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C'est quoi les jardins à la française ? - 1 jour, 1 question

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Le jardin a inspiré les artistes. En effet, par ses couleurs, ses compositions, il inspire de nombreux peintres. Jadis conçu sous des aspects religieux, il s'affranchit de toute histoire dans la période moderne. Klimt en fait une toile colorée sans perspective, Matisse un festival de couleurs et Picasso en dresse les lignes. Le jardin devient un sujet de peinture absolu avec Monet. Il devient le support de la création avec les interventions de Niki de Saint Phalle.

Ce sont les égyptiens qui nous ont laissé les témoignages picturaux les plus anciens.

La plupart du temps, les jardins égyptiens étaient à la fois jardins d'agrément et jardins utilitaires servant à produire du vin, des fruits, des légumes et du papyrus.

Fragment de paroi peinte de la tombe de Nebamon, régisseur de l'épouse de Thoutmôsis IV.

Peint vers 1300 avant J.C., 64cm x 73cm, peinture sur stuc, pigments naturels, British Museum,Londres.
Le Moyen-âge :
" Pour certains les jardins du Moyen-âge évoquent une certaine nostalgie du paradis perdu : Le jardin d'Eden, dans sa représentation médiéval apparaît comme un espace sacré circulaire, le cercle révèle le divin, le céleste alors que le carré exprime le terrestre, le carré s'intègre parfaitement dans la symbolique médiévale liée aux, nombres , les 4 éléments, les 4 fleuves du paradis, les 4 évangiles, les 4 saisons... "(1)

Émilie dans son jardin (Théséide) - Barthélémy d'Eyck

L'Agonie dans le Jardin des Oliviers, ou plus simplement Agonie dans le Jardin ou même Prière dans le Jardin ou encore Le Christ au Jardin des Oliviers est un épisode de la vie du Christ, un événement de sa Passion placé immédiatement après l' Entrée dans Jérusalem puis la Cène et avant son arrestation dans le même jardin à la suite de sa dénonciation par Judas. Il en suivra sa crucifixion.

Le Jardin peut être nommé Gethsémani, qui signifie " le pressoir d'olives " en araméen. Selon la tradition, l'église de Toutes-les-Nations renferme le rocher au pied duquel Jésus pria durant son agonie. (wikipedia)

Le thème par Andrea Mantegna, Prière au jardin des Oliviers, (1430-1506). Le jardin est compartimenté pour permettre à l'artiste de présenter plusieurs histoires.

Le jardin des délices, Bosch, 1504, un tableau à symboles et histoires.

Agonie dans le jardin (c 1610-1612), El Greco. Musée des beaux-arts de Budapest

Le Christ au jardin des Oliviers a été peint par Eugène Delacroix en 1827. Cette toile imposante de 2,94 sur 3,62 mètres est l'une des rares œuvres religieuses de l'artiste. Elle représente Jésus, qui après la dernière Cène, se rend au mont des Oliviers, colline de Jérusalem, pour prier.

Camille Corot, Tivoli, Jardins de la villa d'Este, 1843

La famille du peintre au jardin, rue Carcel Paul Gauguin .1883; Paris, France

" Le Christ au Jardin des Oliviers ", une réalisation du peintre Paul Gauguin : le point de vue sur le Christ et le jardin est nouveau.

Le Jardin de Daubigny est un tableau peint par l'artiste néerlandais Vincent van Gogh en 1890, à Auvers-sur-Oise. C'est l'un de ses derniers tableaux.

Femmes au jardin est une suite de tableaux conçus comme les volets d'un paravent de quatre panneaux, peints par Pierre Bonnard en 1891, à l'âge de vingt-quatre ans, et démonté peu après.

Les jardins vu par Gustav Klimt, Les jardins aux tournesols, 1905-1906: Klimt abolit tout effet de perspective. La planche est frontale et fortement colorée. Les fleurs sont représentées de manière naturaliste : c'est par elles qu'on ressent un effet de profondeur.

Les Nymphéas (1914-1926), Claude Monet

Matisse, 1908, La desserte rouge, le jardin vert contraste avec le rouge de la pièce. C'est un moyen de rendre la profondeur.

Murnau jardin, Kandinsky, 1910, le jardin devient touches de couleurs.

Le Parc Güell est l'une des réalisations de l'architecte catalan Antoni Gaudí à Barcelone qui figure sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO. Il fut édifié entre 1900 et 1914. Les architectes José Antonio Martínez Lapeña et Elías Torres l'ont restauré de 1984 à 1993
Une peinture Le jardin de Miro de 1925 est attribuée de façon erronée à l'artiste. Il n'a jamais peint ce tableau. Je le précise car des enseignants ont bâti des séquences autour de cette production.
Picasso, Femme assise dans un jardin, 1938 : une ligne brisée et une courbe suffisent pour le représenter.

C'est son parc, c'est sa vie. Niki de Saint Phalle a consacré deux décennies entières, de 1978 à 1998, à la réalisation du Jardin des Tarots, inspiré du célèbre jeu de cartes divinatoire. Plus qu'à lire l'avenir, ces sculptures géantes l'aident à sonder les arcanes de son propre passé, sans taire les épisodes douloureux - notamment une enfance minée par l'inceste - mais en se tournant résolument vers la lumière douce et intense de cette Toscane qui l'a éblouie. (2)

(1) http://secretsdejardins.e-monsite.com/pages/jardins/jardins-medievaux-1ere-partie.html

(2) https://www.la-croix.com/Culture/Voyages/Quand-Niki-de-Saint-Phalle-compose-le-Jardin-des-Tarots-en-Toscane-2015-07-17-1335471
Autres thématiques ici : https://atomic-temporary-26416781.wpcomstaging.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/ Le tour du monde en jardins :
Le tour du monde en jardins.

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Les jardins dans l'art : Le jardin a inspiré les artistes. En effet, par ses couleurs, ses compositions, il inspire de nombreux peintres. Jadis conçu sous des aspects religieux, il s'affranchit de toute histoire dans la période moderne. Klimt en fait une toile colorée sans perspective, Matisse un festival de couleurs et Picasso en dresse...

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Le tour du monde en jardins :
Le jardin révèle la nature de la relation de l'homme au paysage. On peut voir à travers les jardins et leur structure comment l "homme pense la nature. C'est une affaire culturelle. C'est également une manière de montrer sa puissance et la nature de son pouvoir. Un jardin n'est pas anodin : il renseigne sur l'homme et sur ses ambitions. Faste ou discret, il invite à la contemplation ou à la méditation, aux promenades dans les allées, à l'écoute près des fontaines ... Le rapport au spectateur est mis en scène dans les jardins de manières diverses et variées. Les jardins sont des tableaux naturels en trois dimensions.

Jardin d'Afrique du Sud, Domaine du Rayol

Jardin botanique national de Kirstenbosch en Afrique du Sud

Jardin Majorelle à Marrakech

La recherche de l'équilibre, un jardin dessiné, composé, invitant au silence.

Jardins de Suzhou, Chine

Hanging Gardens - Mumbai

Shalimar Bagh - Cachemire

Le jardin baroque de l'Isola Bella, des îles Borromées (Italie).KONRAD K./SIPA

Les jardins du château de Kroměříž, République tchèque : un jardin bien dessiné où l'homme est maître de la nature.

Le jardin de Keukenhof: une allée, un parterre de fleurs, le contraste des couleurs.

Jardin Generalife à Alhambra - Grenade - Espagne

Les jardins de Versailles : les grandes allées en perspective

Le jardin de Monet à Giverny :

Les jardins anglais : l'équilibre entre la nature sauvage et domestiquée.

Keukenhof aux Pays Bas

L'amérique :

Jardins Butchard, Canada

Jardins de Las Pozas,Mexique
Le jardin dans l'art : Autres tours du monde :

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Le tour du monde en jardins : Le jardin révèle la nature de la relation de l'homme au paysage. On peut voir à travers les jardins et leur structure comment l"homme pense la nature. C'est une affaire culturelle. C'est également une manière de montrer sa puissance et la nature de son pouvoir.

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Dossier pédagogique du département du Nord

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Créé à la Renaissance par Claude de Lorraine, premier duc de Guise, le château du Grand Jardin est la propriété du Conseil départemental de la Haute-Marne. Situé entre Chaumont et Saint-Dizier, ce site exceptionnel témoigne de l'art des jardins et de l'architecture du XVI e siècle.

Ouvert d'avril à novembre, le château du Grand Jardin, site classé Monument historique, conjugue deux objectifs : la sauvegarde du patrimoine et le développement culturel. Ainsi, outre les opérations de réhabilitation et d'entretien qu'il entreprend, le Conseil départemental de la Haute-Marne propose une riche programmation artistique et culturelle ouverte à tous.

Le château du Grand Jardin en images

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Créé à la Renaissance par Claude de Lorraine, premier duc de Guise, le château du Grand Jardin est la propriété du Conseil départemental de la Haute-Marne. Situé entre Chaumont et Saint-Dizier, ce site exceptionnel témoigne de l'art des jardins et de l'architecture du XVI e siècle.

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Pays

Adresse

3-5 avenue de la Marne

Le château du Grand Jardin est situé à Joinville, en Haute-Marne.

Depuis 1978, le site est la propriété du conseil départemental de la Haute-Marne, qui a procédé, au cours de grandes campagnes de travaux, à la réhabilitation du site : le pavillon a été restauré, un jardin d'esprit Renaissance a été recréé, le parc Romantique a été remis en valeur. Le Département propose également, chaque année, une programmation culturelle.

Depuis avril 2019, la communauté de communes du Bassin de Joinville-en-Champagne, par son Office de Tourisme communautaire, a pris en charge l'accueil des visiteurs.

Le pavillon est classé au titre des Monuments Historiques en 1925, le jardin l'est en 1991. Ce dernier est également labellisé Jardin Remarquable. Le Conservatoire des Collections Végétales Spécialisées a reconnu l'intérêt de sa collection de buis devenue, en juin 2018, " collection nationale " de Buxus.

Aujourd'hui, le site offre 4,5 ha de promenade entre patrimoine architectural et végétal.

Entre 1533 et 1546, Claude de Lorraine, duc de Guise, fait bâtir le château du Grand Jardin, grand pavillon de plaisance, fleuron de l'architecture de la Renaissance.

Il vient alors en complément du château-fort situé sur les hauteurs de Joinville, le château d' En-Haut, demeure des seigneurs de Joinville, vendu et détruit à la Révolution.

Situé sur un terrain plat en contrebas, le château du Grand Jardin reçoit également la dénomination de château d' En-Bas, mais la luxuriance de son grand jardin fait rapidement sa réputation et son nom.

Dédié aux fêtes et réceptions des ducs de Guise, au repos et à l'agrément, le château du Grand Jardin accueille des hôtes de prestige : en novembre 1546, " vint passer les fêtes de la Toussaint à Joinville, où il fut magnifiquement traité par le duc de Guise, seigneur du nommé lieu de Joinville ". On peut supposer que Claude de Lorraine profita de cette occasion pour accueillir le souverain avec les fastes d'usage et en faire l'hôte d'honneur d'une inauguration de son tout nouveau pavillon de plaisance, l'année 1546 apparaissant à deux reprises sur le pavillon.

Joinville vit également le passage de Henri II et son épouse Catherine de Médicis, François II et son épouse Marie Stuart (petite-fille de Claude de Lorraine), Charles IX, Henri de Valois, futur Henri III, le Prince de Condé, Louis XIII accompagné du cardinal de Richelieu, etc.

À la disparition de la branche aînée des Guise, au décès de Marie de Lorraine, dite Mademoiselle de Guise, le domaine est transmis aux ducs d'Orléans, qui en seront propriétaires jusqu'à la Révolution. Le pavillon manque de disparaître au milieu du siècle, pour laisser place à une maison de jardinier et à un colombier. Ce dessein n'est heureusement pas accompli ; le pavillon est conservé, mais commence une lente transformation intérieure, passant de la configuration d'un pavillon de fêtes à celle d'une habitation bourgeoise. Les jardins évoluent vers d'autres utilisations : cultures vivrières et une pépinière d'" arbres pour planter les routes " y est implantée. Mais, le bouleversement majeur que connaissent ces jardins est d'être amputés de moitié de leur surface, par la construction d'une route royale passant en leur centre. La parcelle ainsi isolée du pavillon devient une promenade publique, le parc du Petit Bois.

En 1791, l'officier de cavalerie Raphaël-Hippolyte-François Parmentier de Thosse (v. 1751-1832) acquiert le domaine : la jouissance de sa nouvelle propriété est de courte durée : noble, il doit s'enfuir en Angleterre, tandis que son épouse et ses deux filles affrontent à Joinville cette période de troubles.

La dernière grande famille propriétaire est celle du maître de forges meusien Pierre-Hyacinthe-Félix Salin (1809-1878), qui acquiert le domaine en 1856. De grands travaux sont entrepris : réalisation de six grandes lucarnes, d'une balustrade en toiture et d'un escalier principal à volées doubles ; de nouveaux aménagements intérieurs sont exécutés. Dans les jardins, les douves sont comblées au profit de la création d'une rivière artificielle et d'une pièce d'eau. Dès 1907, la famille Salin demande au pépiniériste et paysagiste nancéien Jean-Joseph Picoré de réaménager le jardin avec des essences d'arbres exotiques que l'on aimait alors collectionner. Peu à peu, le pavillon disparaît des regards extérieurs, protégé par un rideau de verdure. Un parc romantique, conçu comme une succession de tableaux offre des points de vue pittoresque sur le pavillon .

Le domaine passe tant bien que mal les guerres mondiales ; la seconde étant plus dévastatrice de par les activités des armées d'occupation. En 1945, on signale que " le château occupé par des militaires de toutes nationalités est dans un état lamentable ". Après guerre, les descendants du maître de forges parent au plus pressé, et restent propriétaires jusqu'en 1978, où le Département acquiert le domaine ; cette acquisition étant reconnue d'utilité publique et urgente par un arrêté du Préfet de la Haute-Marne en date du 24 juillet 1978.

À partir de ce moment-là, c'est une seconde renaissance que connaît le domaine.

Le pavillon de l'extérieur

Le château du Grand Jardin a été bâti selon des critères architecturaux en vogue dans le royaume de France sous le règne de . Cette architecture se caractérise par un édifice s'articulant autour d'un module unique et des principes géométriques simples :

un plan rectangulaire et une élévation tendant à la symétrie, à la régularité et à la cohérence des volumes ;

une répartition rythmique de la façade en trois parties, mettant l'accent sur l'axe de symétrie, la porte d'entrée, dont la structure rappelle celle de l'arc de triomphe ;

l'emploi des ordres et du vocabulaire ornemental inspiré de l'Antiquité gréco-romaine.

À l'origine, l'architecture proposait de nombreuses verticales, dont l'effet a été amoindri par les modifications des et siècles : chaque grande baie était surmontée, en toiture, d'une lucarne, elle-même surmontée d'un entablement et de tabernacles finement ouvragés. Trois tours, sans doute à trois hauteurs différentes, " tiraient " l'édifice vers le haut. Celles-ci disparurent au cours du siècle. Les lucarnes actuelles, la balustrade de pierre en toiture ainsi que l'escalier principal datent du siècle.

Peut-être encore plus que l'architecture, le décor ornemental des façades est d'une richesse et d'un foisonnement remarquables ! Trois thématiques sont traitées :

la guerre, la victoire, la paix et la renommée ;

le jardin et son abondance : prospérité et fécondité ;

Tout concourt à représenter le pouvoir établi sur son territoire et au-delà par le nouveau duc de Guise. Il s'agit d'une architecture de triomphe, destinée à la glorification de Claude de Lorraine.

Si le nom de l'architecte du Grand Jardin est inconnu, il s'est en revanche inspiré des traités d'architecture de l'italien Sebastiano Serlio, et notamment des planches de son Quatrième Livre, paru en 1537 et traduit en français en 1542. Quant aux décors sculptés sur les façades, leur attribution reste hypothétique. Le lorrain Ligier Richier, l'italien Dominique Florentin et Jean Le Roux, dit Picart (actif milieu s.) sont le plus souvent cités. Les artistes se sont inspirés des gravures de l' École de Fontainebleau ( cartouches, putti, termes, scène de combat). De nombreux éléments de décor évoquent également les gravures du Discours du Songe de Poliphile.

Le château du Grand Jardin contribue de manière précoce à la naissance du concept nouveau de " château de plaisance ". Ce type de construction restera exceptionnel ; le château du Grand Jardin l'est d'autant plus, aujourd'hui, qu'il a été préservé.

L'aménagement intérieur

Le pavillon est constitué d'un rez-de-chaussée surélevé : les deux tiers de ce niveau unique sont occupés par une vaste salle - la salle d'honneur, destinée aux bals et réceptions des ducs de Guise. Celle-ci recevait, à ces occasions, un décor somptueux mais sans doute éphémère.

Le tiers restant correspond à l'appartement ducal, une pièce dans laquelle les ducs de Guise pouvaient se retirer pour travailler ou se reposer.

Au-dessus de ce rez-de-chaussée, court un grand comble sur toute la longueur du pavillon.

Au sous-sol se situaient cuisines, celliers et caves. Un escalier-à-vis dessert, à chaque extrémité du pavillon, les différents niveaux.

Du côté sud, la chapelle Saint-Claude présente une magnifique voûte à caissons, ornée de motifs en fort relief : les chiffres C et A, l'année 1546, des fruits et légumes à pépins ou à graines, symboles de fertilité. Cette chapelle accueille, aujourd'hui, deux cariatides, propriétés de la Ville de Joinville, vestiges du tombeau monumental de Claude de Lorraine et de son épouse Antoinette de Bourbon. Ce tombeau, dessiné par Le Primatice, était situé dans la chapelle Saint-Laurent du château d'En-Haut (détruit à la Révolution). Elles représentent les vertus cardinales de la Tempérance et de la Justice et formaient, dans leur disposition originelle, une sorte de portique avec la Force et la Prudence, malheureusement disparues.

Aujourd'hui, le Grand Jardin se compose, sur un tiers de sa surface, d'un jardin d'esprit Renaissance, recréé dans les années 1990 dans les abords immédiats du pavillon, et sur les deux autres tiers, d'un parc romantique implanté dans le dernier tiers du siècle.

Le jardin d'esprit Renaissance

Très peu de documents, écrits ou iconographiques, nous sont parvenus sur les jardins tels qu'ils se présentaient à l'époque de Claude de Lorraine. Conçus en même temps que le pavillon, ils furent abîmés par les troupes de Charles Quint en 1544, puis remis en état à la venue de François en 1546.

Un texte évoque tout de même ces jardins à la Renaissance : La Bergerie de Rémy Belleau. Le poète de la Pléiade, protégé des Guise, séjourna à Joinville de 1563 à 1566. Inspiré par une promenade dans le jardin, il énumère tant les espèces fruitières qu'il a pu rencontrer que la beauté du parterre et ses ornements. D'autres textes du siècle, traitant plus généralement de l'architecture et de l'art des jardins, permettent d'imaginer ce à quoi pouvait ressembler les jardins de cette époque. C'est particulièrement le cas de Les plus excellents bâtiments de France (édité en 1576 et 1579) de Jacques Androuet du Cerceau et de L'agriculture et Maison rustique (1564-1583) de Charles Estienne et Jean Liébaut ou encore des gravures du Discours du Songe de Poliphile. Le choix a ainsi été fait de recréer les jardins de la Renaissance, à partir de sources écrites, d'où l'emploi du terme de " restitution littéraire ".

Ce jardin, lieu de contemplation sereine autant que cadre prestigieux de festivités et de divertissements, est conçu à partir d'une vision architecturée de la nature, faisant appel à l'esprit par la mesure, la proportion et la référence à l'Antiquité.

Il se compose de deux parterres, à l'est et au sud du pavillon, partagés en sept compartiments rehaussés d'entrelacs de buis et ponctués de cent quarante topiaires aux formes géométriques. Ce tracé permanent est animé, en vibrations colorées, par des plantes annuelles et des vivaces. Un labyrinthe de buis, un berceau et un cabinet de charpente complètent l'agrément de ce jardin, traversé par un canal.

Le vivrier n'est pas absent du " Grand Jardin " et sera également organisé selon des principes de géométrie. Un grand verger a été replanté de variétés anciennes de poiriers, pommiers, pruniers, cognassiers et cerisiers. Trois cent soixante arbres fruitiers sont ainsi cultivés de plein vent ou palissés. Des carrés de plantes aromatiques, médicinales et de fleurs à couper ajoutent, au plaisir des yeux, celui de leurs parfums.

L' art topiaire étant mis à l'honneur sur le site, un topiarium d'ifs propose, depuis 2006, cinquante-six formes architecturées, de un à huit éléments, inspirées de la spirale, de la pyramide, de la boule, du cône ou du cylindre, accompagnées de satellites ou sommées d'oiseaux.

" Le plus beau et le plus accompli qu'on pourrait souhaiter... soit pour le complant d'arbres fruitiers... soit pour la beauté du parterre... ", Rémy Belleau à propos du Grand Jardin.

C'est la tradition qui désigne ce parc implanté à partir des années 1870 sous la dénomination " romantique ". Appartenant au courant des jardins paysagers, le parc est venu isoler le pavillon, devenu demeure bourgeoise, des regards extérieurs.

Aujourd'hui, le promeneur ne peut être que saisi par le contraste entre les deux styles de jardins ! Ici, il n'est plus question de symétrie ni de géométrie. Or, le parc est tout aussi " pensé " et aménagé que le jardin d'esprit Renaissance, mais il l'est pour se rapprocher d'une idée de " nature ".

La promenade est organisée en grandes boucles. Ainsi, les allées sinueuses ne semblent jamais mener au pavillon. Visible de trois-quarts depuis une vue choisie, il n'en reste pas moins inaccessible.

De vastes pelouses ou prairies sont aménagées, émaillées de bosquets de grands arbres. Au siècle, on aimait collectionner des essences, alors rares ou exotiques, telles que l' arbre aux quarante écus, le tulipier de Virginie, le séquoia géant, le cyprès chauve, le copalme d'Amérique, le chicot du Canada, les hêtres ou frênes pleureurs, le hêtre pourpre, etc.

Un jeu sur les ports des arbres et des plantes, sur les couleurs des feuillages, sur la densité de la végétation permet d'évoquer une diversité naturelle, tout en proposant au fil des saisons de véritables tableaux.

L'eau donne vie aux compositions et apporte fraîcheur, lumière, mouvement et animation sonore. Les berges adoptent des contours sinueux.

Le long des allées du parc, c'est aussi un patrimoine végétal méconnu que l'on pourra découvrir : une "collection nationale" de Buxus, comprenant cinq cents pieds de buis. L'objectif de cette collection est de montrer des buis dans leur grande variété de ports, de formes et de couleurs de feuillage, dans leur croissance. Ainsi, on saura apprécier, entre autres, cent cinquante-trois variétés, cent vingt-quatre cultivars et quinze espèces de buis. La collection est en cours de duplication au château de Barbirey (Côte d'Or).

À noter qu'à quelques kilomètres de cette collection nationale de buis, trois autres collections nationales de pivoines sont à visiter aux Jardins de Mon Moulin à Thonnance-lès-Joinville.

Le château du Grand Jardin au XIX e siècle.

Notes et références

BILLAT Hélène, Joinville, Le château du Grand Jardin, Itinéraires du Patrimoine, Éd. D. Guéniot, 2005

HUMBLOT Émile, Le château du Grand Jardin, 1546 : maison de plaisance de Claude de Lorraine et d'Antoinette de Bourbon de Joinville (Haute-Marne), 1906

LAPASSET Michel, Joinville, résidence princière, Éd. D. Guéniot, 2007

PETER Lise, Le château du Grand Jardin à Joinville - une brève histoire des jardins à travers celle de leurs propriétaires. Acte du colloque " Parcs, jardins et espaces clos ", Association bourguignonne des Sociétés Savantes / Cahiers haut-marnais, 2018

François Roche , Claude de Lorraine : premier Duc de Guise : nouvelle chronique, Chaumont, Le Pythagore, , 214 p.

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Pays Adresse 3-5 avenue de la Marne Le château du Grand Jardin est situé à Joinville, en Haute-Marne. Depuis 1978, le site est la propriété du conseil départemental de la Haute-Marne, qui a procédé, au cours de grandes campagnes de travaux, à la réhabilitation du site : le pavillon a été restauré, un jardin d'esprit Renaissance a été recréé, le parc Romantique a été remis en valeur.

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

L' art topiaire (du latin ars topiaria, " art du paysage ") consiste à tailler les arbres et arbustes de jardin dans un but décoratif pour former des haies, des massifs ou des sujets de formes très variées, géométriques, personnages, animaux, etc. Cet art s'apparente à la sculpture sur des végétaux vivants et s'aide parfois de formes métalliques destinées à guider la croissance des plantes et les cisailles du jardinier qui peut s'aider de cordeaux, de fils à plomb et de gabarits.

Le jardin topiaire est un type de jardin dont le décor végétal est composé de nombreuses plantes, de préférence ligneuses sempervirentes, à petites feuilles et à port compact, qui se prêtent à cet usage, typiquement l' if et surtout le buis, mais aussi le laurier, le cyprès, voire le lierre. Ces plantes sont taillées selon des formes géométriques (pyramide, cône, cylindre, parallélépipède, etc.), monumentales (portiques, colonnes, etc.) ou fantaisistes (animaux réels ou fabuleux, personnages, etc.).

Un ou une topiaire désigne une ou plusieurs plantes taillées ou sculptées de manière décorative. La haie taillée de façade, de bordure de route, de clôture de propriété, de délimitation d'allées et contre-allées dans un jardin est ainsi une topiaire.

L'art topiaire européen apparaît à l'époque de la Rome antique. Virgile le décrit dans ses Géorgiques et Pline le Jeune en fait mention dans l'une de ses lettres[1] .

Au Moyen Âge, les topiaires disparaissent, le jardin prenant d'autres formes. Seuls les buis ou quelques arbres taillés délimitent les jardins clos des monastères. Puis la Renaissance italienne renoue avec cet art. Esquissé à Mantoue vers 1485, il est assumé de façon décisive par la papauté. Le tournant est pris en 1503, quand Bramante dessine les trois grands terrassements des jardins du Belvédère au Vatican. L'architecte italien recourt non seulement aux sculptures végétales et aux parterres géométriques mais imagine un jardin (opus topiarium) qui incarne un site que décrivent la poésie et les peintures de paysages. Le plan de ce jardin est adapté par les aristocrates pour leurs villas de Rome et des alentours[2] .

Philibert Delorme théorise et met en pratique le style italien en France au milieu du XVI e siècle. Jacques Boyceau, créateur du jardin du Luxembourg en 1615 puis ses héritiers Claude Mollet et André Le Nôtre développent les parterres à compartiments, les parterres de broderie (tracés de motifs sur le plan horizontal), portiques, colonnades, berceaux, et des labyrinthes topiaires dans les jardins à la française où cet art connaît son âge d'or au XVII e siècle[3] .

Au XVIII e siècle, les jardins paysagers à l'anglaise font oublier quelque peu les jardins à la française et l'art topiaire. Les jardins royaux conservent cependant une architecture végétale mixte (régulier près de l'habitation, à l'anglaise plus loin). Les plantations mises en forme par l'art topiaire perdurent aujourd'hui dans ces jardins royaux et font partie des éléments combinables de l'art de tous les jardins[4] .

Parallélépipède, arches, portiques.

Boules, cloches, dômes, cônes, cylindres et pyramides tronqués, pyramidions, cubes, spirales.

Étages superposés (plateaux de plan circulaire ou rectangulaire, boules, obélisques fractionnés) à l'origine d'ornements topiaires stylés dans les arts décoratifs.

Notes et références

1. ↑ (en) Michael Weishan, The New Traditional Garden, Ballantine Publishing Group, , p. 115 .

2. Georges J. Aillaud, ↑ Le Jardin : entre science et représentation, Éditions du CTHS, , p. 27 .

3. ↑ Jean-Pierre Coffe, Alain Baraton, La Véritable Histoire des jardins de Versailles, Plon, , p. 100 .

4. Anne-Marie Eyssartel, Bernard Rochette, Jean Baudrillard, ↑ Des mondes inventés, Éditions de la Villette, , p. 92 .

5. ↑ " Rapport d'activité 2008, château de Versailles " [PDF], sur chateauversailles.fr (consulté le ), p. 102.

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. L' art topiaire (du latin ars topiaria, " art du paysage ") consiste à tailler les arbres et arbustes de jardin dans un but décoratif pour former des haies, des massifs ou des sujets de formes très variées, géométriques, personnages, animaux, etc.

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C'est pas sorcier -SOUS LE SOLEIL DE VERSAILLES

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Quelle est la différence entre Jardin à la Française et Jardin à l'Anglaise? - C'est pas sorcier

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Le label "Jardin Remarquable" est délivré par l'Etat (Ministère de la Culture et de la Communication) aux jardins répondant à certains critères de qualité.Ces critères comprennent notamment l'intérêt esthétique, la richesse botanique, le caractère historique, le niveau d'entretien et l'accueil du public.

Le label est attribué pour 5 ans par le Préfet de Région. La Haute-Marne compte actuellement 5 jardins remarquables.

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Les "Jardins Remarquables"

Le label "Jardin Remarquable" est délivré par l'Etat (Ministère de la Culture et de la Communication) aux jardins répondant à certains critères de qualité.
Ces critères comprennent notamment l'intérêt esthétique, la richesse botanique, le caractère historique, le niveau d'entretien et l'accueil du public. Le label esta attribué pour 5 ans par le Préfet de Région.
La Haute-Marne compte actuellement 5 jardins remarquables.
Amateurs passionnés ou expert en botanique seront agréablement surpris par cette déclinaison de jardins remarquables.

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Les jardins de Haute-Marne > Les "Jardins Remarquables"

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Le labyrinthe est à l'origine un palais de la mythologie grecque construit par Dédale pour y enfermer le Minotaure par ordre de Minos.

Apparu dès la Préhistoire, on retrouve le labyrinthe dans de nombreuses civilisations. Chez les Egyptiens, ce monument souterrain servait généralement de tombeau à un illustre personnage. Il était conçu comme un enchevêtrement de couloirs et de voies qui menaient, pour la plupart, à des impasses. Certaines pyramides ne contiennent-elles pas de véritables méandres, destinés à protéger au mieux leur chambre funéraire? Il semblerait que l'idée ait voyagé jusqu'aux rives de l'empire minoen et que Dédale, le célèbre architecte, se soit inspiré des bâtisseurs égyptiens pour construire cette célèbre prison à laquelle il donnera son nom - prison qui cachera le Minotaure.

Le terme "dédale" est aujourd'hui un nom commun qui désigne un lieu où l'on s'égare facilement.

Selon la légende grecque, Dédale aurait donc construit en Crète, suivant les ordres du roi Minos, un labyrinthe, pour y enfermer le Minotaure, créature hybride, née des amours de la reine Pasiphaé et d'un taureau. Le monstre possédait un corps d'homme et une tête de bovin.

Ce labyrinthe, contrairement au modèle égyptien, ne se trouvait pas sous terre; il était construit à ciel ouvert et composé d'un nombre incalculable de voies qui n'en finissaient jamais de tourner ni de se croiser. Le prince Thésée fut le seul - hormis Dédale et son fils Icare - à pouvoir sortir de ce lieu, grâce au fil que lui avait donné Ariane. Il déroula le fil au fur et à mesure qu'il avançait et réussit par conséquent - après avoir tué le Minotaure - à retrouver son chemin.

Une autre légende raconte que Dédale, puni pour avoir favorisé la relation entre Thésée et Ariane, fut enfermé à son tour, par le roi Minos, dans le labyrinthe. Il parvint néanmoins à s'échapper en fabriquant des ailes qui lui permirent de s'envoler. Le roi de Sicile, Cocalos, le recueillit et loua ses services. Peu de temps après, Minos, débarqua lui aussi sur ces terres, à la recherche du fugitif. Il promit une forte récompense à qui pourrait passer un fil dans la coquille d'un escargot, certain que si Dédale se cachait en ces lieux, lui seul saurait résoudre ce casse-tête. Le roi Cocalos voulut relever le défi et demanda bien évidemment l'aide de Dédale. Celui-ci enfila le fil à la patte d'une fourmi qui parcourut toute la spirale d'une coquille. Cocalos avait certes gagné mais Dédale, lui, était démasqué!

Piranese, Via Appia Ardeatina, 1756

Le mythe du labyrinthe serait une représentation de l'Homme qui se perd sur le chemin de la connaissance: connaissance du monde situé à l'extérieur de lui mais aussi connaissance du monde qu'il renferme. Il symboliserait donc les méandres de l'âme humaine.

Dans son roman, Kafka sur le rivage, l'auteur japonais, Haruki Murakami, explique l'origine du labyrinthe en ces termes: "On pense que ce sont les habitants de la Mésopotamie antique qui ont eu les premiers l'idée du labyrinthe. Ils lisaient le futur dans les entrailles d'animaux - et sans doute parfois d'hommes - sacrifiés. Ils en observaient les dessins complexes qui leur permettaient d'interpréter l'avenir. La forme du labyrinthe s'est inspirée de celle des boyaux. Autrement dit, le principe du labyrinthe existe à l'intérieur de toi. Et il correspond à un labyrinthe à l'extérieur de toi."

Labyrinthe, religion et spiritualité

En Inde, le mandala, art de tradition ancestral symbolisant le destin, représente une forme de labyrinthe.

En Europe, au Moyen Age, bon nombre d'églises abritaient des labyrinthes, tracés sur le sol, qui devaient servir à piéger les démons car ceux-ci - dit-on - ne savaient avancer qu'en suivant une ligne droite...

Le Labyrinthe de Crète et l'histoire de Thésée et d'Ariane, gravure du XV° siècle.

Claudio Parmiggiani (labyrinthe en verre brisé)

Labyrinthe végétal de Longleat (Grande-Bretagne)

Motoi Yamamoto, dessin labyrinthique avec du sel

Robert Morris, Labyrinthe, 1974

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Le labyrinthe est à l'origine un palais de la mythologie grecque construit par Dédale pour y enfermer le Minotaure par ordre de Minos. Apparu dès la Préhistoire, on retrouve le labyrinthe dans de nombreuses civilisations. Chez les Egyptiens, ce monument souterrain servait généralement de tombeau à un illustre personnage.

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Avec du jus d'épinard, du jus de salade verte, du jus de betterave, on peut initier les élèves à un procédé photographique simple : l'anthotype.

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L'anthotype ou comment faire de la photo à la chlorophylle

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Une fois le principe compris, on peut utiliser ce procédé pour photographier n'importe quel objet : fleurs, feuilles, objets transparents... A chacun d'imaginer ce qu'il peut créer !

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Attention : pour un résultat optimal, laisser les anthotypes à la lumière plusieurs jours. Le temps d'exposition dépend de l'ensoleillement (plus long en hiver, plus court en été).

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On peut réaliser un anthotype directement sur une feuille d'arbre.

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Astuce : On peut coincer les productions dans des pochettes de classeur transparentes et les exposer quelques semaines sur une fenêtre de l'école.

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Une proposition de l'Académie de Strasbourg

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Une proposition de l'Académie de Strasbourg

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Pourquoi ce sujet aujourd'hui ? Parce qu'à quelques jours de la Saint-Valentin, l'amour peut se dire avec des fleurs, mais aussi parce que ces derniers temps, on constate une "floraison" de peintures de fleurs chez les artistes contemporains, alors que longtemps, ce sujet a été considéré comme un genre mineur de la peinture, et laissé aux peintres du dimanche. Les fleurs ont une histoire mythologique, religieuse, symbolique, sociale, et même politique parfois, et certaines ont particulièrement inspiré les artistes....
Intervenante : Agnès Ghenassia

Le tournesol un mythe grec raconte que Clytia, amoureuse d'Apollon, le dieu du Soleil, chaque jour elle levait les yeux vers le ciel pour voir le char de feu qui allumait et éteignait la lumière du jour. Mais celui-ci c'était détournée d'elle pour l'amour de Leucothoé, fille du roi babylonien Orchamos. Vexée Clythia a dénoncé à Orchamos, la liaison de sa fille. Saisie de fureur, le roi l'a fait ensevelir vivante ! Depuis Clythia, honteuse et désespérée, passe son temps à suivre du regard la course du char de son Dieu bien-aimé, et peu à peu se transforme en fleur, en tournesol.

On voit à l'arrière le char du soleil.

Évelyne de Morgan Clytia, 1886-87 huile sur toile 106 × 44,5 cm
Voir d'autres représentations du mythe de Clythia.

Van Gogh n'avait pas attendu son séjour en Provence pour peindre des tournesols. Et en 1887, il a peint des tournesols coupés, fanés :

Nature morte avec quatre tournesols coupés et deux Tournesol coupés.
En 1888 à Arles, c'est pour décorer dans la "maison jaune" la chambre qu'il préparait pour accueillir Gauguin, qu'il a peint ses 4 premiers célèbres tournesols en bouquets.

Voir les tournesols de Van Gogh

Il y en a eu 7 en tout entre août 1888 et janvier 1889 et l'un d'eux a été détruit en 1945 dans un bombardement. Les titres : vase avec deux tournesols, vase avec trois tournesols, vase avec 12 tournesols, vase avec 5 tournesols, vase avec 14 tournesols...
Il y en a eu 7 en tout, entre août 1888 et janvier 1889, et l'un d'eux a été détruit en 1945 dans un bombardement.
Van Gogh adorait le jaune de chrome. Certains disent aussi que l'absorption de digitale avec laquelle on soignait son épilepsie avait pour effets secondaires, une vision teintée en jaune ...

Paul Gauguin van Gogh peignant des tournesols.
Lorsque après le drame de cette cohabitation, Gauguin s'est retrouvé à Tahiti, puis dans les îles Marquises, il fait planter des tournesols qui sont présents dans plusieurs de ses toiles, toutes réalisées en hommage à Van Gogh.
- Tournesols sur un fauteuil 1901
- Femmes et tournesol 1890
- nature morte avec espérance 1901

En 1996 Anselm Kiefer (né en 1945), installé à Barjac dans les Cévennes, s'est pris de passion pour les tournesols (il en a fait venir d'énormes du Japon).

Anselm Kiefer - Robert Fludd 1992
(cliquer sur l'image pour l'agrandir)

Les tournesols de Kiefer sont noirs et ont pour l'artiste une fonction bien précise, celle d'incarner la philosophie de Robert Fludd, un humaniste anglais de la Renaissance, médecin, astrologue qui s'est attaché à chercher des correspondances entre les planètes et le corps humain. Fludd pensait que chaque plante de l'univers avait son étoile correspondante dans le firmament, établissant une connexion entre le monde microscopique de la terre, et le monde macrocosmique du ciel. Ses oeuvres sont de grands formats.

L'artiste se représente, un corps couché sous des tournesols, comme sous les étoiles. Kiefer investit Le tournesol du pouvoir de transmission de la vie, avec ses graines noires qui vont féconder le sol et faire renaitre la vie. C'est en ce sens qu'il les associe à de nombreuses sculptures, de livres de plomb ou autres, avec l'idée de la vie sera toujours recommencée grâce à ces graines de tournesol.
Voir un commentaire

Danaé (2008) Plomb association de divers matériaux.
Voir Athanor, réalisé pour le musée du Louvre.

Que mille fleurs s'épanouissent (2002) immense fresque de 7m. L'artiste fait référence ici à la campagne des " cent fleurs " lancée par Mao en 1956 : " Que cent fleurs s'épanouissent, que cent écoles rivalisent ! " on voit la figure de Mao qui sème des tournesols.

En 2011, invité à intervenir au Rijksmuseum d'Amsterdam, il a choisi d'installer devant la ronde de nuit de Rembrandt (1642), des tournesols géants, desséchés, réalisés en résine sur un sol craquelé. Leurs tiges se dressent en écho aux hallebardes de la milice dans le tableau de Rembrandt et au centre, il a placé une chaise de jardin, en hommage à Van Gogh dit-il.

En 2018, dans le cadre de l'exposition "au-delà des limites", à la Villette, les spectateurs pouvaient évoluer parmi des tournesols géants entièrement virtuels.

En 2019, Philippe Cognée (né en 1957), bien connu pour sa technique particulière (une peinture figurative à la cire, qu'il chauffe ensuite à la pattemouille pour obtenir des déformations et des effets de flou), a entrepris une série de grandes peintures de fleurs fanées, à la limite de la décomposition. Il appelle cette série "Carne dei Fiori ". Elles mesurent entre un mètre 50 et un mètre 80 de hauteur et prennent une dimension presque inquiétante et très charnelle. Deux de ces peintures sont consacrées à des tournesols.

Philippe Cognée - Carne dei Fiori

Ces oeuvres prennent une dimension charnelle assez mystérieuse.

L'iris en grec signifie arc-en-ciel d'où le mot d'irisé. Il est lié à la messagère des dieux entre le ciel et la terre, Iris, souvent représentée avec un arc en ciel.

Michel Corneille le jeune iris et Jupiter

Sir Laurence Alma-Tadema Iris parmi les ruines 1904 huile sur toile 24 x 39 cm

Sous Clovis, c'est d'abord l'iris qui symbolisait la monarchie française, car lors d'une bataille contre les Wisigoths, des iris jaunes stabilisant un endroit des berges de la Vienne en crue, ont indiqué le passage pouvant être franchi par les armées franques. Au 15e siècle, les peintres flamands associaient parfois l'iris à la Vierge exemple :

Hugo van der Goes le retable Montfort 1470 voir un détail (en bas à gauche)
l'iris a été très à la mode dans l'art nouveau autour de 1900.
Voir également :
- Elisabeth Sonrel Iris
- Alphonse Mucha Iris.

Il apparaît sur des vitraux Tiffany de 1908, sur des vases de Gallé en pâte de verre.
Le Japon célèbre cette fleur depuis le 6e siècle, et tous les 5 mai, on suspend des Rameaux d'iris à l'entrée des maisons pour les protéger. Aujourd'hui les Sentos (bains publics) proposent ce jour-là à leurs clients de se baigner nus avec une couronne d'iris.
Les impressionnistes connaissaient le paravent d'Ogata Korin (1701) avec ses Iris sur fond de feuilles d'or, ainsi que les estampes japonaises largement diffusées à Paris à la fin du 19e siècle.

C'est ainsi qu'en 1889, Van Gogh, cette fois en traitement à Saint-Rémy, à peint ses célèbres iris. Voir un commentaire.

Iris, de Vincent van Gogh

En 1894 Paul Signac, iris traités avec une grande liberté de geste pour l'époque.

Et à partir de 1900, Monet à Giverny, où il était installé depuis 1883 (jusqu'à sa mort en 1917) a installé pendant 40 ans, ce que Marcel Proust appelait son " jardin coloriste ", faisant venir des plantes de France, d'Angleterre, et même du Japon.

Les iris y sont nombreux et figurent dans de nombreuses toiles. Voir également :
- Le chemin à travers les Iris 1914 huile sur toile
- Iris jaune avec nuage rose 1918 huile sur toile
- Iris jaunes 1928 huile sur toile 130 x 152 Musée Marmottant.

Son complice en jardinage, c'était Gustave Caillebotte qui à partir de 1887, avait créé lui aussi son petit paradis. Les deux peintres s'échangeaient des bulbes et des adresses de pépiniéristes. Malheureusement, Caillebotte est mort en 1894 à 45 ans, et n'a pu voir les nymphéas de son ami.

Matisse à dessiné et peint d'innombrables bouquets qu'il savait mettre en scène, tout en privant les fleurs de leur volume, pour mieux les fondre dans le décor.

Georgia O'Keeffe (1887-1986) à peint près de 200 fleurs entre 1920 et 1950 (dont trois sont consacrées aux Iris). Elle les peignait comme si elle zoomait avec un appareil photo, en très gros plan, occupant tout l'espace de la toile, et beaucoup y ont vu des représentations du sexe féminin, ce qu'elle a toujours réfuté. Voici comment elle explique l'origine de cette série florale : " Dans les années 20, d'immenses immeubles poussaient en l'espace d'une nuit à New York. C'est à ce moment-là que je vis un tableau de Fantin Latour, une nature morte avec des fleurs, que j'ai trouvé très belle, mais je sentais que si je peignais ces mêmes fleurs si petites, personne ne les regarderait, car personne ne me connaissait. Alors j'ai pensé que je les peindrais comme ces immeubles, immenses. Les gens seraient surpris, ils seraient obligés de les regarder, et c'est ce qui arriva" .
A l'occasion d'une autre interview elle a déclaré : " Je déteste les fleurs, mais se sont des modèles qui ne bougent pas et qui reviennent moins chers que les modèles vivants " .

Des fleurs donc, vues à hauteur d'un insecte pollinisateur qui se jetterait dedans avec volupté.
Voir également :
- Iris blanc 1930
- Black iris 1926.

Patrick Neu est un sculpteur français né en 1963. Il travaille le verre, le cristal et toutes sortes de matériaux.
En parallèle, depuis 1990, chaque année pendant 15 jours du mois de mai, il réalise à l'aquarelle des iris dont il s'efforce de traduire la transparence et la fragilité.

Voir l'iris dans la peinture.

Le lys et l'amaryllis. Selon une légende grecque, Héra en allaitant Eracles, (Hercule enfant, le fils de Zeus) a laissé tomber de son sein deux gouttes de lait, l'une dans le ciel donna naissance à la Voie Lactée, l'autre au sol à un lys blanc, d'une grande pureté. Aphrodite, jalouse, y ajouta un pistil jaune à connotation sexuelle.

Le lys est associé à la royauté en France depuis le 12e siècle jusqu'à la Révolution.
Enluminure Louis VII lors de la deuxième croisade XIVéme siècle BNF.
Le couronnement de Philippe Auguste vers 1180
et dans la religion catholique, le lys est associé au culte de la Vierge, comme symbole de pureté et de chasteté.

On voit les lys blancs de part et d'autre de la Vierge.

Dans toutes les Annonciations, c'est tantôt l'ange Gabriel qui tient le branche de lys (>Filippo Lippi 1435), tantôt c'est un bouquet de lys qui est posé au pied de la Vierge ( Martin Schongauer 1472)

Cette symbolique de la pureté (associée à l'image d'enfants, et de jeunes filles) domine jusqu'au 19e siècle et beaucoup plus chez certains.

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Les fleurs dans l'art moderne et contemporain

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Pourquoi ce sujet aujourd'hui ? Parce qu'à quelques jours de la Saint-Valentin, l'amour peut se dire avec des fleurs, mais aussi parce que ces derniers temps, on constate une "floraison" de peintures de fleurs chez les artistes contemporains, alors que longtemps, ce sujet a été considéré comme un genre mineur de la peinture, et laissé aux peintres du dimanche.

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thème : les fleurs dans l'art - Tortue et acouphènes

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un thème présenté lors du projet recycl'art. Trois oeuvres et trois ateliers s'y réfèrent.

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Auteur : Samantha Friedman
Illustrateur : Christina Amodeo
Traducteur : Francoise de Guibert
Éditions Albin Michel Jeunesse
Plus d'informations ici.

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Plus d'informations : ici.

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Plus d'informations : ici.

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Plus d'informations : ici.

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1 appareil photo, 1 dictaphone, 1 carnet de notes, des sachets

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La géographe Théa Manola étudie les  rapports multisensoriels des habitants à leurs territoires de vie en associant l’enquête documentaire, l’enquête par entretiens et le « parcours multi-sensoriel » mobilisant un « baluchon multi-sensoriel ».
Pour en savoir plus : ici.

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Vocaroo permet très simplement de faire un enregistrement (ou de téléverser un fichier audio) puis de récupérer le QR code à partager. Dès que votre enregistrement est fait, cliquez sur partager : une fenêtre s'affiche.

Attention, il y a de la publicité sur les côtés (à utiliser avec un bloqueur de pub). Les enregistrements sont supprimés au bout de quelques mois s'ils ne sont pas utilisés.

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Vocaroo is a quick and easy way to share voice messages over the interwebs.

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Commande pour le Labo des histoires Nouvelle-Aquitaine, dans le cadre de la manifestation nationale " Partir en Livre ". Balade réalisée le vendredi 21 juillet 2017 autour du Plan d'eau de la Blanche à Ambarès-et-Lagrave qui abrite un refuge du Bruit du Frigo.

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Organisation et déroulé :

L'idée de cet atelier est de proposer une cartographie sensible du paysage sous forme d'une lecture de site en 5 dimensions (goût, toucher, odorat, ouïe, vue) via une balade collective en réalisant des points d'arrêts sur des sites forts en sensations et nommés de manière à faire travailler l'imaginaire (exemple: Venise, Alice, la Presqu'île...).

Format : une ballade le matin (durée 1H30) avec 22 jeunes venus d'un centre d'animation de Libourne (+ 2 animateurs) répartis en binômes / une ballade l'après-midi (durée 2H) avec 9 jeunes dont 5 d'un centre d'animation (+ 1 animateur) et 4 d'une fratrie bordelaise habituée des ateliers du Labo des histoires.

La balade est réalisée avec 2 (matin) ou 3 (après-midi) arrêts. Les arrêts durent 10/15 minutes durant lesquels les enfants s'assoient par terre et notent sur leur carnet de bord leurs impressions pour chaque sens (goût, toucher, odorat, ouïe, vue). L'atelier se termine par exercice de localisation des points d'arrêts sur la carte avec des pastilles de couleur, création d'une légende et lien avec les sites décrits.
Bilan : les enfants ainsi que leurs encadrants ont semblé très satisfaits de la ballade. Les jeunes ont parus rapidement concernés par l'activité et sont restés impliqués tout le long.
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Ateliers complémentaires potentiels :

A la suite d'un temps de ballade sensible exploratoire, possibilité de ;

1- travail en salle ou en extérieur avec création d'une histoire imaginaire mettant en scène les différents sites traversés et leurs caractéristiques sensorielles.

2- travail en salle avec création d'une cartographie collective (intérêt pédagogique ; utilisation d'outils digitaux, initiation aux pratiques collaboratives, valorisation et partage d'un contenu créatif).

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Photographies de l'atelier :

Lancement :

Premier site visité appelé " Venise " :

Troisième site visité appelé " la Presqu'île " :

Retour de balade, localisation des sites sur la carte :

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(mis en page par Alexandre Le Guicher)

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Balade sensible exploratoire, Bordeaux - Quentin LEFEVRE | Urbanisme, Design et Cartographie sensible |

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Commande pour le Labo des histoires Nouvelle-Aquitaine, dans le cadre de la manifestation nationale " Partir en Livre " . Balade réalisée le vendredi 21 juillet 2017 autour du Plan d'eau de la Blanche à Ambarès-et-Lagrave qui abrite un refuge du Bruit du Frigo.

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La balade sonore est une déclinaison de la visite sensible présentée ici. Elle privilégie un sens, l'écoute. Sébastien Branche, professeur de mathématiques, d'arts du son et d'histoire des arts au lycée J.Prévert, et musicien saxophoniste performeur, propose ainsi à ses élèves de faire des balades sonores dans Boulogne-Billancourt, et plus précisément entre le lycée et la base nautique sur l'Ile de Monsieur, à Sèvres. Pour les mener, il s'appuie sur le travail de R.Murray Schafer, théoricien, compositeur et pédagogue, à l'origine du concept de "paysage sonore" et sur son ouvrage 100 exercices pour développer l'écoute et la production sonore (1992).

Ci-dessous une carte du parcours mené, et auquel j'ai pu assister, avec les différents points d'écoute.

Du lycée J.Prévert (Boulogne Billancourt) à l'île Monsieur (Sèvres)

Le point 1 est le point de départ, devant le lycée. S.Branche explique aux élèves la consigne : interdiction de se parler jusqu'à nouvel ordre. C'est donc un groupe muet de plus d'une vingtaine d'élèves qui se déplace désormais dans la ville, au grand étonnement des passants. Petit arrêt au point 2 dans le parc face au lycée. Il est 16h00. Arrivé au point 3 une petite pause au bord d'une fontaine enserrée sur une petite place. Nous repartons en silence. Nous longeons une rue, il y a des travaux, nous sommes gênés par les échafaudages. Nous arrivons sur l'avenue du Général Leclerc, nous poursuivons. Arrêt 3 sur le Pont de Sèvres. Difficile de parler même si on le voulait, tant il y a du bruit. On sent les vibrations des camions sous nos pieds. Au point 4 changement d'ambiance : nous sommes désormais sur l'île Monsieur, tout proches de la ligne T2, face à la Seine et à Boulogne Billancourt. Nous reprenons enfin la parole, après plus de 30 minutes de silence. Le groupe s'assied dans l'herbe. S.Branche propose un debriefing : qu'avons-nous entendu, quelle expérience sonore avons-nous faite, pourquoi l'avoir faite. Il nous parle de R.Murray Schafer et de ses exercices. Nous en faisons deux. Le premier consiste à noter sur une feuille de papier tous les sons qu'on entend, pendant deux minutes. Nous comparons ensuite les bruits. Les élèves s'étonnent qu'un endroit aussi calme, au bord de l'eau, puisse être si sonore. Nous évoquons la Seine, qui porte les bruits. Nous nous rappelons de la fontaine (point 2) elle aussi si sonore, et dont le son régulier et répétitif, dans un espace clos et entouré de bâtiments, a gêné certains élèves. Ici, ce sont les bateaux, le bruit de la circulation sur le Pont de Sèvres, juste à côté, qu'on entend, mais aussi des bruits de pas, et le vent qui déplace les feuilles. Nous classons ensuite les sons, sons N (nature), sons H (homme), son T (machine, technologie), et les sons continus (C), répétés (R), uniques (U). Pour aujourd'hui on ne le fera pas, mais parfois, S.Branche propose aux élèves de cartographier ce son, reprenant l'exercice 3 de R.Murray Schaffer : " noter les sons forts (en haut de la page), doux (en bas). Noter les sons agréables (en haut de la page), désagréables (en bas). Dessiner un cercle de taille moyenne, y placer ses propres sons, les autres en dehors en fonction de la distance et de la direction. "

Nous faisons ensuite un deuxième exercice, qui est décrit ainsi par R.Murray Schaffer : " le meneur de jeu (maître ou élève) tient un son en se déplaçant (son, frappé, clés remuées, ...) le groupe (yeux fermés) le suit du doigt. Compliquer avec 2 personnes et 2 sons (très différents). Le groupe suit avec 2 doigts.Compliquer avec 4 personnes et 4 sons. Suivre 1 paire de sons (autoriser à ouvrir les yeux pour vérifier) ".

Nous repartons enfin. Il est 17h15. Un dernier exercice avant de rentrer au lycée : du point 3 au point 1, les élèves partent de manière échelonnée, à bonne distance les uns des autres, et seuls. Nous nous retrouvons devant le lycée. Quelques semaines plus tôt, ils avaient expérimenté un autre exercice, marcher les yeux bandés, avec un de leur camarade pour guide.

Cette sortie marque les élèves. Ainsi, la classe de 2de7, inscrite en arts du son, en a laissé de nombreuses traces dans la carte sensible de Boulogne Billancourt (à découvrir ici, à explorer là). Ce qu'ils ont appelé le " squatt de Monsieur Branche " correspond ainsi au point 5 présenté plus haut (autrement dit la base nautique de l'île Monsieur).

Le "squatt de Mr Branche", extrait de la carte sensible de Boulogne Billancourt

On trouve également sur cette carte de nombreuses représentations du son : le bruit à l'entrée du Pont de Sèvres ou sur l'avenue du Général Leclerc, le bruit encore des travaux, ou le bruit du périphérique, Porte de Saint Cloud.

Le symbole qui matérialise le son du chantier

Le symbole qui matérialise le son de l'avenue du Mal Leclerc

Le symbole qui matérialise le son de l'aviron

Pour Sébastien Branche lui-même, ce bruit est un matériau, qu'il utilise pour produire des paysages sonores. Si vous cliquez sur l'image ci-dessous, vous entendrez un extrait d'une de ses pièces. J'avais commencé par parler de composition, mais pour Sébastien Branche, il s'agit plutôt de l'extrait d'une pièce, " puisqu'il n'y a pas d'écriture au préalable, mais la construction d'une situation, puis une sélection dans les matériaux enregistrés de ce qui constituera au final une pièce".

Cliquez sur l'image pour écouter

Voici comment il la décrit : " il s'agit d'un extrait d'un enregistrement réalisé il y a quelques années autour des lignes T2 et T3 du tram francilien. Une paire de microphones est posé en un point fixe, et j'ai la liberté de me déplacer dans l'environnement. L'intégration du saxophone se fait donc sur place, en direct, et il n'y a pas de retouches ou de montage. L'idée, comme souvent dans mon travail avec le paysage sonore, est d'inclure le saxophone dans l'environnement, afin d'en souligner, masquer, dévoiler des éléments, de créer des plans, de tester l'acoustique du lieu, d'en faire sonner des éléments invisibles ou muets. Ici, le passage du T2 vient masquer le son continu du saxophone, et les bruits de pas révèlent les cailloux du ballast autour des rails. Et toujours, le bruit de fond de la circulation qui rappelle qu'on est bien en ville... ".

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La balade sonore est une déclinaison de la visite sensible présentée ici. Elle privilégie un sens, l'écoute. Sébastien Branche, professeur de mathématiques, d'arts du son et d'histoire des arts au lycée J.Prévert, et musicien saxophoniste performeur, propose ainsi à ses élèves de faire des balades sonores dans Boulogne-Billancourt, et plus précisément entre le lycée et la base nautique sur l'Ile de Monsieur, à Sèvres.

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Consultez un extrait ici.

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20 fiches, réalisées par des experts, vous proposent des repères chronologiques sur de nombreux domaines ar​tistiques. : architecture, sculpture, peinture, musique, littérature, théâtre, bande dessinée, etc.​

Antiquité

MÉSOPOTAMIE

Dès le début du troisième millénaire avant J.-C.
Gilgamesh, roi d'Uruk, se glorifie des vergers et des jardins dans les palais et les temples de sa cité.

Vers 2 000 avant J.-C.
Les premiers jardins publics sont attestés en Assyrie.

605-562 avant J.-C.
Les plus célèbres jardins de l'Antiquité demeurent ceux de Babylone aménagés par le roi Nabuchodonosor II et considérés comme l' une des Sept Merveilles du monde.

ÉGYPTE

Dès 2 600 av. J.-C.
Les jardins égyptiens sont connus grâce à des témoignages picturaux découverts dans des tombes, ce sont des jardins d'utilité et d'agrément, de forme régulière, protégés du sable et des crues du Nil par de hauts murs et accueillant un bassin en leur centre. Les jardins aménagés sous les Ptolémées à Alexandrie auront une certaine influence sur les jardins romains.

GRÈCE

Dès le IVe s avant J.-C.
La présence de jardins y est attestée. Les Grecs ont inventé la notion de Bois sacré, lieu naturel non entretenu par l'homme, consacré à un dieu ou à un héros. Les Grecs ont utilisé les potentiels des paysages, développant ainsi le " genius loci ", simples lieux ombragés destinés aux réunions et à l'enseignement (Académie de Platon et Lycée d'Aristote).

ROME

À l'origine, les jardins sont composés d'un potager et de vergers ainsi que le montre le traité de Marcus Porcius Cato, De agri cultura.

Au Ier s. avant J.-C.
Les écrits de Varro, Pline l'Ancien, Columelle ou Virgile décrivent des maisons de campagne, des " villas " où les jardins d'agrément sont sophistiqués, comme à Pompéi ou Herculanum, et à la villa Hadriana à Tivoli, que l'empereur Hadrien fait aménager entre 118 et 134 après J.-C.

PERSE

Vers 546 avant J.-C.
Les " paradis ", jardins clos de Perse, réalisés sur le modèle du jardin du roi Cyrus à Pasargades étaient des jardins d'agrément réguliers composés de quatre parties organisées autour de canaux en forme de croix comme le montrent les miniatures persanes. Ils auront une influence sur les jardins du monde islamique tant en Asie, en Afrique et une partie de l'Europe (Sicile, Andalousie).

Exposition Les Jardins d'Orient Institut du monde arabe, 2016.

Moyen Âge

Vers le IVe s.

L'établissement des premières règles monastiques chrétiennes, est à l'origine d'une nouvelle vision du jardin, lieu de contemplation, de purification et de rédemption, l'hortus conclusus, dont un des plus beaux représentant est le jardin de l' abbaye bénédictine de Saint-Gall (Suisse) au IXe s.

La cueillette, Le Roman de la Rose, par Guillaume de Lorris et Jean de Meun
Source gallica.bnf.fr / BnF

Lorsque le château perd peu à peu son caractère défensif, se développe l' hortus déliciarum, jardin paradisiaque, source des plaisirs terrestres comme à Hesdin (Pas-de-Calais) aménagé vers 1295 par Robert II d'Artois et détruit à l'époque moderne.

En Occident, le Roman de la Rose (1225-1278) aura une grande influence sur les jardins.

Les premiers jardins islamiques en Europe sont aménagés au VIIIe s. au moment de la conquête arabe de l'Espagne et en Sicile vers 880. Les jardins des palais nasrides de l' Alhambra de Grenade sont aménagés vers 1238.

Renaissance

EN ITALIE

Aux XVe et XVIe siècle, on retient surtout les jardins réguliers en terrasses, souvent œuvres de grands architectes (Alberti, Bramante, Pirro Ligorio, Giulio Romano, Niccolò Tribolo, Vignole...), où les jeux d'eau et les grottes jouent un rôle important comme dans les jardins des villas médicéennes :

Villa Castello à Florence (1480),
Villa Madama à Rome (1516-1520),
Jardins Boboli au Palais Pitti à Florence (1550),
Villa di Pratolino (1568).

et les villégiatures de grands mécènes et ou de papes :

Villa d'Este à Tivoli (1550-1572),
Villa Lante à Bagnaia (1568),
Villa Farnèse à Caprarola (1565).

EN FRANCE

Le jardin de la Renaissance s'ouvre sur le paysage et utilise les caractéristiques de celui-ci (le relief et l'eau). Jacques Androuet du Cerceau dans Les plus excellents bâtiments de France (1576-1579) publie des vues de jardins réalisés par de célèbres architectes de son époque :

Jardins du Château de Gaillon (Normandie) créés vers 1506,
Jardins du Château d'Anet (Centre) aménagés par Philibert de l'Orme vers 1548,
Jardins du Château de Vallery (Bourgogne) conçus par Pierre Lescot entre 1550 et 1562
Le premier jardin des Tuileries (Paris) d'inspiration italienne conçus pour Catherine de Medecis vers 1564.

Grand Siècle

EN FRANCE

Alors que le contexte politique se stabilise sous Henri IV, les progrès techniques et scientifiques en matière de géométrie, d'optique, d' hydraulique, de topographie autorisent de grands changements dans la conception des jardins. L'utilisation de nouveaux instruments de mesure permettent des compositions plus complexes dans lesquelles la perspective et l'anamorphose jouent un rôle essentiel. Le " jardin à la française " est au centre d'un territoire organisé et une représentation du pouvoir.

Dans la première moitié du XVIIe siècle, la nouvelle classe des financiers se fait aménager des jardins en faisant appelle à l'architecte François Mansart qui dessine les bâtiments et les jardins :
Château de Balleroy vers 1630 par pour Jean de Choisy, conseiller du Louis XIII.
Château de Maisons vers 1642 pour René de Longueil, ministre des finances.

André Le Nôtre devient le jardinier emblématique de ce siècle :
Fouquet emploie André Le Nôtre à Vaux-le-Vicomte (1652-1661),
Louis XIV fait appel à lui notamment pour Versailles (1662 à 1693) et les Tuileries (1664-1672),
Ses autres prestigieux clients sont le Grand Condé à Chantilly (1662-1682), Colbert à Sceaux (1673-1691) ou Louvois à Meudon (1679-1681).

En + : Le plus célèbre jardinier paysagiste de l'époque Classique

EN EUROPE

Ce modèle français aura une grande diffusion dans toute l'Europe grâce aux traités d'art des jardins de Jacques Boyceau (1638), d'André Mollet (1652) ou de Dézallier d'Argenville (1709).
Il sera adopté par de nombreuses cours :
Pays-Bas ( Het Loo)
Autriche ( Schönbrunn)
Allemagne ( Jardins du Château de Nymphenburg, Schwetzingen)
Russie ( Jardins du Palais de Peterhof)
Espagne ( La Granja)

XVIIIème siècle

EN ANGLETERRE

Le climat politique de l'Angleterre ouverte aux idées libérales, la redécouverte de l'Antiquité grâce à l'archéologie, et de l'Orient, l'influence de la peinture de paysage classique et la diffusion d'œuvres littéraires et poétiques (Joseph Addison, Alexander Pope, William Shenstone) invitent les grands propriétaires ruraux à paysager leurs terres en y installant des fabriques. Ces domaines deviennent également des lieux d'expérimentations agricoles sous l'influence des physiocrates.

Les paysagistes qui prônent un retour à la nature et à ses matériaux et créent ces jardins à l'anglaise, parcs pittoresques ou paysagers sont :
William Kent
Charles Bridgeman
Lancelot Brown dit Capability Brown
Humphrey Repton.

Les principales réalisations sont les parcs de :
Parc de Studley Royal (1730)
Stowe (1735) conçu par Charles Bridgeman et où travaillèrent les grands jardiniers de l'époque : John Vanbrugh, William Kent et Capability Brown. En + : Lecture d'un jardin anglais, Stowe.
Jardins de Stourhead House conçu par Henry Hoare II (1735)
Rousham conçu par William Kent (1738)
Les jardins du Château Howard (1740)
Jardins du Palais de Blenheim (1764) conçu par John Vanbrugh puis modifié par Lancelot " Capability " Brown.

EN FRANCE

Le changement s'opère en France dans les années 1770 sous l'influence des écrits de Jean-Jacques Rousseau et des tableaux d' Hubert Robert. Les concepteurs Jean-Marie Morel, René-Louis de Girardin, Thomas Blaikie composent des paysages pittoresques ou champêtres en utilisant les caractères du site en le modelant et le plantant de façon à créer des scènes :
Parc d'Ermenonville (1766-1770)
Désert de Retz (1774-1785)
Parc de Bagatelle (1779)
Parc de Méréville (1784-1789) - voir Château de Méréville.

XIXème siècle

Siècle de l'horticulture et du jardin paysager

Les compositions reflètent essentiellement une mise en scène du paysage, sans connotations littéraires ou artistiques : travail des masses végétales, alternance de parties boisées et de prairies, et choix de végétaux exotiques.

Le modèle paysager est adaptable aussi bien à la ville qu'à la campagne, aux petits et aux grands domaines comme le montre le traité de Gabriel Thouin en 1820. Le XIXe siècle voit de nombreux progrès en matière de biologie végétale, d'introduction et d'acclimatation de plantes venues de l'étranger (Alexander Von Humboldt et Aimé Bonpland), de multiplication et hybridation des végétaux, et le développement des serres et des jardins d'hiver chauffés (Joseph Paxton, Crystal Palace en 1851).

L'avènement du parc public

Parc Tiergarten à Berlin par Joseph Lenné en 1819 ;
Parc Birkenhead par Joseph Paxton à Liverpool en 1844 ;
Les Promenades de Paris commandées en 1852 par Napoléon III au préfet Haussmann et réalisées par Jean-Charles-Adolphe Alphand, Gabriel Davioud, Jean-Pierre Barillet-Deschamps, et Louis-Sulpice Varé entre 1860 et 1878 ;
Parc de la Tête d'Or à Lyon en 1856 par Denis et Eugène Bühler ;
Sefton Park à Liverpool par Édouard André entre 1867 et 1872 ;
Central Park à New York par Frederick Law Olmsted en 1873.

À la fin du siècle, on note un retour aux formes régulières dans les créations d' Henri et Achille Duchêne :
Parc du château de Voisins (1903-1906)
Jardins du Château de Bleinheim (1920)
Vaux-le-Vicomte (1923).

XXIème siècle

Les parcs et les jardins sont des enjeux de société, ils sont publics et créés pour un public urbain, ils témoignent des progrès technologiques notamment en matière d'écologie. Les réalisations reconnues sont la High line de New York, les parcs de Peter Latz dans la Ruhr, l'aménagement des bords du Rhône à Lyon, ou la réserve Costanera Sur à Buenos Aires.

Depuis 1992, le Festival International des Jardins de Chaumont est un laboratoire de la création contemporaine dans le domaine des jardins et de la création paysagère dans le monde.

En 2022, le Festival a fêté ses 30 ans sur le thème du jardin idéal. Quatre prix sont décernés : le Prix de la Création, le Prix Design et Idées novatrices, le Prix Palette et harmonie végétale et le Prix Jardin transposable.

Ressources en + :

Exposition Jardins en 2017 au Grand Palais
Histoire de l'art des jardins, Abbaye de Noirlac
Histoire des jardins

Crédit : Marie-Hélène Bénetière, Historienne des jardins

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Ecole de Doulaincourt Photos formes et couleurs au jardin du château de Joinville maternelle et CP

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