# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La relation maître-valet est une convention traditionnelle du théâtre de comédie qui joue sur les contrastes de la hiérarchie sociale, remontant à l' esclavage en Grèce antique et dans la Rome antique, adaptée plus tard à la domesticité à l' époque moderne, utilisée en Italie par la commedia dell'arte et dans le théâtre français par Molière, Marivaux, Beaumarchais, avec des résurgences jusque chez Bertolt Brecht. Dans la comédie et parfois dans la tragédie, le rôle du valet peut être celui du confident.

Dans le théâtre grec antique comme dans le théâtre romain, le serviteur est un esclave, un objet qui n'a ni les droits, ni la dignité de l'homme libre : il peut être fouetté ou tué impunément. En échange, il n'est pas tenu par les convenances, il se livre à des plaisanteries obscènes et peut être insolent même avec les dieux. Dans Les Grenouilles d' Aristophane, Dionysos, descendu aux Enfers sous le déguisement d' Héraclès, est accompagné de son esclave Xanthias qui se moque de ses mines raffinées et de sa poltronnerie. À Rome, Plaute et Térence ont eux-mêmes été esclaves et parlent d'une condition qu'ils connaissent bien. Ainsi, dans l'Amphitryon de Plaute, le valet Sosie se plaint de l'injustice de son sort :

" Quel courage ou plutôt quelle audace, quand on sait comment se comporte notre jeunesse, de se mettre en route seul, la nuit, à l'heure qu'il est ! Et que deviendrais-je, si les triumvirs me jetaient en prison ? Demain on me sortirait de ma cage pour me fouetter [d']importance ; et pas un mot à dire pour ma défense, et rien à attendre de mon maître, et pas une bonne âme qui ne criât que c'est bien fait ! En attendant, huit solides gaillards frapperaient sur mon pauvre dos comme sur une enclume : belle réception que me ferait ma patrie à mon retour ! Voilà pourtant à quoi m'expose la dureté de mon maître ! m'envoyer du port ici, bon gré mal gré, au beau milieu de la nuit ! Ne pouvait-il pas attendre qu'il fût jour ? Ô la dure condition que le service des riches ! et que l'esclave d'un grand est à plaindre ! Le jour, la nuit, ce sont mille choses à dire ou à faire ; pas de repos, pas de trêve ! Le maître se croise les bras, mais ne ménage pas nos peines ; tout ce qui lui passe par la tête lui semble possible, lui paraît juste ; il s'inquiète bien vraiment du mal qu'il nous donne, et si ses ordres sont raisonnables ou non ! Aussi que d'injustices dont pâtit le pauvre esclave ! mais, malgré qu'on en ait, il faut porter son fardeau. "

Le valet de comédie, oublié du théâtre médiéval, reparaît avec la Renaissance italienne et la commedia dell'arte : Henri III de France en engage une troupe lors de son passage à Venise en 1577.

Le valet de comédie

Le valet de comédie, à l'époque moderne, regroupe toutes les fonctions de tous les valets de la maison, c'est donc un symbole, une représentation du valet. Il n'est pas un esclave, il est rémunéré (de gages), mêmes si ceux-ci sont rarement perçus. Le valet est logé, nourri, blanchi, et s'en contente.

Dans la comédie, une de ses fonctions est celle d' entremetteur chargé de faciliter les amours des jeunes gens.

La relation avec le maître est une relation de familiarité (le valet sert de confident, pour le maître c'est une espèce de double, de miroir, avec qui la discussion n'aura pas de conséquence). Le maître rabroue le valet (de coups), du fait de la familiarité qui existe entre eux, et malgré celle-ci. Cette relation n'est pas ressentie comme un problème de classes sociales au . Elle le sera à partir du .

Conflit entre deux maîtres (Octave et Argante)

Scapin et Octave s'entendent contre Argante qui demande à Scapin de surveiller Léandre.

Occasion pour le valet de se venger, en amusant mais de façon dénuée de revendications sociales. C'est une vengeance personnelle.

Dorine incarne un type de serviteur dévoué et honnête, fidèle à la famille et qui, malgré sa condition inférieure, se montre supérieure à ses maîtres par son bon sens populaire et son franc-parler. Elle s'efforce d'aider Mariane, sa jeune maîtresse, faible et vulnérable, à qui elle sert de confidente, et de désabuser Orgon, le chef de famille tyrannique tombé dans le fanatisme sous la tutelle de l'hypocrite Tartuffe.

Sganarelle est le seul valet de Dom Juan non adjuvant.

Il critique son maître, s'oppose à son raisonnement, mais c'est son maître qui gagne très souvent, grâce à son éloquence.

Dom Juan utilise son pouvoir sur Sganarelle vu qu'il est placé plus haut que lui hiérarchiquement

Il a un nom d'origine italienne (référence à la commedia dell'arte)

Le changement de position du valet ( siècle)

Au , le valet change de position (réflexion de chacun sur les défauts humains, sur la hiérarchisation de la société, problème des classes sociales).

Exemple de l'Île des esclaves de Marivaux, les valets ont de véritables revendications sociales, ils veulent être reconnus, sur un plan moraliste, pas politique, ils ne veulent pas devenir maîtres.

Exemple aussi du personnage de Figaro.

Dans Le Barbier de Séville de Beaumarchais, au départ Figaro est indépendant d'Almaviva au service duquel il revient pour l'aider à conquérir Rosine. Le jeune Almaviva, aidé par Figaro, épouse Rosine à la barbe de Bartholo. Figaro revendique une place pour les valets. Il est l'égal du maître, sinon supérieur ⇒ Un maître ne serait pas capable d'être valet.

Dans Le Mariage de Figaro de Beaumarchais, c'est la première fois qu'un valet devient le personnage principal d'une pièce. Le Comte souhaite séduire Suzanne (il pense pouvoir utiliser le droit de cuissage). L'intrigue principale est centrée sur Figaro et Suzanne. Figaro se rebelle contre le Comte : Il nie le privilège de naissance : " Et qu'avez-vous fait, vous, {pour obtenir ces privilèges}? Vous vous êtes donné la peine de naître, voilà tout ". (Citation tirée du Monologue de Figaro - Acte V Scène 3)

Le drame romantique : Ruy Blas

Dans , drame romantique de Victor Hugo créé en 1838, le personnage éponyme, en partie inspiré de la jeunesse de Jean-Jacques Rousseau, est une figure dramatique : sa condition inférieure de valet contraste avec ses nobles aspirations et son amour caché pour la reine d'Espagne. Il entre en conflit avec son maître, Don Salluste, grand d'Espagne intrigant et corrompu, qui l'oblige à participer à une machination contre celle-ci.

La lutte des classes : Maître Puntila et son valet Matti

Dans Maître Puntila et son valet Matti ( Herr Puntila und sein Knecht Matti), comédie allemande de Bertolt Brecht créée en 1948, c'est l' alcoolisme qui vient brouiller les relations entre classes sociales : Puntila, riche propriétaire finlandais, quand il est ivre, déborde d'affection pour ses serviteurs et son valet Matti en particulier à qui il promet la main de sa fille ; mais Matti, lucide, sait que ces promesses d'ivrogne n'effacent pas la dure réalité de la lutte des classes et qu'il n'y aura de bons maîtres que " quand chacun sera le sien ".

Notes et références

André Blanc, Francis Freundlich et Philippe Petiet, Étude sur maîtres et valets dans la comédie française du XVIII e siècle, Ellipses, 1999.

Françoise Le Cherif, Le Valet de comédie dans le théâtre de Molière. Étude sur la relation maître-valet à travers le discours, s.n., 1992.

Célia Bohin-Cviklinski, Ruy Blas: suivi d'une anthologie sur les maîtres et valets, Hatier, Classiques et Cie, 2014 [2]

Les Incarnations de Scapin par M. Saulnier, Annales de l'Académie de Mâcon, Volume 17, 1867-1868, p. 71-87 [3]

Sophie Lecomte, Le Tartuffe de Molière (Fiche de lecture): Analyse complète de l'oeuvre, FichesdeLecture.com, [4]

# data[].attributes.attachment_link.title
Relation maître-valet au théâtre - Wikipédia

# data[].attributes.attachment_link.description
La relation maître-valet est une convention traditionnelle du théâtre de comédie qui joue sur les contrastes de la hiérarchie sociale, remontant à l' esclavage en Grèce antique et dans la Rome antique, adaptée plus tard à la domesticité à l' époque moderne, utilisée en Italie par la commedia dell'arte et dans le théâtre français par Molière, Marivaux, Beaumarchais, avec des résurgences jusque chez Bertolt Brecht.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il marque aussi la frontière entre le naturel et le surnaturel (fée, elfe...). Il est parfois codé on reconnaît ainsi des personnages spécifiques comme Arlequin par exemple.

Le costume sert donc à identifier le type de personnage à qui l'on a affaire.

Tous les rôles étant tenus par des hommes ;le costume servait avant tout à identifier les personnages grâce aux codes de l'époque.

Par exemple dans une tragédie, on pouvait retrouver la toge qui représentait l'homme libre, les robes avec des codes couleurs (pourpre pour le roi, blanche pour la princesse et jaune pour la courtisane). Les personnages de la tragédie étant des héros, des dieux, des rois... les acteurs mettaient donc des cothurnes qui sont des chaussures à semelles compensées surmontées de brodequins lacés pour paraître plus grand et majestueux, pour mieux représenter les personnages illustres de la pièce.

Dans les comédies, on trouvait des costumes beaucoup plus simples comme des tuniques qui pouvaient représenter des esclaves, des manteaux pour les voyageurs et des sandales plates.

Pour les chœurs eux portaient des coryphées (sortes de robe) et étaient maquillés et portaient des postiches.

Pour les accessoires on trouvait des perruques et des masques pour les différentes expressions du visage.

Les acteurs s'habillaient de la manière la plus somptueuse possible, héritant d'habits de cour de leur protecteur, affichant ainsi des signes de richesse.

Pendant longtemps les représentations théâtrales étaient présentées dans des habits de cour mais on ne pouvait plus reconnaître la classe sociale du personnage.

Pour ce qui est des comédies et des farces, les costumes s'inspiraient des théâtres italiens et adoptèrent plus de couleurs. Cependant à partir du XVIII siècle, les metteurs en scène cherchent la vérité et le naturel des personnages (tenue de valet pour le valet,...).
http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=11&parent=75 http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=12&parent=75
Quelques troupes décident de refuser de porter les tenues de cour mais elles restent très peu nombreuses car cette nouvelle mode théâtrale ne séduit pas les spectateurs.

Dans le théâtre d'aujourd'hui, les costumes sont ancrés dans la réalité de la pièce. Lorsque celle-ci se déroule dans le passé, le metteur en scène peut décider de respecter l'époque et faire concevoir des costumes la respectant ou alors la faire changer de contexte en la plaçant dans le présent on parle alors d'anachronisme.

Les costumes ne sont pas pour autant extravagants ce qui permet au spectateur de mieux s'identifier aux personnages.

# data[].attributes.attachment_link.description
Il marque aussi la frontière entre le naturel et le surnaturel (fée, elfe...). Il est parfois codé on reconnaît ainsi des personnages spécifiques comme Arlequin par exemple. Le costume sert donc à identifier le type de personnage à qui l'on a affaire.

# data[].attributes.attachment_link.title
Valet - Vikidia, l'encyclopédie des 8-13 ans

# data[].attributes.attachment_link.description
" Valet " expliqué aux enfants par Vikidia, l'encyclopédie junior

# data[].attributes.attachment_link.title
"Les Fourberies de Scapin" entretien avec Laurent Brethome et Jérémy Lopez

# data[].attributes.attachment_link.description
Interview du metteur en scène Laurent Brethome et du comédien Jérémy Lopez pour le spectacle "Les Fourberies de Scapin" ...

# data[].attributes.body
Une journée à bord d'un navire en temps de paix

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un acteur

Molière, de son vrai nom Jean-Baptiste Poquelin, est né à Paris en janvier 1622. Son père était tapissier du roi.
Il fait des études de droit pour devenir avocat, mais préfère finalement fonder sa propre troupe de théâtre (L'Illustre-Théâtre) avec la comédienne Madeleine Béjart. C'est à ce moment qu'il prend le pseudonyme de Molière.
Le métier d'acteur n'est pas un métier facile. En France, l'Église catholique reproche aux comédiens, comme aux prostitués, de vivre dans le mensonge et même d'empoisonner les âmes pour gagner leur vie. Les comédiens sont donc excommuniés (c'est-à-dire exclus de la religion catholique) et n'ont donc pas le droit d'être enterrés. S'ils veulent être baptisés ou se marier, ils doivent renoncer à leur profession .

Un auteur

En 1645, Molière est même emprisonné au Châtelet pour dettes pendant quelques jours. C'est qu'un auteur, au XVII e siècle, ne peut vivre de son métier sans avoir des protecteurs. Ce sont des grands seigneurs aimant les plaisirs, les fêtes et les spectacles.
Durant sa vie, Molière en aura plusieurs : entre autres, le duc d'Epernon, le prince de Conti et même le roi Louis XIV...

Les difficultés financières de Molière l'amènent à quitter Paris et à partir en province de 1645 à 1658. La troupe qu'il rejoint donne des représentations en privé chez des grands seigneurs ou en public pendant les fêtes. C'est une troupe polyvalente capable de monter des spectacles avec des parties parlées, de la musique et de la danse, mais aussi d'improviser. Sont donc jouées des comédies, des tragédies, des farces, etc.
Molière, qui prend rapidement la tête de la troupe, écrit ses premières petites comédies ( Le Docteur amoureux, Le Médecin volant) puis ses premières comédies en cinq actes et en vers ( L'Étourdi, Le Dépit amoureux).

Le retour à Paris

En 1658, Molière revient à Paris et joue Nicomède (une tragédie de Corneille) et Le Docteur amoureux devant le roi. Celui-ci bâille devant la tragédie, mais rit de la petite farce.
La pièce Les Précieuses ridicules (1659), que Molière publie à la hâte parce qu'on tente de la lui voler, lui apporte la célébrité. Sganarelle ou le Cocu imaginaire est une petite comédie en un acte qu'il jouera 123 fois !

On dit que Molière est le peintre de son temps, et surtout de la bourgeoisie dont il dénonce les défauts. Son œuvre est bien plus complexe que cela. Il a en tout cas créé une longue liste de personnages dont les noms sont désormais fameux : Harpagon, Tartuffe, Dom Juan, Sganarelle, le Bourgeois gentilhomme, etc.

Ces personnages nous font rire, mais le divertissement qu'ils apportent nous sert de leçon, comme une morale dans une fable : nous devons nous garder de reproduire les défauts de ces personnages.

La mort de Molière

Le vendredi 17, jour de la quatrième représentation du Malade imaginaire, Molière est épuisé, mais il refuse de priver " cinquante pauvres ouvriers " d'une journée de salaire. À la fin de la représentation, Molière sent monter une quinte de toux. Il crache du sang. Heureusement la pièce est finie, et le rideau est baissé, sans que le public s'aperçoive de la tragédie qui se joue sur la scène comique. Molière est aussitôt transporté en chaise à porteurs jusqu'à sa demeure. Il meurt chez lui. Après intervention du roi , Molière est enterré, mais de nuit et sans cérémonie.

Quelques liens

Notes :

1 - Il faudra attendre le XIX e siècle pour que l'Église ne rejette plus les comédiens et le XX e pour que cela soit reconnu officiellement.
2 - On intervient auprès du roi pour que Molière soit finalement enterré en terre chrétienne. Lassé de cette histoire, le roi aurait demandé enfin : " Jusqu'à quelle profondeur la terre est-elle sainte ? " On lui répond : " Jusqu'à 4 pieds, Sire ". Et le roi de conclure : " Enterrez-le à 6 pieds, et qu'il n'en soit plus question ".

# data[].attributes.attachment_link.description
Molière, de son vrai nom Jean-Baptiste Poquelin, est né à Paris en janvier 1622. Son père était tapissier du roi. Il fait des études de droit pour devenir avocat, mais préfère finalement fonder sa propre troupe de théâtre (L'Illustre-Théâtre) avec la comédienne Madeleine Béjart. C'est à ce moment qu'il prend le pseudonyme de Molière.

# data[].attributes.attachment_link.title
Commedia dell'arte - Atelier Eugenio de'Giorgi - francese

# data[].attributes.attachment_link.description
Uploaded by Eugenio de'Giorgi on 2011-09-16.

# data[].attributes.attachment_link.description
Commedia dell'arte : d'Arlequin à Molière. Histoire et héritage de cet art théâtral italien qui inspira tant Molière.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle.

Une comédie sans texte écrit

La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique. Il y a un canevas qui donne les grandes lignes de l'histoire sujet de la pièce. Ce canevas est accroché dans les coulisses du théâtre et les comédiens qui entrent et sortent sans cesse de la scène consultent régulièrement et rapidement ce canevas. À partir de là, ils improvisent les gestes et les dialogues. Pour s'aider, les comédiens connaissent un répertoire des répliques, des façons d'exprimer les sentiments. Les comédiens doivent réagir à ce que leur proposent leurs partenaires. Sur le même canevas il y a donc des différences d'une représentation à l'autre.

Les différents personnages

Il existe une série de personnages fixes et stéréotypés, très connus, comme Arlequin, Colombine, Pantalon, Polichinelle, Scaramouche les zanni (valets), le capitaine Matamore, le Docteur, etc. La plupart de ces personnages sont caractérisés par un costume et surtout un masque. Il est donc impossible à l'acteur qui porte le masque de se servir des expressions de son visage pour jouer : toutes les émotions doivent être mimées par le corps entier, ce qui fait que les acteurs bougent beaucoup et exagèrent leurs mouvements.

La commedia dell'arte est surtout célèbre pour ses personnages, dont certains ont d'ailleurs été repris par des auteurs plus récents, comme Molière.

Comme c'est un genre de théâtre populaire, la commedia dell'arte prend le parti des gens du peuple, principalement les valets et les domestiques, et se moque des bourgeois et des riches. Pour simplifier, il existe deux catégories de personnages : les valets, et leurs maîtres.

Pour en savoir plus, lire l'article : Arlequin.

Arlequin, le valet. Il est gourmand, paillard, un peu sot mais avec un bon fond, sans métier fixe. Il n'est pas le seul valet malin de la commedia dell'arte : chaque grande ville d'Italie possède son " Arlequin " local comme Trivelin ou Truffaldin. Arlequin est un personnage malin, joueur, un peu paresseux. Il porte un costume multicolore, généralement formé de losanges ou de triangles rouges, noirs, et parfois aussi bleus ou jaunes. Il vient de Bergame.

Brighella, l'autre valet, avec un masque de couleur olivâtre et un nez crochu. Son costume est blanc avec des bandes vertes. C'est un débrouillard qui aime se moquer des vieillards amoureux ou voler les avares. Lui aussi vient de Bergame. Il a des copies comme Scapino, ou Beltrame.

courtisaneColombine ou Zerbinette ou Fiorina. C'est la soubrette confidente de sa maîtresse mais elle peut être aussi une entremetteuse dans les affaires de cœur voire une . Elle est douée pour mener des intrigues amoureuses.

Polichinelle (Pulcinella) est originaire de Naples ; laid, il a un gros ventre et une bosse dans le dos. C'est un vieux garçon, grincheux, fainéant, rusé, gourmand, menteur et grossier. Il fait également partie du théâtre de marionnettes.

Pierrot (Pedrolino). Valet au costume blanc, il est jeune, beau garçon, et honnête. Il plait aux servantes dont il peut tomber amoureux. Lui aussi, poussé par Polichinelle ou Brighella ou une soubrette, joue de mauvais tours aux vieillards.

Les maîtres

Pantalone, avec la barbe en pointe, habillé en rouge et noir. Il porte un caleçon long rigidifié par des sous-pieds (l'ancêtre du pantalon). C'est un vieillard de comédie. C'est souvent un commerçant retraité, avare, trompé par sa femme et ses enfants. Mais il a des vues amoureuses sur les femmes jeunes. Il vient de Venise.

Le fraisedocteur porte un nez noir et autour du cou une aux allures molles. C'est un personnage qui étale sa " culture " mais qui en fait n'en a aucune de solide. Il peut exercer divers métiers comme médecin, juriste ou philosophe. Il vient de Bologne.

Bartolo et Gerontio sont aussi des vieillards de la commedia dell'arte.

Les amoureux

Isabelle ou Rosalinde ou Béatrice. Elle est vêtue à la dernière mode. Ce n'est ni une jeune fille, ni une courtisane, ni une femme mariée. Elle peut être tendre, mais parfois aussi perfide. Ses amours successifs sont sincères au moment où elle les ressent.

Flavio ou Cynthio ou Léandre ou Lelio. C'est un personnage élégant, aux allures maniérées. Il est cultivé. Il peut paraître ridicule.

Les autres personnages

Il porte l'habit militaire espagnol.Matamore ou le Capitan. C'est un soldat fanfaron, mais peureux. Par son aspect physique et les attitudes qu'il se donne, il se croit irrésistible auprès des femmes ; mais elles se moquent de lui.

À l'origine, ce théâtre se jouait dans les rues. Les auteurs plus modernes, comme Carlo Goldoni, au , ont malgré eux mis fin à cette pratique, en écrivant des pièces jouées dans des théâtres.

# data[].attributes.attachment_link.description
La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle. La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(italien commedia dell'arte, comédie de l'art)
commedia dell'arte
Genre théâtral né au xvi e s. mais ainsi nommé au xviii e s., reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués.

Ingéniosité, naïveté, ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte (" comédie de métier "), qui a remporté un vaste succès en Europe, du xvi e au xviii e s. Connue jusqu'au xviii e s. sous le nom de " comédie d'histrions ", " comédie improvisée " ou " comédie à l'impromptu ", cette forme théâtrale (→ théâtre) est née en Italie à l'initiative des hommes de théâtre qui cherchaient à se démarquer à la fois du théâtre littéraire et du dilettantisme des comédiens de l'époque de la Renaissance.

Les personnages de ce type de comédie seraient issus des atellanes, comédies latines du iii e s. avant J.-C., qui développaient de courtes fables improvisées à partir d'un schéma très simple. Polichinelle, le plus complexe d'entre eux, trouverait ses ancêtres en Maccus et en Buccus : alors que Maccus, surnommé " le Coq ", se faisait remarquer par ses grosses mâchoires, ses joues flasques et son habitude de pépier et de se déplacer comme un poussin, Buccus, ou " Bouche en tirelire ", se distinguait par une bouche énorme et un gros ventre. Le mime blanc (mimus albus), lui, avec son ample chemise blanche resserrée à la taille par une ceinture, serait à l'origine du personnage de Pedrolino, notre Pierrot.

1. L'art de l'improvisation

Les gestes et le jeu corporel, qui priment sur le texte et le décor, s'accompagnent de dialogues pour une large part improvisés sur un canevas. En fait, il semble que les comédiens aient appris par cœur des pans entiers des scénarios issus de nouvelles, de comédies antiques et d'œuvres littéraires relatant des faits historiques. Certains de ces textes furent publiés pour la première fois en 1611, c'est-à-dire un siècle après l'émergence du genre : ils s'articulent autour de situations conventionnelles, qui aboutissent immanquablement à un dénouement heureux. Les mariages contrariés, mais inévitables, et l'éternel conflit des générations, qui en constituent les thèmes principaux, servent de prétextes à des échanges vifs, à des propos souvent obscènes et à des scènes de bastonnade.

Pour raviver l'attention du public, le spectacle était ponctué de lazzi, intermèdes comiques sans rapport avec l'intrigue (par exemple, un comédien faisait semblant d'attraper des puces et de les manger). Des numéros de danse et d'acrobatie ainsi que des morceaux de musique vocale et instrumentale étaient appelés également à placer la pièce, généralement précédée d'un prologue et coupée d'entractes, dans un climat d'allégresse et de gaieté.

2. Les personnages

Jeunes amants, valets malicieux, étudiants candides, marchands cupides, soudards, vieillards libidineux et avares, les personnages truculents qui peuplent la commedia dell'arte sont souvent issus du théâtre du Moyen Âge.

2.1. Arlequin

Il appartient, comme Scapin et Polichinelle, à la famille des Zanni, c'est-à-dire des valets, les plus populaires des personnages comiques de la commedia dell'arte. De tempérament dynamique, Arlequin est un meneur de l'intrigue, rusé, spirituel et railleur, qui ne cesse de brouiller les cartes. Son costume - initialement la tenue de travail des paysans méditerranéens en cotte de toile grossière - est le symbole de la pauvreté. Mais il se couvre progressivement de pièces colorées. On prêtait à cet habit bariolé le pouvoir magique de faire éclore les fleurs et de mûrir les fruits : Arlequin hérite ainsi des pouvoirs de Dionysos, dont le nom est associé aux débuts du théâtre antique.

Mais, avec son masque noir, aux traits grossiers - qui à l'origine était hérissé de poils et orné d'une protubérance rouge au front -, avec sa voix de fausset, ses pétarades émises parfois à l'aide d'une poire spéciale, avec son pas trépidant dérivé de la danse macabre, Arlequin n'est pas seulement un personnage primaire et obscène, c'est un être diabolique qui a rapport avec l'outre-tombe.

Pour en savoir plus, voir l'article Arlequin.

2.2. Polichinelle

Proche d'Arlequin par ses origines démoniaques signifiées par sa difformité physique (un nez rouge, crochu, et deux bosses), Pulcinella (probablement de pulcino, " poussin " en italien) parle d'une voix nasillarde, obtenue par un petit objet en os ou en métal placé dans la bouche. Comme Arlequin, Polichinelle se déguise, se masque, mime son maître et le caricature en s'inspirant des animaux de basse-cour. De Naples à Londres, en passant par Paris, son costume a connu de nombreuses variantes.

À Naples, Pulcinella est un portefaix d'origine paysanne, un coureur de filles. À Paris, Polichinelle est perruqué, poudré, jaboté, vêtu de rouge et d'or comme un aristocrate ; il est fripon, voleur, spéculateur, noceur. Bossuet - l'illustre théologien et évêque de Meaux - le proscrit l'année de la révocation de l'édit de Nantes (1685) : il écrit au procureur du roi pour le prévenir que Polichinelle le gêne dans son action en faveur des valeurs catholiques. À Londres, Punch - apparu à Covent Garden au milieu du xvii e s. - s'engouffre dans la tradition des moralités jouées dans les églises. Il représente alors la méchanceté gratuite, tuant sans raison son enfant, sa femme, Judy, le gendarme, le bourreau, le diable, et même la Mort.

2.3. Scapin

C'est aussi un valet, originaire de Bergame, comme son compagnon Arlequin. Son masque fruste, son gros nez, ses lèvres épaisses, ses yeux qui louchent lui donnent un air inquiétant.

2.4. Pantalon

Marchand avisé, il est cependant mêlé à de médiocres intrigues amoureuses. Avec son ample manteau et ses pantoufles noires, ses chausses et son chapeau rouges, c'est un personnage qui fait rire par sa balourdise. Dans la dynamique simpliste des scénarios de la commedia dell'arte, où il parle le dialecte vénitien, il ménage un suspense qui fait rire. Avare, soupçonneux, prudent, parfois naïvement confiant, grondeur, mais aussi bonhomme, il porte un masque à long nez, à moustaches et à barbiche.

2.5. Le Docteur

Proche de Pantalon, il est aussi père de famille et témoigne des mêmes défauts, mais son rôle est plus statique. Son costume est la caricature des vêtements que portaient les docteurs bolognais : tout de noir vêtu à l'exception d'un col blanc, il est coiffé d'un chapeau de feutre, noir lui aussi, à bord immense.

2.6. Matamore

Il veut être pris pour ce qu'il n'est pas : un brave. Ce qui le caractérise, c'est l'emphase. Son costume est une caricature des vêtements militaires.

2.7. Pierrot

L'amoureux au visage blanc porte la plupart du temps un demi-masque de cuir (fabriqué à Venise), qui permet au comédien une diction plus naturelle.

3. L'influence de la commedia dell'arte sur le théâtre français

Depuis le xiii e s., qui a vu la réhabilitation des mimes et des jongleurs, le terrain était prêt, en France, pour accueillir les influences italiennes dans le cadre du théâtre de la Foire, qui se tint, jusqu'à la Révolution, sur les foires Saint-Germain et Saint-Laurent.

3.1. Les personnages adaptés : de Turlupin à Tabarin

Les personnages caractéristiques de la commedia dell'arte donnèrent naissance en France à quelques variantes d'emblée fort appréciées par le public.

C'est Henri Le Grand, mort en 1637, qui créa le rôle de Turlupin, personnage qui exaltait l'outrance au détriment du naturel. Préférant l'usage de la farine à celui du masque, Robert Guérin inventa Gros-Guillaume, personnage que les estampes montrent planté au milieu de la scène, inerte, les mains derrière le dos soulignant l'irrésistible rondeur de sa bedaine.

Hugues Guéru est le père de Gaultier-Garguille, qui s'est rendu célèbre par sa souplesse et par ses chansons. Quant à Bertrand Hardouin de Saint-Jacques, il est le créateur de Guillot-Gorju, au début du xvii e s. : cet ancien médecin, vêtu des plus extravagantes défroques, fondait son personnage sur les effets comiques du vocabulaire médical de son temps.

Tabarin, reconnaissable à son invraisemblable chapeau mou et à l'ingéniosité bouffonne de ses questions " tabarinesques ", est l'un des plus célèbres personnages français issus de la commedia dell'arte, tout comme Dame Cigogne, Bruscambille et Jean Farine. Identifiés avec leurs interprètes et non avec leurs masques, ils n'ont pas survécu aux acteurs qui les avaient incarnés.

3.2. Les succès en France

Les Comédiens-Italiens, venus avec Catherine de Médicis, triomphaient dans leurs improvisations à l' Hôtel de Bourgogne, mais ils en furent chassés en 1697, pour avoir égratigné dans une pièce Mme de Maintenon. Revenus en 1716, sous la Régence, ils s'adaptèrent alors à un répertoire nouveau, moins fondé sur la repartie et le comique de geste.

Cependant, outre des auteurs italiens comme Goldoni , Regnard, Molière et Marivaux subirent eux aussi l'influence de la commedia dell'arte et de la technique de jeu élaborée des Comédiens-Italiens.

Molière

Au début de sa carrière d'auteur dramatique, Molière avait esquissé une typologie qui s'apparentait étrangement à celle de la commedia dell'arte. Même s'il abandonna ce projet au profit d'une élaboration psychologique plus poussée, il ne négligea pas l'apport de la commedia dell'arte, en particulier dans les Fourberies de Scapin (1671), une farce au rythme débridé.

Marivaux

Bon nombre de pièces de Marivaux ont été écrites pour les Comédiens-Italiens. Leur jeu, fondé sur une excellente formation d'acteurs, ne pouvait manquer de séduire un auteur qui apportait la poésie, l'originalité, la subtilité des caractères à des postures convenues. La commedia dell'arte se transforma alors : elle passa du masque au visage, et de la farce à la vraisemblance psychologique. Arlequin poli par l'amour (1720) est la pièce qui se réfère le plus directement à la commedia dell'arte, dans la mesure où elle propose des divertissements, des airs à danser, des chansons et toute une série de mimiques expressives, qui devaient d'ailleurs faire oublier que les Comédiens-Italiens possédaient parfois mal le français. De plus, chez Marivaux les masques ne sont plus " en dur ", en cuir, manipulables et séparés de l'acteur : ils sont constitutifs du texte sous forme de conventions, de faux-semblants sociaux. En fait, Marivaux s'emploie à percer à jour les mensonges - les masques - et à isoler des moments de vérité, qui dénoncent, à leur tour, la comédie humaine.

4. Déclin et renaissance de la commedia dell'arte

4.1. Un retour en grâce au xx e siècle

Quand la commedia dell'arte passe du " type " au personnage, du schématisme originel à l'approche psychologique et du jeu stylisé au texte élaboré, elle se dilue dans le théâtre d'auteur, qui emprunte son ton ludique pour traiter des sujets d'une extrême gravité.

Toutefois, dans la seconde moitié du xx e s., un certain nombre d'artistes, tels Jacques Copeau, Léon Chancerel, Jacques Lecoq (1921-1999), Ferrucio Soleri ou Dario Fo (prix Nobel de littérature, 1997), redécouvrirent la commedia dell'arte, la vertu de l'improvisation, le pouvoir du geste : cette forme de théâtre continue ainsi à vivre, d'une part, à travers la pièce de Goldoni Arlequin, serviteur de deux maîtres - représentée régulièrement sur toutes les scènes d'Europe - et, d'autre part, à travers des types qui resurgissent dans le théâtre contemporain.

4.2. La survie des personnages

Les " types " populaires de la commedia dell'arte se fixent - et en meurent - dans des poupées destinées aux enfants. Polichinelle et Arlequin deviennent ainsi des figures de bois et de chiffon, ou encore des pantins, jouets inoffensifs, imitant la prodigieuse souplesse des comédiens qui les avaient incarnés au théâtre. Quant à Pierrot, il connut un ultime sursaut de vie grâce aux pantomimes de Deburau au théâtre des Funambules, à Paris, au milieu du xix e s.

Dans les défilés de carnaval resurgissent également certains personnages de la commedia dell'arte, qui y retrouvent non seulement leurs costumes, mais aussi leurs masques. Alors qu'au carnaval de Schwyz, en Suisse, Arlequin figure parmi les danseurs, ailleurs il est généralement chargé d'ouvrir les festivités et de frayer un passage au milieu de la foule des spectateurs. Il partage cette fonction avec Polichinelle, étrange figure androgyne qui porte sur la partie inférieure du corps un mannequin de tissu qui a l'apparence d'une vieille femme.

# data[].attributes.attachment_link.title
commedia dell'arte italien commedia dell'arte comédie de l'art - LAROUSSE

# data[].attributes.attachment_link.description
Genre théâtral né au XVIe s mais ainsi nommé au XVIIIe s reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués Ingéniosité naïveté ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte comédie de métier qui a remporté un vaste succès en Europe du XVIe au XVIIIe s Connue jusqu'au XVIIIe s sous le nom de comédie d'histrions comédie improvisée...

# data[].attributes.body
Scapin