogh Girasoli – Londra – Audioguida – MyWoWo  Travel App

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2 - Van Gogh e la forza del colore -- Flavio Caroli

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«Lo scopo abituale ed ultimo della pittura, e di tutte le arti del resto, non può essere la rappresentazione diretta degli oggetti. La sua finalità è di esprimere idee, traducendole in un linguaggio speciale. [...] Ma se è vero che, nel mondo, i soli esseri reali sono le idee, se è vero che gli oggetti non sono che le apparenze rivelatrici di tali idee e, di conseguenza, non hanno importanza se non come segni delle idee, non è meno vero che ai nostri occhi d'uomini, ovvero agli occhi di orgogliose 'ombre di esseri puri', di ombre che vivono nell'incoscienza del loro stato illusorio e nell'amato inganno dello spettacolo del fallacemente tangibile, non è meno vero che per i nostri occhi miopi gli oggetti appaiono sovente come oggetti, indipendentemente dal loro significato simbolico - al punto che, talvolta, non riusciamo ad immaginarceli come segni. [...]Dunque, per riassumere e concludere, l'opera d'arte, per come mi è piaciuto definirla, sarà:1° Ideista, poiché il suo unico ideale sarà l'espressione dell'Idea;2° Simbolista, poiché esprimerà questa Idea attraverso delle forme;3° Sintetica, poiché essa comunicherà queste forme e questi segni secondo una modalità di comprensione generale;4° Soggettiva, poiché in essa l'oggetto non verrà mai considerato in quanto tale, ma in quanto segno dell'Idea percepito da un soggetto;5° (è una conseguenza) Decorativa, perché la pittura decorativa propriamente detta, come l'hanno intesa gli egiziani, probabilmente i greci e i Primitivi, altro non è che una manifestazione artistica contemporaneamente soggettiva, sintetica, simbolista e ideista.»[4](G.Albert Aurier, Le Symbolisme en Peinture: Paul Gauguin, Mercure de France, n° 15, marzo 1891)

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«Lo scopo abituale ed ultimo della pittura, e di tutte le arti del resto, non può essere la rappresentazione diretta degli oggetti. La sua finalità è di esprimere idee, traducendole in un linguaggio speciale. [...] Ma se è vero che, nel mondo, i soli esseri reali sono le idee, se è vero che gli oggetti non sono che le apparenze rivelatrici di tali idee e, di conseguenza, non hanno importanza se non come segni delle idee, non è meno vero che ai nostri occhi d'uomini, ovvero agli occhi di orgogliose 'ombre di esseri puri', di ombre che vivono nell'incoscienza del loro stato illusorio e nell'amato inganno dello spettacolo del fallacemente tangibile, non è meno vero che per i nostri occhi miopi gli oggetti appaiono sovente come oggetti, indipendentemente dal loro significato simbolico - al punto che, talvolta, non riusciamo ad immaginarceli come segni. [...]Dunque, per riassumere e concludere, l'opera d'arte, per come mi è piaciuto definirla, sarà:1° Ideista, poiché il suo unico ideale sarà l'espressione dell'Idea;2° Simbolista, poiché esprimerà questa Idea attraverso delle forme;3° Sintetica, poiché essa comunicherà queste forme e questi segni secondo una modalità di comprensione generale;4° Soggettiva, poiché in essa l'oggetto non verrà mai considerato in quanto tale, ma in quanto segno dell'Idea percepito da un soggetto;5° (è una conseguenza) Decorativa, perché la pittura decorativa propriamente detta, come l'hanno intesa gli egiziani, probabilmente i greci e i Primitivi, altro non è che una manifestazione artistica contemporaneamente soggettiva, sintetica, simbolista e ideista.»[4](G.Albert Aurier, Le Symbolisme en Peinture: Paul Gauguin, Mercure de France, n° 15, marzo 1891)

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Marco Goldin, a partire dal 2002, ha contribuito in modo determinante ad approfondire in Italia la figura e l'opera di Vincent van Gogh. Principalmente con diverse, ampie esposizioni ma anche con alcuni spettacoli teatrali dedicati alla vita e al lavoro dell'artista olandese.

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Padova, Palazzo Zabarella
29 settembre 2018 - 27 gennaio 2019

Mostra a cura di Anne-Birgitte Fonsmark

La mostra è organizzata da Ordrupgaard, Copenaghen, Fondazione Bano Comune di Padova

In esclusiva per l'Italia, a Palazzo Zabarella i tesori francesi del Museo danese di Ordrupgaard

Dipinti, o più correttamente capolavori, di Cézanne, Degas, Gauguin, Manet, Monet, Berthe Morisot, Renoir, Matisse sono proposti in Gauguin e gli Impressionisti. Capolavori dalla Collezione Ordrupgaard, dal 29 settembre 2018 al 27 gennaio 2019, a Palazzo Zabarella. La Fondazione Bano e il Comune di Padova sono entrati, unici per l'Italia, nel pool di quattro grandi sedi mondiali selezionate ad accogliere la celebre Collezione danese, eccezionalmente disponibile per il completo rinnovo del Museo che ad essa è dedicato a Copenaghen. In questi mesi la mostra Gauguin e gli Impressionisti è in corso alla National Gallery of Canada, per raggiungere quindi l'Italia, in Palazzo Zabarella e concludersi in una sede svizzera, prima di rientrare definitivamente all'Ordrupgaard Museum, a nord di Copenaghen. Gauguin e gli Impressionisti. Capolavori dalla Collezione Ordrupgaard consentirà al pubblico italiano di ammirare una strepitosa selezione di opere, il fior fiore della Collezione creata ai primi del Novecento dal banchiere, assicuratore, Consigliere di Stato e filantropo Wilhelm Hansen e da sua moglie Henny. Collezione che è considerata oggi una delle più belle raccolte europee di arte impressionista. E che, all'indomani del primo conflitto mondiale veniva valutata come " senza rivali nel nord Europa ".
Visita la mostra:

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Padova, Palazzo Zabarella 29 settembre 2018 - 27 gennaio 2019 Mostra a cura di Anne-Birgitte Fonsmark La mostra è organizzata da Ordrupgaard, Copenaghen, Fondazione Bano Comune di Padova In esclusiva per l'Italia, a Palazzo Zabarella i tesori francesi del Museo danese di Ordrupgaard Dipinti, o più correttamente capolavori, di Cézanne, Degas, Gauguin, Manet, Monet, Berthe Morisot, Renoir, Matisse sono proposti in Gauguin e gli Impressionisti.

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Padova, Palazzo Zabarella 26 ottobre 2019 - 1 marzo 2020 Mostra Organizzata dal Virginia Museum of Fine Arts La mostra celebra Paul Mellon e sua moglie Rachel 'Bunny' Lambert, due tra i più importanti e raffinati mecenati del XX secolo.

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Cos'hanno in comune van Gogh, Monet, Munch e Dalí? Sono stati tutti ispirati dal maestro francese Jean-François Millet. Una mostra ad Amsterdam per la prima volta fa scoprire questa celebre influenza.

L'artista francese Jean-François Millet (Gréville-Hague, 4 ottobre 1814 - Barbizon, 20 gennaio 1875) è ampiamente considerato come uno dei più importanti esponenti del realismo, praticato alla Scuola di Barbizon. Eppure la sua enorme influenza sulle molte generazioni di artisti che lo hanno seguito viene spesso trascurata. La mostra Jean-François Millet: Sowing the Seeds of Modern Art si concentra per la prima volta proprio su questo aspetto, dimostrando quanto il suo lavoro sia stato molto importante per gli artisti moderni che si sono succeduti dopo di lui, come Vincent van Gogh, Claude Monet, Edvard Munch e Salvador Dalí. Per van Gogh, ad esempio, Millet è stato addirittura un "eroe artistico", dal quale attingere come fonte di ispirazione, a causa dei molti argomenti in comune, come la difficile quotidianità dei contadini e i paesaggi: nel suo ultimo anno di vita, il pittore olandese ha persino dipinto una serie di venti "copie" di opere di Millet. Ecco le immagini...
-Claudia Giraud

Nata a Torino, è laureata in storia dell'arte contemporanea presso il Dams di Torino, con una tesi sulla contaminazione culturale nella produzione pittorica degli anni '50 di Piero Ruggeri. Giornalista pubblicista, iscritta all'Albo dal 2006, svolge attività giornalistica per testate multimediali e cartacee di settore. Dal 2011 fa parte dello Staff di Direzione di Artribune (www.artribune.com ), è responsabile dell'area Musica e cura, per il magazine cartaceo, la rubrica musicale "Art Music". E' stata Caporedattore Eventi presso Exibart (www.exibart.com). Ha maturato esperienze professionali nell'ambito della comunicazione (Ufficio stampa "Castello di Rivoli", "Palazzo Bricherasio", "Emanuela Bernascone") ed in particolare ha lavorato come addetto stampa presso la società di consulenza per l'arte contemporanea "Cantiere48" di Torino. Ha svolto attività di redazione quali coordinamento editoriale, realizzazione e relativa impaginazione degli articoli per l'agenzia di stampa specializzata in italiani all'estero "News Italia Press" di Torino. Ha scritto articoli e approfondimenti per diverse testate specializzate e non (SkyArte, Gambero Rosso, Art Weekly Report e Art Report di Monte dei Paschi di Siena, Exibart, Teknemedia, Graphicus, Espoarte, Corriere dell'Arte, La Piazza, Pagina).

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Cos'hanno in comune van Gogh, Monet, Munch e Dalí? Sono stati tutti ispirati dal maestro francese Jean-François Millet. Una mostra ad Amsterdam per la prima volta fa scoprire questa celebre influenza. L'artista francese Jean-François Millet (Gréville-Hague, 4 ottobre 1814 - Barbizon, 20 gennaio 1875) è ampiamente considerato come uno dei più importanti esponenti del realismo, praticato alla Scuola di Barbizon.

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«Ciò che Van Gogh vuole una pittura vera fino all’assurdo, viva fino al parossismo, al delirio, alla morte. La materia pittorica acquista un’esperienza autonoma, esasperata, quasi insopportabile: il quadro non rappresenta, “è”». Argan

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«Ciò che Van Gogh vuole una pittura vera fino all’assurdo, viva fino al parossismo, al delirio, alla morte. La materia pittorica acquista un’esperienza autonoma, esasperata, quasi insopportabile: il quadro non rappresenta, “è”». Argan

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Per molto tempo la figura artistica di Vincent van Gogh (1853 - 1890) è stata associata prevalentemente al tema della malattia mentale e, seguendo uno stereotipo romantico, la sua genialità ritenuta quasi una conseguenza diretta dei problemi di salute che lo afflissero durante tutta la sua esistenza. Questo video, prodotto dalla Tate di Londra, appoggiandosi a una serie di studi e documenti, mette in discussione l'idea che i problemi mentali possano definire l'identità di una persona, e che un artista debba trarre linfa vitale per le sue opere dal dolore, dalla malattia e dalla sofferenza. Mettendo in evidenza come, al contrario, per il maestro olandese la pittura fosse un modo per distrarsi dalla malattia ed esprimersi a pieno, nonostante tutto. Il video è stato prodotto e diffuso in collaborazione con Mind, un'associazione senza scopo di lucro che supporta le persone con problemi di salute mentale.

Artribune è una piattaforma di contenuti e servizi dedicata all'arte e alla cultura contemporanea, nata nel 2011 grazie all'esperienza decennale nel campo dell'editoria, del giornalismo e delle nuove tecnologie.

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Vincent van Gogh: basta con il mito del genio torturato!

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Per molto tempo la figura artistica di Vincent van Gogh (1853 - 1890) è stata associata prevalentemente al tema della malattia mentale e, seguendo uno stereotipo romantico, la sua genialità ritenuta quasi una conseguenza diretta dei problemi di salute che lo afflissero durante tutta la sua esistenza.

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Lezioni d' autore con Antonio Paolucci - Paul Gauguin, Come sei, gelosa?

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" Io sono un selvaggio, un lupo nel bosco senza collare", diceva di se stesso Paul Gauguin (1848-1903), il pittore francese che cercò la libertà e l'autenticità ai confini della civiltà, in terre lontane, tra popolazioni sconosciute ed esotiche. Ai Tropici Gauguin resterà dal 1891 quasi senza intervalli fino alla morte: dodici anni di immersioni sempre più profonde nella natura lussureggiante, di sensazioni, visioni e colori ogni volta più puri e accesi.
In arrivo nei cinema italiani solo il 25, 26 e 27 marzo, nuovo appuntamento della serie Grande Arte al Cinema, Gauguin a Tahiti. Il paradiso perduto è un viaggio alla ricerca delle origini. Il docu-film, diretto da Claudio Poli su soggetto di Marco Goldin e Matteo Moneta, che firma anche la sceneggiatura, è prodotto da 3D Produzioni e Nexo Digital con il sostegno di Intesa Sanpaolo e vede la partecipazione straordinaria di Adriano Giannini.
Ripercorrendo le tracce di una biografia che appartiene ormai al mito e di una pittura raffinatamente primordiale, il film evento, che vanta una colonna sonora originale firmata dal compositore e pianista Remo Anzovino, ci guiderà in un percorso tra i luoghi che Gauguin scelse come sua patria d'elezione e attraverso i grandi musei americani dove sono custoditi i suoi capolavori: New York col Metropolitan Museum, Chicago con il Chicago Art Institute, Washington con la National Gallery of Art, Boston con il Museum of Fine Arts.
www.nexodigital.it

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Alla ricerca del paradiso perduto. Nei cinema un nuovo film su Gauguin

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Arriva nelle sale il 25, 26 e 27 marzo, distribuito da Nexo Digital, il film evento dedicato alla figura di Paul Gauguin. La storia di un artista che lasciò tutto per seguire la sua ispirazione primitiva e reinventare la pittura occidentale.

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