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El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con 

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El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con 

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El lenguaje teatral

El texto teatral se diferencia del narrativo en que los personajes con sus diálogos nos van contando la historia. No vemos un narrador que nos guíe. Sin embargo, el narrador está en el texto teatral de la misma manera que está en el texto narrativo. El narrador de un cuento o una novela nos describe los lugares en los que sucede la acción, nos explica cómo piensan los personajes, qué sienten, cómo hablan. En un texto teatral también encontramos un narrador que nos cuenta dónde sucede la acción, qué sienten los personajes o cómo hablan. El narrador de un texto teatral está escondido detrás de las acotaciones escénicas. Las acotaciones son aquellos textos de una obra que no han de ser pronunciados por los actores y que nos indican, por ejemplo, los nombres de los personajes (dramatis personae), las indicaciones de entradas y salidas, las descripciones de los lugares, las indicaciones para la interpretación, el nombre del personaje que habla en cada momento, etc. Estas notas casi siempre están escritas entre paréntesis. En el teatro griego estas indicaciones las hacía el autor cuando montaba las obras con actores (por eso no están escritas en los textos clásicos), y recibían el nombre de didascalias.

¿Cómo se crea un personaje teatral?

Existen muchas maneras  de construir un personaje. Hay quienes prefieren empezar  a hacerlo sobre la base de su constitución física; otros, sobre la base de los aspectos psicológicos. Ambos caminos son correctos. Lo importante en el trabajo de construcción de un personaje está en desarrollarlo en una dimensión completa, hacer de él, aunque sólo por un momento, un ser vivo, o mejor dicho <<viva>> en escena. Para lograr darle vida a nuestro personaje es necesario pensar, sentir y actuar (accionar) como el.

Construir un personaje es un trabajo delicado. Casi tan delicado como el que se realiza construir un castillo de naipes. Cada naipe tiene su importancia y debe ser colocado con mucho cuidado, si uno falta, se cae o es inestable, toda la torre se puede venir abajo. El truco esta en ser específico. De nada sirve saber que el personaje es un viejo, eso seria un dato muy general e inútil, es necesario saber que tan viejo es, si es rico o se ha pasado la vida realizando mil y un trabajos para sobrevivir, si no deja de renegar o es un viejito simpaticon, si tiene manías, si viví solo o rodeado de sus nietos, si fue  ala guerra o se paso la vida detrás de un escritorio. Se debe tener claro que quiere, cuales son sus deseos  mas íntimos, por qué se queda callado y pensativo cuando escucha el nombre Azucena y no importa que el personaje sea un ser humano, un animal, un  árbol o una pelota  de fútbol.

LA IMPROVISACIÓN TEATRAL

I- Después de haber analizado  la información:

Explica que entiendes por improvisación teatral.

Selecciona 3 características que consideres las más importantes del tema y explica por qué, en forma breve.

Existen 5 cosas que se deben evitar en una improvisación; selecciona 2 que creas más frecuentes y explícalas.

II- Después de ver el video; describe de que se trata la improvisación, que elementos usan los actores en su trabajo y un comentario

personal.

Recuerda que debe ser presentado  en hoja bond A4, escrito a mano, en forma  ordenada, con buena letra y mucha limpieza. El trabajo es personal. No se aceptarán copias. Todos los reportes de arte  se entregarán a la siguiente clase.

IMPROVISAR (De improviso). Hacer algo de pronto, sin estudio ni preparación. Real Academia Española ©

La improvisación es una técnica escénica que permite contar historias que se generan y desarrollan en el momento mismo de actuarlas. El improvisador es al mismo tiempo dramaturgo, director y actor de la obra en el preciso momento en el que va representando.

La espontaneidad tiene el poder de liberar el potencial creativo y a la vez añade un elemento de riesgo que da aún más valor al trabajo. En la improvisación, este proceso se realiza cooperando, ya que la técnica se basa en 'aceptar'. Como nada existe hasta que los actores lo proponen, crear una escena supone que todos estén de acuerdo en cuanto a dónde están, quiénes son y que está sucediendo. Los improvisadores deben aceptar las propuestas de sus compañeros y sumar, es decir, construir sobre ellas. Por tanto, la escucha y aceptación son tan importantes como el trabajo en equipo.

Es importante señalar que la actuación puede desarrollarse en tres niveles del espacio: inferior, medio y superior.

Esta forma de teatro se presenta en la actualidad no solo como un ejercicio de formación para los actores, sino como un producto terminado, en el que los actores y el público – que participa dando sugerencias sobre situaciones, personajes, lugares, etc. en los que se desenvuelve la acción – van "descubriendo" la trama de la historia que cobra vida en el escenario.  Cada función es diferente: no hay ensayos previos, ni guion, ni elementos técnicos o escenográficos, sólo la imaginación y la destreza de los actores-improvisadores que producirán una creación única y espontánea.

¿Cuales son los géneros teatrales?

¿Cuales son los géneros teatrales? Formas mayores: Tragedia y Comedia, como los principales; además: drama, tragicomedia, y auto sacramental.

Formas menores: Entremés, paso, monólogo y farsa, entre otros.

Teatro musical: Ópera, zarzuela y sainete, principalmente.

TRAGEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la comedia. Es una obra de asunto terrible y desenlace funesto, en la que intervienen personajes ilustres o heroicos. La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas (Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca...), renaciendo luego en Inglaterra (Shakespeare) y en la Francia del Renacimiento (Corneille, Racine).

COMEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la tragedia. Su desenlace siempre es placentero y optimista y su fin es conseguir a través de la risa del público, el reconocimiento de ciertos vicios y defectos, la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. Su plenitud la alcanzó en Grecia en el siglo V a.c. y sus autores más característicos fueron Aristófanes y Menandro.

DRAMA: Género teatral, en que se representa una acción de la vida, mediante el diálogo de los personajes, que tratan cuestiones serias y profundas. Su origen remoto se encuentra en las fiestas de la vendimia, celebradas en honor de Dionisios, con bailes y danzas córicas ejecutadas durante las vacanales. Evoluciona progresivamente hacia el diálogo, al tiempo que se van articulando y diferenciando los géneros de la tragedia, la comedia y la sátira; alcanzando su madurez en el siglo V a.c. Los primeros teatros griegos, son erigidos con un espacio circular, destinado a los desplazamientos de los coros y grupos de danzantes; en el centro del cual se sitúa el altar con la estatua de Dionisios. Tras la orquesta queda situada la escena y los espectadores son ubicados en un amplio hemiciclo dotado de gradas, para cuya construcción en muchas ocasiones es aprovechada la vertiente de una colina En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo comenzará a representar historias de héroes, en tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de los dioses; los principales son:

Drama histórico: el que tiene por asunto de su discurso a figuras, episodios o procesos históricos.

Drama isabelino: se desarrolla en Gran Bretaña, bajo el poder de Isabel I Tudor.

Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto, tienen preeminencia sobre la acción.

Drama litúrgico: gestado a lo largo de la Edad Media en España y Francia; su materialización está en los autos sacramentales.

Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de Viernes Santo, al aire libre.

Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.

Drama satírico: En el teatro griego, género bufo, en el cual los personajes principales son sátiros y faunos.

Drama escolar: actividades teatrales realizadas en las universidades europeas, durante los siglos XVI XVII.

Drama abstracto: El que en su desarrollo, no se atiene a la lógica de las acciones humanas convencionales; así el teatro del absurdo.

TRAGICOMEDIA: Obra que participa de los géneros trágico y cómico. Tal es el caso de Anfitrión de Plauto, primer autor en utilizar esta denominación. Su desarrollo a partir del Renacimiento, alcanzó gran relieve en los siglos XVIII y XIX; como el melodrama y el drama romántico. El género se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes - aristocracia y pueblo � y por la utilización de distintos lenguajes.

AUTO SACRAMENTAL: Representaciones de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias; el más antiguo es el denominado Auto de los Reyes Magos. Después del Concilio de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la Contrarreforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Lope de Vega, etc.

ENTREMÉS: Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa, surgido en España, en el siglo XVI; los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra. En el siglo XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.

PASO: Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias. El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.

MONÓLOGO: Monodrama - pieza dramática interpretada por un solo actor, aún cuando en ella intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.

FARSA: Pieza cómica destinada a hacer reir. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad.

VODEVIL: Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.

ÓPERA: Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La desesperación de Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.

ZARZUELA: Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.

SAINETE: Pieza jocosa de corta duración - inferior a un acto - de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin canciones.

GÉNERO CHICO: Género teatral español, caracterizado por la sencillez de su argumento de escaso contenido, con un solo decorado y de menos de una hora de duración.

López Valero, Amando; Jerez Martínez, Isabel

Y Encabo Fernández, Eduardo

Claves para una enseñanza artístico-creativa

El primer autor estudiado es Denis Diderot, quien se ocupó especialmente de la figura del actor como comediante. De los estudios de Diderot se deduce la utilidad del concepto de la sistematización, que resulta fundamental para canalizar el aprendizaje y la mejora de la competencia comunicativa de los alumnos. Y, en tal sentido, López, Jerez y Encabo añaden lo siguiente:

“Como este teórico teatral afirmara, la observación del hombre en las diversas situaciones que acaecen a lo largo de la vida, así como la observación del mundo, son materiales imprescindibles a la hora de configurar el entramado que el teatro, artísticamente, nos muestra o comunica, como espejo.”

Educación preescolar

El teatro infantil, es una de las actividades que contribuyen desarrollar diversas habilidades relacionadas con la expresión verbal y corporal de los niños de preescolar, sin olvidar que le ayudan a gestionar sus emociones y practicar sus ejercicios de memorización y dicción; además de fomentar valores como: el respeto, la responsabilidad y el trabajo en equipo. Todo esto, permite alentar la creatividad y autoestima de estos niños y niñas.

Para facilitar el desarrollo de estas habilidades expresivas, te sugerimos algunos recursos y actividades que podrías utilizar para montar una obra de teatro dentro del aula:

Juegos de teatro para niños  En este enlace encontrarás actividades, ejercicios y consejos que te ayudarán a desarrollar las habilidades actorales

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COMPETENCIAS DEL CURSO:
Gestiona recursos -materiales, financieros, humanos- para apoyar actividades que fomenten el contacto de los alumnos con el
arte y desarrollen su capacidad de apreciación artística.

Desarrolla un lenguaje visual propio a través de la experimentación con diversas técnicas y materiales de las artes visuales para
afinar su creatividad, expresión y apreciación y emplearlos en su actividad docente.

Desarrolla un lenguaje expresivo a través de la experimentación con el uso de la palabra hablada, el gesto y la expresión corporal,
propios del teatro, para enriquecer sus habilidades artísticas y didácticas para aplicarlas en su actividad docente.

Diseña proyectos integrados de arte aplicando sus conocimientos de artes visuales, teatro, danza y música a fin de enriquecer su
experiencia profesional y realizar este tipo de actividades con sus futuros alumnos.

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¿QUE ES UN PORTAFOLIO DE EVIDENCIAS?

El portafolio docente no es una recopilación exhaustiva de los documentos y los materiales que afectan a la actuación educativa, sino una información seleccionada sobre las actividades relacionadas con la enseñanza del profesor o la profesora y una sólida evidencia de su efectividad. Del mismo modo que las afirmaciones que se realizan en el currículo investigador deben estar documentadas con una evidencia convincente (como las publicaciones de artículos o las invitaciones para presentar comunicaciones en eventos académicos), la realización del portafolio docente deberá basarse en una evidencia empírica firme.

¿Cuál es su utilidad?

a) Recoger y presentar evidencias y datos concretos sobre la efectividad de su enseñanza para su numerización y/o las comisiones de promoción.

b) Reflexionar sobre aquellas áreas de su enseñanza que necesitan mejorar.

c) Tener un documento con el que conocer cómo ha evolucionado su enseñanza en el tiempo.
d) Preparar materiales sobre la efectividad de su enseñanza, cuando se presenten nuevas oposiciones.

e) Compartir sus conocimientos y su experiencia con los profesores de su departamento o centro más jóvenes. El portafolio docente como estrategia formativa y de desarrollo profesional Educar 33, 2004 131 Educar 33 9/12/2004 21.45 Página 131

f ) Dar consejos para la enseñanza de cursos específicos para los nuevos profesores a tiempo completo o a tiempo parcial.

g) Solicitar reconocimientos o premios relacionados con su enseñanza.

h) Dejar un legado escrito en el departamento para que las generaciones futuras de profesores que estén preparando sus cursos tengan el beneficio de su pensamiento y su experiencia.

https://www.raco.cat/index.php/Educar/article/viewFile/20792/20632

gogle académico

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Descripción de la actividad de las 5 técnicas

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Técnica de soplado de pintura con popo-te  y uso de pincel

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Tecnica de tenedor y algodón

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técnica de pincel,contoneete,algodón

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Escuela normal valle del mezquital

El mural me transmite ganas de no rendirme por el escrito en lengua hñahñu me identifico "NUNCA DIGAS NUNCA" muy buen moral para motivarse .

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Me hace admirar un poco mas el concepto de educación y lo que la institución representa.

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La imaginación de los niños dentro de un mundo tan complejo

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El desarrollo del pueblo indijena y su relación con la escuela normal 

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El desarrollo del pueblo indijena y su relación con la escuela normal 

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Es necesario reflexionar el misticismo del alma. 

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Es necesario reflexionar el misticismo del alma. 

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Es un mural que transmite nostalgia pero ala vez amor lo bello y lo solitario de la imagen muestran lo bonito del recorrido de la vida y las luces que lo acompañan.

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2.-

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Dos mundos distintos pero unidas por la escuela

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Este mural es uno de los mas nuevos de la escuela normal valle del mezquital y lo que me provoca es mucha emoción en cuanto alas técnicas y colores que se usan .

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Se demuestra un poco de la rebeldía con las formas y texturas que se plasman

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01/03/2019

¿QUE SON LAS FORMAS PLÁSTICAS ?
técnicas de elaboración de obras de arte en las cuales se utilizan materiales y elementos susceptibles de ser moldeados, modificados o transformados por el artista. Dichos elementos se consideran por ende recursos plásticos, ya que le sirven al artista de materia prima para expresar su perspectiva, imaginación o visión específica de lo real.

Este término es empleado en Bellas Artes para diferenciar a las artes visuales, que deben ser percibidas por la vista del espectador, de las que involucran también el sentido del oído (música, texto recitado), como las artes escénicas. Así, se consideran artes plásticas a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la orfebrería, artesanía y pintura mural.

Tipos de artes plásticas

Pintura. La más clásica de todas, junto con la escultura, esta disciplina emplea sustancias cromáticas obtenidas mediante diversos mecanismos para aplicar color sobre una superficie lisa y blanca, conocida como lienzo, para crear con dichos colores una representación realista o abstracta de la realidad.

Escultura. Esta disciplina emplea las manos del artista, así como diversas herramientas, para moldear, cortar, pulir y, en fin, dar una forma determinada a elementos duraderos, como las piedras de diversa naturaleza, o a materiales moldeables que luego endurecen, como el yeso.

Orfebrería. Se trata de la elaboración de piezas artísticas mediante la manipulación y fundido de los metales, en particular metales preciosos como el oro o la plata.

Dibujo. La técnica consiste en representar las perspectivas de lo visible a simple vista o de lo imaginario mediante trazos en un papel que se efectúan con lápiz, carboncillo, tinta o algún otro material que deje marcas.

Grabado. De manera semejante al dibujo, el grabado imprime gestos, letras u otros símbolos sobre una superficie, pero en este caso una dura y resistente como metales laminados.

Cerámica. Semejante a la escultura, imprime forma (y eventualmente color) a una masa de un elemento moldeable o maleable, para luego extraerle naturalmente o en un horno el componente de agua y, al secar, endurecerlo y hacerlo rígido y brillante.

Artesanía. Se llama así a la técnica de producción de objetos o envases simples, de uso cotidiano, mediante materiales flexibles y herramientas simples, a menudo la mano del artista.

1. Características de las artes plásticas

Como se dijo antes, las artes plásticas comparten ciertos conceptos básicos que determinan su manera particular de expresar sus contenidos, y que son:

Color. Los colores se le dan a las obras de arte mediante pigmentos y materiales que, al ser impactados por la luz blanca, absorben todos los tonos del arcoíris menos uno. Dicho color reflejado es el que perciben nuestras retinas.

Forma. La forma tiene que ver con la geometría de las cosas, con su regularidad o irregularidad, con sus límites perceptibles a simple vista.

Textura. La textura es apreciable mediante el tacto o también la vista, y tiene que ver con la superficie de los objetos: su rugosidad o su lisura, su filo o las sensaciones que transmite su capa externa.

Movimiento. En algunos casos, las obras plásticas pueden contar con movimiento, como es el caso de artistas como el argentino Julio LeParc, cuyas esculturas podían ser activadas por electricidad para transmitirle al espectador formas y colores hipnóticos.

Fuente: https://concepto.de/artes-plasticas/#ixzz5gybE5bVI

Fuente: https://concepto.de/artes-plasticas/#ixzz5gyapHEJR

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BOREAL PANDE

1.-COLOR

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BOREAL PANDE

2Blanco y negro

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1.-COLOR

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https://youtu.be/qG80MCJpz8s

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Escultura y grabado

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