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https://youtu.be/yQvCiTNDaUA

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Em meu entender, o padlet que realizei ao longo do 1ºPeríodo foi uma mais valia em relação à organização de cada matéria que ia sendo estudada, pois está tudo resumido, o que facilita o estudo, penso que essa é a maior vantagem deste padlet.
Para mim a parte mais complicada de todo o trabalho realizado foi selecionar as partes mais importantes com a quantidade de informação que foi favorecida, desde o manual de Literatura Portuguesa, até a toda uma internet.

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A escultura renascentista distingue-se da gótica essencialmente por deixar de ter a função de elemento ornamental, valendo por si mesma.
Entende-se como um processo de recuperação da escultura da Antiguidade clássica.
Os valores greco-romanos ganham maior importância no século XIII.
O italiano Niccolò Pisano empenhou-se na reformulação dos padrões góticos. Manteve os temas religiosos, mas com expressões humanas e assinalou o início do Renascimento na escultura.

Nos séculos XIV e XV, cresce a admiração pelos clássicos e o culto ao ser humano. Donatello foi um grande escultor, que introduziu o humanismo, precedendo o naturalismo e a glorificação do nu.

O auge da escultura renascentista, contudo, são observadas as obras de Michelangelo, que utilizou enormes blocos de mármore e deixou obras de grande porte e beleza, influenciadas pelos ideais estéticos helenísticos, tais como seu Davi e Pietá.

Principais características da Escultura Renascentista:

Buscavam representar o homem tal como ele é na realidade;

Proporção da figura mantendo a sua relação com a realidade (retoma da técnica do contraposto);

Profundidade e perspectiva;

Estudo da anatomia e do carácter humano:    Representação mais perfeita do corpo humano.

Naturalismo: Representação do nu;

Representação de temas religiosos e profanos;

O relevo da escultura aliada à arquitectura prevalece.

Fontes:
https://www.passeiweb.com/estudos/sala_de_aula/historia/hist_arte_3_renascimento_escultura

https://pt.slideshare.net/Laguat/renascimento-escultura

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Os textos genealógicos, correspondem a uma sequência de nomes e de relações entre os nomes que constituem uma rede familiar ou linhagística, cujo objetivo é de perpetuar a memória e a história de uma sucessão familiar, de uma linhagem ou mesmo de uma rede de histórias familiares que se entre-cruzam.

Quando a genealogia se refere a famílias aristocráticas, encontra-se a denominação de "nobiliários".

Na Idade Média portuguesa, entre os séculos XIII e XIV, os nobiliários eram conhecidos como "livros de linhagens".

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A Anunciação de Castello é retratada nesta pintura pelo pintor renascentista italiano Sandro Botticelli, com cores fortes e luminosas, com a predominância dos tons quentes. O artista mostra o momento  em que o arcanjo Gabriel anuncia à Virgem Maria que o Espírito Santo irá lhe fazer uma visita.

Interpretação do quadro:

A cena passa-se numa sala de piso de terracota com separações de mármore branco. A porta aberta deixa ver a paisagem lá fora, apresentando uma grande e delgada árvore à margem de um rio, que conduz até uma cidade torreada. Mais distante, perto de uma ponte, está ancorado um barco, enquanto outro navega no rio.

A Virgem Maria com um livro de orações, inclina-se delicadamente em direção ao anjo, que se encontra ajoelhado. Ela está suntuosamente vestida e traz na cabeça um delicado véu, que desce sobre seu corpo elegante.

O anjo, ajoelhado, faz-lhe um gesto com a mão direita  saudando a Virgem, enquanto com a esquerda segura um ramo de lírios brancos, que simboliza a virgindade de Maria. A sua presença perto da porta, sugere que este tenha acabado de chegar. As suas asas coloridas caem-lhe pelas costas, sobre as suas roupas vermelhas. O seu corpo está dobrado em direção à Virgem, enquanto a sua sombra desliza, suavemente, pelo chão.

Este quadro de Sandro Boticelli encontra-se no período do neoplatonismo, cujas principais características aqui evidenciadas são: a perfeição, a leveza a graciosidade e a ideia de movimento.
Este quadro foi pintado entre 1489-1490.

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O meu nome é Jéssica Gonçalves,

Defino-me como uma pessoa calma e paciente

Alguns até me chamam de inteligente.

Com uma cara cheia de histórias

E também de muitas alegrias e tristezas
Uma vez que isso está sempre presente nas minhas memórias.

Carrego em mim um olhar

Que nem sempre é cativante,

Mas tenho que conseguir continuar

Para ser mais motivante.

Fisicamente, sou curvada e pequena,

Mas também não pretendo ser muito grande

Porque consigo chegar onde quiser

Basta apenas querer.

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Porque

Porque os outros se mascaram mas tu não
Porque os outros usam a virtude
Para comprar o que não tem perdão
Porque os outros têm medo mas tu não

Porque os outros são os túmulos caiados
Onde germina calada a podridão.
Porque os outros se calam mas tu não.

Porque os outros se compram e se vendem
E os seus gestos dão sempre dividendo.
Porque os outros são hábeis mas tu não.

Porque os outros vão à sombra dos abrigos
E tu vais de mãos dadas com os perigos.
Porque os outros calculam mas tu não.

                      Sophia de Mello Breyner Andresen

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Sophia de Mello Breyner Andreson

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O que é um portefólio ?

Um portefólio deverá conter uma coleção dos trabalhos do seu autor que ilustram os seus esforços, as suas evoluções e as suas realizações.

O que um portefólio deve incluir?

O portefólio pretende testemunhar o processo  de aprendizagem e a progressão do seu autor, reunindo elementos que demonstrem a forma como esse processo foi evoluíndo.

À medida que vai sendo construído , vai mostrando ao seu compositor as estratégias  que utilizou desde o ínicio até ao momento atual permitindo-lhe verificar uma evolução, certamente.

O portefólio deverá incluir reflexões pessoais sobre diversos temas.

Os elementos que devem estar incluidos no portefólio deverão ser definidos pelos seus compositores, podendo ser os seguintes:

·         Uma autobiografia do autor;

·         Projetos de leitura e escrita;

·         Lista dos textos lidos e trabalhados;

·         Textos produzidos;

·         Relatórios;

·         Registos áudios , vídeo;

·         Fichas de leitura de obras lidas.

·         Textos de reflexão.

Em termos de organização, o portefólio deverá incluir diversas secções, com a indicação do seu conteúdo e um índice que facilitará a consulta.

A principal vantagem do portefólio é permitir ao aluno verificar a sua evolução ao longo da publicação de um novo trabalho, permitir ajudar na sua aprendizagem.

Adaptado da página 27 do Manual de Literatura Portuguesa, Viagens

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A poesia trovadoresca desenvolveu-se nos reinos de Leão, Castela e no Reino de Portugal, na Idade Média nos anos de 1196 a 1354.

Cerca de 1680 composições em verso foram produzidas entre os séculos XII e XIV.

Composições musicadas e cantadas em saraus nas cortes dos grandes senhores.

Os poemas eram escritos pelos trovadores que faziam parte da nobreza e pelos jograis que faziam parte do povo.

Os trovadores escreviam os poemas na língua galaíco-portuguesa.

Havia uma estratíficação social como demonstra a seguinte imagem

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Atividades lúdicas de que se ocupavam, nos tempos livres:

·         Faziam torneios

·         Faziam saraus com dança e canto

E também faziam banquetes.

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https://pt.slideshare.net/mobile/gijasilvelitz/poesia-trovadoresca-resumo

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Diz-se que a Idade Média foi uma época teocentrica, ou seja, deus no centro do Universo, pois encontram-se marcos na vida medieval do teocentrismo em todos os níveis.

Política na Idade Média

A nível político o teocentrismo afetou:

A construção de estados e de sociedades estratificadas em classes e hierarquizadas;

O poder real do Papa sobre os estados europeus (no caso de Portugal, D.Afonso Henriques obteve, mediante a promessa do pagamento de um imposto anual ao Papa, o seu reconhecimento como rei do nosso país) e o incentivo às guerras sobre a religião aumentou.

Arte na Idade Média

A nível cultural e artístico o teocentrismo marcou:

·         O monopólio na educação e no ensino;

·         A Filosofia medieval que era a filosofia dos Padres e Doutores da Igreja que assentava na noção de dogma, de autoridade (escolática)

·         Na arquitetura ficaram-nos castelos e fortes militares e catedrais erguidos para Deus;

·         Na pintura representavam-se cenas relacionadas com as escrituras e a vida dos santos em mosaícos e vitrais;

·         Na escultura medieval enriqueceu-se a decoração das catedrais, estátuas de santos, da virgem com o esquecimento de traços individualizadores e nas artes menores:  A arte sacra e a ourivesaria.

·         A arte românica era um estilo artístico que foi criado dentro de oficinas e surgiu nos séculos XI e XII, na Europa.

·         A arte gótica prevaleceu no século XVI, quando os bárbaros invadiram o Império Romano, esta era caracterizada pela criação das abóbadas de arcos cruzados, vitrais, entre outros.

Vida quotidiana na Idade Média

Na vida quotidiana o teocentrismo marcou na aceitação do sofrimento do trabalho duro e mal remunerado, da doença, como sendo instrumentos de purificação e salvação da alma e a valorização da morte em combate pela Fé.

Encontramos também reflexos desta religiosidade, na moda medieval, por exemplo o vestuário largo, destinado a tapar o corpo.

Adaptado de Viagens, Manual de Literatura Portuguesa

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Catedral de Chartres

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Na época, era utilizado a abóbada, dois pilares e paredes grossas com pequenas aberturas (janelas);

As igrejas românicas são grandes e sólidas.

http://historia-da-arte.info/idade-media/arte-romanica.html

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A entrada era diferente da românica, que possui apenas um portal, enquanto a gótica possui três portais que dão entrada para o interior da igreja;

Todas as igrejas do século XII e XIV têm a rosácea,ou seja, uma janela redonda encontrada no portal central;

Os arcos góticos ou ogivais permitiram a construção da abóbada de nervuras, assim como os pilares, que proporcionaram paredes menos grossas para suportar a estrutura. Com a utilização desses arcos as igrejas puderam ser mais altas;

Uso dos vitrais.

http://historia-da-arte.info/idade-media/arte-gotica.html

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Os primeiros vitrais medievais surgiram no século X em catedrais da França e da Alemanha.
Eram janelas que eram coloridas e revelavam a história dos Homens e as verdades da fé.

Detalhe da Catedral de Laon (Catedral de Notre Dame), França

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http://lounge.obviousmag.org/anna_anjos/2013/07/os-vitrais-medievais.html

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Os trabalhos eram ilustrados com iluminuras, pinturas que recebiam folhas de ouro que iluminavam as imagens.

As cores eram obtidas de plantas, minerais, sangue e insetos, por exemplo a tinta vermelha era obtida da argila misturada com púrpura, só era utilizada para títulos, para maiúsculas e para nomes importantes.

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https://ensinarhistoriajoelza.com.br/iluminuras-medievais/

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Rui Veloso-Não há estrelas no céu - Letra

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https://pt.slideshare.net/HMECOUT/as-cantigas-de-amigo

Barcarolas ou marinhas
É uma variedade de cantiga de amigo em que o mar e o rio, constituem o elemento essencial pois são a causa da separação e o meio para o reencontro dos apaixonados.

A fúria do mar do mar ou a maré inesperada funcionam em certas ocasiões como símbolo de isolamento da mulheres.

Albas ou Alvoradas Fazem parte dos subgéneros das cantigas de amigo, e focam-se, essencialmente, no amanhecer após uma noite de amor.
Pastorelas
Subgénero da cantiga de amigo em que é, geralmente o cavaleiro que se dirige a uma pastora que encontra no caminho, manifestando-lhe o seu amor.

Cantigas de Romaria
São cantigas medievais que pertencem ao subgénero das cantigas de amigo, logo destinavam-se ao canto.

Eram, geralmente, três estrofes com seis versos.

As cantigas de romaria distinguem-se das cantigas de amigo por terem a peregrinação, da romaria e de capelas, como pretexto para o desenvolvimento da temática amorosa e profana.

Abordava em geral, a moça do povo que procurava com a ajuda da mãe ou não, os santuários, as igrejas e as capelas com a ideia de encontrar um amado ou um amante, rezava por ele quando este estivesse na guerra, acendia velas para que ele retornasse aos seus braços, ou apenas dançava com as amigas enquanto os rapazes as observavam.

Como ocorre na cantiga "Poys nossas madres vam a Sam Simon, de Pero Viviaez"

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Poys nossas madres vam a Sam Simon

de Val de Prados candeas queymar,

nós, as meninhas, punhemos d'andar

com nossas madres, e elas enton

queymen candeas por nós e por ssy,

e nós, meninhas, baylaremos hy.

Nossos amigos todos lá hiran

por nos veer, e andaremos nós,

baylando ant' eles, fremosas en cós,

e nossas madres, poys que alá van,

queymen candeas por nós e por ssy,

e nós, meninhas, baylaremos hy.

Nossos amigos hiran por cousir

como baylamos, e poden veer

baylar moças de bom parecer,

e nossas madres, poys lá queren hir,

queymen candeas por nós e por ssy,

e nós, meninhas, baylaremos hy.

https://www.recantodasletras.com.br/teorialiteraria/1844811

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O paralelismo é uma construção que obriga a que as estrofes distícas tenham o mesmo verso, apenas com a alteração de uma palavra. Isto verifica-se tanto no primeiro, como no segundo verso do dístico.

O leixa-pren consiste no retomar integralmente um verso da cantiga: o segundo da primeira estrofe é retomado no primeiro da terceira estrofe; o segundo verso da segunda estrofe é retomado no primeiro da quarta estrofe; o segundo verso da terceira estrofe é retomado no primeiro da quinta e assim sucessivamente.
Como demonstra a cantiga seguinte:

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Ondas do mar de Vigo

Se vistes meu amigo

e, ai Deus, se verra cedo!

Ondas do mar levado,

Se vistes meu amado!

e, ai Deus, se verra cedo!

Se vistes meu amigo,

o por que eu sospiro!

e, ai Deus, se verra cedo!

Se vistes meu amado,

por que ei gran cuidado!

e, ai Deus, se verra cedo!

http://portugues-fcr.blogspot.com/2017/11/paralelismo-perfeito.html

# data[].attributes.body
O refrão caracteriza-se por um verso ou um conjunto de versos que se repete/m no final de cada estrofe.
Encontra-se presente em canções literárias e em poemas.
O nome, refrão, provém do castelhano refrán, remontando às poesias gregas, à Bíblia, e, sobretudo, às cantigas líricas trovadorescas, principalmente as cantigas de amigo, como a cantiga "Ai flores, ai flores do verde pino"

# data[].attributes.body
Ai flores, ai flores do verde pino,
se sabedes novas do meu amigo!
ai Deus, e u é?

Ai flores, ai flores do verde ramo,
se sabedes novas do meu amado!
ai Deus, e u é?

Se sabedes novas do meu amigo,
aquel que mentiu do que pôs comigo!
ai Deus, e u é?

Se sabedes novas do meu amado,
aquel que mentiu do que mi há jurado!
ai Deus, e u é?
(...)
https://portugues.uol.com.br/literatura/refrao.html

# data[].attributes.body
Os dias das mulheres são muito semelhantes, o que muda é o dia e a maneira como se levantam, mais alegres ou mais tristes.
Por isso, estava a nascer um dia como outro qualquer, com a particularidade de o sol estar a brilhar, os pássaros a cantar e a menina tinha se levantado alegre ao que tudo indicava que ia ser um dia bom.
Levantou-se bela como sempre e estava a preparar-se para sair de casa, para ir lavar o cabelo à fonte, como sempre, quando se lembrou que no dia anterior tinha combinado com um amigo irem encontrar-se na fontana.
Estava muito feliz por tal e aperaltou-se à altura do encontro.
O amigo, habitante da mesma aldeia, sentia-se atraído pela menina que todas as manhãs ia lavar o seu cabelo à fonte, e pediu-lhe para se encontrarem, na fonte, onde esta ía.
A menina mal acabara de se arranjar em casa e de avisar a mãe que ia lavar os seus cabelos na fonte, saiu de casa e foi ter com o amado.
O rapaz, que não dava contas a ninguém, saiu preparado para o encontro que lhe ia permitir declarar-se à amada, de uma forma direta e sem muitos ensaios para tal.
Como no casamento é o noivo que chega primeiro ao altar, aqui também o foi, chegou o rapaz primeiro que a louçana à fontana.
Instantes a seguir ao rapaz chegar, aparece a louçana muito bela.
O encontro foi divertido e animado, demorando tempo demais para aquele que a louçana demorava na fonte a lavar os seus cabelos e ela teve que ir embora, triste, mas feliz.
A louçana já sabia que a sua mãe lhe ia perguntar o porquê de tanto tempo na fonte, e enquanto ia para casa foi pensando numa desculpa à altura.
Mal chega a casa, a mãe calma e serena pergunta-lhe porque demorou tanto tempo na fontana ao que a filha lhe responde:
• Estavam cervos na fonte, mãe, a revolver a água, esse é o motivo da minha demora.
• Não precisas de mentir, filha, percebi, perfeitamente, que foste ter com um rapaz à fontana.
A filha remeteu-se aos seus aposentos, sem se preocupar que a mãe se tivesse apercebido da sua alegria e que esta tinha ido ter com um amigo.

Texto produzido por mim 😊

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Características das cantigas de amor e diferenças das cantigas de amigo:

O que distingue a cantiga de amor da cantiga de amigo é que nas cantigas de amor são os homens que se dirigem às amadas, a confessar os seus sentimentos, pelo que nas cantigas de amigo são as mulheres (as donzelas) que recordam os seus amigos ausentes, tendo como confidentes a mãe, as amigas ou a Natureza.

A cantiga de amor exprime a “coita” ou “cuita”, um amor que não é correspondido e torna-se obsessivo, repetido em tom de queixa ou de súplica.

A cantiga de amor tal como a cantiga de amigo desenvolve o tema do amor não correspondido, distingue-se, no entanto, por uma mais acentuada aristocracidade de tom e de forma.

É geralmente estruturada como sendo um pedido de amor do poeta à dama.

O canto do amor não se dirige a uma mulher real, exprimindo sentimentos reais que são a transposição amorosa dos sentimentos do vassalo pelo senhor feudal, mas é dedicado a uma mulher abstrata.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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Artifícios poéticos da cantiga de amor de influência provençal

# data[].attributes.subject
Artifícios poéticos da cantiga de amor de influência provençal

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·         Coblas: As estrofes tinham o nome de coblas/cobras e o seu número ficava à consideração de cada autor.

As cantigas galaíco-portuguesas têm, geralmente, três ou quatro coblas, com exceção das paralelísticas.

Cada copla pode apresentar um número variável de versos, mas todas as coplas têm o mesmo número de sílabas e a mesma medida.

O número máximo de versos numa copla era de dez e o mínimo era de dois.

·         Refrão: Podia estar ligado ao corpo da copla pelo sentido, ou ser independente dela.

Não aparece nas cantigas de mestria.

·         Finda: É uma copla de menor extensão, de um a quatro versos, que encerra a cantiga em jeito de conclusão

Nas cantigas de mestria, rima, geralmente, com a segunda parte da última estrofe.

Uma cantiga pode possuir mais do que uma finda.

Atafinda: é um processo de ligação de coplas que é feita pela continuação do último verso de uma estrofe na copla seguinte. Essa ligação faz-se através de partículas como "e", "ca", "pois", "quando", "pero", "que", etc.

Ocorre tanto nas cantigas de mestria como nas de refrão.

Verso/ palavra perduda: Verso/palavra sem correspondência temática/rimática que aparece no meio, início ou fim da copla e deve repetir-se no mesmo lugar.

Enjambemnt/transporte/ encavalgamento: Consiste em completar o sentido de um verso no verso seguinte. D. Dinis chegou até a dividir a palavra.

Este processo é uma constante na poesia de todas as épocas.

Dobre: Repetição da mesma palavra de rima duas ou mais vezes em lugares simétricos da estrofe, de preferência no primeiro e no último verso.

http://portugues-fcr.blogspot.com/2017/11/artificios-poeticos-da-cantiga-de-amor.html

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Quer'eu en maneira de proençal
fazer agora un cantar d´amor
e querrei muit'i loar mha senhor,
a que prez nen fremusura non fal,
nen bondade; e mais vos direi en:
tanto a fez Deus comprida de ben
que mais que todas las do mundo val.

Ca mha senhor quiso Deus fazer tal,
quando a fez, que a fez sabedor
de todo ben e de mui gran valor,
e con tod(o)est´ é mui comunal
ali u deve; er deu-lhi bom sem
e des i non lhi fez pouco de ben,
quando non quis que lh'outra foss'igual.

Ca en mha senhor nunca Deus pôs mal,
mais pôs i prez e beldad'e loor
e falar mui ben e riir melhor
que outra molher; des i é leal
muit', e por esto non sei oj' eu quen
possa compridamente no seu ben
falar, ca nom á, tra'lo seu ben, al.

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Esta é uma cantiga de amor em que o trovador louva a mulher amada, através da utilização de hipérboles, como demonstra o seguinte exemplo:
"tanto a fez Deus comprida de ben/ que mais que todas las do mundo val"
O trovador recorre ás hipérboles para referir que a mulher amada é dotada de todas as perfeições, que não tem imperfeições, que é a mais bela de todas e a mais perfeita mulher que existe há face da terra.

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A intenção destas cantigas é satirizar certos aspetos da vida da corte.

Ao mesmo tempo as cantigas de escárnio e de maldizer recriam situações anedóticas e apresentam uma ridicularização do amor cortês.

As cantigas de escárnio ridicularizam alguém de forma indireta e com palavras simuladas, recorrendo à ironia (recurso expressivo utilizado nestas cantigas)

As cantigas de maldizer ridicularizam alguém com palavras claras e de uma forma direta, com a intenção de ofender.

Eram abordados como temas das sátiras trovadorescas:

·         A cruzada da Balteira;

·         As disputas entre jograis;

·         A traição dos fidalgos na guerra da Granada;

·         As mentiras do amor;

·         Amores entre fidalgos e plebeias.

As cantigas de escárnio e de maldizer diferenciam-se da seguinte forma:

As cantigas de escárnio criticam alguém de forma indireta, não sendo a pessoa satirizada identificada, pelo que as cantigas de maldizer críticam de forma direta, a pessoa satirizada, essa pessoa é identificada.

As cantigas de escárnio recorrem à ironia, enquanto que as cantigas de maldizer difamam a pessoa identificada, e ridicularizam-na.

A linguagem nas cantigas de escárnio é trabalhada, com trocadilhos, e com subtilezas, sendo utilizada nas cantigas de maldizer uma linguagem agressiva.

As cantigas de escárnio apresentam críticas subtis e bem humuradas acerca de uma pessoa, que mesmo sem ter o seu nome explícito, é facilmente reconhecível pelos demais elementos da sociedade, já nas cantigas de maldizer é feita uma crítica pesada e grosseira, com a intenção de ofender a pessoa ridicularizada, há inclusive o uso de palavrões e cita-se o nome ou o cargo da pessoa sobre quem faz a sátira.

https://pt.slideshare.net/HMECOUT/cantigas-de-escrnio-e-maldizer-9200416

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Ai, dona fea, foste-vos queixar

que vos nunca louv´en (o) meu cantar;

mais ora quero fazer um cantar

en que vos loarei toda via;

e vedes como vos quero loar:

dona fea, velha e sandia!

Dona fea, se Deus me perdon,

pois avedes (a) tan gran coraçon

que vos eu loe, en esta razon

vos quero já loar toda via;

e vedes qual será a loaçon:

dona fea, velha e sandia!

Dona fea, nunca vos eu loei

eu meu trobar, pero muito trobei;

mais ora já un bom cantar farei,

en que vos loarei toda via;

e direi-vos como vos loarei:

dona fea, velha e sandia!

Joan Garcia de Guilhade

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Nesta cantiga é feita uma crítica indireta, de forma que fala de uma senhora que é feia, mas não identifica essa pessoa.
Esta senhora queixava-se de não ser louvada por este trovador, pelo que ele decidiu escrever-lhe uma cantiga porque ela era bonita, mas tinha um grande coração, essa foi a razão que motivou este trovador a escrever esta cantiga.
Afirmando que ela é feia, velha e louca, características realistas, daí ele nunca lhe ter escrito uma cantiga de amor, porque nesse tipo de cantigas a mulher é dotada de todas as perfeições, sendo a melhor das melhores.

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Roi Queimado morreu com amor

en seus cantares, por Sancta Maria,

por Da dona que gran bem queria:

e, por se meter por mais trobador,

porque lhe ela non quis bem fazer,

fez-s´el en seus cantares morrer,

mais resurgiu depois ao tercer dia!

Esto fez el por ûa sa senhor

que quer gran ben, e mais vos en diria:

por que cuida que faz i maestria,

enos cantares que faz, á sabor

de morrer i e des i d´ar viver;

esto faz el que x´o pode fazer,

mais outr’omem per ren nono faria.

E non á já desa morte pavor,

senon sa morte mais la temeria,

mais sabe bem, per sa sabedoria,

que viverá, des quando morto for,

e faz-(s) en seu cantar morto prender,

des i ar vive: vedes que poder

que lhi Deus deu, mais que non cuidaria.

E, se mi Deus a mim desse poder

qual oj’el  á, pois morrer, de viver,

já mais morte nunca temeria.

Pero Garcia de Bulgarés

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Em comparação com a cantiga "Ai dona fea, foste-vos queixar" esta cantiga critica de uma forma direta, uma determinada pessoa, através da qual nos permite identificar quem era.

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https://youtu.be/Rs5xS_qIHDs

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Os livros de linhagens ou nobiliários, na Idade Média, assumiam um papel de grande relevância do ponto de vista social.
Nesta época sentia-se uma grande necessidade permanente de escrever as genealogias das grandes famílias, para que elas conhecessem os seus ascendentes, os seus graus de parentesco, porque só conhecendo os graus de parentesco era possível evitar casamentos incestuosos.
Por outro lado, elucidavam também sobre os mosteiros de que os senhores eram fundadores e dos benefícios a receberem provenientes dessas fundações.

Embora muitos dos nobiliários se limitassem a ser a árvore genealógica de uma diversidade de famílias, ordenando devidamente os ramos em que se entroncam, desde os seus ascendentes mais remotos até ao momento em que se escrevia.

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O Livro Velho, o Livro do Deão e o Livro de Linhagens do Conde D.Pedro são os três nobiliários que a Idade Média nos deixou.

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Adaptado do Livro de Literatura "Viagens", página 113

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Nasceu em 1380, em Lisboa foi escrivão e cronista-mor do Reino de Portugal.

Registou por mais de 20 anos a memória do povo e do reino desde a primeira dinastia até ao reinado de D.João, mestre de Avis.

Fernão Lopes foi considerado o maior cronista histórico de Portugal.

Das crónicas de Fernão Lopes chegaram até nós as seguintes crónicas: Crónica de D.Pedro I , a Crónica de D.Fernando  e a Crónica de D.João I, a primeira e a segunda parte.

A Crónica de 1419  é também reconhecida pela maioria dos estudiosos, como sendo da autoria de Fernão Lopes, e é um conjunto de narrativas sobre os sete primeiros reis de Portugal.

Contemporâneo da ascensão da dinastia de Avis ao trono de Portugal, Fernão Lopes sentiu de perto a força do povo nas lutas pela liberdade.

Para ele, a história de um povo não era constituída apenas pelas façanhas dos reis e cavaleiros, mas também por movimentos populares e forças económicas.

Descreveu não só o ambiente das cortes, mas também as aldeias, as guerras, o sofrimento da população e a alegria das vitórias. O seu interesse pelo lado humano dos factos que determinaram a História é evidente, não poupou críticas a reis e nobres.

A obra de Fernão Lopes é um documento, na medida em que pretende registrar e fazer prova dos factos considerados dignos de memória que tem o rei como o protagonista da história, mas além de um documento, é também um monumento, uma vez que pretende fixar uma exaltação dos feitos régios, que passava pela construção de túmulos e pela fundação de capelas régias, pela edificação de paços reais como o de Sintra ou do Mosteiro da Batalha.

O cuidado em fundamentar a versão dos acontecimentos, recorrendo a fontes narrativas ou documentais, a sua indagação junto de pessoas que ainda tinham presenciado os acontecimentos revolucionários de 1383 a 1385, as declarações de apego à verdade, como ele mesmo escreve, levou o cronista a atingir os seus objetivos e a ganhar credibilidade.

Pela qualidade das suas crónicas foi considerado o pai da historiografia portuguesa.

Características da escrita de Fernão Lopes:

Páginas criadas como modelo, pelo estilo, são aquelas em que descreve a revolução de 1383, que leva ao poder o grande chefe da casa de Avis, D. João I.

Quanto ao estilo de Fernão Lopes, ele representa uma literatura de expressão oral e de raiz popular. Tendo o próprio dito que em suas páginas não se encontra a beleza das palavras, mas a nudez da verdade.

Fernão Lopes não foi só um historiador, mas o criador da prosa portuguesa de alta qualidade literária.

Fernão Lopes permaneceu como cronista oficial do reino até 1448 quando o rei D. Afonso V (1438-1481) nomeou Gomes Eanes de Azurara como o cronista-mor do Reino.
Fernão Lopes permaneceu como guarda-mor da Torre do Tombo até 1454, e segundo os pesquisadores, teria falecido em Lisboa, no ano de 1460.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa "Viagens"
https://www.estudopratico.com.br/biografia-de-fernao-lopes/

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Alexandre Herculano, refere a seguinte expressão “poucos homens têm nascido historiadores como Fernão Lopes” e que o cronista “adivinhou os princípios da moderna história”.

Fernão Lopes começa por referir que todos os homens ganham uma afeição extraordinária à terra onde nasceram e onde vivem, e por isso quando contam alguma coisa a seu respeito, nunca revelam, realmente, a verdade, exageraram no bem e ocultam o mal, suavizando-o.

Fernão Lopes, refere que aqueles que, anteriormente, escreveram os feitos de Portugal e de Espanha, sobretudo os referentes ao Rei da Boa Memória e ao seu homónimo de Castela.

Fernão refere ao dizer isto que Lopes de Ayala, se referiu “ao nosso D.João I” e referiu que Lopes de Ayala foi imparcial, porque exagerou naquilo que escrevia e escrevia bem sobre a pátria e sobre aqueles que lhe estavam a pagar.

Fernão Lopes refere que a história deve expor a verdade, sem mentiras o que não acontecia neste tipo de crónicas, um cronista devia e deve ser imparcial e deve relatar, exatamente, com base nos seus estudos como tudo se processou sem ocultar informações importantes que ocorreram.

Mas também indica que há a possibilidade de se enganar e se existir algum engano nas suas crónicas que são coisas que acontecem.

Apesar de tudo, indica que não vai errar, vejamos: “Oh, com quanto cuidado e diligência vimos grandes volumes e livros, de desvairadas linguagens e terras “

Refere por isso que estudou imenso e com muita atenção grandes livros, pelo que não se vai errar.

Fernão Lopes, refere que quando se conseguia a certeza dos factos, o historiador não deve recear a beleza de possíveis narrações menos verdadeiras.

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http://ensina.rtp.pt/artigo/as-cronicas-de-fernao-lopes/

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http://ensina.rtp.pt/artigo/d-pedro-i-1320-1367/

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http://ensina.rtp.pt/artigo/d-fernando-i-1345-1383/

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http://ensina.rtp.pt/artigo/d-joao-i/

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Das obras que Fernão Lopes realizou, chegaram até nós 3 que são:

·         A Crónica de D.Pedro I

·         A Crónica de D.Fernando

·         A Crónica de D.João I

Crónica de D.Pedro I
A crónica de D.Pedro I situa-se entre os anos de 1357-1367, reinado deste monarca.

Metade da narrativa situa-se em Castela, em torno do rei e dos episódios da guerra cívil.

Esta crónica é constituída por 44 capítulos.

Crónica de D.Fernando
A crónica de D.Fernando ocupa os anos de 1367-1383, e corresponde à história do reinado deste monarca, especialmente chamada “Guerras Fernandinas”.

Tem 178 capítulos.

Crónica D.João I
A crónica de D.João I é constituída por 2 partes:

A 1ªParte da crónica de D.João I situa-se num curto período de 16 meses, que vai do assassinato do conde Andeiro, em dezembro de 1383, à aclamação do Mestre de Avis, como rei de Portugal, em abril de 1385.

Tem 193 capítulos.

A 2ªParte remete-nos a abril de 1385 até 31 de outubro de 1411 e corresponde à história do conflito entre Portugal e Castela.

Tem 204 capítulos.

(A crónica de D.João I apresenta características comuns com outras crónicas medievais, pois regista:

Acontecimentos históricos por ordem cronológica.

Narra os acontecimentos com muito detalhe, conferindo-lhe maior visualismo e veracidade.

Inclui diversas perspetivas, nomeadamente, a do povo.

Apresenta comentários pessoais do autor)

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· Crítica à parcialidade de alguns cronistas que escrevem sobre a sua pátria e aos que lhes pagam porque exageravam aquilo que escreviam que não eram imparciais.

·Parcialidade dos cronistas como consequência da necessidade de sobrevivência.

· Critica à parcialidade de Lopes de Ayala que também escreveu sobre a crise de 1383-85 e que enalteceu factos que não ocorreram e ocultou outros.

· Escreveu a verdade sem outra mesura, sem mentiras, sem ocultar nada

·  Fernão Lopes coloca a possibilidade de ser induzido a erro pelas fontes consultadas, distinguindo, por este motivo, mentir de erro. Reconhece no entanto que procedeu a uma rigorosa investigação para apurar a verdade dos factos.

·  Se for encontrado algum erro será por engano das fontes, não por querer

·  Não se preocupou com a beleza das palavras, mas sim com a verdade dos factos.

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Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, página 161

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A crise de 1383-85 foi um periodo da guerra cívil na História de Portugal, porque o rei D.Fernando morreu e não deixou sucessores, masculinos, ao trono.

Apesar das Cortes de Coimbra terem escolhido, em 1385, um novo rei D.João I de Portugal.

O rei de Castela, João I não desistiu de conquistar um novo reino para si e decidiu invadir Portugal.

O exército de Castela era mais numeroso que o português, mas mesmo assim foi  derrotado na batalha de Aljubarrota graças à tática do quadrado.

O exército português foi comandado por Nuno Álvares Pereira, que foi nomeado por D.João I, o “Condestável do Reino”.

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Escolhi esta música porque gosto de determinadas citações que aqui se encontram e porque consigo perceber a mensagem que o autor consegue passar

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Fontes narrativas:

Crónica do Condestabre de Portugal (sobre Nuno Álvares Pereira), anónima, redigida entre 1431 e 1436.

Tratados dos Feitos de D. João, Mestre de Avis, de Cristophorus (eclesiástico ou doutor em leis).

Crónica dos Reis de Castela, de Pero López de Ayala.

Crónica dos Feitos de D. Fernando, de Martim Afonso de Melo.

Livro de linhagens do conde D. Pedro.

Pelo menos cinco narrativas anónimas, referidas pelo próprio cronista que descrevem a Batalha de Aljubarrota.

A obra de López de Ayala serviu como fonte para 55 capítulos da Crónica de D. Fernando.
A Crónica de D. Juan I foi aproveitada em 70 capítulos da Crónica de D. João I.
Já a Crónica do Condestabre é usada quase na totalidade, não tendo sido utilizados apenas 8 capítulos.
O cronista português chega mesmo a copiar períodos inteiros destas obras.
As fontes narrativas dominaram a pesquisa de Fernão Lopes, tendo a consulta de fontes documentais ocorrido, de forma pontual, somente para completar o relato.

Fernão Lopes recorre a várias fontes, com o objetivo de:

1. Fundamentar a verdade histórica em documentos escritos;

2. Confrontar os documentos para aferir a verdade dos factos.

Fontes documentais:

Atas de cortes.

Documentos das chancelarias.

Bulas papais.

Bitafes antigos, isto é, epitáfios de sepulturas.

Práticas e sermões, procurações.

Fontes Orais:
Fernão Lopes recorreu a testemunhos de pessoas que assistiram/participaram nos acontecimentos que ele estava a narrar.
Também esteve em contacto com pessoas que estiveram presentes na crise de 1383-85, e de pessoas que viveram nesse período de tempo da História em que Fernão Lopes era apenas uma criança, relativamente à crise de sucessão ao trono, a crise de 1383-1385.

http://portugues-fcr.blogspot.com/2017/12/fontes-da-obra-de-fernao-lopes.html

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Amizade é algo que todos nós conhecemos alguns mais do que outros, mas é algo que todos podemos ter.
Temos muitos géneros de amizades desde aqueles amigos que nos acompanham desde o início da nossa vida e aqueles que a vida nos dá a oportunidade de conhecer com o passar do tempo.
Géneros de amizades à parte gostaria de apelar a quem se sente sozinho que ter alguém em que possamos confiar e contar os nossos problemas é um grande conforto e ajuda nos não só nas épocas mais fáceis como, principalmente, nas mais difíceis.
Um amigo é aquele que está sempre lá quando nós precisamos e aquele que diz as verdades mesmo que doam e que sejam difíceis de aceitar, isso é ser um verdadeiro amigo, para mim é claro.
Um amigo não está connosco apenas nos momentos mais felizes e nos mais divertidos, mas sim aquele que está presente em tudo.
Opiniões são opiniões e a minha vale o que vale, acho que não devemos procurá-los, eles acabam sempre por surgir nas nossas vidas e se não forem de facto amigos de verdade nem precisam de se manifestar porque o que não falta são pessoas assim falsas e apenas estão connosco com outras intenções.

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Fernão Lopes expõe a sua conceção de História que para ele tem de ser apenas a verdade.

Ele refere que há uma diferença e um contraste entre as obras dos cronistas anteriores que se deixaram levar pela beleza da produção escrita e não pela verdade dos factos.

No prólogo de Fernão Lopes está evidenciada a serenidade do seu trabalho sobre os materiais históricos não deve fazer esquecer o texto que se lhe segue é o resultado da transposição desse trabalho para um discurso narrativo sobre a qual é feito o juizo e a afeição.

Refere que o historiador deve ter o cuidado de contar os factos ocorridos de uma forma imparcial.

Coloca os factos por ordem cronológica.

Se se seleciona-se os factos certificáveis, não haveria crónica, mas uma curta lista de nomes, datas, parentesco e alguns acontecimentos públicos e emblemáticos.

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Gil Vicente nasceu em 1465 em Guimarães e faleceu no ano de 1536 em Évora, mas devido à falta de documentação são desconhecidos muitos factos da sua vida e são também cercados de muitas dúvidas, como por exemplo a sua verdadeira identidade:

·   No início do século XVI há referência a um Gil Vicente na corte, participando nos torneios poéticos;

·   Em documentos da época, aparece outro Gil Vicente, o ourives, a quem é atribuída a Custódia de Belém, em 1506;

·  Há ainda mais um Gil Vicente que foi “Mestre da Balança” da Casa da Moeda.

Especulações à parte, sabemos que Gil Vicente foi um dramaturgo e poeta português e foi o maior representante da Literatura Renascentista de Portugal, antes de Camões.

Criador de vários autos, Gil Vicente é considerado, por muitos, o fundador do teatro em Portugal.

A 1ª Obra de Gil Vicente

Gil Vivente apareceu em 1502 quando encenou a peça “Auto da Visitação” ou “Monólogo do Vaqueiro” em homenagem ao nascimento do príncipe D.João, filho de D.Manuel I.

O Auto da Visitação era um monólogo escrito em castelhano que retratava a história de um simples homem do campo expressando a sua alegria pelo nascimento do herdeiro.

Fases e obras de Gil Vicente

A obra de Gil Vicente foi classificada em 3 partes:

A primeira fase foi de 1502-1508 e teve influência espanhola de Juan del Encina, nesta fase o autor apresenta peças com um conteúdo religioso, são elas:

·  Auto da Visitação/ Monólogo do Vaqueiro

·   Auto Pastoral Castelhano

·    Auto de São Martinho

·    Auto dos Reis Magos

A segunda fase que decorreu nos anos de 1508 a 1516, com a apresentação da sátira social que apresenta uma visão ampla da sociedade da época e adquire um carácter mais pessoal, são exemplos desta segunda fase as seguintes obras:

·         Quem tem farelos?

·         Auto da Índia

·         O Velho da Horta

·         Exortação da Guerra

E por fim, a terceira fase que percorreu os anos de 1516 a 1536, onde Gil Vicente atinge uma maturidade intelectual e aparecem seguidos da crítica do costume as atitudes moralizantes de carácter medieval.

São dessa época as melhores obras teatrais da Literatura Portuguesa, são elas:

Farsa de Inês Pereira

O Clérigo da Beira

Auto da Lusitânia

Comédia do viúvo

Trilogia das Barcas ( Auto da Barca do Inferno, Auto da Barca do Purgatório e o Auto da Barca da Glória

A Floresta dos Enganos

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O texto dramático é o texto que se destina a ser lido e/ou representado.
Pode ser escrito em prosa ou em verso e as falas das personagens são introduzidas em discurso direto.

· A ação é apresentada pelas personagens e situa-se num tempo e num espaço.

· Além destes elementos, há ainda as chamadas indicações cénicas ou didascálias.

· O texto dramático, criado pelo dramaturgo, tem como finalidade ser representado, passando, assim, a texto teatral, onde se destaca a função do encenador, o qual interpreta o texto escrito pelo dramaturgo e encena, ou seja, põe em cena o espetáculo teatral.

· O texto dramático é constituído por:

1. Texto Principal – Composto pelas falas ou réplicas das personagens, que aparecem em discurso direto, a seguir ao nome de quem as diz, podendo apresentar-se sob a forma de:

Diálogo: Falas entre duas ou mais personagens;

Monólogo: uma personagem, falando consigo mesma, expõe perante o público os seus pensamentos e/ou sentimentos;

Aparte: comentários de uma personagem que não são ouvidos pelo seu interlocutor.

2. Texto Secundário- Composto pelas indicações cénicas ou didascálias, que se destinam ao leitor, ao encenador da peça e aos atores.

São compostas:

Pela listagem inicial das personagens;

Pela indicação do nome das personagens no início de cada fala;

Pelas informações sobre a estrutura externa da peça (divisão em atos, cenas ou quadros);

Pelas indicações sobre o cenário e guarda-roupa das personagens;

Pelas indicações sobre a movimentação das personagens em palco, as atitudes que devem tomar, os gestos que devem fazer ou a entoação de voz com que devem proferir as palavras.

O texto dramático apresenta dois tipos de estrutura:

1. Estrutura externa:

Atos: São grandes divisões do texto dramático, que correspondem a um espaço. Muda o ato, muda o cenário;

Cenas: Quando há entrada ou saída de personagens.

2. Estrutura interna:

Exposição: Apresentação das personagens e dos antecedentes da ação.

Conflito: Conjunto de peripécias que fazem a ação progredir.

Desenlace: Desfecho da ação dramática.

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Personagens, Ação, Espaço, Processos de cómico, Resumo da obra e Intenção crítica:

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Personagens, Ação, Espaço, Processos de cómico, Resumo da obra e Intenção crítica:

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A Farsa de Inês Pereira é uma peça de teatro escrita por Gil Vicente e surgiu após muitos afirmarem que Gil Vicente plagiava obras do teatro espanhol, de Juan del Encina.

Perante estas acusações Gil Vicente pediu para aqueles que o acusavam de copiar Juan del Encina, para lhe darem um tema sobre o qual ele pudesse escrever e o tema era o ditado popular: “Mais vale asno que me leve que cavalo que me derrube”.

É a partir daqui que surge “A Farsa de Inês Pereira”, uma peça em que Gil Vicente, de facto, responde àqueles que o acusavam de plágio.

A peça foi apresentada pela primeira vez em 1523, ao rei D. João III.

Esta farsa é considerada para muitos a obra mais complexa de Gil Vicente e é considerada a peça mais divertida e humanista de Gil Vicente, pelo facto da protagonista trair o marido e não receber nenhuma punição ou censura por isso, diferentemente das personagens de “O Auto da Barca do Inferno” ou de outras obras que este já havia escrito como o “O Velho da Horta”.

Personagens:
Inês Pereira: É a personagem principal desta obra, como tal para além de dar nome à peça, toda a história gira à sua volta e ela nunca saí de cena.
É uma rapariga jovem, bonita, inteligente e solteira que passa os dias aborrecida com as tarefas domésticas que tem de realizar.
Ela está sempre a queixar-se de tal, deseja ter liberdade e diversão e vê no casamento a chance de se livrar da vida doméstica.
Ela sonha casar-se com um rapaz bem educado, que saiba cantar e dançar, basicamente, que fosse um fidalgo capaz de a fazer feliz.
Inês pertencia à pequena burguesia.
O seu quotidiano era enfadonho, pois ela passava os dias bordando, fiando e costurando. Despreza o casamento com um homem simples, preferindo um marido de comportamento refinado. Idealiza-o marido como um fino cavalheiro que soubesse cantar e dançar. Contraria as recomendações maternas rejeitando Pero Marques e casando-se com Brás da Mata, e fica frustrada com a experiência e aprende que a vida pode ser boa ao lado de um humilde camponês. Inês deixa-se levar pelas aparências e ridiculariza Pero Marques despedindo-o da sua casa para receber Brás da Mata. Casa-se com ele, mas a sua vida torna-se uma prisão, ela não pode sair e é constantemente vigiada por um moço. Inês sofre e chega a desejar a morte do marido. Ele morre covardemente na guerra e Inês casa-se com Pero Marques. Ele satisfaz todos os seus desejos e chega até a carregá-la às costas para um encontro com um amante (sem saber, porém, que era para isso).

Mãe de Inês: É uma mulher de boa condição económica, que sonha casar a sua filha Inês com um homem de posses. É a típica dona de casa pertencente à pequena burguesia. Preocupa-se com a educação e o futuro da filha em idade de casar. Dá conselhos prudentes, inspirada por uma sabedoria popular imemorial. Chega a ser comovente em sua singela ternura pela filha, a quem presenteia com uma casa por ocasião das núpcias.

Leonor Vaz: Era uma fofoqueira que se encarregava, normalmente, em arranjar casamentos e encontros amorosos. É o esterótipo da comadre casamenteira que sabe seu ofício e dele se desincumbe com desenvoltura. Sabe valorizar seu produto com argumentos práticos de quem tem a experiência e o senso das coisas da vida. Era alcoviteira.

Pêro Marques: É o primeiro pretendente de Inês que é rejeitado por ser grosseiro e simplório, apesar da sua boa condição financeira. Foi o seu segundo marido. Um camponês simples, que não conhece os costumes das pessoas da cidade.  É uma personagem ambígua, ao mesmo tempo que é ridicularizado pela ingenuidade, é valorizado pela integridade de carácter. Fiel e dedicado, revela se um gentil e carinhoso marido.

É tão simples que não sabe para que serve uma cadeira. É teimoso como um asno e diz que não se casará até que Inês o aceite um dia.

Latão e Vidal: São judeus casamenteiros, assim como Leonor. Os judeus casamenteiros são muito parecidos, ou seja, têm as mesmas características, na verdade são o mesmo, mas repartido em dois. São a caricatura do judeu hábil no comércio. Faladores, insinuantes, humildes, serviçais e maliciosos, são o estereótipo de que a literatura às vezes se serviu, como, por exemplo, no caso desta peça de Gil Vicente.

Brás da Mata: É escudeiro e é o primeiro marido de Inês. Interesseiro e dissimulado é a representação da esperteza das classes superiores. É um nobre empobrecido que não perde o orgulho e pretende aproveitar-se economicamente de Inês através do dote. Brás da Mata é um escudeiro, isto é, homem das armas que auxiliava os cavaleiros fidalgos. Na mudança do feudalismo para o capitalismo, a maioria permaneceu numa condição subalterna, procurando imitar a aristocracia.

Moço (Fernando): É o criado de Brás. Um pobre coitado, explorado por um amo infame. Humilde, deixa-se explorar e acredita ingenuamente nas promessas do Escudeiro. Cumpre a sua obrigação sem ver a sua recompensa, mas é capaz de, em suas queixas, insinuar as farpas com que cutuca o mau patrão.

Ermitão: É um antigo pretendente de Inês e amante depois do seu casamento com Pêro. É um falso monge que veste o hábito para conseguir realizar o seu propósito de possuir Inês.

Fernando e Luzia: São amigos e vizinhos da mãe de Inês.

Fonte: https://www.passeiweb.com/estudos/livros/a_farsa_de_ines_pereira

Tempo: O tempo representado na peça não é indicado. As cenas vão seguindo uma sequência não dando a ideia de tempo decorrido entre uma e outra. A única menção feita é do período passado desde que o Escudeiro foi à guerra até a chegada da notícia de sua morte: três meses, segundo o Moço.

Espaço: A maioria das cenas passam-se no mesmo espaço especificado apenas como "a casa de Inês". Todos os personagens acabam por passar por ali. Em alguns momentos, os personagens vêm se preparando no caminho para a casa, como acontece com Pêro Marques e o Moço. Mas de nenhum desses lugares há indicações cenográficas específicas como descrição do ambiente ou iluminação. A mesma desatenção aparece com relação aos trajes dos personagens. Apenas Pêro Marques tem sua roupa genericamente explicitada: “Aqui vem Pêro Marques, vestido como filho de lavrador rico, com um gibão azul deitado ao ombro, com o capelo por diante”.

Ação: Gil Vicente desenvolve o provérbio “Mais quero asno que me leve que cavalo que me derrube”

Gil Vicente desenvolve uma história com princípio, meio e fim, em que demonstra que é preferível um asno ( o marido ingénuo e bronco, Pêro Marques) que leve Inês às costas e que lhe faça todas as vontades, a um cavalo ( o marido avisado e discreto, o escudeiro Brás da Mata) que a derrube, porque a privava da liberdade e que a ameaçava constantemente.

Estrutura:

Exposição: O monólogo inicial de Inês e o diálogo com a mãe em que se apresentam as características da jovem e os seus objetivos.

Conflito: Desde a chegada de Leonor Vaz até ao casamento com Pêro Marques.

Desenlace: A partir do casamento com Pêro Marques até ao final, que concretiza o tema da peça e o provérbio que a determinou.

Intenção crítica:

Esta peça é uma visão crítica de tipos e fenómenos da época. A crítica à sociedade do tempo de Gil Vicente é conseguida com o recurso à ironia,
à criação de personagens-tipo e aos processos de cómico.

A ironia está presente em várias situações, como por exemplo:

No diálogo inicial entre Inês e a Mãe;

No diálogo entre a mãe de Inês e Leonor Vaz quando esta conta o que lhe acontecera na vinha;

Na reação de Inês à carta de Pêro Marques;

No diálogo entre Pêro e Inês (nas falas de Inês)

Nas respostas e apartes do Moço, quando este fala com o Escudeiro;

Nas falas de Inês quando o escudeiro parte para África;

No diálogo de Inês com Leonor, após ficar viúva.

Personagens-tipo:

Inês: Moça do povo, preguiçosa, ambiciosa e fantasiosa.

Mãe de Inês: Pragmática e materialista, quer ver a filha casada com um homem com posses económicas, desprezando ideias de amor.

Leonor Vaz: Era alcoviteira.

Pêro Marques: Homem do campo com pouca educação: o asno, o inadaptado à sociedade, objeto de vingança de Inês.

Escudeiro: De baixa nobreza em degradação, faminta e pelintra.

Judeus: Interesseiros, e aldrabões.

Ermitão: Pertence ao clero leviano e esquece os seus deveres e a sua  moral.

Moço: Classe servente (povo/plebe)

Tipos de cómicos/ Processos de cómico:

Cómico de Caracter:

Verifica-se nas figuras de Pêro Marques (é bronco e deslocado quando se junta a Inês e à sua mãe) e do Escudeiro pobre e cobarde, mas dissimulado na elegância do seu discurso e na fanfarronice mostra todas as suas fraquezas e misérias.

Cómico de Situação:

Quando Pêro Marques se senta na cadeira ao contrário e de costas para Inês e a sua mãe;

Na fala dos Judeus casamenteiros, que, na sua sofreguidão e calculismo para conseguirem casar Inês com o Escudeiro, repetem-se, interrompem-se e atropelam-se, constantemente.

No episódio final quando Pêro Marques, descalço transporta Inês às costas e quando aceita cantar uma cantiga em que se auto intitula de “marido cuco”.

E por fim, o cómico de linguagem:

Quando Pêro Marques entra com a sua linguagem com bastantes termos e expressões provincianas;

Quando os Judeus produzem o seu discurso repetitivo e arrastado;

Quando Inês se refere a Pêro Marques dizendo-lhe “Ei-lo se vem penteando/será com algum ancinho?”

Na ironia do Moço desmascarando a pelintrice do Escudeiro

E nos trocadilhos (Quando Pêro Marques diz que é o seu “morgado” e a mãe de Inês pensa que ele é morgado;

Quando Inês pergunta a Pêro se pode sair e ele pensa que ela se refere a “evacuar”.

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https://youtu.be/xI5keH8rLkQ

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Gil Vicente foi o fundador do teatro português.
Em sua honra temos um liceu com o seu nome, uma estátua e os seus autos que são muito conhecidos, mas que são pouco lidos.
Gil Vicente não é Shakespear nem Moliére, mas há um ditado que assenta bem nesta comparação: "Quem não tem cão, caça com gato."
Então, Gil Vicente tal como o gato gosto de carícias e fica acomodado no regaço dos poderosos do tempo, é acariciado e retribui as caricias.
Onde aprece "a unha de Gil Vicente" ele alcança quantos sorrisos que ficam grudados nos rostos da corte.
Gil Vicente foi o génio do seu tempo.
Os autos do mestre Gil foram feitos a el-rei porque assim o tinha de ser, porque el-rei os queira.

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A poesia palaciana foi desenvolvida a partir do século XV dentro do movimento literário denominado Humanismo.

Recebeu esse nome pois ela era produzida nos palácios e estava destinada aos nobres, ou seja, tinham o intuito de entreter os membros da Corte.

Os principais temas explorados pela poesia palaciana eram:

os costumes da corte;

temas religiosos, satíricos, líricos e heroicos.

A poesia palaciana foi reunida pelo poeta português Garcia Resende (1482-1536) no “Cancioneiro Geral” (1516). O cancioneiro reunia cerca de 900 produções poéticas da época.
Os principais escritores reunidos no cancioneiro foram:

Garcia de Resende

João Ruiz de Castelo Branco

Nuno Pereira

Fernão da Silveira

Conde Vimioso

Aires Teles

Diogo Brandão

Gil Vicente

Diferença entre a poesia palaciana e a Lírica Trovadoresca:

No trovadorismo, as principais produções poéticas foram as cantigas líricas (Amor e Amigo) e as cantigas satíricas (Escárnio e de Maldizer). Eram textos poéticos recitados e acompanhados por música e danças, e daí o nome “cantigas”.

Assim, as cantigas trovadorescas eram produzidas para serem cantadas, enquanto as poesias palacianas, para serem declamadas.

As principais composições poéticas exploradas no período foram:

Vilancete

A esparsa

A cantiga e a trova.

Principais características da poesia palaciana:

Ausência de instrumentos musicais

Separação entre poesia e música

Presença de redondilhas (5 ou 7 sílabas poéticas

Uso de figuras de linguagem

Presença de idealismo e sensualidade

Métrica, ritmo e expressividade

Fonte: https://www.estudopratico.com.br/poesia-palaciana/

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O Humanismo classificava-se na Idade Média como uma etapa de obscurantismo e o renascimento como um tempo de puro esplendor, de uma absoluta defesa da dignidade humana.

Quando falamos no Renascimento importa-nos a sua complexidade, às diferenças de ritmo da sua manifestação e da sua evolução, onde se desenvolveu um fenómeno essencialmente cultural, articulam-se fatores sociais, políticos, económicos e religiosos, consoante o espaço da Europa.

No século XIV, Itália foi o berço do Renascimento, lá houve uma valorização da gramática, da retótica, da poesia e da filosofia moral que são considerados capazes de libertar o indivíduo e de o elevar.

O Humanismo acredita nas qualidades do Homem, uma vertente mais filosófica, o Renascimento implica o Humanismo, de uma forma conceptual.

O Renascimento procura um equilíbrio entre a forma e o conteúdo.

O exercicío das letras pautado por regras, cantava temas claros (o amor, a herocidade, a justiça, a felicidade e a salvação) foi insistentemente enaltecido e equiparável.

Delineou-se uma hierarquia de géneros, associados a honrosas linhagens:

A Epopeia

Tragédia

Comédia, ocupavam os lugares cimeiros.

Renascimento em Portugal:

Em Portugal, as artes e as letras renovaram-se com a abertura ao exterior de criadores e intelectuais quer pela passagem por Itália, quer pelo acesso a outros ambientes (como os urbes universitários de Paris e de cidades como Flandres)

Ao renascimento em Portugal associamos, facilmente, a experiência das viagens e dos descobrimentos, que foram consequências da atividade mercantil, deixou rasto em domínios do saber como: a Matemática, a Astronomia, a Botânica ou a Geografia e ainda aumentou em excesso um exercício cultural e literário.

No termo da governação de D.João III havia uma distinção pela interferência de fatores, entretanto conjugados: a Inquisição que cerceou leituras e vigiou opiniões (severa quanto à liberdade crítica dos seus juízos sobre a Igreja, da Reforma Luterana ou do judaísmo, esta foi instaurada em 1536.

Adaptado do Manual de Literatura "Viagens", páginas 258/259

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O movimento humanista surge da necessidade de ideias e da vontade de renovação do saber, este representa a atitude da inteligência Europeia, reagindo à Época Medieval, voltando-se para a antiguidade greco-latina.

As atenções passam a centrar-se sobre o Homem, desviando-se de Deus, pois o teocentrismo dá lugar ao humanismo, passando o Homem a ser a medida de todas as coisas.

O interesse pela ação do Homem faz crescer um orgulho nas suas capacidades e nas suas vitórias.

(Camões deixa transparecer uma confiança exagerada do Homem em si próprio.)

Filósofos, escritores, historiadores esforçam-se por descrever e exaltar a natureza humana, quer pela referência ao seu mundo interior, quer pela sua atuação sobre o mundo em que ele se insere.

Adaptado do Manual de Literatura "Viagens", página 261

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Designa-se assim o conjunto dos princípios desenvolvidos pelos artistas renascentistas.

Os elementos fundamentais do Classicismo europeu são:

a noção de modelo artístico e da necessidade de imitação de tais modelos;

a noção e o princípio da intemporalidade do Belo que será para sempre belo, uma vez ter sido dito;

o princípio da obediência às regras próprias de cada género literário ou de cada modalidade artística;

o gosto pela perfeição;

o gosto pela estabilidade, clareza e simplicidade das estruturas frásicas, em literatura.

Adaptado do Manual de Literatura "Viagens", página 261

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As obras de arte do Renascimento retratavam uma nova maneira de observar o mundo e de se relacionar com ele.

A expressão artística do Renascimento era um retrato do dinamismo da época , em que as figuras das artes plásticas traduziam a ideia de movimento, com características como:

A naturalidade da expressão, com elegância e ritmo, que contrastava com a arte medieval, que era mais solene, rústica e simbólica.

As primeiras manifestações da arte plástica no Renascimento foram detetadas por alguns especialistas, no século XIV.

Os artistas desta época baseavam-se na realidade para produzir pinturas, tinham uma base naturalista.

Já no século XV, devido ao aumento das encomendas das obras de arte, os artistas deixaram de ser simples artesãos e passaram a ser profissionais independentes. Foi neste período que se deu uma acumulação de experiências e a evolução da arte assentuou-se, e a arte renascentista atingiu o seu apogeu, no final do século XV e nas primeiras décadas do século seguinte.

Curiosidades:

Em 1434, os Médici uma família de grandes banqueiros tomou o poder de Florença ao comprar os serviços dos chefes militares mercenários;

Foi essa mesma família que ajudou no financiamento do Renascentismo Italiano;

Lourenço de Médici foi um grande ministro da arte florentina.

O mesmo incentivou o neoplatonismo, uma corrente filosófica que se caracterizava pelas teses da absoluta transcendência do ser divino e do retorno do mundo a Deus pela intriorização progressiva do Homem, que preconizava a perfeição de qualquer ser, refletindo-se nas artes plásticas, pois a perfeição implicava a beleza suprema.

A pintura do período auge da arte Renascentista caracterizava-se pela leveza, graciosidade e pela liberdade do movimento.

Para se tornar num grande artista, era preciso dominar:

geometria;

perspectiva e anatomia.

O artista Renascentista assinava os seus trabalhos, ao contrário do que os artistas medievais faziam.

A atenção, relativamente, à identificação do seu nome nas suas obras está perfeitamente de acordo com o individualismo, que era outra característica do Renascimento.

Roma tornou-se o centro das artes no século XV porque Savonarola, um monge místico, tomou o poder de Florença e mandou queimar as obras de arte que para ele não significavam nada, por isso os grandes artistas do Renascimento partiram para Roma, que substituiu Florença, sendo o novo centro das artes.

O papa Júlio II, esteve nesse cargo de 1502 a 1513, pretendia mostrar ao mundo a grandiosidade da cidade de Roma, para o concretizar iniciou as obras da nova Basílica de São Pedro, no ano de 1506, com a ajuda do arquiteto Bramante, um famoso arquiteto de Milão, foi autor desse projeto.

A decoração ficou a cargo de Michelangelo e de Rafael Sanzio.

Fonte: http://histoblogsu.blogspot.com/2009/09/renascimento-artes-plasticas.html

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Desconhece-se a data e o local exato de onde Camões terá nascido, no entanto admite-se que nasceu entre 1517 e 1525.

A sua família fixou-se no concelho de Chaves e mais tarde mudou-se para Lisboa e para Coimbra, ambos os lugares reivindicam ser o local de nascimento.

O pai de Camões chamava-se Simão Vaz de Camões e a sua mãe Ana de Sá e Macedo.

Camões era por via paterna tetraneto do trovador galego Vasco Pires de Camões e, por via materna, parente de Vasco da Gama.

Sabe-se que viveu durante algum tempo viveu em Coimbra.

Entre 1542 e 1545 viveu em Lisboa.

Em 1549 viajou para Ceuta, seguindo a carreira militar e por lá permaneceu até 1551.

Em 1552 Camões feriu Gonçalo Borges, e acabou por ser preso. Foi preso na Cadeia do Tronco, em Lisboa e conseguiu ser absolvido por D.João III.

Sabe-se que, em 1556, Camões exerce serviço militar e alguns cargos administrativos na Índia.

No mesmo ano Camões partriu para Macau onde viveu numa gruta e onde terá escrito uma grande parte da sua obra “Os Lusíadas”.

Em 1562 acabou por ser aprisionado por dívidas tendo dirigido súplicas em verso ao conde D.Francisco Coutinho para ser libertado.

Em 1580 fez uma escala na ilha de Moçambique e foi encontrado dois anos depois por Diogo de Couto. Durante esse período Camões viveu às custas de amigos e trabalhou na revisão de “Os Lusíadas”.

Diogo de Couto financio-lhe o resto da viagem até Lisboa.

No ano de 1571 obteve licença da Santa Inquisição para publicar a sua obra, o que aconteceu no ano seguinte em 1572.

No dia 10 de junho de 1580 Camões faleceu numa casa em Lisboa.

Obra de Camões:

Camões evidencia-se sobretudo na poesia lírica, com grandes variedades de géneros: sonetos, canções, éclogas, redondilhas, entre outros.

Camões dedicou-se ao teatro e escreveu algumas comédias, como por exemplo:

·         Os Anfitriões

·         El-Rei Seleuco

·         Filodemo

Estas comédias tinham uma dinâmica e um estilo próprios.

Seguiram o estilo dos poemas de Camões e falavam essencialmente de problemas morais e da problemática amorosa.

https://www.todamateria.com.br/luis-de-camoes/

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Na lírica Camoniana, as temáticas apresentadas são, nomeadamente, o amor, a Natureza e a figura feminina e para a sua concessão é utilizada a medida nova que o Renascimento pôs em vigor, e é utilizada a medida velha que foi imposta pelo tradicional, tudo isto através de formas poéticas como o vilancete, esparsas, endechas..

Relativamente, à medida nova, esta encontra-se presente em alguns géneros líricos herdados da estética clássica, como o soneto e a canção em que geralmente é abordada a temática da Natureza, como se verifica nas seguintes composições poéticas: “Aquela triste e leda madrugada”, “Alegres campos, verdes arvoredos”, “Junto de um seco, fero e estéril monte”, entre outros.
Uma das temáticas mais abordadas na lírica Camoniana é a figura feminina que pode ser descrita de diversas formas, então a mulher pode ser apresentada como uma jovem donzela que é em quase tudo semelhante ao sujeito poético das cantigas de amigo, de influência tradicional.
Segundo Petrarca, a figura feminina é o reflexo da beleza divina, é a ponte para a perfeição do amador, por isso não é retratada com traços físicos precisos, pois a sua beleza reside sobretudo no olhar como está expresso no poema, "Se Helena apartar seus olhos". O seu retrato é essencialmente psicológico e moral.

Em Camões, o tema do amor é o que predomina e é retratado como um sentimento contraditório, como no poema "Amor é fogo que arde sem se ver", é algo indefinido e capaz de provocar efeitos contraditórios no sujeito poético, é fonte de um desconcerto emocional, é também um sentimento fundamental para a elevação do sujeito poético e é causa de uma dor constante, sobretudo quando a amada está ausente e as saudades aumentam.

Assim, conseguimos perceber que, apesar de recorrer a diversas temáticas, Camões centra-se no seu sofrimento, mostrando a forma como vê o amor e através da interpelação da Natureza, tudo isto em composições poéticas que evoluem do tradicional para o Renascentista e da medida velha para a medida nova.

https://www.infopedia.pt/$influencias-na-lirica-camoniana

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Alegres campos, verdes arvoredos,
claras e frescas águas de cristal,
que em vós os debuxais ao natural,
discorrendo da altura dos rochedos;

silvestres montes, árvores penedos,
compostos em concerto desigual,
sabei que, sem licença de meu mal,
já não podeis fazer meus olhos ledos.

E,  pois me já não vedes como vistes,
não me alegrem verduras deleitosas,
nem águas que correndo alegres vêm.

Semearei em vós lembranças tristes,
regando-vos com lágrimas saudosas,
e nascerão saudades do meu bem.

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O tema do poema é a Natureza e a Saudade.
Assunto: O sujeito poético descreve o ambiente campestre em que se encontra "alegres campos, verdes arvoredos", iniciando uma conversa com a Natureza, em que refere que apesar de esta ser bela já não lhe traz a felicidade que lhe trazia porque agora a sua tristeza contamina todo esse cenário agradável " Já não podeis fazer meus olhos ledos...Nem águas que correndo alegres vêm". As lembranças tristes e as lágrimas saudosas transformarão este ambiente em "saudades de meu bem".

Divisão do poema em partes lógicas:
Este poema pode ser dividido em três partes:

A primeira parte vai dos versos 1-6, neste primeiros seis versos o sujeito poético apresenta a Natureza como sendo alegre, bonita, harmoniosa, tranquila.

Dos versos 7-11, temos um diálogo entre o sujeito poético e a Natureza em que o eu poético através da utilização do advérbio "já" evidencia a transformação do seu estado de espírito: Antes a Natureza alegrava-o e agora isso já não acontece.

Entre os versos 12-14, está  evidenciado o sofrimento do sujeito poético provocado pelas saudades que este tem da amada.

Estrutura externa e Análise Formal:

A composição poética é um soneto.

Os versos são decassilábicos " com/ pos/ tos/ de/ com/ cer/ tu/ de/ si/ igual"

O esquema rimático é: abba abba cde cde

A rima é interpolada e emparelhada

Estrutura interna:
Recursos expressivos:

Personificação "Alegres campos"

Enumeração e adjetivação: "Alegres campos, verdes arvoredos,/ claras e frescas águas de cristal"

Nesta composição poética, o eu poético sente-se triste e saudoso e desmotivado " não me alegram verduras deleitosas", "semearei em vós lembranças tristes"

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Amor é fogo que arde sem se ver,
é ferida que dói, e não se sente;
é um contentamento descontente,
é dor que desatina sem doer.

É um não querer mais que bem querer;
é um andar solitário entre a gente;
é nunca contentar-se de contente;
é um cuidar que ganha em se perder.

É querer estar preso por vontade;
é servir a quem vence, o vencedor;
é ter com quem nos mata, lealdade.

Mas como causar pode seu favor
nos corações humanos amizade,
se tão contrário a si é o mesmo Amor

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Tema: As contradições do amor.
Assunto: Luís de Camões tenta dar uma definição de amor, que inicia e que conclui o poema, onde chega à conclusão de que é impossível definir o amor.
Nas três primeiras estrofes concluimos que existem sentimentos contraditórios e que é impossível de definir esse sentimento.

Estrutura Externa:
Este famoso poema de Camões é um soneto.

Os versos são decassilábicos: "é/ um/ con/ten/ta/men/to/ des/con/ten"

O esquema rimático é: ABBA, ABBA, CDC, DCD.

O recurso expressivo mais  utilizado neste soneto é a antítese.

No primeiro verso, podemos observar que essas ideias opostas também estão unidas por uma ideia de causalidade: primeiro o fogo, que causa a ferida e que leva à dor. Essa relação ajuda a unir ainda mais a premissa do poema e a entender a imagem que Camões passa do amor.

Por meio da aproximação dos opostos, o poeta nos traz uma série de afirmações sobre o amor que nos parecem contraditórias, mas que são inerentes à própria natureza desse sentimento. Na última estrofe, Camões apresenta a sua conclusão.
"Mas como causar pode seu favor
nos corações humanos amizade,
se tão contrário a si é o mesmo Amor"

Camões usa o pensamento lógico para expor um sentimento humano muito profundo e complexo, o amor. O tema do amor é muito caro à poesia, sendo explorado há muito tempo por diversos escritores.

Uma das figuras mais abordadas sobre o amor é a lealdade do que ama em relação ao amado. As cantigas medievais versavam constantemente sobre esse sentimento de servidão, e o autor não deixa de colocá-lo no seu poema, usando sempre a antítese para construir seu argumento.

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Mote

Se Helena apartar

do campo seus olhos,

nascerão abrolhos.

Voltas

A verdura amena,

gados que pasceis,

sabei que a deveis

aos olhos d' Helena.

Os ventos serena,

faz flores d' abrolhos

o ar de seus olhos.

Faz serras floridas,

faz claras as fontes...

Se isto faz nos montes,

que fará nas vidas?

Trá-las suspendidas,

como ervas em molhos,

na luz de seus olhos.

Os corações prende

com graça inumana;

de cada pestana

uma alma lhe pende.

Amor se lhe rende

e, posto em giolhos,

pasma nos seus olhos.

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É um vilancete em redondilha menor (5 sílabas), com um mote de três versos, que se desenvolve em 3 voltas de sete, segundo o
esquema rimático: ABB-CDDCCBB, a rima é emparelhada e interpolada. O último verso do mote não se repete no fim de cada volta, o que faz com que este não seja um vilancete perfeito.

Os primeiros doze versos (incluindo o mote) são os efeitos dos olhos de Helena na Natureza:

a verdura dos campos, a serenidade dos ventos, a transformação dos abrolhos em flores, o florescimento das serras e a claridade das fontes.

Os gados pastam nos campos, cuja beleza e verdura são devidos à magia do olhar de Helena (vv. 4-7)

A paz do seu olhar serena os ventos e transforma os abrolhos em flores (vv. 8-10)

Os seus olhos cobrem as serras de flores e tornam claras as fontes (VV. 11-12)

Olhos de Helena: Amor

Os últimos doze versos, a partir de “Se isto faz nos montes (que fará nas vidas?”) são os efeitos dos olhos de Helena em todos os que a veem: trazem as suas vidas suspensas e os corações presos (“de cada pestana uma alma lhe pende” e o próprio Amor (cupido) se ajoelha, rendido, perante a magia do seu olhar.

O olhar de helena prende os corações (vv.18-19)

Pende uma alma de cada pestana (20-21)

O amor ajoelha-se, rendido, perante a sedução do seu olhar (vv. 22-24)

Todo o texto se organiza no sentido de realçar a beleza de Helena, concentrada na sedução do seu olhar

Recursos Expressivos:
Adjetivação:

“a verdura amena” (v.4)

“graça inumana” (v.19)

“Trá-las suspendidas” (v.15)

“serras floridas” (v.11)

“faz claras as fontes” (vv. 22-24)

·    Os verbos no presente do indicativo tornam mais real e viva a presença dos olhos de Helena.

“os ventos serena” (v.8)

“os corações prende” (v.18)

“Amor se lhe rende (…) pasma nos seus olhos” (vv. 22-24)

·    Os verbos no futuro servem para exprimir os efeitos desastrosos do eventual afastamento dos olhos de Helena:

“nascerão abrolhos”(v.13)

· E também para sugerir uma forma dubitativa dos seus efeitos nos Homens:

“Que fará nas vidas” (v. 114)

Hipérbole

“de cada pestana / uma alma lhe pende” (vv. 20-21)

“A verdura amena, / gados, que pasceis, / sabei que a deveis/ aos olhos de Helena” – vv.4-8)

Comparação

“Trá-las suspendidas / como ervas em molhos” (vv. 15-16)

Representação do próprio Amor em atitude de vassalagem:

“Amor se lhe rende, / e, posto em giolhos, / pasma nos seus olhos” (vv. 22-24)

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Aquela triste e leda madrugada,

cheia toda de mágoa e de piedade,

enquanto houver no mundo saudade

quero que seja sempre celebrada.

Ela só, quando amena e marchetada

saía, dando ao mundo claridade,

viu apartar-se d’ua outra vontade,

que nunca poderá ver-se apartada.

Ela só viu as lágrimas em fio,

que duns e doutros olhos derivadas,

s’acrescentaram em grande e largo rio.

Ela viu as palavras magoadas

que puderam tornar o fogo frio,

e dar descanso às almas condenadas.

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Estrutura externa

É um soneto em verso decassílabo.
A rima é interpolada e emparelhada nas quadras e cruzada nos tercetos, segundo o esquema rimático ABBA/ABBA/CDC/DCD

Estrutura interna

O soneto divide-se em duas partes:

A 1.ª quadra, a introdução, expõe a ideia do eu que manifesta o desejo de que «aquela madrugada […] seja sempre celebrada.».

Esta parte é mais descritiva, passa-se no presente (quero) e o sujeito projeta os seus desejos no futuro (houver, seja), usando o futuro e o presente do conjuntivo.

A 2.ª quadra e os dois tercetos constituem a segunda parte, a justificação para a necessidade da celebração dessa madrugada.

A segunda parte é mais narrativa, evoca um acontecimento, daí o predomínio do pretérito perfeito (viu; ouviu; acrescentaram).

Tema: A saudade / a separação de dois amados (despedida).

Sentimentos expressos: A saudade, o amor e a tristeza.

O poeta expressa os seus sentimentos através dos seguintes recursos expressivos:

Antítese:"aquela triste e leda madrugada"

Hipérbole: As lágrimas em fio / Que de uns e outros olhos derivadas/ se acrescentaram em grande e largo rio.

Paradoxo: As palavras magoadas que puderam tornar o fogo frio e dar descanso às almas condenadas, "viu apartar-se de uma outra vontade/ que nunca poderá ver-se apartada"

Personificação:(A madrugada) "viu apartar-se de uma a outra vontade/ viu as lágrimas em fio/ouviu as palavras magoadas."

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Os bons vi sempre passar
No Mundo graves tormentos;
E pera mais me espantar,
Os maus vi sempre nadar
Em mar de contentamentos.
Cuidando alcançar assim
O bem tão mal ordenado,
Fui mau, mas fui castigado.
Assim que, só pera mim,
Anda o Mundo concertado.

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O eu-lírico relata como sempre vira pessoas boas passarem por situações de dificuldade, enquanto pessoas “más”, conseguiam dar se bem na vida.

O autor considera na primeira parte de seu poema que todos que são bons passam por “grandes tormentos” e que a vida de quem é mau, um “mar de contentamentos”. Em seguida, revela que para garantir essa vida feliz resolveu ser mau, porém foi castigado, e conclui que só para ele vale a regra de que só alcança o bem quem é bom: “assim que, só para mim, anda o Mundo concertado”; para o poeta, um desconcerto do mundo é premiar quem é mau e castigar quem é bom.

Neste poema encontramos a força musical nas suas rimas, no jogo entre as palavras bom,bem,mal,mau e também no uso da medida velha com o emprego da redondilha maior (versos de sete sílabas poéticas: Os/bons/vi/sem/pre/pas/sar), que garantem a musicalidade e a graça, características da lírica medieval mas que o poeta renova com o relato das experiências da sua vida e cujo resultado é a beleza de cenas do quotidiano humano.

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Na renascença italiana formada nos mesmos princípios da geometria harmoniosa em que se baseavam a pintura e a escultura, a arquitetura recuperou o esplendor da Antiga Roma.

As principais características da arquitetura renascentista são:

Ordens arquitetónicas;

Arcos de volta-perfeita;

Simplicidade na construção;

A escultura e a pintura desprendem-se da arquitetura e passam a ser autónomas;

Construções: palácios, igrejas, vilas (casa de descanso fora da cidade), fortalezas (funções militares) e planejamento urbanístico.

Os arquitetos renascentistas mais notáveis foram:

Andrea Palladio

Michelangelo

Buonarotti, entre outros.

Alberti (1404-72) escritor, pintor, escultor e arquiteto, foi o maior teórico da Renascença e deixou tratados de pintura, escultura e arquitetura. Ele menosprezava o objetivo religioso da arte e propunha que os artistas buscassem no estudo das ciências, como a história, a poesia e a matemática, os fundamentos de seu trabalho. Alberti escreveu o primeiro manual sistematizado de perspectiva, oferecendo aos escultores as normas das proporções humanas ideais.

Outro renascentista de múltiplos talentos foi Brunelleschi (1377-1446). Um excelente ourives, escultor, matemático, relojoeiro e arquiteto, ele é mais conhecido, porém, como o pai da engenharia moderna. Brunelleschi não só descobriu a perspectiva matemática como lançou o projeto da igreja em plano central, que veio substituir a basílica medieval. Somente ele foi capaz de construir o domo da Catedral de Florença, chamada então da oitava maravilha do mundo. Tal técnica consiste em construir duas células, uma apoiada na outra, encimadas por uma claraboia estabilizando o conjunto.
No projeto da Capela Pazzi, em Florença, Brunelleschi utilizou motivos clássicos na fachada, ilustrando a retomada das formas romanas e a ênfase renascentista na simetria e na regularidade.
https://pt.slideshare.net/abaj/arquitetura-renascentista

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http://ensina.rtp.pt/artigo/auto-da-barca-do-inferno-de-gil-vicente-2/

# data[].attributes.body
https://www.infoescola.com/biografias/gil-vicente/

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https://www.infopedia.pt/$farsa-de-ines-pereira

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Mote
Descalça vai para a fonte
Leanor pela verdura ;
vai fermosa e não segura.

Voltas
Leva na cabeça o pote,
o testo nas mãos de prata,
cinta de fina escarlata,
saínho de chamalote;
traz a vasquinha de cote,
mais branca que a neve pura;
vai fermosa, e não segura.

Descobre a touca a garganta,
cabelos d´ouro o trançado,
fita de cor d´encarnado,
tão linda que o mundo espanta;
chove nela graça tanta
que dá graça à fermosura;
vai fermosa, e não segura.

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Tema: Representação da mulher.
Assunto: Descrição de Leanor, exaltando a sua beleza e graciosidade.

O Esquema Rimático é o seguinte: ABB CDDCCBB EFFEEBB

Os versos são em redondilha maior, têm sete sílabas métricas: "Des/cal/ça/vai/pa/ra/a/fon"

Este poema sofre influência dos cancioneiros trovadorescos, na cena do quotidiano, no retrato feminino (cabelos loiros, mãos brancas) e no cenário natural (natureza, fonte)

O poema "Descalça vai para a fonte" ilustra algumas das características das redondilhas de Camões:

trata-se de uma composição poética em redondilha maior, composta por um mote que introduz o tema, e por duas ou mais voltas/glosas, que o desenvolvem, o último verso do mote repete-se no final de cada volta, esta composição poética é um vilancete perfeito.

Desenvolve-se um tema já abordado nos cancioneiros da poesia trovadoresca (retrato feminino, cena do quotidiano, a ida à fonte)

A descrição de Leanor é bastante sugestiva, revelando características específicas da Lírica Camoniana:

a descrição é plena de energia, aliando-se a um visualismo vivido e sensual da figura feminina, em que se destacam a atitude corporal, as peças de vestuário e os acessórios que compõem o retrato;

a beleza e graciosidade de Leanor são concretizadas e valorizadas com recursos expressivos variados:

1. Hipérbole:" mais branca que a neve pura"; "tão linda que o mundo espanta"; "chove nela graça tanta/que dá graça à fermosura".

2. Comparação: "mais branca que a neve pura"

3. Metáfora: "o testo nas mãos de prata"; "cabelos d´ouro o trançado"; "chove nela graça tanta"

4. Personificação: "tão linda que o mundo espanta".

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Ondados fios d´ouro reluzente,
que agora da mão bela recolhidos,
agora sobre as rosas estendidos,
fazeis que sua beleza s´acrescente;

olhos, que vos moveis tão docemente,
em mil divinos raios encedidos,
se de cá me levais alma e sentidos,
que fôra, se de vós não fôra ausente?

Honesto riso, que entre a mor fineza
de perlas e corais nasce e parece,
se n´alma em doces ecos não o ouvisse!

S´imaginando só tanta beleza
de si, em nova glória, a alma s´esquece,
que fará quando a vir? Ah! quem a visse

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Tema: Representação da mulher amada.
Assunto: Descrição da mulher amada, exaltando a sua beleza física e as suas qualidades psicológicas/morais e manifestando a sua vontade de a ver.

Este poema sofre uma influência de Petrarca: na idealização da mulher; na exaltação das qualidades físicas e psicológicas/morais da mulher idealizada.

Estrutura Externa:
Este poema tem 14 versos decassilábicos, trata-se então de um soneto, em que as rimas são emparelhadas e interpoladas, e tem o seguinte esquema rimático:
ABBA ABBA CDE CDE

O poema "Ondados fios d´ouro reluzente" ilustra algumas das características da influência clássica em Camões:

adota um género literário da corrente renascentista, o soneto;

desenvolve o tema da representação da mulher amada de acordo com a estética clássica, de influência petrarquista: a mulher é descrita com base em traços físicos (cabelos, olhos, faces, dentes, lábios) e psicológicos/ morais (doçura, graça, honestidade) conotados com  o equilíbrio e a harmonia e que lhe conferem um caráter superior e uma beleza celestial.

A exaltação da beleza da mulher amada é realçada, sobretudo pela utilização diversificado de recursos expressivos:

1. Metáfora: "Ondados fios d´ouro reluzente; "as rosas";"perlas";"corais"

2. Personificação: "olhos, que vos moveis tão docemente"

3. Hipérbole: "em mil divinos raios encendidos"

4. Adjetivação: "Honesto riso"; "Ondados fios d´ouro reluzente".

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O nascimento de Vénus é um quadro de Sandro Boticelli, pintado entre 1485-1486.

Tem as seguintes dimensões: 172,5x 278,5 cm.

Encontra-se atualmente na Galeria Uffizi em Florença, Itália.

Feita em óleo sobre tela e inspirada na mitologia romana e representa exatamente o que o próprio nome indica, o nascimento de Vénus.

Elementos que compõem o quadro:

Vénus que é representada nua sobre uma concha que surge da espuma do mar e representa harmonia, o ideal de beleza segundo Petrarca e o humanismo;

Do lado esquerdo Zéfiro, o deus do vento, que aparece com um manto azul a cobrir as suas partes íntimas, envolvido nos braços da Ninfa Clóris;

E do lado oposto temos Hora, deusa das estações, que tenta envolver a deusa com um manto vermelho bordado com flores.

A imagem é dotada de uma grande naturalidade e serenidade.

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A revelação de novas paisagens, costumes, religiões, aventuras e peripécias de viagens inspiraram uma vasta literatura descritiva e narrativa, que assumiu desde os grandes tratados históricos ou geográficos até às curtas reportagens em folhetos de cordel.

Vem da Idade Média, o gosto por este género de livros como se vê pelo sucesso do Livro de Marco Polo.

Os precursores desta literatura devem ter servido de inspiração a Gomes Eanes o primeiro cronista conhecido das viagens oceânicas.

Nos séculos XVI e XVII multiplicaram-se as crónicas, as descrições e os relatos. Uma parte desta produção não tem um valor propriamente literário como por exemplo os livros de literatura náutica, os denominados “livros de marinharia” que eram escritos por pilotos, mas também o de muitos relatos das primeiras viagens.

Temos agora um segundo grupo, que é constituído por narrativas de viagens que abordam como tema principal a descrição de novos países visitados pelos viajantes, como a Verdadeira Informação do Preste João das Índias, cujo autor é o Padre Francisco Álvares e faz um relato quase diário da sua acidentada viagem, com uma caracterização precisa de uma sociedade agropecuária pouco atualizada, em que refere os seus costumes sobretudo os religiosos, a sua economia de troca, a sua cultura e as paisagens.

Temos por fim num grupo à parte as curtas narrativas de naufrágios, editadas em folhetos de cordel, que vieram a constituir a História Trágico-Marítima, a maior parte destas obras são dotadas de um grande interesse pelos imprevistos e as situações arriscadas pelo que tiveram que passar, pela linguagem específica, entre outros aspetos.

Geralmente, os seus autores tinham mais conhecimento dos factos que formação literária, outros, como os viajantes jesuítas, deixam transparecer uma formação literária humanística.

A literatura de viagens portuguesa quinhentista e seiscentista não passou de um nível de reportagem, à exceção da Peregrinação de Fernão Mendes Pinto; raro se elevou àquela tipificação ou àquele simbolismo que caracterizam a obra de arte.

A experiência humana nelas registada é intensa e múltipla, mas não suficientemente elaborada para dar origem a uma nova visão do mundo.

O século XVI teve uma série de escritos relacionados com as viagens, num tempo de descoberta e de estabelecimento de contacto com outros continentes, culturas, civilizações, religiões...

Dois livros que se destacam são os Lusíadas, com um enorme valor literário em que Camões recorreu a fontes históricas como os relatos de viagens e dos marinheiros (ele também teve essa experiência visto que também viajou e teve a má sorte do seu navio naufragar), o outro livro também neste panorama, para muitos anti-Lusíadas, é a Peregrinação de Fernão Mendes Pinto, nesta obra relatam-se as aventuras da expansão e foram designados, de forma genérica e imperfeita, como Literatura de Viagens dos Descobrimentos, uma categoria que reúne um conjunto de textos que muito diferem da Peregrinação.
Maioritariamente esses relatos têm como razão da escrita o desvendamento de novos lugares, as dificuldades e incertezas da navegação, já o relato de Fernão Mendes Pinto apresenta-se como uma autobiografia onde a verdade se enovela por entre os meandros de uma consciência.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, páginas 317/318

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É um texto que se inicia com a busca num dicionário do significado da palavra "peregrino".
Apercebe-se facilmente de que o mais utilizado para um peregrino é "alguém que vai em romaria a um lugar santo", até nos faz uma breve descrição física de como imagina que estes serão. Refere sem hesitar que estes peregrinos não são os peregrinos de Fernão Mendes Pinto, que escreveu Peregrinação.
Volta de novo ao dicionário procurando outra definição de peregrino e encontra-a referindo que peregrino também pode ser uma designação de algo que é estrangeiro, ou estranho, alheio ao assunto, e também alguém que anda por terras estranhas e longínquas. Atribui a este último sinónimo de peregrino o sentido do título da maior aventura individual da História de Portugal: "o termo de responsabilidade".
Com a palavra peregrinação Fernão Pinto quer nos avisar que o livro que "vamos" ler é escrito por um "estranho ou que é alheio ao assunto", um português que chegou a "terras estranhas ou longínquas" e que, em vez de as tentar compreender, compreendeu-se apenas a si e à terra a que pertencia.
Refere que vai de viagem em busca da "Peregrinação", no ano em que se comemoram 500 anos de Fernão Mendes Pinto, "o seu contemporâneo".
Indica-nos que a maior dificuldade que ultrapassará não será a viagem, mas sim na leitura da viagem dele. Questiona-se onde estarão os lugares que ele mencionou no livro, como se chamaram, onde serão os locais por onde este passou, as baías onde naufragou, os mercados onde foi vendido como escravo, aos palácios onde foi recebido...
Diz-nos que não é fácil sair em busca da "Peregrinação".
As expressões utilizadas em "Peregrinação" caíram em desuso com os séculos.
Diz que para encontrar num mapa uma cidade chinesa mencionado por Mendes Pinto é necessário ver como ela se chamava em chinês no século XVI, depois atualizar para o nome atual, depois ainda verificar como se escreve essa cidade num mapa português da China.
Parte então para seguir os passos do seu contemporâneo Mendes Pinto nos seus 500 anos de nascimento.

Adaptado do Manual de Literatura, páginas 321/322

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Peregrinação é um longo texto, composto por 226 capítulos, nos quais observamos diversos eventos e personagens, articulados narrativamente com recurso à técnica da "deambulação", que se autopropondo-se como testemunho pela escrita de uma experiência vivencial autobiográfica.
Numa ordem que tem em conta o progresso da referida deambulação, misturam-se de forma muito artificiosa os universos da realidade e da ficção numa grandeza que se identifica como narrativa. No entanto, a escrita resultante constitui uma estrutura discursiva em que se articulam componentes tão variadas como a narração propriamente dita, como a descrição, a história, a poesia em prosa, entre outros..Todo esse conjunto vai constituir uma corrente variada, complexa, rica de matéria narrativa, que no discurso é da competência de um narrador de primeira pessoa, o qual organiza os elementos, categorias, segundo estratégias bem definidas.

Este texto é constituído por 6 partes:
Parte 1 (Capítulos 1-35):

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” em primeiro plano

Narrador autobiográfico

Rubrica orientadora:

Introdução: Considerações sobre os “trabalhos” e “perigos” da sua vida/peregrinação.

Peregrinação do “eu” por terras de Portugal, Índia, Reino dos Batas, Reino do Pão.

Parte 2 (Capítulos 36-79)

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” passa a segundo plano: António de Faria em primeiro plano

Rubrica Orientadora:

“Itinerário da Ambição do Poder”: Peregrinação em companhia de António de Faria pelos Reinos de Sião, Liampó, ilha de Calemplui.

Parte 3 (Capítulos 80-143)

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” é substituído por “nós” - um “nós” coletivo de portugueses.

Rubrica Orientadora:

Peregrinação pelas terras da China, Tartária, Sião, ilhas de Tanixumá e dos Léquios.

Parte 4 (Capítulos 144-199)

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” como um entre muitos – um “nós” coletivo de estrangeiros (o rei dos Bramás e os seus súbditos)

O “eu” narrador passa para a terceira pessoa (narrador-historiador)

Rubrica Orientadora:

Peregrinação por terras de Martavão, de Calaminhã, de Sonda (história das guerras de Sonda), de Sião e da Birmânia.

Parte 5 (Capítulos 200-226, uma parte do capítulo)

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” narrador, personagem – testemunha da missão de São Francisco Xavier e do Padre Belchior

Rubrica Orientadora:

“Itinerário da expansão da fé”: Peregrinação em companhia de Francisco Xavier e do Padre Belchior, seu sucessor, por terras de Malaca e do Japão (reino de Bungo), pelos mares da China, até ao regresso a Goa.

Parte 6 (Capítulo 226, parte final)

Estatuto do “eu” autobiográfico:

O “eu” em primeiro plano

Narrador autobiográfico

Rubrica Orientadora:

Conclusão: Regresso a Portugal e considerações sobre os méritos da peregrinação pelo Oriente, e sobre a ingratidão dos seus compatriotas.

Nota: O "eu" autobiográfico sempre presente e em deambulação.

As seis partes de Peregrinação dispõem-se em dois grupos de três, de forma simétrica:
Deste modo, a primeira parte remete para a sexta, interessando em ambas a experiência subjetiva do narrador que ocupa o primeiro plano da narração.
A segunda parte encontra a sua equivalência na quinta: frente a frente, os itinerários da ambição temporal (António de Faria) e do partidarismo religioso (Padre Belchior e Francisco Xavier).
A terceira e a quarta parte constituem, os dois elementos de um díptico central, em que um"nós" é delegado do narrador principal: no primeiro, um "nós" formado pelo "eu" e os outros portugueses e, no segundo, o "nós" abrangerá o "eu" e os outros, os estrangeiros..
É muito mais do que um testemunho isolado e individual de um aventureiro, a Peregrinação aos poucos deverá impor-se na cultura portuguesa e ocidental como a narrativa marginal-mas-necessária, não como manifestação da "visão sombra" da Expansão, mas enquanto a omissão-a-ter-de-ser-dita para a visão mais completa  da gesta portuguesa de Quinhentos. Por isso mesmo, terá de ser redescoberta como obra de significado coletivo, que diz respeito a toda uma comunidade e que ajuda a melhor definir a maneira portuguesa de estar no mundo, o que equivale a dizer: definir a maneira de o Homem autenticamente se assumir a sua nova condição deambulatória pelo espaço geográfico e pela história.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, páginas 326/327

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O interesse suscitado pela obra centrou-se essencialmente no problema de saber se na sua história o leitor encontra uma realidade vivida ou uma ficção imaginada.

Deste modo, o relato de tudo quanto viu, viveu ou imaginou oferece um flagrante reverso da imagem heroíca da ação dos Portugueses no Oriente, sem que daí possa concluir-se que tenha nascido de uma atitude mental preconcebida, de cariz anti-heroíco.

Fernão Mendes Pinto é aventureiro, perspicaz e criou para si uma filosofia de vida marcada por um claro sentido da realidade, na qual a consciência da sua condição social ignorava por completo os falaciosos conceitos de honra cavaleiresca para se comprazer numa emocionalidade subjetiva.

Aí a fé é ingénua e interesseira vivida à maneira do seu tempo, entre o pecado e o arrependimento, mistura-se com um orgulho de soldado gabarola , com o gosto da sátira, por vezes virada contra ele próprio, e com uma fina sensibilidade aos valores do humano.

A estrutura narrativa de Peregrinação organiza-se como uma série de aventuras vividas ao longo de muitas viagens por conseguinte, contadas segundo perspetivas de vária índole e numa vasta gama de enfoques que a transformam numa série de aventuras que mantêm aceso o interesse do leitor e suscitam nele interpretações ou reações de empatia múltiplas quando não desencontradas.

A Peregrinação surge na produção literária portuguesa de Quinhentos como um monumento cujas páginas se manifesta a vida de Portugal, com aventuras e comoventes dores de miséria.

Adaptado do Manual de Literatura, página 339

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https://www.youtube.com/watch?v=aU-wXwnUj30