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1920 Se funda la academia real de danza de Londres. 

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1920 Se funda la academia real de danza de Londres. 

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1926 Martha Graham Bailarina y coreografa da su primer recital independiente
1934 The school of American Ballet abre sus puertas en Nueva York.

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1890 Primera presentaciónn de la Bella durmiente en San Petersburgo

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1890 Primera presentaciónn de la Bella durmiente en San Petersburgo

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1895 Se presenta el lago de los cisnes con la coreografía de Lev Ivanova y Marius Petipa
1899 Ana Pavlova hace su debut

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1821 El primer registro de ballet sobre puntas data de esta fecha, nace como característica del Ballet romántico .

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1801 Nace Jules Perrot primer coreografo y se reconoce como padre del Ballet Ruso 

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1801 Nace Jules Perrot primer coreografo y se reconoce como padre del Ballet Ruso 

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"El ballet ruso, el arte imperial que sobrevivió a la revolución bolchevique" por Eugenia Miras. Madrid. 09/10/2017 para ABC.es

Las corrientes más radicales de la izquierda intentaron erradicar esta cultura, en su momento vinculada al zarismo. Algunos mecenas lograron salvar la mencionada danza del olvido, para posteriormente convertirla en propaganda soviética.

Tanto el teatro como el ballet destacaron entre las grandes pasiones recreativas de la aristocracia. En Rusia se forjaron como símbolos imperiales hasta la caída del zarismo. Y por ello ambas artes corrieron el riesgo de ser erradicadas durante la revolución bolchevique de 1917, por ser consideradas enemigas del proletariado.

Durante el mandato de Lenin, se buscaba educar al pueblo a través de la cultura. El dirigente depositó su fe en Anatoly Lunacharsky (Comisario del pueblo para la Instrucción) y, confiando en su ilustre juicio, delegó en él la reivindicación rusa a través de la cultura. El extremo más radical de los bolcheviques presionaba para destruir cualquier tradición previa a la revolución. Sin embargo, el Comisario del pueblo para la Instrucción se dedicó a proteger fervientemente cada uno de los elementos que dotaron de esplendor al zarismo con el noble propósito de ponerlo al servicio del pueblo. Al principio los bolcheviques volcaron sus esfuerzos en el teatro para instruir a las masas y tender fuertes lazos emocionales entre el Estado y el pueblo. Al ballet no le prestarían atención hasta pasada la década de los treinta.

No obstante, existieron dos figuras representativas que rescataron a los bailarines imperiales y llevaron a la danza a alcanzar un esplendor universal, así como a su renacimiento ante la indiferencia de los bolcheviques.

Esto fue posible gracias al empresario y visionario Serguei Diaguilev, quien fundó los Ballets Rusos, una compañía con la que asombró a Europa en los primeros años del sigo XX, y a la maestra de danza Agrippina Vaganova, que sentaría las bases de una escuela rusa de ballet sobre la que se cimentó el esplendor de este arte en la URSS. A pesar de haber representado a la aristocracia, la belleza del ballet cautivó a los soviéticos, entendiendo su universalidad y la liberación de emociones desde Rusia para con el mundo. De esta manera el gobierno de Stalin la convirtió en un símbolo de orgullo nacional que acompañó al comunismo durante la bipolaridad mundial.

Después de vivir en las tinieblas, en los años 40, el ballet ruso se convirtió en la coartada cultural de la Unión Soviética, la cual duró hasta el fin de la Guerra Fría. Al disolverse la URSS, esta expresión artística entraría en un sueño profundo, del que no despertó hasta hace poco más de una década, cuando sus dos compañías, los ballets del Bolshoi y del Mariinsky, recuperaron su papel como gran referente del ballet internacional.

Los bolcheviques tuvieron clemencia por uno de los símbolos más representativos de la aristocracia. Le perdonaron la vida al gran ballet, olvidando su origen y haciendo de esta danza su furia.
Origen de la danza
Su aparición data del Renacimiento italiano. Posteriormente Catalina de Médici, una aristócrata italiana contrajo nupcias con el rey de Francia Enrique II. A causa del enlace, la reina consorte introdujo la danza en la Corte del país galo. Y fue otro rey, Luis XIV, quien sembraría la semilla de lo que es hoy el ballet clásico.

Durante los siglos posteriores este espectáculo estaba reservado para la nobleza. En Rusia ocurrió lo mismo desde su aparición en el siglo XVIII, hasta su posterior democratización 200 años después.
El nacimiento del Ballet Imperial
Marius Petipa, el gran coreógrafo francés, se marchó a San Petersburgo para enriquecer la danza predilecta de los zares. Creó un nuevo estilo que marcaría una época dorada entre los bailarines. El maestro alumbró el Ballet Imperial con un sofisticado sentido de la estética que sustituyó al romanticismo.

Petipa, además de crear las grandes coreografías, formó a grandes leyendas del ballet y a los futuros vigías de este arte -durante la revolución bolchevique y la creación de la Unión Soviética- hasta su muerte en 1910. Los teatros imperiales, como el Mariinsky (conocido como Kirov durante el periodo soviético) en San Petersburgo y el Bolshói en Moscú, fueron testigos de la obra magistral de Petipa. En esos espacios, símbolos de la burguesía y la nobleza, los mejores bailarines danzaron sobre las puntas de sus zapatillas, mientras dotaban de pasión a las grandes obras del maestro.

Las piezas de Petipa han definido la tradición del ballet ruso y también han determinado la hegemonía soviética sobre esta danza en Occidente. Hasta el día de hoy el legado de Petipa sigue teniendo eco en las grandes academias.
La democratización de la cultura
Tanto el ballet como el teatro constituían parte de los privilegios culturales de la burguesía y de la aristocracia. De esta manera, con el estallido de la revolución rusa en 1917, cualquier símbolo imperialista era antónimo a la soberanía popular.

La abdicación del zar Nicolás II dio lugar a un gobierno provisional que terminó con el ascenso del líder bolchevique Vladimir Lenin, un hombre muy ilustrado y empapado del marxismo. Una vez instaurada la República Federal Socialista Rusa Soviética (RFSRS), Lenin empezó a crear las bases de un nuevo modelo de gobierno. En el se buscaba democratizar aquello que el proletariado ni siquiera sabía que existía: el arte. Se buscaba un éxodo de aquella miseria ilustrativa que mantenía a las masas en aquel feudalismo obsoleto. Para ello el gobernante se apoyó en sus hombres de confianza, entre ellos Anatoly Lunacharsky. En él depositó la responsabilidad de reestructurar la cultura rusa y ponerla en bandeja a las masas para que estas pudieran disfrutarla de manera gratuita.

A partir de ahora la cultura sería un bien del Estado, para ello liberaron de impuestos a los teatros, y los grandes dramaturgos trabajarían y compartirían su genialidad para el entretenimiento y educación popular, eso sí bajo una fuerte propaganda comunista. Ambos coincidían en educar a su pueblo a través de las artes, o al menos estas jugarían el papel más importante en la difusión de los valores socialistas. Los mejores pintores, dramaturgos y compositores estarían al servicio de la propaganda del Estado.

Existía un gran número de radicales entre los bolcheviques que buscaban exterminar todo aquello que representó a la aristocracia. Sin embargo, Lunacharsky -quien ocupaba el cargo de Comisionado del pueblo para la Instrucción- se encargó de proteger espacios y prácticas que enriquecían la cultura. Uno de estos fue el teatro. Aunque Lunacharsky buscaba cuidar la tradición -para que todo aquello que disfrutó la burguesía llegara de manera inmaculada al colectivo-, Lenin trató de darle un nuevo sentido nacionalista. Buscaba un alumbramiento de nuevos espectáculos con temáticas proletarias en los Teatros Bolshói y Mariinsky.

Estas obras habían de tener principalmente un sentido nacionalsocialista que empatizara con la revolución y el espíritu luchador de la clase obrera. Para esta misión agrupó a los grandes maestros de la escena dramática, entre ellos Meyerhold.
La gran apuesta
Mientras Lenin y Lunacharsky se volcaron en el teatro, dos grandes visionarios apostarían por la danza. El empresario Serguei Diaguilev y Agrippina Vaganova (discípula de Marius Petipa) fueron los grandes responsables de que el ballet imperial sobreviviera a los bolcheviques.

El legado de Patipa sería rescatado por un visionario de las artes escénicas, el empresario Serguei Diaguilev, quien creó los Ballets Rusos. Lejos del ajetreo bolchevique, la compañía respaldó la formación y estelarización internacional de los grandes bailarines salidos del Bolshói y del Mariinsky. En esta academia se forjaron las leyendas del ballet clásico que triunfaron en Europa y que posteriomente dotarían de misticismo a los escenarios de la URSS y del mundo entero.

Entre ellos destacaron George Balanchine (posteriorme fue coreógrafo, el cual se hizo famoso por implementar el género neoclásico), Vaslav Nijinsky, Ida Rubisntein y Anna Pavlova (convertida en un mito en la historia del ballet por la muerte del cisne). Mientras los Ballets Rusos hacían giras por Europa recogiendo los vítores de los escenarios más prestigiosos, Agrippina Vaganova formaría a otras grandes promesas de la danza, bajo la oscuridad bolchevique.

Cuando Diaguilev exhaló por última vez en 1929, la compañía se disolvió. Algunos de sus bailarines fijaron su residencia en Europa, como Anna Pavlova. Otros regresarían a su país natal, la Unión Soviética desde 1927. Los retornados fueron rápidamente acogidos por Vaganova, quien guió a cada uno de los artistas en la expresión del movimiento para debutar en el Mariinsky y devolverle al teatro aquel esplendor imperial.

La discípula de Patipa y el empresario lucharon para que este arte no cayera en el olvido, mientras el Estado volcaba todas las emociones en el teatro, como el gran conector entre el pueblo y la cultura soviética.
El ballet, la bandera soviética. En la década de los cuarenta, el régimen de Stalin notó que los países occidentales sentían una gran admiración por el ballet ruso. Siendo así, el teatro propagandístico pasaría a un segundo plano, permaneciendo como un santuario de entretenimiento popular. Sin embargo, la danza desempeñaría un nuevo papel en la política internacional porque solamente este arte podía difuminar el Estado de terror con el que se caracterizó a la dictadura.

El ballet al ser mudo no precisaba de ningún entendimiento, solo era necesario abrir el corazón y sentirse. Por su razón tan humana rápidamente se volvió universal, un fenómeno artístico que conectó a las gentes de distinta índole social. Stalin se apropió del viejo símbolo imperial para convertirlo en la bandera soviética, con la cual se pretendía silenciar el ruido que hacía la violencia de su régimen.
La caída de la URSS
La Unión Soviética, hasta su desintegración, controlaba toda la cultura del ballet. Casi no concertaban giras internacionales y con ello la danza allí no experimentó apenas ningún tipo de evolución; de esta manera, permanecía anclada en la tradición y en la estética de Petipa.

Este arte vivía un apogeo en Estados Unidos y en Europa. La danza contemporánea (fruto de la globalización y el intercambio cultural) se había convertido en el nuevo credo del movimiento. Todo se basaba en la estética y, por supuesto, en la innovación. Elementos en los que los coreógrafos se impulsaron para conquistar al público con grandes expectativas.

Sin embargo, tras la ruptura de la URSS en 1991 el ballet ruso sufrió un éxodo. Al abrirse las fronteras los artistas se dieron cuenta de una carencia en la retroalimentación con otros mundos, y su percepción en el exterior solo era fruto de la óptica del Estado. Lo que fue su coartada cultural durante el periodo soviético, una vez desintegrado el bloque comunista, la tradición parecía no tener ya ningún sentido. De esta manera, comenzaría el declive del ballet ruso.
El resurgir
A comienzos de este nuevo siglo las grandes compañías rusas como el Bolshói, el Mariinsky, Mihailovski etc, experimentaron un enriquecimiento cultural. Los coreógrafos nutrieron su visión en la danza mientras absorbían el impacto que ejercían los otros mundos sobre los grandes y pequeños escenarios.

La apertura al exterior y la incorporación de nuevos talentos permitieron a los coreógrados resucitar el ballet de la URSS. Ellos otorgaron una mayor fluidez a este arte, comulgando con nuestro mundo dinámico.

De esta manera, las compañías sobrevivieron a los años oscuros de la indiferencia bolchevique y, posteriormente, a la celosa Unión Soviética. Gracias a ese don innato de los rusos, a la apertura, a la expansión y a la formación de nuevos bailarines que enriquecieron el arte del movimiento. Fuente www.abc.es

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"El ballet ruso, el arte imperial que sobrevivió a la revolución bolchevique" por Eugenia Miras. Madrid. 09/10/2017 para ABC.es Las corrientes más radicales de la izquierda intentaron erradicar esta cultura, en su momento vinculada al zarismo. Algunos mecenas lograron salvar la mencionada danza del olvido, para posteriormente convertirla en propaganda soviética.

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1786 Se presenta el primer Ballet comico

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1786 Se presenta el primer Ballet comico

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1700 Pierre Beauchamp nombra las 5 posiciones básicas de la danza clasica 

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1700 Pierre Beauchamp nombra las 5 posiciones básicas de la danza clasica 

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El ballet es una danza cuyo orígenes se encuentran en el Renacimiento Italiano, durante los siglos XV y XVI.
El ballet se explayó desde Italia hasta Francia con la ayuda de Catherine de' Medici, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática. Un ejemplo del trabajo expuesto por Catherine se capturó en la pieza llamada Le Paradis d' Amour. Esta pieza fue presentada en la boda de su hija, Marguerite de Valois y Enrique de Navarre. El dinero aristócrata era el responsable de las etapas iniciales del desarrollo del ballet de corte.

La literatura y la música utilizada en el ballet tenían como fin entretener principalmente a los aristócratas de la época. En 1573, se llevó a cabo la primera puesta en escena del la primera pieza del ballet de corte, cuyo nombre fue Ballet des Polonais. Esta pieza fue llevada a escena por Catherine de' Medici en honor del embajador polaco que estaban de visita en París.

En 1581, Catherine de' Medici produjo otro ballet de corte llamado: Ballet Comique de la Reine, sin embargo, su compatriota, Baltasar de Beaujoyeulx , fue quien hizo todos los arreglos de baile. Catherine de' Medici y Balthasar de Beaujoyeulx fueron los encargados de presentar el primer Ballet de corte, tomando como base los principios de la Academie de Baif. En esta pieza se integró la poesía, la danza, la música y la escenografía para transmitir una historia dramática unificada.

A finales del siglo 17 Luis XIV de Francia fundó la Académie Royale de Musique en la Opera de Paris, en donde surgió la primera compañía profesional: la compañía de ballet, el Ballet de Opera de Paris.

El predominio francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia.

El Ballet Teatral pronto se independizó del arte, aunque todavía mantiene con frecuencia una estrecha relación con la ópera, y de igual forma se desarrolló desde el centro de Europa a otras naciones. El Ballet Real de Dinamarca o mejor conocido como Royal Danish Ballet y el Mariinsky Ballet del Imperio ruso fueron fundados en el año 1740 y comenzó a tener más fuerza, después del año 1850. En 1907, el ballet ruso, a su vez se regresó a Francia, donde el Ballets Russes de Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron muy influyentes. Pronto el ballet se dio a conocer en todo el mundo con la formación de nuevas empresas, entre ellas Londres El Royal Ballet (1931), Ballet de San Francisco (1933), American Ballet Theatre (1937), El Royal Winnipeg Ballet (1939), The Australian Ballet (1940), el Ballet de Nueva York (1948), el Ballet Nacional de Canadá (1951), y el Delhi Ballet (2002).

Durante el siglo 20, los estilos de ballet continuaron desarrollándose fuertemente, obteniendo una influencia más fuerte en la danza de concierto. En Estados Unidos, por ejemplo el coreógrafo estadounidense George Balanchine desarrolló lo que hoy se conoce como el ballet neoclásico, estilos posteriores han incluido ballet contemporáneo y el ballet post-estructural.

La palabra ballet viene del francés y fue tomado por la lengua inglesa en el siglo 17. La palabra francesa a su vez tiene sus orígenes en italiano con balletto un diminutivo de ballo que quiere decir danza. Ballet en última instancia se origina con la remonta a lengua italiana, Ballare significa bailar.
Renacimiento - Italia y Francia
El ballet se originó en el Renacimiento durante una ceremonia en Italia.

Se dice que el ballet fue parte de las bodas aristocráticas, en donde había músicos y bailarines con el fin de proporcionar un elaborado entretenimiento para ellos. El ballet del Renacimiento es muy diferente a la forma de entretenimiento teatral conocido por el público contemporáneo. Los tutus y las zapatillas de ballet aún no eran parte del vestuario de un bailarín de esos tiempos del renacimiento. La coreografías se adaptaban a los pasos de baile de la corte. Los bailarines intérpretes vestían con la moda de la época. Las mujeres debían ponerse vestidos formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo. A principios del ballet era muy participativo, debido que la audiencia se unía a bailar en el baile final. Domenico da Piacenza (c. 1400-c. 1470) ) fue uno de los primeros maestros de baile. Junto con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue entrenándose en la danza, enseñándoles a sus estudiantes la belleza de la danza. Da Piacenza dejó un pieza llamada: De arte saltandi et choreus ducendi (En el arte de la danza y la realización del baile) la cual fue producido por sus alumnos.

En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragon, en Tortona. Para la boda, se llevó a cabo una elaborada pieza de baile coreografiada por el maestro italiano Bergonzio di Botta. Las danzas estaban vinculadas a la narrativa de Jason y de Argonauts, además cada baile correspondía a platillo diferente de la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y lo consideró como un espectáculo impresionante.

El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del B allet de cour, el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música, interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. Cuando Catherine de' Medici, una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el heredero de la corona francesa, Henry II, ella trajo a su pasión por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero. Catherine de' Medici's apoyó con los objetivos de la política y de la corte, los cuales por lo general se organizan en torno a temas mitológicos.

El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour, el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música, interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. La primera pieza del ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por Balthasar de Beaaujoyeulx y contó con la presentación durante una hora con dieciséis bailarinas, cada una de la bailarinas representaba una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), que también fue coreografiada y dirigida por Balthasar de Beaujoyeulx, producido por Louise of Lorraine, reina consorte de Rey Henry III, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio de Anne de Joyeuse. El ballet se prolongó durante más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines.

En el mismo año, la publicación de Fabritio Caroso llamado Il Ballarino, fue un manual técnico sobre el baile, tanto en la interpretación y el efecto en la sociedad. También ayudó establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico de ballet.
Siglo 17 - Francia y la Corte de baile
El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en Francia durante el reinado de Louis XIV, quien era un apasionado de la danza. Pierre Beauchamp, la persona que creó las cinco posiciones de los pies y las posiciones de los brazos en el ballet, era profesor de baile personal del rey y su socio favorito en el Ballet de cour durante el año de 1650.

En 1661 el rey Louis XIV, tuvo la determinación de establecer una nueva escuela de baile llamada, Académie Royale de Danse. Beauchamp fue nombrado Intendente des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de baile, cuyo cargo ocupó hasta 168.

Jean-Baptiste Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se unió a la corte de Luis XIV en 1652, tomó un papel importante en la dirección que el ballet tendía en el futuro. Apoyado y admirado por el rey Louis XIV, Lully a menduo incorporaba al rey en sus rutinas. La pieza llamada Sun King para el monarca francés, se originó en la interpretación de Louis XIV en la coreografía de Lully llamado Ballet de la Nuit (1653). Esta pieza de ballet fue espléndida ya que contó con una escena en donde una parte de la case fue quemada, también incluidas las brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones, y las diosas Venus y Diana. La principal contribución de Lully a esta pieza fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión de movimiento y la danza le permitió una coreografía inigualable, realizando una fusión con los arreglos musicales y los movimientos de los bailarines. Lully, también colaboró con el escritor francés Molière. Juntos crearon un nuevo estilo de teatro llamado "commedia dell'arte" y fue adaptado al público francés, creando la "comédie-ballet!, Le Bourgeois Gentilhomme (1670).

En 1669 Louis XIV fundó la Académie d'Opéra con Pierre Perrin como director. Louix XIV se retiró en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso. En 1661 fundó la escuela Adacemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer bailarín de ballet profesional, tenía un gran conocimiento de la Ópera y creó las coreografía de la primera porducción de la nueva empresa, Pomone con un arreglo musical de Robert Cambert. Después de Perrin se fuera en bancarrota, el rey reestableció la ópera como una rama importante de la academia y puso como director a Lully.

Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos. Lully, junto con el libretista, Philippe Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, en donde cada acto contaba con un espectáculo de intermedio, el cual era conocido como divertissement. El divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet durante los intermedios de la obra. En casi todas su creaciones Jean-Baptiste Lully creo una fusión de arreglos musicales y drama con elementos francés e italianos. Su trabajo dejó un legado que definiría el futuro del ballet.
Popularidad en Europa
La corte de Francia fue en cierto modo el modelo a seguir para las otras cortes reales de Europa. Los estilos del entretenimiento fueron imitados, incluyendo los ballets reales. Los tribunales de España, Portugal, Polonia, Alemania, y en otros lugares se convirtieron en audiencias y practicantes del ballets. Además de Francia, Italia se convirtió en una influencia importante en este baile.

Compañías profesionales de ballet comenzaron a organizar y recorrer todo Europa, actuando para el público aristocrático. En Polonia, el rey Władysław IV Vasa (1633-1648) propuso a su país como sede del espectáculo de la ópera italiana, la cual incluía bailarines de ballet en algunas escenas. Los especialistas de ballet que trabajaron para la corte polaca eran Louis de Poitiers (maestro de ballet), Charles Duparc, Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.
Francia y su desarrollo en la áreas artísticas
El siglo18 fue un período en donde las técnicas de ballet evolucionaron. Además fue el periodo en donde el ballet se convirtió en una forma de arte dramático a la par de la ópera. Esta evolución fue gracias al trabajo de Jean-Georges Noverre. En la coreografía de "Lettres sur la danse et les ballets" ( 1760 ), se encontraron pasos relacionados con la técnica "ballet d'action" o ballet de acción, ya que el los movimientos de los bailarines estaban diseñados para expresar la letra de la pieza. Noverre cree que el drama del ballet debe ser lógico y bien estructurado. Los coreógrafos, compositores y diseñadores deben de estar al pendiente desde las primeras etapas de la planificación de un trabajo. Todo debe de ser preciso y limpio, por ejemplo los productores tienen que cuidar los pequeños detalles como: retirar las máscaras para lograr una mejor expresión facial, los vestuarios deben ser recortados para mostrar la figura de los bailarines, y que los coreógrafos deben tener una educación amplia en donde abarque la pintura y la creatividad, ya que esto ayudará a darle vida a las presentaciones.

Modificaciones comenzaron a tomar parte del ballet. Christoph Gluck fue uno de los iniciadores de estos cambios. Finalmente, el ballet fue dividido en tres técnicas formales llamadas sérieux, demi-caractère and comique. El ballet también comenzó a tomar parte de los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de bailes.
Afuera de Francia
Venecia sigue siendo el centro de danza en Europa, particularmente durante la época del Venice Carnival, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para un intercambio cultural. La ciudad del Teatro San Benedetto se convirtió en un lugar popular de la ciudad, debido a que la mayoría de las funciones de ballet se realizaban allí. Las técnicas del ballet italiano mantuvieron una influencia prominente en gran parte del sur y el este de Europa, hasta que las técnicas rusas las suplantaron en el siglo 20.

Las funciones de ballet tuvieron más popularidad en Europa durante el siglo 18, en áreas como Hungría. Se establecieron compañías profesionales, las cuales tuvieron funciones en Hungría y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de Budapest es reconocida como el hogar de los bailarines.

Algunos de los principales bailarines de la época que viajaron por Europa fueron Louis Dupré (bailarina), Charles Le Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean- Georges Noverre.
Siglo 19
La bailarina se convirtió en el intérprete de baile más popular en Europa durante primera mitad del siglo. Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una disminución de popularidad entro los bailarines. En muchas obras, los héroes de ballet eran interpretados por mujeres, como el personaje principal de "Pantomime".

La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva generación de maestros de ballet y de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en los que practicaban ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de Ópera Real de Hungría fue el Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest por 40 años.

El siglo 19 fue un período de grandes cambios sociales, lo cual también se vio reflejado en el ballet puesto que se comenzaba a perder las sensibilidades aristocráticas que había dominado durante tantos años en el ballet romántico. Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas tales como el trabajo en punta. Taglioni era conocida como la "bailarina cristiana", ya que su imagen era ligera y pura (asociada con su papel en la pieza La Sylphide). Ella fue entrenada por su padre Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se convirtió en la Bailarina Pagana, debido a sus buenas cualidades de poder interpretar la danza "Cachucha", la cual la hizo famosa. Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica de ballet que aún se usa hoy en día.
Movimiento romántico
El movimiento romántico en el arte, literatura, y el teatro fueron reacciones en contra de las restricciones formales y los mecanismos de la industrialización. El zeitgeist llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que tenían como característica la luz, y movimientos de libertad y de fluidez, los cuales contrastarían con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos aspectos de la vida diaria. Estos bailes "irreales" retrataban a las mujeres como seres sobrenaturales con una extrema frágiles, que se podían levantar sin esfuerzo y casi parecían como si flotaran en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar disfraces de colores pastel, con faldas que llegaban hasta los tobillos. Un ejemplo del movimiento romántico es "La Sylphide" , uno de los bailes románticos más antiguos que aún es interpretado por bailarines contemporáneos.

El movimiento romántico era una nueva exploración de folklore y de la cultura tradicional, la cual comenzó a tomar parte del folklor de Europa, África, Asia y Oriente Medio. En el ballet de esos tiempos los bailarines eran caracterizados como villanos o como bufones, para que se pudieran adaptar al "Orientalismo". La Ópera Nacional de Ucrania, teatro dedicado a las artes escénicas, se estableció en Kiev en 1867. Para 1893, esta compañía creció lo suficiente para tener grandes presentaciones de bailes de ballet.26

Muchas compañías de ballet europeas aún existen hoy en día y siguen estableciendo nuevos teatros de ópera en todas las ciudades de Europa durante el siglo 19, incluyendo el Kiev Ballet, el Ballet Nacional de Hungría, el Teatro Nacional de Ballet (Praga) y el Ballet Estatal de Viena. En estos teatros había un espacio para la ópera, el drama y el ballet. Compositores, dramaturgos y coreógrafos fueron capaces de crear obras que capturaban la fusión entre estas tres vertientes de arte.
Rusia
Mientras que Francia jugó un papel decisivo en el ballet, otros países y culturas adoptaron pronto esta forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una gran tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a disminuir su fervor en París pero comenzó a tener más popularidad en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint- Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa.

A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda. El colonialismo trajo a la vista las culturas de Asia y África, pero no tenían una buena consistencia debido a la malos recursos de información y la fantasía. El este era percibido como un lugar muy lejando en donde todo era posbile, siempre era espléndido, exótico y decadente. Petipa siguió el gusto popular produciendo "La hija del Faraón" (1862), y más tarde "El talismán" (1889 ) y "La Bayadère" (1877 ). Petipa es recordado por sus colaboraciones en "Tchaikovsky". Él utilizó una música especial para su coreografía del "Cascanueces" (1892) , de "La Bella Durmiente" (1890 ) , y el "Lago de los Cisnes" (1895) .

Estas obras fueron influenciadas por el folklore europeo.
El ballet alcanza un "Mundo Nuevo"
Compañías de ballet de Europa comenzaron giras lucrativas en los teatros de Norteamérica, Centroamérica y América del Sur, a mediados del siglo 19 . El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, ha sido sede de bailarines extranjeros. Por la década de 1880, el Teatro Colón tuvo su propia compañía de ballet profesional.
Siglo 20 y el modernismo Rusia y el Ballets Russes
Trajo el ballet a Paris cuando él abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa que habían sido exiliados de la Revolución Rusa.

Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el folklore ruso a en "El pájaro de fuego" y "Petrushka" con coreografía de Fokine. Otra coreografía de Diaghilev fue dada a Nijinsky. Su primera pieza de ballet fue L'apres-midi d'un Faune (Afternoon of a Faun) con música de Debussy. La presentación con más controversia del Ballets Russes fue "The Rite of Spri", coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna de ballet, las nuevas posturas de los pies y el tema de los sacrificios humanos creo en el público un sentimiento de desagrado.

Después de la "edad de oro" de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo , pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.

El Ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de 1920, a mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza. Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti, encabezando la Academia de Ballet Vaganova. Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.

El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público. Las compañías de Moscow Bolshoi y la de St. Petersburg Kirov fueron muy populares en el público.

Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de "Romeo y Julieta" producido por Prokofiev y Lavrovsky. La pieza, "Llamas de Paris", muestra todas las facetas del arte realista socialista. La pieza "Fuente de Bakhchisara" con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.

El ballet reconocido de "La Cenicienta", en la cual Prokofiev creó la música, también fue creación del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas en su mayoría eran desconocidas. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética estas piezas obtuvieron una gran popularidad.

En 1999 se llevó a cabo el estreno de la pieza "The Fountain of Bakhchisarai" por el Ballet Kirov en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos bailarines occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron recuperar, se pode ver la gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.

Las empresas rusas, en particular después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron muchas presentaciones alrededor del mundo.
Estados Unidos
Tras el traslado del Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos.

Desde París, Fokine fue a Suecia y luego los EE.UU. y se estableció en Nueva York. Él creía que el ballet tradicional ofrecía más que movimientos bonitos y una exhibición atlética. Además de una buena técnica, exigía: drama, expresión y una autenticidad histórica. El coreógrafo tuvo que investigar el contexto el cual él se encontraba y así decidió rechazar el tutú tradicional y propuso una tendencia de vestuario más contemporáneo.

Fokine coreografió "Scheherazade" (Rimsky -Korsakov) " y "Cleopatra". También retomó las piezas "Petrushka" y "El pájaro de fuego". Una de sus piezas más famosas fue "La muerte del cisne", interpretada por Anna Pavlova. Más allá de sus talentos como bailarina, Pavlova tenía el potencial para llevar a cabo las demandas que Fokine tenía en el momento de coreografiar la rutina de ballet. La leyenda cuenta que Pavlova se identificó tanto con el papel de cisne que ella pidió que cuando muriera la vistieran con el disfraz del cisne.

George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió la escuela en Chicago, y en Nueva York. Adapto el ballet a los nuevos medios de comunicación, el cine y la televisión. Con esa gran técnica, Balanchine, realizó una nueva coreografía de clásicos como "Lago de los cisnes" y "La Bella Durmiente", así como la creación de nuevos ballets. Él produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare como: "Romeo y Julieta", "The Merry Widow" y "A Midsummer Night's Dream".

En 1967, las Joyas de Balanchine rompieron con la tradición narrativa, puesto que en vez de dramatizar un trama se dedicó a dramatizar un tema. Esta nueva idea encajaba con lo que se proponía en Estados Unidos de buscar la libertad de pensar y expresarse. Hoy en día, grancias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes mejor perservados en el mundo.

Barbara Karinska era una inmigrante rusa, la cual colaboró con Balanchine para mejorar el arte del diseño de vestuario. Ella introdujo el corte llamado "bais cut" y un tutú clásico que permitía al bailarín tener mayor libertad de movimiento. Con una atención meticulosa a los detalles, decoró su tutús con abalorios, bordados y aplicados de tela.
Ballet neoclásico
Se dice que George Balanchine fue el primer pionero de lo que hoy es conocido como ballet neoclásico, utilizando un estilo de danza entre el ballet clásico y danza contemporánea de hoy. Tim Scholl, autor de "De Petipa a Balanchine", consideró a la pieza "Apollo" (1928), para ser el primer ballet neoclásico. "Apolo" representa de una forma la respuesta que el coreógrafo Serge Diaghilev tenía. "Apollo" y otras obras aún se realizan hoy en día, sobre todo por el Ballet de Nueva York.

Frederick Ashton es otro coreógrafo prominente asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han convertido en piezas muy reconocidas en el repertorio internacional: Sylvia ( 1952 ), Romeo y Julieta (1956), Ondine (1958 ), y Margot Fonteyn.
Época contemporánea
Una bailarina que tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con diversos coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp. Tharp coreografió "Push Comes To Shove" para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986 creó "In The Upper Room" su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras para el uso de movimientos modernos y por el uso de zapatos de punta. Ahora los bailarines estaban utilizando la técnica del "ballet contemporáneo".

Tharp también trabajó con la empresa Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para esa compañía en 1973. En donde se utilizó música pop y una mezcla de técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey continuó realizando numerosas obras contemporáneas, las cuales muchas fueron coreografiado por Gerald Arpino.

Hoy en día hay muchas compañías contemporáneas con una técnica más innovadora y con coreógrafos con nuevas rutinas. Estas nuevas compañías incluyen al Ballet de Madrid, Royal Ballet de Flandes, Alonzo Rey y su compañía, Alonzo King LINES Ballet, Nacho Duato y Compañia Nacional de Danza, William Forsythe , quien ha trabajado extensamente con el Ballet Frankfurt y en la actualidad trabaja en The Forsythe Company, y Jiří Kylián, que actualmente es el director artístico de Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente las compañías "clásicas", como el Ballet de Kirov y el Ballet Ópera de París llevan a cabo con regularidad obras contemporáneas. Fuente Wikipedia.com
Fuentes

Anderson, Jack (1992). Ballet & Modern Dance: A Concise History (2nd ed. edición). Princeton, NJ: Princeton Book Company, Publishers. ISBN 0-87127-172-9.

Bland, Alexander (1976). A History of Ballet and Dance in the Western World. New York: Praeger Publishers. ISBN 0-275-53740-4.

Chantrell, Glynnis, ed. (2002). The Oxford Essential Dictionary of Word Histories. New York: Berkley Books. ISBN 0-425-19098-6.

Cohen, Selma Jeanne, founding editor (1998). International Encyclopedia of Dance. New York: Oxford University Press

Franko, Mark (1993). Dance as Text: Ideologies of the Baroque Body. Cambridge: Cambridge University Press.

Lee, Carol (2002). Ballet In Western Culture: A History of its Origins and Evolution. New York: Routledge. ISBN 0-415-94256-X.

McGowan, Margaret M. (1978). L'art du ballet de cour en France, 1581-1643. Paris: Centre National de la Recherche Scientifique.

Sadie, Stanley, ed. (1992). The new Grove dictionary of opera (4 volumes). London: Macmillan. ISBN 978-1-56159-228-9.

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El ballet es una danza cuyo orígenes se encuentran en el Renacimiento Italiano, durante los siglos XV y XVI. El ballet se explayó desde Italia hasta Francia con la ayuda de Catherine de' Medici, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática.

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1671 La danza comienza a ser una profesión

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1671 La danza comienza a ser una profesión

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1670 Les Amants magnifiques dice que los pasos, gesos y movimientos expresan todas las cosas

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1670 Les Amants magnifiques dice que los pasos, gesos y movimientos expresan todas las cosas

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La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos.
Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana.

Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida. En la India, entre los hindúes, el Creador es un bailarín, Siva Nataraj hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación. En los primeros tiempos de la Iglesia en Europa, el culto incluia la danza mientras que en otras épocas la danza fué proscrita en el mundo occidental. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo occidental.
La Danza en la Antigüedad
Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio, los legados escritos, los bajorelieves, mosaicos.. nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones egipcia, griega y romana.

En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez mas complejas hasta el punto de que solo podían ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados.

En la Grecia antigua, la influencia de la danza egipcia fué propiciada por los filósofos que habían viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. El filósofo Platón, catalizador de estas influencias, fué un importante teórico y valedor de la danza griega. Los rituales de la danza de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del teatro contemporáneo occidental.

Alrededor de Dionisio, el dios griego del vino y la embriaguez ( conocido también como Baco ), grupos de mujeres llamadas ménades iban denoche a las montañas donde, bajo los efectos del vino, celebraban sus orgías con danzas extásicas. Estas danzas incluían, eventualmente, música y mitos que eran representados por actores y bailarines entrenados. A finales de siglo V antes de Cristo estas danzas comenzaron a formar parte de la escena social y poítica de la antigua Grecia.

Entre los romanos, la aceptación de la danza por parte de los poderes públicos fué decayendo. Hasta el 200 a.c. la danza formó parte de las procesiones romanas, festivales y celebraciones. Sin embargo, a partir del 150 a.c. todas las escuelas romanas de baile cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad sospechosa e incluso peligrosa.

De todos modos, la fuerza del movimiento no se detuvo y bajo el mandato del emperador Augusto ( 63 a.c. 14 d.c. ) surgió una forma de danza conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece sin palabras, a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no verbal en la multicultural Roma. La cristianización del Imperio Romano introdujo una nueva era en la que el cuerpo, la sexualidad y la danza resultaron unidas y fueron objeto de controversia y conflictos.
La Danza en la Edad Media
La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad Media fué ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430) cuya influencia continuó durante toda la Edad Media. Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, Celtas, Anglosajones, Galos.. en los cultos cristianos.

Las danzas de celebracion estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidian con antiguos ritos de fin del Invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la Primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fué respetado.

La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos. Durante esta época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte, propiciada por la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra. Nacida como danza secreta y extásica durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a mas de 50 millones de personas en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo.
El Renacimiento y el Nacimiento del Ballet
El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza.

En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuario elaborados y una estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época.

Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión. En el siglo XIX, la era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841), Swan Lake (1895), y Cascanueces (1892).

Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron Africa, Asia y Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en América.
La Danza en el Siglo XX
Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida mas dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los mas brillantes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. En esta empresa colaboraron gentes como: Ana Pavlov, Claude Debussy, Stravinsky, Pablo Picasso...

Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este movimiento fué Isadora Duncan. A medida que la danza fué ganando terreno, fué rompiendo todas las reglas.

Desde los años 20 hasta nuestros dias nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el cha cha. El renacer del Harlem propició la aparicón de otras danzas como el lindy-hop.

A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas mas individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free-style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing...

La Danza, con mayúsculas, sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana. Fuente www.members.tripod.com

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La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza.