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Originado en Francia, en 1876

realidad tal como es conocida sensiblemente.

pinceladas  rápidas , espontáneas, flojas , grandes, dan una textura que atrapa y representa la esencia de tema.

Se introducen  temas cotidianos en las  pinturas: obreros, mujeres paseando en el parque, picnics, etc.

el paisaje impresionista es de tamaño relativamente pequeño e irregular en cuanto a la composición.

Arriba: Almuerzo sobre la hierba, de Edouard Manet

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Impresión:amanecer  es el cuadro de Monet que dio nombre al movimiento.
Varias reseñas de una exposición en París escogieron este título por considerar lo que reflejaba la característica predominante de las obras allì expuestas.

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Las líneas son a menudo borrosas, no definen claramente un objeto de otro en un lienzo. Tales líneas crean un efecto de niebla, añadiendo una atmósfera de somnolencia y humor abstracto en la pintura.

la mayoría de los paisajes de dimensiones reducidas eran pintados al aire libre, en lugar de utilizar el estudio,  dando gran importancia a la espontaneidad y a la inmediatez de su registro con la naturaleza.

Arriba: Baile en el Moulin de la Galette,1876, de Pierre-Auguste Renoir.

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Fue alumna de Corot. Su pintura tiene mucho del estilo libre y delicado de Manet.
Posteriormente adoptó la luz y el color variado del impresionismo.
Sus temas favoritos fueron escenas en jardines con figuras.
Arriba:  Ante el espejo

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Agrupa diversas tendencias pictóricas que surgieron en Francia entorno a 1880-1905 como reacción al impresionismo.

Continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.

Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).

Arriba: el barranco, 1889, de Vincent van Gogh

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Un baño en Asnières, 1884, de Georges Seurat

temática  impresionista (trivial, relajada, costumbrista…), pero en la que ha desaparecido la sensación de fugacidad e inestabilidad.

Las figuras tienen incluso una cierta monumentalidad.

A pesar de la imagen relajada que nos presentan, las figuras aparecen un tanto hieráticas y rodeados por una aureola luminosa, que facilita la delimitación de los perfiles.

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El término deriva del vocablo francés "fauves" (fieras). Se usó por primera vez en 1905.

El fauvismo no invocaba una poética ni se dedicaba a lanzar manifiestos (a diferencia de las vanguardias ulteriores)

Expresión de color. coloración irrealista, colores brillantes puros.

simplificación exagerada de las formas

Arriba: Paisaje en Collioure, de Matisse, 1906

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el dibujo es lo que da la composición y el color da la sensación.

Buscaban la emoción que produce la obra, expresar el sentir  y que color trascendiera la composición.

Arriba:  Signs of Autumn, 1935 de Marguerite Thomson Zorach

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Predominantemente alemán. Alcanza su clímax en la Primera Guerra Mundial.

Nació como una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años

matiz pesimista, los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno. Deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva

Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.

Temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo.

Arriba: Los sobrevivientes,1923, de la artista y pacifista alemana Käthe Kollwitz

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Es una película estrenada en 1920.
Es la obra por excelencia del expresionismo alemán.

Tiene un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas.

Estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales,.

El expresionismo permitió a los cineastas experimentar con tecnología fílmica y explorar el retorcido reino de los deseos reprimidos y miedos inconscientes .

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Grupo de artistas expresionistas fundado en Dresde en 1905.

El lema del grupo: «un puente para sentar las bases de un arte de futuro».

Pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista.

obras angustiosas, marginales y desagradables. Aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.

Libertad creadora y la expresión personal y subjetiva de las obras. Pretendían captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos.

En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción.

Arriba: Calle, Berlín, 1913, de Ernst Ludwing Kirchner, fundador del grupo.

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Originariamente fue el título de un almanaque dirigido por Vasili Kandinsky y Franz Marc.

Interesados más en la teoría que en la práctica, tendían a la abstracción.

El almanaque constaba de un variopinto número de expresiones artísticas: artículos musicales sobre Skriabin y la música moderna rusa, piezas cortas de los compositores austríacos Schoenberg, Berg y Webern, ilustraciones, esculturas de la Isla de Pascua,  tejidos de Alaska, grabados populares rusos, etc.

Arriba: Back to life, Marianne von Werefkin

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El término surge por una crítica a las obras de Braque en 1908.

Representación del mundo  mediante figuras geométricas y una perspectiva múltiple.

Usa  colores grises, verdes y marrones, la paleta monocromática era la única herramienta válida para el pintor.

El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad

Les demoiselles d' Avignon (arriba) es considerado el primer cuadro cubista. las imanes del mundo exterior están subordinadas a una total redistribución conceptual

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María Blanchard, Composición con gente. òleo sobre lienzo

La primera etapa del cubismo es el cubismo analítico:

estilo austero al que se subordinaba la realidad en favor de la unidad estructural del cuadro

“desarma” minuciosamente cada figura (al punto que a veces no se entiende qué ha representado el artista) para re ordenarla desde perspectivas múltiples.

Descompone las figuras para re armarlas y utiliza monocromías o muy pocos colores, apagados, oscuros, con grises y ocres.

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La segunda etapa es el cubismo sintético:

se descomponen las figuras en sus partes más representativas, es más simple (es mas figurativo que el anterior)

se utiliza mucho más colorido. Utiliza, además del óleo, recortes de periódicos, de partituras, retazos de telas o trozos de madera.

Arriba: Clarinete, 1913, de Georges Braque.
Otro artista destacado es Juan Gris.

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Fue una pintora y diseñadora teatral francesa.
Aunque no se consideraba cubista, luego de una etapa fauvista, comenzó a simplificar las formas en su pintura influenciada por el cubismo, También se inspiró en las miniaturas persas  y en el arte Rococó.
Fue la primer mujer artista que exhibió en una exposición individual.
Arriba: le bal elegante uned la danse un la campaña (1913)

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Mayor expresividad en la arquitectura.

Iluminación proveniente de distintos puntos, mono-cromatismo basado en colores opacos como castaños y grises y líneas rectas pero basadas en ángulos irregulares.

Las formas cubistas también fueron el resultado de la reflexión sobre los juegos de luz y sombra en las fachadas y el efecto óptico que producían.

Arriba: Casa e la Madonna negra de Josef Gčcàr

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República Checa es la cuna de la arquitectura cubista.:

Líneas rectas pero basadas en ángulos irregulares

Descomposición de formas naturales y orgánicas, y convertirlas en figuras o gormas ortogonales.

Arriba: Edificio en la calle Neklanova de Josef Chochol

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Surgido en Italia en 1909, cuando el poeta, dramaturgo y editor italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó  su Manifiesto Futurista. Tuvo principal repercusión en la literatura y la pintura

exaltación de lo sensual, lo nacional y la irreverencia. además fue considerado como un movimiento actual, feroz y agresivo. se definía a sí mismo a partir de su obsesión por la velocidad.

Apreciaba la tecnología, la energía, la fuerza, empleando formas, ritmos y transparencias

Eran frecuentes sus cantos a la Revolución, la audacia, la objetividad y el rechazo de la estética tradicional.

La fragmentación de múltiples puntos de vista facilitaban la visión dinámica de los futuristas de una interacción total y simultánea de sensaciones urbanas, como en El funeral del anarquista Galli (arriba) de Carlo Carrà

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Umberto Boccioni (1882-1916) declara en su Manifiesto de la escultura futurista, implicaciones escultóricas del cubismo.

se preconiza la abolición de las estatuas "cerradas", la expresión del movimiento y de la atmósfera

utilización de todos los materiales disponibles formando todas las combinaciones posibles.

Arriba: Formas únicas de la continuidad en el espacio, 1913, de Boccioni

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contructivismo soviético, suprematismo y cubofuturismo
La revolución bolchevique permitió que, en Rusia, las vanguardias se plantean políticamente la función social del arte en una situación donde se debatían la demolición de las viejas y estáticas jerarquías, y la creación de una sociedad sin clases.

oposición al viejo orden y el arte visual conservador.

se veía al arte como herramienta al servicio de la sociedad. buscaban un lenguaje abstracto basado en la tecnología y la mecánica industrial.

Renunciaron al arte por el arte para seguir enmienda comunista.

Contructivismo:  tiempo, el espacio y los materiales sintéticos los materiales de construcción clave.

creación de formas abstractas basadas en el tiempo

Arriba:  Construcción Lineal No. 2, 1970 de Naum Gabo (contructivismo)

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escuela principal de pintura y la escultura practicada por el Futurismo ruso

Despues de 1913, los pintores futuristas rusos adoptaron las formas de cubismo y lo combinaron con el futurismo italiano

Arriba: dos figuras de Liubov Popova

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Surge en Suiza en 1915, en oposición a  la Primera Guerra Mundial.

Representó la antítesis del racionalismo. Un grupo de artistas disconformes con el sistema burgués elige la palabra “sin sentido” Dada para designar su actividad de protesta y sus obras “antiestéticas”

Se proponía atravesar las barreras de la guerra y la del nacionalismo.

Fue considerado el movimiento de ruptura más radical del arte.

Arriba:  Día gris, 1923 de George Grosz

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Cualquier objeto cotidiano era considerado una obra de arte.

Actitud de burla total y humor.

Absurdo y carente de valor, irónico, satírico a través del escándalo y la provocación.

Arriba: Der Veder (El padre), 1920, de Hannah  Höch

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Movimiento multidisciplinario iniciado en 1921 en México.

se caracterizó por tratar los temas de lo urbano, lo moderno y cosmopolita.

Para los artistas  era posible imaginar y visualizar de manera poética una nueva ciudad compuesta por el desarrollo tecnológico y los renovados conceptos políticos y sociales que promueven el progreso de la ciudad.

Apoyaba el desarrollo y progreso de México y luchaba en contra del conformismo.

Arriba:  La Tecnica, macchina da scrivere di Julio Antonio Mella, 1928, de Tina Modotti,

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Los estridentistas se definían como radicales, intransigentes y herméticos.

Rechazaban lo pasado y se enfatizaban en lo moderno, de hecho su mayor inspiración se encontraba en las estéticas modernas de la ciudad, tanto así que llegaron a imaginar una ciudad utópica de nombre Estridentópolis, como la versión poética y metafórica de la ciudad moderna.

Arriba: andamios exteriores, 1923, de Fermín Revueltas.

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corriente artística que tiene su base en Francia  en la 1925

este modelo de arte busca crear olvidando la realidad,dando prioridad al imaginario e irracional, al inconsciente o los sueño

Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.

Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras.

La imaginación se utiliza como lógica.

Arriba: El asesino amenazado, 1927, de René Magritte

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Se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages.

La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos

Los artistas inventan universos figurativos propios

Arriba: mujer saliendo del psicoanalista, 1960, de Remedios Varo

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Estilo única y exclusivamente norteamericano

preferencia por los grandes formatos. Normalmente trabajaban con òleo sobre lienzo.

concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Arriba: A green thought in a green shade, 1981, de Helen Frankenthaler

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Tendencia pictórica desarrollada en Italia por el Lucio Fontana en la década de los cincuenta .

Está encuadrado dentro del informalismo

El espacialismo combina ideas del movimiento dadá, el tachismo y el arte concreto

La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia.

Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo

Utilizaban técnicas destructivas (perforaciones, cortes, desgarro del lienzo).

Arriba: Concepto espacial, 1950, de Lucio Fontana

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Movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950  en los Estados Unidos

se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.

Fue la primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel.

Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada.

Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía.

Arriba: Autostop, 1966,  de Evelyne Axell

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Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. rompía con la idea de una obra de arte como resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el principio de reproducción múltiple

Arriba: La familia de Marisol Escobar

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Site-specific o in situ

método artístico que dedica el trabajo a su sitio de origen (es decir, no puede ser transportado)

modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad.

Arriba: La Venus de los trapos, 1967, de Pistoletto

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traslado de significado

Pueden ser permanentes o efímeras, entrañan la participación del espectador mediante diversos procedimientos

propician experiencias en relación con el espacio, la percepción y los significados

Arriba:  El partenón de los libros, 2017, de Marta Minujín