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Zusammenfassend lässt sich sagen, dass wir viel Freiheiten hatten sowohl was die Themenwahl anbelangt, als auch bei der Gestaltung des Werkes. Ich stand der Idee uns viel Freiheit zu geben Anfangs etwas skeptisch gegenüber da ich mir unsicher war, ob wir das gerade unter den Corona Bedingungen umsetzen können, jetzt weiß ich allerdings, dass meine Zweifel unbegründet waren.
Durch dieses Projekt ist mir vor Augen geführt worden, dass man als Team gut zusammenarbeiten muss um an sein Ziel zu gelangen.

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Rückblickend war die Wahl des Kurses definitiv richtig für mich. Ich konnte viel mitnehmen und außerdem meine eigenen Interessen mit in unser Projekt einbringen. So eine Projektarbeit hat mich aber auch durchaus sehr gefordert. Die Zeitplanung, Beschaffung der Materialien und die Umsetzung war nicht immer leicht, dennoch würde ich es als gelungene Projektarbeit bezeichnen. 

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Rückblickend war die Wahl des Kurses definitiv richtig für mich. Ich konnte viel mitnehmen und außerdem meine eigenen Interessen mit in unser Projekt einbringen. So eine Projektarbeit hat mich aber auch durchaus sehr gefordert. Die Zeitplanung, Beschaffung der Materialien und die Umsetzung war nicht immer leicht, dennoch würde ich es als gelungene Projektarbeit bezeichnen. 

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Hier wird euer Thema ganz allgemein vorgestellt. 

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Hier wird euer Thema ganz allgemein vorgestellt. 

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Mir persönlich hat das Projekt viel Spaß gemacht.
Man war sehr frei in seiner Wahl zu unserem Überthema.
Ich fand es auch sehr entspannend, dass ich alleine gearbeitet habe und mich nicht mit anderen absprechen musste.
Dennoch habe ich etwas gebraucht, dass Ganze umzusetzen.
Im Großen und Ganzen war es sehr gut und man hat gelernt, viele Dinge mit anderen Augen zu betrachten.

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Das Projekt zu bearbeiten hat mir großen Spaß gemacht.
Ich fand super das wir uns selbst aussuchen konnten, was wir machen wollten.
Ich habe dabei gelernt besser mit Ölfarben umzugehen und konnte als Künstler somit weiterwachsen.
Es hat mir auch gefallen etwas neues auszuprobieren, was ich mir selbst aussuchen konnte und Spaß gemacht hat.
Das Projekt war eine neue und aufregende Erfahrung.

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Unser Thema trägt den Titel " Festspielhaus im Nationalsozialismus vs heute", das bedeutet die linke Hälfte unseres Werkes stellt das Festspielhaus in der Nazi Zeit dar und die rechte Seite hingegen zeigt das Festspielhaus sowie wir es alle kennen.
Ein Blickpunkt ist für mich ein "Hingucker" bei dem Werk.
Unter Weitsicht verstehe ich beispielsweise, was ein Künstler über weite Sicht geschaffen hat, wie zum Beispiel Claude Monet mit seiner neuen Farbmisch Methode.
Geschrieben von Conny

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Der Blickpunkt in Kunstwerken ist für mich meistens nur ein kleines Detail, welches die volle Aufmerksamkeit auf sich zieht. Ein konkretes Beispiel für diesen Blickfang wäre die neue Technik der Farbmischung von Claude Monet.

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Ein Blickpunkt ist für mich ein Werk das alle Blicke auf sich zieht. Weitsicht in der Kunst kann ein Werk sein, dass einem z.B. eine weite Landschaft zeigt.

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Van Gogh malte viele Portraits, die einem eine weite Sicht in die Stimmung des jeweiligen Portraits möglich machen.

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Wenn man sich ein Kunstwerk anschaut ist der Blickpunkt an dem Werk das, was einem zuerst in den Blick fällt.

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Evelin Lisenko, Franziska Landes und ich haben in diesem Halbjahr an unserem Kunstprojekt Miniatur-Baumhaus gearbeitet. Geplant war zunächst ein kleines "Baumhausschloss" mit Türmen, am Ende ist es ein modernes Schrägdachhaus mit einem großen Fenster und Beleuchtung geworden. Am Baumstamm entlang führt außerdem eine Wendeltreppe und auf der 2. "Etage" bauen wir Kresse in einem kleinen Beet an. Wäre unser Baumhaus normalgroß hätte man von dort aus eine gute Weitsicht, es dient also auch als guter Blickpunkt.

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Das Ölgemälde "Der Wanderer über dem Nebelmeer" (1818) von Caspar David Friedrich stellt eine schöne Weitsicht über die mit Nebel umhüllten Berge dar.

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Der Wanderer über dem Nebelmeer ist ein um 1818 entstandenes Gemälde von Caspar David Friedrich. Das unsignierte Bild in Öl auf Leinwand im Format 94,8 x 74,8 cm befindet sich in der Hamburger Kunsthalle. Der Wanderer ist die bekannteste Rückenfigur des Malers. In der modernen medialen Rezeption wurde das Bild zu einem vielfach verwendeten Symbol der Romantik und zu einer Ikone des deutschen Bewusstseins.

Das Gemälde zeigt einen Mann in dunkel-grüner Kleidung, in aufrechter Haltung am Bergstock gestützt auf einem felsigen Gipfel eines Gebirges über das Meer aus dichtem Nebel hinwegschauend. Über den Schleiern aus milchigem Dunst ragen weitere nackte oder mit vereinzelten Bäumen bewachsene Felsen heraus. In der Ferne erheben sich Bergkegel eines Mittelgebirges. Der Wanderer ist als Person nicht zu erkennen. Der Mann ist von leicht untersetzter Statur und sein lockiges rötlich braunes Haar wird vom Wind getrieben. Er ist etwas nach links gewandt, in Richtung des höchsten Gipfels. Mit seiner Fußstellung noch im Aufstieg innehaltend findet er Halt auf dem zerklüfteten Untergrund. Die zerrissene Nebelform verschleiert den Abgrund und zeigt einen Morgen an.

Struktur und Ästhetik

Das Gemälde kann als konstruktive Komposition, als Montage mit stark theatralen Zügen gelten. Das Bild ist in zwei Schichten aufgebaut. Der dunkle Fels und der Wanderer im Gegenlicht sind wie eine Kulisse vor das helle Panorama der zum Horizont hin entwickelten Bergwelt gesetzt. Die menschliche Figur wurde im Zentrum der Komposition angeordnet. Rechts und links zur Mitte abfallende, symmetrisch gehaltene Berglinien konvergieren in den Herzraum des Wanderers. Auch die Nebelbänke strahlen horizontal und diagonal auf die Fokusposition. Die obere Horizontale des Goldenen Schnittes markiert die Augenhöhe des Wanderers. Die Figur scheint die Landschaft in sich aufzunehmen. Die Berglinien bilden die Grenze des sichtbar Ausdifferenzierbaren. Dahinter erzeugt die verschwimmende Binnenstruktur eine unendliche Ferne. Trotz des Gegenlichtkontrastes erscheint die Farbigkeit des braun und grau bewachsenen Felsens sowie der dunkelgrünen Kleidung des Wanderers höchst differenziert; dies ist der für den Betrachter fassbare Bereich. Mit dem Nebel beginnt das nicht mehr Greifbare. Einige der durch den Nebel abgeschnittenen Felsspitzen wirken wie hingeworfene Gesteinsbrocken. Die dunstige zerfaserte Weißtönung, von gelben, braunen, violetten und grünen Spuren durchzogen, bildet Schichtungen bis in den Himmel hinauf. Erst in der Höhe mischt sich mehr Blau darunter. Der präsente Sandsteinfels des Vordergrundes überformt eine Dreiecks- oder Pyramidengeometrie und bildet einen Sockel zur Denkmalpose des Wanderers.

Die Rückenfigur

Die von Friedrich für die Landschaftsmalerei neu etablierte Rückenfigur erfährt beim Wanderer über dem Nebelmeer eine außergewöhnliche Positionierung. Niemand vor ihm setzte eine so große Rückenfigur in die Landschaft und genau ins Zentrum der Komposition. In der Verwendung von Fels und Mensch als Repoussoir im Gegenlicht wird der Tiefeneindruck verstärkt. Die Rückenfigur lenkt hier die Aufmerksamkeit des Betrachters in die unendlich scheinende Ferne des Hintergrundes, veranschaulicht eine Natur-Mensch-Relation oder macht sinnoffene Angebote für Denken und Gefühl des Betrachters. Werner Hofmann weist der Rückenfigur bei Friedrich die Aufgabe des Zwischenträgers zu, mit deren Hilfe sich der Künstler an den Betrachter wendet. Sie richte Erwartungen und stelle Fragen sowohl an den ihr zugewiesenen Ort als auch an den Bildbetrachter. Für Hartmut Böhme imaginiert die kompositionelle Zentrierung des Naturraums auf den Wanderer den Ineinsfall von Mensch und Natur. Die Rückenfigur ist in diesem Fall mehr als in anderen Werken des Malers bestimmend für Inhalt und Bildstruktur. Sie hat die Funktion als „Flächenfigur", die in die Landschaftsgestalt integriert wird und zur Aufhebung der Bildgrenzen beiträgt. Sie muss ein gewisses Größenverhältnis zum Bildmaß besitzen, um die Landschaftsansicht axial zu fassen. Friedrich steht mit dem doppelten Blick, der Reflexivität im Bild, der Figur des Sehens des Sehens in der Tradition des 17. Jahrhunderts, die mit der Allegorie der Malkunst von Jan Vermeer Wirkung in der Kunstgeschichte zeigte.

Die Beschreibung „ Der Wanderer über dem Nebelmeer" ist erst 1950 nach der Entdeckung des Gemäldes entstanden. Eine Inspiration bei der späteren Titelwahl hatte möglicherweise der Name des verschollenen Gemäldes in Öl Der Adler über dem Nebelmeer, welches Gotthilf Heinrich von Schubert in Friedrichs Atelier 1806 sah und 1855 in seinen Lebenserinnerungen beschreibt - „ ...; für ihn ein Bild der damaligen Geschichte des Vaterlandes. "

Der Wanderer über dem Nebelmeer bietet sich für Deutungen an, die einen augenscheinlichen Sinn verwerten. Eine Lebensallegorie, die das Bild vom erreichten Gipfel als Ziel des Lebens verwendet, liegt ebenso nahe wie der transzendente Blick in die Zukunft. Das Gemälde wird gesehen als Bildmetapher für Leben und Todesahnung, Begrenztheit und Weite, Höhe und Abgrund, Diesseits und Jenseits, Glaube und Irrung, Gott und Welt. Dass die Figur einen Gehrock trägt, dessen Schnitt als Altdeutsche Tracht interpretiert werden kann, lässt Raum für die politische Deutung, den Wanderer zum deutschen Patrioten zu machen. Jens Christian Jensen verweist auf die reale Deutungsebene, Friedrich könnte seine Erfahrung als national orientierter Wanderer im Riesengebirge, im Harz oder in der Sächsischen Schweiz replizieren.

Die Bestimmung der Landschaft ist für die Bilddeutung von Belang, weil sich Friedrich in dem Gemälde hauptsächlich auf Motive aus der Sächsischen Schweiz stützt. Das Bild kombiniert einen Felsblock vom Fuße der Kaiserkrone, den Gamrig bei Rathen (Mittelgrund links), Teile des Ausblickes vom Wolfsberg bei Krippen, den als Signalwarte wenig bewaldeten Zirkelstein (rechts) und einen böhmischen Kegelberg ( Rosenberg oder Kaltenberg, links). Friedrich ist im Juli, August und September 1800 in der Sächsischen Schweiz gewandert. Zeichnungen aus dieser Landschaft gibt es aus den Jahren 1808 und 1812. Von März bis Mai 1813 lebte der Maler in Krippen bei seinem Freund Friedrich Gotthelf Kummer, um den französischen Besatzern in Dresden aus dem Weg zu gehen. Er war dort auch noch einige Zeit 1814 aus Angst vor ansteckenden Krankheiten. Der erforderliche Landschaftspass, den Friedrich für das Zeichnen in der Sächsischen Schweiz benötigte, ist im Sächsischen Staatsarchiv Dresden erhalten geblieben.

Großes Interesse in der Rezeptionsgeschichte des Bildes gilt der Identität des Wanderers auf dem Berggipfel. Die Annahme, dass Friedrich sein eigenes Gipfelerlebnis zum Ausdruck bringen wollte, legt eine Selbstdarstellung des Malers nahe.

Nach Ludwig Grote könnte es sich der Statur nach um Goethe handeln, zumindest ist er der Ansicht, Friedrich habe „ Landschaft und Stunde" mit „ dem Geiste und dem Herzen" des Dichters gemalt. Er erkennt aber auch in dem Rock die Uniform eines freiwilligen Jägers und hält den Wanderer für einen Gefallenen der Befreiungskriege (1813 bis 1815).

Laut einer Notiz von dem Kunsthistoriker Karl Wilhelm Jähnig (1888-1960) wurde dem Galeristen Wilhelm August Luz (s. u. Provenienz) die Information von dem - unbekannten - Vorbesitzer übermittelt, der Dargestellte wäre ein Herr von Brincken, ein hoher sächsischer Forstbeamter. Da eine solche Person nicht nachweisbar ist, werden der sächsische Kammerherr Friedrich Ernst von den Brincken († 1797) oder der Oberst der Infanterie Friedrich Gotthard von den Brinken († 1802) vermutet. Für Helmut Börsch-Supan kann es sich bei einem über den Wolken stehenden Menschen in Denkmalpose nur um einen Verstorbenen handeln, dem das Gemälde als Gedächtnisbild gewidmet ist. Börsch-Supan schlussfolgert aus der Komposition - der eigenartigen Abstimmung der Berglandschaft auf die Gestalt des Mannes - die Möglichkeit des Versuchs, die Gottebenbildlichkeit des Menschen auszudrücken.

Hans Joachim Neidhardt hält die Suche für müßig und indezent, den Namen des Wanderers erkunden zu wollen. Was Friedrich ins Allgemeine gehoben habe, dürfe nicht wieder ins Private zurückgeholt werden.

Das Rückenbild - nach Ansicht von Jens Christian Jensen - „muss als künstlerisch misslungen angesehen werden. [...] Die realistisch aufgefasste große Figur steht in merkwürdigem Missverständnis zur unermesslichen Natur. Durch die Überbetonung des Kontrastes von Hell und Dunkel, wirke sie deshalb deplatziert und etwas abgeschmackt. Friedrich habe sein Ziel der „Übereinstimmung des Ganzen" hier nicht erreicht."

Aufgetaucht ist Der Wanderer über dem Nebelmeer „- ca. vor 1.9.1939" in der 1935 gegründeten, florierenden Berliner „Galerie Dr. W. A. Luz - Gemälde deutscher Meister", dessen Inhaber Wilhelm August Luz (1892-1959) ab 1937 in führender Rolle einer Nebentätigkeit als Sachverständiger und Gutachter von Kunstgegenständen jüdischen Eigentums ( Judenvermögensabgabe) bei der Reichskammer der bildenden Künste nachging. „Mind. ab 1943 bis 1945" befand sich das Kunstwerk in der „Sammlung Ernst Henke" in Essen, welche auch Friedrichs Sonnenuntergang hinter der Dresdener Hofkirche besaß und dann in der Familiensammlung Oetker, Bielefeld. Publiziert unter dem Titel Der Wanderer über dem Nebelmeer mit einer Farbtafel und beschrieben wurde das Bild erstmals im August 1950 von Ludwig Grote in der Zeitschrift Die Kunst und das schöne Heim. Erstmals der Öffentlichkeit präsentiert wurde das Gemälde im Sommer 1959 als Leihgabe - „Lent from a private collection" - in der Londoner Tate Gallery unter dem Titel: „Mountaineer in a misty Landscape". „Bis 1961" befand sich das Gemälde bei dem - seit langem mit der Familie Oetker verbundenen - Bielefelder Kunsthändler und väterlichen Freund von Rudolf-August Oetker, Paul Herzogenrath († 1961), dem Vater von Wulf Herzogenrath. Bis 1970 war es in der „Sammlung Hugo Oberwelland" des Storck-Fabrikanten im westfälischen Halle.

Unter Hinterfragung der Datierung, Urheberschaft, dem Zeitpunkt und Ort des Auftauchens, aber auch der Person, die das Gemälde „- ca. vor 1.9.1939" (Kriegsausbruch 2. WK) erstmals - marktfrisch - auf dem Kunstmarkt offerierte, ist eine Quellenkritik des Wanderers über dem Nebelmeer durchaus gegeben. Erst rund 120 Jahre nach dessen zugeschriebener Datierung (siehe dazu die Datierungsgeschichte) und auch zugeschriebener Hand - da eben unsigniert - und kurz nachdem Fritz Nemitz in seiner völkisch angehauchten Lektüre „Die unendliche Landschaft", herausgegeben 1938, ein verschollenes Friedrich-Gemälde mit dem Titel „Der Adler über dem Nebelmeer" beiläufig erwähnte, tauchte ein Gemälde mit einer Rückenfigur auf felsigem Gipfel über dichtem Nebel (damals noch ohne Titel) auf. Auch sollte berücksichtigt werden, dass seinerzeit durch den Verlust von über 3.000 Gemälden beim Großbrand im Münchener Glaspalast 1931 und durch das entstandene Vakuum an den Wänden von Museen und öffentlichen Ausstellungen, wegen der Beschlagnahme von Entarteter Kunst im Jahr 1937, zwangsläufig die Nachfrage an völkisch-romantischen Objekten weitaus größer war als das Angebot.

Ankauf für die Hamburger Kunsthalle

Vom „Kunsthaus Bühler" in Stuttgart erwarb im Dezember 1970 die Stiftung zur Förderung der Hamburgischen Kunstsammlungen für 600.000 Deutsche Mark den Der Wanderer über dem Nebelmeer; wobei zunächst „buchhalterisch" der Hamburger Mäzen Kurt A. Körber das Bild von der Galerie Bühler kaufte und die Stiftung dann den Schuldtitel einige Jahre später bei Körber ablöste.

Der Ankauf geschah auf Anraten des damals relativ neuen Hamburger Kunsthallendirektors Werner Hofmann mit der Argumentation, die Schwerpunkte einer Sammlung sollen stets ausgebaut werden, was sowohl für künstlerische Strömungen als auch Persönlichkeiten gelte. Hofmann war der Meinung, dass „diese typische Pathosformel (Warburg)" den anderen Bildern der gegenwärtigen Sammlung abginge. Er argumentierte, dass man einen solchen Ausdruck nur früher dem 1931 im Münchener Glaspalast verbrannten Hamburger Bild „Die Augustusbrücke in Dresden" hätte entnehmen können und man diesen Verlust nun durch den Ankauf des „Wanderers" wieder ausgleichen werde. - Siehe dazu auch der Verlust von 17 Leihgaben der Hamburger Kunsthalle und die Sonderausstellung „Werke deutscher Romantiker von Caspar David Friedrich bis Moritz von Schwind von 1931". - Innerhalb Hamburgs Friedrich-Sammlung wurde der „Wanderer" das zwölfte Bild der Kunsthalle.

In der Datierungsgeschichte von Der Wanderer über dem Nebelmeer werden unterschiedliche Meinungen vertreten. Die erste Datierung auf „1815" - mit Hinweis auf Motive aus Skizzen und Studien - stammt von Ludwig Grote (1950), der übrigens in seinem Aufsatz die gelegentlich angezweifelte „Autorschaft Friedrichs" nicht unerwähnt ließ. Auch Marianne Prause (1963) übernahm das Datum Grotes. Willi Geismeier (1966) trat für eine Datierung „um 1820" ein und Werner Sumowski (1970) ordnete den Wanderer „vor 1818" ein. Nach Helmut Börsch-Supan (1973) lässt sich das Gemälde „am ehesten um 1818" einordnen. Helmut R. Leppien (1993) hat in Berufung auf Marianne Prause (s. u. Wirkungen in der Kunst) für die Hamburger Kunsthalle die Datierung „um 1817" eingeführt, die den Wanderer 2006/2007 erstmals mit der Einordnung „um 1818" in der Ausstellung Caspar David Friedrich Die Erfindung der Romantik zeigte.

Die Eigentümerin - die Stiftung zur Förderung der Hamburgischen Kunstsammlungen - datiert das Gemälde „um 1817" (Stand März 2015) und erwarb es damals 1970 auf der Basis „ um 1815 ".

Drei Skizzen und Studien, die während seiner Wanderungen in der Sächsischen Schweiz und in Böhmen entstanden, sind die Hauptindizien für die Annahme, dass Friedrich der Urheber der Rückenfigur „über dem Nebelmeer" ist.

Im Gemälde der zentrale Felsen im Vordergrund, auf dem die Rückenfigur steht, gleicht zweifellos dem der Bleistiftzeichnung Felsige Kuppe vom 3. Juni 1813, welche - nach heutigem Kenntnisstand - dem Krippener Skizzenbuch entstammen soll, das jedoch zu einem unbekannten Zeitpunkt aufgelöst wurde; auch existiert dessen Einband nicht mehr. Die Zeichnung soll im Kriegssommer 1813 entstanden sein, der in der Völkerschlacht bei Leipzig, der Entscheidungsschlacht der Befreiungskriege gegen Napoleon Bonaparte endete. Die dargestellte Felsengruppe befindet sich am Aufgang zur Kaiserkrone von Schöna herkommend im Landkreis Sächsische Schweiz-Osterzgebirge. Der linke Berg im Mittelgrund findet sich in der Bleistiftzeichnung Felsformation im Elbsandsteingebirge vom 13. Mai 1808. Lokalisiert wurde das Motiv als Gamrigfelsen bei Rathen. Für die Berge im Hintergrund hat der Maler aus der Bleistiftzeichnung Landschaftsstudien vom 9./12. Mai 1808 die vierte Studie von oben verwendet. Lokalisiert ist hier der Blick von einem nordöstlich über dem Prebischtor liegenden Felsplateau auf den nahe gelegenen Rosenberg.

Felsengruppe an der Kaiserkrone, die als Vorlage für das Postament des Wanderers diente

Die isolierte Rückenfigur in der Landschaft hat Friedrich vor allem in seinen Gemälden seit 1807 systematisch entwickelt. Bei dem Meeresstrand mit Fischer (1807) oder dem Mönch am Meer (1810) ging es dem Maler augenscheinlich um die Wirkung eines anonymen Menschen im Motivzusammenhang. Die Absicht des Malers hat sich offenbar mit der Frau vor der untergehenden Sonne (1817) und dem Wanderer über dem Nebelmeer geändert. Hier kann man eine Personalisierung der Rückenfigur unterstellen, die auch eine größere Präsenz in der Bildkomposition und eine deutlichere Charakterisierung erfordert. In der vermittelten Wirkung gilt der Wanderer über dem Nebelmeer im Gesamtwerk ebenso einzigartig wie Der Mönch am Meer. Mit dem Wanderer auf dem Felsen ist auch ein Figurentyp eingeführt, der um 1818 in den Gemälden Gartenlaube, Kreidefelsen auf Rügen, Auf dem Segler und Zwei Männer in Betrachtung des Mondes wiederzufinden ist. Auch das Nebel-Gebirgs-Motiv hat Friedrich spätestens seit der Sepia Gebirge im Nebel von 1804 beschäftigt. Im Vergleich zu dem Gemälde Morgennebel im Gebirge (1808) lässt sich die Verwendung der Rückenfigur für die Landschaftswirkung ermessen.

Eine unmittelbare Reaktion auf den Wanderer über dem Nebelmeer gibt es von Carl Gustav Carus. Nach Marianne Prause malte der zeitweilige Friedrich-Freund (1817-1828) mit seinem Bild Ruhe des Pilgers von 1818 eine Paraphrase des Wanderers. Auch hat Carus das Nebel-Felsen-Motiv interessiert, wie die Ölgemälde Der Pilger, gen Osten ziehend (1824) oder Nebelwolken in der Sächsischen Schweiz (1828) zeigen.

Im 20. Jahrhundert erzeugte René Magritte vergleichbare Wirkungen der Rückenfigur in der Landschaft wie Friedrich mit dem Wanderer.

In der modernen Rezeptionsgeschichte ist der Wanderer über dem Nebelmeer wie Eugène Delacroixs Freiheit führt das Volk zu einem Passe-partout-Symbol geworden, dessen man sich zu unterschiedlichen Zwecken bedient. Durch die Randsituation, die Gipfelerfahrung, die Bedrohung durch den Abgrund, das physische Ende eines Entdeckungsweges oder die Sinnoffenheit des Motivs lässt sich der Wanderer auf verschiedene Kontexte projizieren oder dafür vereinnahmen. Auf Zeitschriftentiteln, Plattencovern, Bucheinbänden und in der Werbung hat der Wanderer Platz gefunden. Karikaturen persiflieren das Motiv.

Auf dem Titelbild des Nachrichtenmagazins Der Spiegel Nr. 19 vom 18. Mai 1995 blickt der städtisch gekleidete Bergsteiger auf ein Sammelsurium von Bildsymbolen unter einem schwarz-rot-goldenen Regenbogen, die für das Unheil deutscher Geschichte stehen sollen. Heute gilt diese Bildmontage als Trivial-Ikone des deutschen Bewusstseins.

Die Deutsche Grammophon versah 1996 ein Plattencover mit dem Wanderer über dem Nebelmeer zu Franz Schuberts Wanderer-Fantasie. Die Komposition entstand 1822 und ist ebenfalls ein Werk der Romantik.

Der Bucheinband des 1806 entstandenen Romans Adolphe von Benjamin Constant war mit dem Bild des Wanderers bedruckt.

Das Plakat zum ersten gesamtdeutsche Kongress des Verbandes deutscher Schriftsteller (VS) in der IG Medien 24.-26. Mai 1991 in Lübeck-Travemünde verband die Hölderlin-Zeile Komm! ins Offene, Freund! mit einer Bildmontage des Wanderers.

In Robert Löhrs Roman Das Erlkönig-Manöver findet sich Johann Wolfgang von Goethe in der Pose des Wanderers auf den Klippen des Kyffhäusers wieder.

Das Bild wurde als Albumcover des Albums Hymne wider Willen der deutschen Rockband Laternen-Joe verwendet.

Am 3. Januar 2011 gab die Bundesrepublik Deutschland eine 55-Cent-Briefmarke in der Serie „Deutsche Malerei" mit dem Motiv „Der Wanderer über dem Nebelmeer" heraus, siehe Briefmarken-Jahrgang 2011.

Das Computerspiel Minecraft verwendet unter anderem auch das Motiv des Wanderers in dem Spielblock „Gemälde", welches dort in spieltypischer Grafik mit 32x16 Pixeln vereinfacht dargestellt ist.

2014 diente das Gemälde als Vorlage einer Fotomontage für eine Englische Kampagne für Offshorewindkraft.

Am 8. Oktober 2015 erschien aufgrund der Flüchtlingskrise in Deutschland das Titelbild des Wochenmagazins Stern mit dem Wanderer und aus dem Nebelmeer auftauchenden Flüchtlingen.

Der englische Standup-Komiker Stewart Lee verwendet das Werk als Höhepunkt in seinem Special "Stewart Lee: Content Provider", um die Egozentrik der Millennials und deren "Selfi-Obsession" zu illustrieren.

Auf dem Caspar-David-Friedrich-Weg in der Sächsischen Schweiz mit Start in Krippen sind der Naturraum des Wanderers und die Maler-Aussichten zu erleben.

Christina Grummt: Caspar David Friedrich. Die Zeichnungen. Das gesamte Werk. 2 Bde., München 2011

Hartmut Böhme: Rückenfigur bei Caspar David Friedrich. In: Gisela Greve (Hrsg.): Caspar David Friedrich. Deutungen im Dialog. Edition discord, Tübingen 2006

Werner Hofmann: Caspar David Friedrich. Naturwirklichkeit und Kunstwahrheit. C. H. Beck Verlag, München 2000, ISBN 3-406-46475-0

Jens Christian Jensen: Caspar David Friedrich. Leben und Werk. DuMont Verlag, Köln 1999

Karl-Ludwig Hoch: Caspar David Friedrich in der Sächsischen Schweiz, Verlag der Kunst, Dresden 1996

Sigrid Hinz (Hrsg.): Caspar David Friedrich in Briefen und Bekenntnissen. Henschelverlag Kunst und Gesellschaft, Berlin 1974

Helmut Börsch-Supan, Karl Wilhelm Jähnig: Caspar David Friedrich. Gemälde, Druckgraphik und bildmäßige Zeichnungen, Prestel Verlag, München 1973, ISBN 3-7913-0053-9 (Werkverzeichnis)

Ludwig Grote: Der Wanderer über dem Nebelmeer. In: Die Kunst und das schöne Heim 48, 1950

Carlos Idrobo: He Who Is Leaving ... The Figure of the Wanderer in Nietzsche's Also sprach Zarathustra and Caspar David Friedrich's Der Wanderer über dem Nebelmeer, in: Nietzsche-Studien Band 41, Heft 1, Seiten 78-103, ISSN (Online) 1613-0790, ISSN (Print) 0342-1422, doi:10.1515/niet.2012.41.1.78, November 2012.

1. ↑ Fritz Nemitz Caspar David Friedrich. Die unendliche Landschaft (1938), Seite 19/20, dort Hinweis auf eine stattgefundene Unterhaltung zwischen Gotthilf Heinrich von Schubert und CDF im Oktober 1806 vor einer Arbeit mit dem Titel "Der Adler über dem Nebelmeer" (verschollen)

2. ↑ The Berlin Galerie Dr. Wilhelm August Luz during the Nazi Regime and in the Postwar Years Provenance research, Ulrike Gärtner und Sibylle Ehringhaus (2011) (Memento des Originals vom 21. Februar 2015 im Internet Archive) Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.

3. ↑ Sibylle Ehringhaus, Galerie Dr. W.A. Luz, abgerufen am 21. Februar 2015 (Memento des Originals vom 21. Februar 2015 im Internet Archive) Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.

4. Ausstellungskatalog: The Tate Gallery and the Arts Council Gallery London. "The Romantic Movement: Fifth Exhibition to Celebrate the Tenth Anniversary of the Council of Europe, 10. Juli bis 27. September 1959". Anmerkung: Mitglied des Berater- und Hängungskomitees für die Londoner Ausstellung war u. a. ↑ Ludwig Grote, Hinweise S. 8,9; Bildbeschreibung S. 132; Abb./Tafel 67 S. 505

5. ↑ Rüdiger Jungbluth: Die Oetkers, S. 225, 239 und 240

6. ↑ Fritz Nemitz Caspar David Friedrich. Die unendliche Landschaft (1938), Seite 19/20, dort Hinweis auf eine stattgefundene Unterhaltung zwischen Gotthilf Heinrich von Schubert und CDF im Oktober 1806 vor einer Arbeit mit dem Titel "Der Adler über dem Nebelmeer" (verschollen)

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Der Wanderer über dem Nebelmeer ist ein um 1818 entstandenes Gemälde von Caspar David Friedrich. Das unsignierte Bild in Öl auf Leinwand im Format 94,8 x 74,8 cm befindet sich in der Hamburger Kunsthalle. Der Wanderer ist die bekannteste Rückenfigur des Malers.

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Wassily Kandinsky sagte über Formen und Farben, dass ihnen Eigenschaften und Emotionen zugeordnet werden können. Betrachtet man mit dieser Einstellung seine abstrakten Kunstwerke nimmt man einen besonderen Blickpunkt ein.

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Der Blickpunkt auf diesem Foto ist durch eine Maske.

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Ich fand die Projektarbeit sehr gut. Es war schön, dass man so gut wie keine Vorgaben zum Werk hatte.
Bei der Projektarbeit hat man gelernt selbstständig (oder in der Gruppe) zu arbeiten. Ich habe gelernt, dass auch ein Projekt im Fach Kunst viel Vorbereitung braucht.
Zusammengefasst war die Projektarbeit eine gute Erfahrung bei der ein schönes Projekt zu stande gekommen ist.

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Auch ich finde es gut, dass uns offen gelassen worden ist, was genau wir in der Projektarbeit tun. Auf diese Weise finde ich es auch viel interessanter die Endergebnisse der anderen Gruppen zu sehen, weil jedes Werk ein ganz anderes Konzept besitzt.
Durch diese Freiheiten war die Stimmung beim Arbeiten an den Projekten außerdem immer angenehm und produktiv.

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Ich persönlich fand die Projektarbeit sehr interessant, weil wir selber beschließen konnten, was genau wir in unserem Projekt machen wollten. Zusammen mit seiner Gruppe konnte man Ideen austauschen und nach neuen Inspirationen suchen, was uns als Gruppe sehr viel weitergebracht hat. Die Projektarbeit war eine neue und sehr aufregende Erfahrung.

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Das Thema meiner Gruppe heißt "Festspielhaus heute VS im Nationalsozialismus". Das bedeutet, dass wir auf einer Hälfte das Festspielhaus früher und auf der anderen Häflte das Festpielhaus heute dargestellt haben. Ein Blickpunkt ist für mich etwas, worauf sich der Blick sofort richtet, wenn man es sieht und Weitsicht ist für mich etwas großes mit einer weiten Sicht und ohne viele Detailles

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Er beschränkte sich immer auf sehr wenige Farben und trug sie immer mit einem sehr breiten Pinsel in einem sehr langsamen Mahlprozess auf. Er analysierte außerdem immer Landschaften und zerlegte sie in Formbestandteile. Aufgrund der starken Reduzierung und Vereinfachung auf geometrische Formen, versuchte er eine allgemein gültige Darstellung zu schaffen. Seine Theorie war, dass man alle Formen der Natur auf Zylinder, Kugel und Kegel zurückführen kann.

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Mein Thema heißt "Einfluss der alten Kunst auf die Heutige".
Meine Weitsicht ist die alte Kunst und mein Blickpunkt beschränkt sich auf die Kunst von heute, vor allem auf Körperkunst.
Weitsicht ich für mich etwas, dass über einen langen Zeitraum immer noch Einfluss auf uns hat und Blickpunkt ist die heutigen Auswirkungen der Weitsicht.

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Salvador Dali wollte mit seinen Werken nicht nur irgendwas abbilden, das ihm gerade so in den Kopf gekommen ist.
In jedem einzelnen Bild wollte er immer etwas darstellen oder uns zum denken anregen. Dieses Werk heißt "Die Beständigkeit der Erinnerung" und sagt somit schon viel über das Bild aus, aber zusätzlich bildet er sich selber auch in seinem Werk ab (siehe Bildmitte: Teil seinen Gesichts). Auch würde ich sagen, dass er immer etwas tiefgründiges oder verrücktes gemacht hat, da er selber nicht der Normalste war (siehe Verhalten und Lebenslauf).

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Sie haben alle ihre Projekte eingehüllt, wie z. B. den Bundestag, damit wollten sie uns zeigen, dass viele Dinge für uns selbstverständlich sind und uns erst dann auffallen, wenn sie für uns nicht mehr erreichbar/sichtbar sind und wir diese/viele Dinge vielleicht etwas mehr schätzen sollten.

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Die erste Reihe in waagrechte Richtung zeigt immer Werke, bekannter Künstler in Tattoos, jeweils in senkrechter Richtung, also Spalte, sieht man zu jedem Tattoo immer das Original und darunter den Künstler mit Name und Titel des obigen Werkes.
Der Baum dient nur als Modell zum darstellen der Bilder.

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Claude Monet, weil er die Kunst weiterbrachte, alleine schon durch seine neue Technik der Farbentstehung, denn er mischte die Farben nicht wie üblich auf der Palette, sondern ließ sie erst im Auge des Betrachters entstehen.Er hat sich nicht mit dem bereits vorhandenen zufrieden gegeben, sondern wollte etwas verändern. Er trug unter anderem zur Bildung des Impressionismus bei.

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Unser Thema ist das Festspielhaus heute vs. im Nationalsozialismus. Wir haben da in einem Bild das Festspielhaus zur einen Hälfte wie früher und zur anderen wie heute dargestellt. Ein Blickpunkt ist für mich etwas was auffällt/heraussticht und auf das man zuerst schaut. Weitsicht ist für mich etwas unaufälligeres/unwichtigeres in einem Bild oder ein Bild ohne "hingucker".

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Man sieht das Festspielhaus links im nazionalsozialismus und rechts heute. Die dunklen/traurigen Farben sollen die schwere und brutale Zeit mit düsterer Zukunft für viele unter der Führung Hitlers betonen. Die fröhlichen Farben rechts stellen dar, wie wir das Festspielhaus heute sehen in einer politisch besseren Lage und mit besseren Aussichten.
Der Blickpunkt liegt auf dem Festspielhaus selbst,da dies vor allem durch die 3D Faltung heraussticht und die Weitsicht auf dem Hintergrund und der politischen Veränderung/Verbesserung.

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Das Projekt fand ich sehr gut gestaltet, vor allem, dass man sich selber aussuchen durfte, was man genau machen will. Es hat mir auch geholfen, zu sehen, wo ich mich noch verbessern kann, wie zum Beispiel die Vorbereitung des Projekts. Die Zeitspanne finde ich auch sehr passend.

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Mein Projekt heißt ''Der Große Augenblick'' und soll den Moment vor einem großen Auftritt darstellen.
Für mich ist ein Blickpunkt ein besonderer Moment, der festgehalten wird. Es ist etwas Besonderes, was man vielleicht nicht alle Tage sieht oder einem nicht sofort auffällt.
Weitsicht schaut sozusagen über den Tellerrand hinaus. Es zeigt uns ein größeres Bild und nicht nur einen einzelnen Moment. Es können Kunstwerke sein bei denen man nochmal einen zweiten Blick braucht, um die Message dahinter zu verstehen.

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Der Blickpunkt in Kunstwerken ist etwas besonderes. Es könne etwa das Farbspiel sein, jedoch auch welche Formen man dabei benutze oder welche Emotionen gezeigt werden.

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In meinem Werk sieht man eine Person zur Probe ihres großen Auftritts. Ich wollte mit diesem Werk einen besonderen Moment festhalten, der Moment in dem man alles gibt um sich darauf vorzubereiten, die Nervösität die man dabei spürt, wenn all das Licht auf einen fällt.

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Das Thema von unserem Projekt , sind die vier Elemente.  Wir haben die Elemente Feuer, Wasser , Erde und Luft in einer Landschaft dargestellt. Das Bild haben wir auf drei Leinwände mit Acrylfarbe gemalt.
Ein Blickpunkt ist für mich etwas, worauf man als erstes achtet. In unserem Bild sind es die Elementsymbole.
Weitsicht ist für mich das gesamte Kunstwerk. Es gibt nicht einen Punkt dem man besonders beachtet sondern nur das Ganze.

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Seine Gemälde sind entweder Landschaftsbilder oder Meerbilder mit Schiffen. In seinen Bildern gibt es nicht einen einzigen Punkt auf den man schaut sondern nur das große Ganze.

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(vollständiger Titel: The Fighting Temeraire tugged to her last Berth to be broken up, 1838) ist ein Schiffsporträt in Öl des bekannten englischen Malers J. M. William Turner (1775-1851) aus dem Jahr 1839. Turner zeigt eine für die Schiffsdarstellungen untypische zeitgenössische Szene auf der Themse bei London und gibt ihr durch Farbe und Komposition jedoch einen zusätzlichen Inhalt. Denn das ehemalige Kriegsschiff wird nicht im Stil eines Kapitänsbildes von der Seite, segelnd in voller Takelage oder in einer Kampfszene sondern auf dem Weg zum Schiffsfriedhof (zum Abwracken) gezeigt. Der deutsche Bildtitel Die letzte Fahrt der Temeraire bezieht den vollständigen Titel knapp ein und trifft mit dem darin genannten Sachverhalt schon einen Teil der Bildaussage. Der andere Aspekt, das Ende eines berühmten Kampfschiffes (Kriegs-), fehlt im Gegensatz zum englischen Kurztitel und zur gesamten Komposition des Gemäldes.

Das Ölbild hängt heute in der National Gallery in London. Turner vermachte es 1851 mit vielen anderen wertvollen Werken seinem Heimatland Großbritannien unter der Auflage der Schaffung eines Altersheims für verarmte Künstler (damals Almshouse genannt).

Das Bild zeigt auf den ersten Blick, wie das seinerzeit 40 Jahre alte Linienschiff zweiter Klasse HMS Temeraire, 1798 fertiggestellt, von einem kleineren Raddampfer zu seinem letzten Ankerplatz Rotherhithe geschleppt wird, um abgewrackt zu werden. 33 Jahre zuvor hatte das Schiff eine wichtige Rolle in der Schlacht von Trafalgar gespielt, indem es der bedrängten HMS Victory Horatio Nelsons gegen die beiden gegnerischen Flaggschiffe zu Hilfe kam und somit wesentlich zum Sieg der britischen Flotte beitrug. Turner gibt 1839 dem Schiffsrumpf für diese letzte Fahrt seine bereits entfernten Masten und die Takelage wieder zurück und ein leuchtendes Goldweiß als Hauptfarbe (in Wirklichkeit war sie schwarz).

Die interessierten Zeitgenossen erkannten diese Details schon beim ersten Blick auf das ausgestellte Ölgemälde. Auf den zweiten Blick wird es ohne eigene Flagge während eines fulminanten Sonnenuntergangs abgeschleppt. Der Dampfer signalisiert mit der weißen Flagge am Mast, dass es ein kommerzieller, ziviler Transport ist. Die Interpretation der Nationalgalerie dafür ist, dass eine Zeitenwende gezeigt wird, denn Turners Worte treffen nicht nur auf dieses Segelkriegsschiff zu:

Das nächste mit diesem Namen aufgelegte Kriegsschiff, die dritte Temeraire, war dann ein stählernes, schraubengetriebenes Schiff. Aber Turner lässt mit dem kompositorischen Trick des Sonnenuntergangs - im übertragenen Sinn - die Sonne noch ein letztes Mal auf sie (Einzahl im Titel, behalte die Mehrzahl im Kopf) scheinen. Weitere Einzelheiten sind die übrigen Schiffe auf der Themse, die Rauchfahne des Schleppers, der glatte Wasserspiegel und der Widerschein des aufgehenden Mondes am linken Bildrand.

Schiffsname, Bezeichnung, Rezeption

Wörtlich übersetzt lautet der vollständige Titel The Fighting Temeraire tugged to her last Berth to be broken up, 1838 folgendermaßen: „Die Kämpfende Temeraire wird zu ihrem letzten Liegeplatz geschleppt, um abgewrackt zu werden, 1838". Geläufig ist meist der Kurztitel The Fighting Temeraire, der auch von der National Gallery verwendet wird. Leser, die mit der Geschichte Großbritanniens nicht vertraut sind, führt dieser Titel leicht zu der irrigen Annahme, das Gemälde zeige eine Seeschlacht. The Fighting Temeraire ist allerdings seit der Trafalgar-Schlacht gegen Napoleons Invasionspläne die in Presse, in Kunst und Literatur geläufige Ehrenbezeichnung für das Schiff HMS Temeraire, seine Mannschaft und den Kapitän; das französische Téméraire steht für den eigentlichen Schiffsnamen Furchtlosigkeit. In den englischen Schiffsnamen wird es stets ohne Akzente geschrieben.

In der deutschen Sprache ist der Bildtitel - verkürzt - auch als Die letzte Fahrt der Temeraire bekannt.

Zum Namen gibt es in England diese Liedzeilen von Henry Newbolt, „The Fighting Temeraire", 1898, über die Schlacht, das Ende des Schiffs und den Sonnenuntergang bei Turner:

Noch 2005 wurde das Bild in einer BBC-Umfrage zum Greatest Painting in Britain gewählt.

2016 kündigte die Bank of England die Herausgabe einer neuen 20-Pfund-Note mit dem Bild (des jungen) Turners und des Temeraire-Bilds an.

Für das Gemälde gibt es eine Hommage im 23. Film der James-Bond-Serie . Der Saal mit dem Gemälde in der Londoner Nationalgalerie ist der Treffpunkt von James Bond und Mister „Q". Das Gemälde wird auf diese Weise zum Symbol für den alternden Agenten, der sich zwar sehr um sein Land verdient gemacht hat, aber anscheinend in einer neueren Zeit keinen rechten Platz mehr findet.

In dem 2014 erschienenen Film Mr. Turner - Meister des Lichts wird gezeigt, wie der alternde Maler als Augenzeuge dieser Szene dazu inspiriert wird, das Bild so zu malen.

Dass er den den Konvoi führenden Schlepper (Tugboat) in den Umrissen deutlich als Seitenraddampfer zeichnet, zeigt evtl. seine Aufgeschlossenheit für technische Neuerungen. Bekannt ist auch sein Bild eines Dampfzugs auf einer neuen Brücke westlich von London, fünf Jahre später gemalt.

Einen Stich des Ölgemäldes gibt es bei

Andere Abbildungen des Schiffs:

Clarkson Frederick Stanfield, Sketch for "The Battle of Trafalgar, and the Victory of Lord Nelson over the Combined French and Spanish Fleets," 1805, jetzt Tate Britain

Cy Twombly, Triptychon: Three studies from the Temeraire, 1998-1999

Geoff Hunt: The Heavyweight Punch, Victory races Temeraire for the Enemy Line und HMS Temeraire (neuzeitlicher Schlachtenmaler)

R.G. und A.W. Reeve: The Temeraire of 98 guns...; coloured aquatint after J.J. Williams (1838) (zeigt den Rumpf in Southwark nach einer zeitgenöss. Skizze)

Wahrscheinlich erscheint dieses Schiff auf einigen Schlachtengemälden (Trafalgar, 1805) ohne eigens benannt zu werden. Die Trafalgar-Schlacht ist bis heute bei Seemalern ein beliebtes Sujet. Auch in einem früheren Bild Turners von der Schlacht, mit dem Zentrum auf der HMS Victory, ist sie - oder ihre Masten - nicht eindeutig identifiziert.

Andere Schiffsbilder

Das Thema Schiff, Schiffsrumpf, auf anderen Turnerbildern:

Burning ship, Aquarell, etwa 1830 entstanden (Brennendes Schiff, Farbstudie)

The Grand Canal - Venice, 1835 (Ankernde Schiffe auf dem Canal Grande in Venedig)

The Slave Ship, 1840 („Das Sklavenschiff" auf hoher See)

Außerdem zeigt er wiederholt Schiffe bei der Ärmelkanalüberfahrt.

Christine Riding, Richard Johns: Turner & the Sea. London, 2013. ISBN 978-0-500-23905-6 (engl.)

Sam Willis: The Fighting Temeraire: Legend of Trafalgar. Quercus, London, 2009. ISBN 978-1-84916-261-6 (engl.)

Andrew Wilton (Hrsg.): William Turner - Leben und Werk. E. A. Seemann Verlag, Leipzig, 2006. ISBN 978-3-86502-142-7 (Original engl.: 1979, J.M.W. Turner: His Art and Life. Tabard Press)

Anmerkungen/Einzelnachweise

1. hier wurde dem Kurztitel „The Fighting Temeraire" der Vorzug vor der langen Bezeichnung Turners gegeben, da auch die ↑ National Gallery den Kurztitel benutzt - siehe auch National Gallery Webpräsenz.

2. ↑ The story behind the Fighting Temeraire bei artgallery.co.uk.

3. Erläuterungen beo Nationalgallery.org.uk/paintings/...heroine-of-trafalgar auf 7 Seiten.↑
Informationen bei rmg.co.uk/collections/2014, towing-the-temeraire (Memento des Originals vom 28. August 2016 im Internet Archive) Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis. (eingesehen, 26. Aug. 2016).

4. ↑ BBC, Radio 4, PM vom 5. September 2005 (mit über 30 Tsd. der etwa 120 Tsd. abgegebenen Stimmen).

5. ↑ New £20 note design and personality unveiled by Bank of England. BBC vom 22. April 2016 (Meldung mit Abbildung).

6. Dazu ein Artikel von ↑ Andrew Graham-Dixon, Zitat: "... Temeraire as a personal emblem for Turner ..." - aus "The heartfelt tug of time" in The Independent vom 25. Juli 1995.

7. ↑ Rain, Steam, and Speed - The Great Western Railway, 1844, ebenfalls in der NG gleicher Saal 34 (unter einem typischen englischen Regenhimmel).

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(vollständiger Titel: The Fighting Temeraire tugged to her last Berth to be broken up, 1838) ist ein Schiffsporträt in Öl des bekannten englischen Malers J. M. William Turner (1775-1851) aus dem Jahr 1839. Turner zeigt eine für die Schiffsdarstellungen untypische zeitgenössische Szene auf der Themse bei London und gibt ihr durch Farbe und Komposition jedoch einen zusätzlichen Inhalt.

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Das Projekt war eine schöne Erfahrung. Ich habe das erste mal auf einer Leinwand gemalt. Das war manchmal schwer aber auch etwas sehr interessantes. Es war sehr schön , dass wir uns selber raussuchen konnten was wir machen wollten.

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Unser Projekt ist ein Miniatur Baumhaus aus Holz. Ein Blickpunkt ist für mich ein Punkt in einem Bild, der alle Blicke auf sich zieht, Weitsicht ist hingegen eher eine weite Landschaft oder das gesammte Bild, wo alle Teile gebraucht werden, damit es gut und vollständig aussieht.

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Insgesamt hat mir das Projekt sehr gefallen, ich habe viel dazugelernt und neu entdeckt. Die Arbeit mit Holz war sehr interessant und hat auch Spaß gemacht, vor allem an den kleinen Details zum Schluss zu arbeiten, hat mir gut gefallen.

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Unser Projekt stellt drei personifizierte Gegensätze dar, die im Universum zu jeder Zeit unser Leben bestimmen: Krieg und Frieden, Glück und Trauer und Leben und Tod.
Blickpunkt ist für mich ein kleines Detail, das nur in einer bestimmten Zeit oder unter einer bestimmten Bedingung als schön empfunden werden kann. Weitsicht ist wiederum etwas, was sich zu jeder Zeit unter egal welchen Umständen als Kunst interpretieren lässt.

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In unserem Projekt geht es um die 4 Elemente, die wir auf einer Leinwand in Form einer Landschaft veranschaulicht haben. 

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In unserem Projekt geht es um die 4 Elemente, die wir auf einer Leinwand in Form einer Landschaft veranschaulicht haben. 

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In unserem Projekt haben wir eine Leinwand gestaltet und auf die Natur bezogen. Wir haben bewusst diese Thematik gewählt, um den Umweltschutz aufzugreifen. Die Blickpunkte werden durch einzelne Aufnahten hervorgehoben.

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In unserem Projekt haben wir eine Leinwand gestaltet und auf die Natur bezogen. Wir haben bewusst diese Thematik gewählt, um den Umweltschutz aufzugreifen. Die Blickpunkte werden durch einzelne Aufnahten hervorgehoben.

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Sophia Schwarz

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Das Projekt hat mir sehr gut gefallen, da wir uns nicht nur ein Thema aussuchen konnten, sondern auch etwas zu der Kunstgeschichte lernen durften.

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Blickpunkte können durch verschiedene Dinge hervorstechen. Eine besondere Farbwahl oder Malart. Manche Künstler setzen außerdem einen Teil ihres Werkes in den Vordergrund, wodurch auch Blickpunkte entstehen können.

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Blickpunkte können durch verschiedene Dinge hervorstechen. Eine besondere Farbwahl oder Malart. Manche Künstler setzen außerdem einen Teil ihres Werkes in den Vordergrund, wodurch auch Blickpunkte entstehen können.

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Sophia Schwarz

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auf der Leinwand sieht man ein Landschaftsfoto von dem Waldrand hinter meinem Haus. Einzelne Ausschnitte, wie beispielsweise mein Haus im Hintergrund, Finja auf dem Weg oder ein besonderer Ast haben wir nachgezeichnet und anschließend aufgenäht.

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Unser Projekt haben wir mit der Natur und dem Umweltschutz verbunden. Das Foto ist auf eine Leinwand gedruckt und die Ausschnitte heben die Blickpunkte hervor.

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Unser Projekt haben wir mit der Natur und dem Umweltschutz verbunden. Das Foto ist auf eine Leinwand gedruckt und die Ausschnitte heben die Blickpunkte hervor.

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Finja Apel

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Blickpunkte können Personen, Gegenstände oder verschiedene Farben und Malstile sein. Blickpunkte sind die Punkte wo man zuerst hinsieht.

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Blickpunkte können Personen, Gegenstände oder verschiedene Farben und Malstile sein. Blickpunkte sind die Punkte wo man zuerst hinsieht.

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Die Leinwand zeigt ein Foto vom Waldrand. Einige Ausschnitte haben wir mit Buntstiften nachgemalt und anschließend auf die jeweiligen Stellen aufgenäht. 

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Die Leinwand zeigt ein Foto vom Waldrand. Einige Ausschnitte haben wir mit Buntstiften nachgemalt und anschließend auf die jeweiligen Stellen aufgenäht. 

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Das Bild zeigt den Oberkörper/Kopf eines Riesen, der in einer Berglandschaft steht.

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Blickpunkte sind ein wichtiger Bestandteil eines Bildes, denn sie ziehen die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Doch nicht immer ist der Blickpunkt ein einzelner Punkt auf dem Bild, er kann auch das gesamte Bild sein, z.B. von Adolph Menzel "Eisenwalzwerk".
Manchmal aber ist es wirklich nur ein einzelner Punkt auf dem Bild, das er besonders macht, z.B. René Magritte "Das ist keine Pfeife".

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Blickpunkt ist für mich das erste, Große, was einem auffällt, wenn man auf ein Gemälde schaut.
Die Weitsicht kommt dann, wenn man es näher betrachtet und beginnt Details wahrzunehmen

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zeigt uns, was Blickpunkte in Bildern sein können. In seinem Beispiel sind es meist Frauen, welche vor einfarbigen Hintergründen, oder Alltagssituationen abgebildet sind

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Das Foto stellt dar, wie eine "schützende" Hand die Fake News davon abhält in den Neuigkeiten der Beeinflussbaren zu kommen.

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Projekttagebuch von Laura Wagner

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Mein Projekt ist ein Bild von einem Fisch in einer Plastikflasche im Meer. Der Fokus/Blickpunkt liegt auf dem Fisch, doch das Bild soll zum Weiterdenken anregen, d.h. zur Weitsicht bewegen. Das bedeutet für mich "Blickpunkt und Weitsicht".

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Mit dem Bild wollte ich auf die Wichtichkeit von Klimaschutz aufmerksam machen. Da die Folgen des Klimawandels oft nicht direkt sichbar sind, habe ich mich für die Verschmutzung der Meere entschieden. Leider bin ich nicht ganz fertig geworden, da das Bild noch in der Schule liegt.

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Mein Projekt soll Dinge, bzw. Aktivitäten aus dem Alltag in einem Bild zusammengefasst darstellen. Der Blickpunkt fällt dabei auf die einzelnen Aktivitäten, die man sonst nie wahrnimmt und die Weitsicht kann man in der Vielfalt der Dinge, die man am Tag tut, sehen.

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hat sehr oft Landschaften gemalt und dabei eine Maltechnik benutzt, bei der er das Bild aus vielen Strichen entstehen lassen hat. Die Weitsicht liegt in erster Linie in den Landschaften, aber auch in den Strichen.

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Sternennacht

Vincent van Gogh, 1889

Öl auf Leinwand

73,7 × 92,1 cm

Museum of Modern Art, New York (USA)

Sternennacht (französisch La nuit étoilée, niederländisch De sterrennacht) ist eines der bekanntesten Gemälde des niederländischen Künstlers Vincent van Gogh. Er malte das 73,7 × 92,1 cm große Bild im Juni 1889 im französischen Saint-Rémy-de-Provence im Stil des Post-Impressionismus bzw. frühen Expressionismus mit Ölfarben auf Leinwand. Das Bild ist seit 1941 im Besitz des Museum of Modern Art in New York City und wird dort unter dem Titel The Starry Night gezeigt.

Es ist nur wenig über die Gründe bekannt, die den Maler zu diesem Bild veranlasst haben. In einem Brief an seinen Bruder Theo (Nr. 595) wird die Sternennacht direkt erwähnt; van Gogh beklagt einerseits, wie unzufrieden er mit der Bildkomposition und der Übertreibung sei, zeigt sich andererseits angesichts des Blau im Bild versöhnlich. Da er sich zur Entstehungszeit des Bildes in der Nervenheilanstalt Saint-Paul-de-Mausole befand und das Gebäude nur in Begleitung verlassen durfte, ist das Bild wahrscheinlich aus der Erinnerung im Atelier und nicht in der Natur entstanden. Die teilweise als Vorarbeit betrachtete Zeichnung Sternennacht (ehemals Kunsthalle Bremen) ist erst nach dem Gemälde in der Zeit zwischen dem 25. Juni und 2. Juli 1889 entstanden. Im Gegensatz zum Gemälde sind in der Zeichnung nur zehn Sterne dargestellt und aus den Bauernhäusern steigt Rauch in den Himmel auf. Am 2. Juli schickte Vincent van Gogh diese Zeichnung zusammen mit anderen Arbeiten an seinen Bruder Theo van Gogh nach Paris.

Die Perspektive des Bildbetrachters entspricht dem Blick aus dem Fenster des Krankenzimmers des Sanatoriums in St.Rémy. Motive des Gemäldes sind Zypressen und ein Dorf. Während die Zypressen und die Farbigkeit des nächtlichen Himmels eher die Landschaft Südfrankreichs spiegeln, erinnert das Dorf an van Goghs holländische Heimat. Das Motiv des Sternenhimmels taucht wiederholt in seinen Werken aus dieser Zeit auf, wie bei den im September 1888 in Arles entstandenen Gemälden Caféterrasse am Abend ( französisch Terrasse du café le soir) und Sternennacht über der Rhone (frz. Nuit étoilée sur le Rhône).

Die Sternennacht wurde in einer für van Gogh tragischen Lebenssituation geschaffen, als er stark unter seiner seelischen Verfassung litt, die ihn nach St. Rémy gebracht hat. Dementsprechend kann das Bild als ungestümer Versuch des Künstlers, seine Krankheit zu überwinden, gedeutet werden.

Emotionale Turbulenzen spiegelten sich zwar in einzelnen Aspekten wider, dennoch strahle das Bild eine gewisse Ruhe, Hoffnung und Trost aus. Diese Widersprüchlichkeit kann in unterschiedlichen Ebenen nachgewiesen werden. So kontrastiert die Stille des Dorfes mit der Aufgewühltheit des Himmels, den düsteren Farben der Zypresse im Vordergrund werden das strahlende Gelb des Sichelmondes und der Sterne, dem dominierenden Blau einzelne Einsprengsel in Orange entgegengesetzt. Die leuchtenden Farben werden durch ein Weiß ergänzt, das einerseits für den charakteristischen Spiraleffekt verantwortlich ist und andererseits die Komposition harmonisiert.

Der Kunsthistoriker Meyer Schapiro sah das Werk als „eines der seltenen Bilder, die durch eine religiöse Stimmung ausgelöst worden sind." Van Gogh habe versucht, seine Sehnsucht nach etwas Unendlichem in der Natur auszudrücken. Ferner sah Schapiro darin Spuren einer apokalyptischen Phantasie. Die Interpretation korrespondiert mit einem Brief an den Bruder, in dem der Künstler die Absicht äußerte, „schwierige Szenen aus dem Leben" zu malen: „Dies hält mich nicht davon ab, ein unbändiges Verlangen nach - soll ich das Wort sagen? - nach Religion zu haben. Dann gehe ich in die Nacht hinaus, um die Sterne zu malen."

Das Bild wirkt in seinem Gegenstand, der Farbigkeit und wilden Pinselführung emotional und hat zahlreiche Künstler zu eigenen Variationen des Themas inspiriert. So wurden beispielsweise Gedichte über das Bild verfasst und der englische Titel des Bildes, The Starry Night, stand Pate für die erste Zeile des erfolgreichen Popsongs , den der amerikanische Sänger Don McLean dem Maler widmete. Naturwissenschaftler beschäftigen sich mit spezifischen Details, wie der Berechnung der Helligkeitsschwankungen in den Wolken- und Lichtwirbeln, die, wie die Analyse von digitalen Fotos ergab, den physikalischen Gesetzmäßigkeiten des Modells von Kolmogorow entsprechen.

Kurz nach der Entstehung des Gemäldes übergab Vincent van Gogh die Sternennacht seinem Bruder Theo. Ein Jahr nach dem Tod des Malers starb 1891 auch Theo van Gogh, womit dessen Frau Johanna van Gogh-Bonger das Bild erbte. Sie verkaufte es 1900 an den in Paris lebenden Julien Leclercq, der es im Februar 1901 durch Tausch gegen ein anderes Gemälde an den Maler Émile Schuffenecker weitergab. Nachdem Johanna van Gogh-Bonger das Bild von Schuffenecker zurückgekauft hatte, kam das Gemälde 1906 über die Galerie Oldenzeel in Rotterdam in den Besitz der Sammlerin Georgette P. van Stolk aus Rotterdam, die es bis 1938 behielt. Durch Vermittlung von Jacob-Baart de la Faille, dem Verfasser von van Goghs Werkverzeichnis, gelangte das Bild in die New Yorker Filiale des Kunsthändlers Paul Rosenberg. 1941 erwarb das 'Museum of Modern Art' das Gemälde mit Mitteln des Lillie P. Bliss Bequest.

Angela Wanzel: 13 Paintings Children Should Know. Prestel, 2009, ISBN 978-3-7913-4323-5 (englisch).

Meyer Schapiro: Vincent van Gogh. DuMont Köln, 1957 (Neuauflage 1982), ISBN 3-7701-0033-6, S. 94.

Albert Boime: Vincent van Gogh - Die Sternennacht - Die Geschichte des Stoffes und der Stoff der Geschichte. (Übersetzung von Elke von Radziewsky), Fischer, Frankfurt am Main 1989, ISBN 3-596-11237-0.

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Sternennacht Vincent van Gogh, 1889 Öl auf Leinwand 73,7 × 92,1 cm Museum of Modern Art, New York (USA) Sternennacht (französisch La nuit étoilée, niederländisch De sterrennacht) ist eines der bekanntesten Gemälde des niederländischen Künstlers Vincent van Gogh. Er malte das 73,7 × 92,1 cm große Bild im Juni 1889 im französischen Saint-Rémy-de-Provence im Stil des Post-Impressionismus bzw.

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Der Blickpunkt in einem Bild ist ein Detail, das den Betrachter in einen "Bann" zieht und einem als erstes auf einem Bild ins Auge springt.

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Das Bild soll die Dinge zeigen, welche man jeden Tag macht, aber vielleicht nicht immer wahrnimmt.

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Das Bild zeigt einen Eisberg in einer Polaren Region.