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Mitmachen dürfen Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene bis 26 Jahre aus Baden-Württemberg.

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Liebe Schülerinnen und Schüler, das ist doch eine gute Gelegenheit, trotz geschlossener Schule, kreativ zu werden und Abwechslung in euren Alltag zu bringen.
Wir unterstützen euch hierbei gerne und sind bei Fragen oder Unklarheiten stets für euch da.
Eure Lehrer der RSF

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In jeder Kategorie werden die besten Einsendungen prämiert. Die Preisträger*innen werden zu einem Kreativwochenende mit künstlerischen Workshops im Frühjahr 2021 eingeladen.

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Stop Motion ist eine Filmtechnik, die verwendet wird, um reglosen Objekten Leben einzuhauchen. Du kannst damit vor laufender Kamera Plastilinklumpen bewegen, deine LEGO® Figuren die wildesten Abenteuer erleben lassen und spektakuläre Effekte erzielen.

Die Stop Motion Technik basiert darauf, dass du viele Einzelbilder von deinen LEGO Figuren machst und du die Figuren zwischen den Bildern immer ein kleines Stück bewegst.

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Animieren mit LEGO-Figuren - Stop Motion Film Tutorials

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Erwecke deine LEGO®-Figuren zum Leben! Hier erfährst du Schritt für Schritt, wie du deinen ersten Stop Motion Film drehen kannst.

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Tipps & Tricks für ein professionelles Stop Motion Video

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Allgemeines zum Comiczeichnen

Auf dieser Seite geht es um die Grundlagen zum Thema Comiczeichnen und alles, was man für einen guten Einstieg wissen muss. 😉

Comiczeichnen - So geht's!

Hier gebe ich eine kurze Einleitung, was beim Erstellen eines Comics zu beachten ist. Beachte aber bitte, dass ich selbst kein professioneller Comiczeichner bin, sondern mich lediglich etwas intensiver mit der Materie befasst habe, als sie nur zu lesen.

Beim Comiczeichnen sollte man auch über gewisse Grundkenntnisse und Grundfähigkeiten verfügen da man kaum von 0 auf 100 einsteigen kann. Um diese Grundvoraussetzungen zu erlangen, empfehle ich dir meine Beiträge zum zeichnen/ malen selbst und zum Menschen zeichnen.

Thema des Comics

Bevor man drauf los zeichnet, sollte man wissen worüber das Comic, das man zeichnen möchte, eigentlich handeln soll. Das Thema ist essentiell für die Spannung. Kaum einer möchte die Geschichte eines "Lieschen Müllers" beim Einkaufen lesen (es sei denn, die Geschichte ist dramatisch und spannend ausgekleidet).

Gute Beispiele für einzigartige Themen sind z.B. Asterix & Obelix (zur Zeit der alten Römer), Lucky Luke (der strahlende Cowboy) oder Clever & Smart (schusselige Geheimagenten).

Dass auch ein verhältnismäßig langweiliges Thema spannend erzählt werden kann, beweisen Comics wie Garfield (gefräßige Katze) oder Willy Wacker (Faulpelz aus Leidenschaft). In diesen Fällen bietet die Hauptfigur selbst die nötige Spannung.

Charaktere des Comics

Und da kommen wir auch gleich schon zum Träger der Comicgeschichte - die Charaktere. Häufig werden Gegensätze (Asterix & Obelix = kleiner, fleißiger Held & dicker, gefräßiger Raufbold) zusammen als Hauptcharaktere genommen.

Auch ärgern sich die Hauptcharaktere gerne gegenseitig (Clever & Smart = Fred Clever als geistig "beschränkter" Verkleidungskünstler gegen Jeff Smart dem kühnen Logiker).

Doch man benötigt keine 2 oder mehr Helden um eine Geschichte interessant zu gestalten. Oftmals wurde den Helden sonderbare und einzigartige Superkräfte zugeschrieben (Beispiel: Superman, Spiderman und Co.) wobei sie natürlich gleichzeitig eine entscheidende Schwäche bekommen haben (ansonsten dürfte ein Kampf gegen den Helden uninteressant zu lesen sein).

Hat der Held keine Superkräfte, nutzt er seinen Verstand (z.B. Batman) um die Schurken in ihre Schranken zu weisen.

Dann gibt es noch so genannte Antihelden. Sie kämpfen zwar für das Gleiche, für das auch der Held kämpft, doch gehen sie dabei wesentlich skrupelloser und am liebsten im Alleingang vor.

Gängige Charaktertypen

Beim Comiczeichnen ist wie bei jeder Geschichte, die Charaktere Dreh und Angelpunkt. Nur wenn diese glaubhaft dargestellt werden in Optik, Handeln und Denkweise, ist eine Geschichte für den Leser spannend und nachvollziehbar.

Helden

Überlegt vorab ob Ihr nur einen einzigen Haupthelden oder gleich eine Gruppe von Helden nehmt. Denkt immer daran, dem Helden einen einmaligen, unverwechselbaren Charakter zuzuschreiben, der ihn sympathisch macht.

Mögliche Charaktere können sein:

Der Anführer/ Held = er ist die eigentliche Hauptfigur und führt seine Gruppe von Mitstreitern an (wenn er eine hat). Er schmiedet die Pläne und leitet die Umsetzung

der Schlaumeier = er ist das Genie, denkt zuerst bevor er handelt und verhält sich nahezu immer logisch

der Fresssack = ob dünn oder dick, er ist immer am essen - je ausgefallener seine Leibspeisen (die natürlich zahlreich sind), desto skuriller

der Angsthase/ Naivling = verlässt sich lieber auf die Stärke und Hilfe seiner Freunde, tut aber nie den ersten Schritt

der Außenseiter = er spielt eine Außenseiterrolle, wirkt dabei sehr seltsam und zurückgezogen und grenzt sich in seinen Interessen und charakterlich von allen anderen "Normalen" ab

der Antiheld = kämpft zwar für die gleiche Sache wie der Held, nimmt dabei aber keine Rücksicht auf seine Mitmenschen und ist am liebsten auch immer alleine unterwegs

Gegner

Am besten ist es, wenn man mehrere Gegner kreiert, die dem Helden das Leben schwer machen (das bietet mehr Abwechslung und schafft die Möglichkeit, dass diese sich sogar gegen den Helden verbünden können). Ihre Motive sollten einleuchtend und ihre Fähigkeiten wenigstens dem Helden ebenbürtig sein.

Dabei unterscheidet man verschiedene Gegnertypen:

den Big-Boss = er steckt hinter all den Gräueltaten, beschäftigt gerne Handlanger, die für ihn die Drecksarbeit machen und schmiedet finstere Pläne

der Befehlshaber = er ist dem Big-Boss unterstellt, scharrt aber wiederum Handlanger um sich, die er herum kommandieren kann

die Handlanger = mehr oder minder fähig, versuchen sie alles die Befehle ihrer Vorgesetzten zu befolgen

Besonders interessant wird ein Charakter, wenn er mehrere (vielleicht sogar gegensätzliche) Merkmale in sich vereint.

Böse haben meistens dunkle Haare, Augen und Kleidung, wirken insgesamt düsterer und haben einen entsprechend fiesen Gesichtsausdruck.

Gute haben meistens helle Haare, Kleidung und blaue Augen, wirken insgesamt freundlicher und hilfsbereiter. Wenn sie mal schlecht drauf sind, sehen sie nie so fies aus, wie es Böse täten.

Geschichte des Comics

Hat man seinen Charakter und seine Mitstreiter bzw. Widersacher erstellt, so kann man anfangen sich eine Geschichte für seine Figuren auszudenken. Als erstes sollte die Rahmengeschichte (die Informationen, die bei jedem Comic immer gleich bleiben) erstellt werden. Da kommen Faktoren wie z.B. was, wie, wo und wann in frage. Dabei sollte man immer achten, welchen Effekt man erzielen will (sprich das Genre des Comics).
Mögliche Genres (ähnlich einem Film):

Komödie (Lustige Geschichte)

Action/ Thriller

Fantasy

Romantik

Alltägliches (man erzählt praktisch das "normale" Leben des Helden, welches man natürlich mit einigen "Besonderheiten" ausschmückt)

Kombination

Hat man dies geklärt, schreibt man sich, unter Berücksichtigung der vorab festgelegten Rahmenbedingungen, eine Geschichte. Man sollte, bevor man anfängt zu zeichnen, grundsätzlich erst die Geschichte vorliegen haben. So ist sicher gestellt, dass die Geschichte linear, in sich schlüssig und nicht platt wirkt. Sollte man selbst kein begabter Schreiberling sein, so findet sich sicherlich im Bekannten- oder Verwandtenkreis jemand, der einem dabei behilflich sein kann.

Die Geschichte sollte wie eine Art Drehbuch geschrieben werden in der Charaktere (nebst Beschreibung - soll das Aussehen nicht der "Standartdarstellung" entsprechen), Schauplatz, Requisiten, Perspektive und Dialoge festgelegt sein sollten. So kann man sich leicht daran orientieren und sich wirklich nur aufs reine Zeichnen konzentrieren.

Ort an dem das Ganze spielt

Beim Comiczeichnen ergibt sich der Ort aus der Geschichte, in der natürlich Ortswechsel vorkommen können. Dabei sollten Farbwahl, Schattierung, Requisiten (Möbel etc.) und anwesende Personen berücksichtigt werden. Der Ort kann durch die anwesenden Personen natürlich in seinem Aussehen beeinflusst werden (Beispiel: jemand fällt einen Baum). Um den Ort der Geschichte angemessen zu gestalten, muss man überlegen, was den Ort ausmacht.

Beim Beispiel Astrerix & Obelix sind die Orte nicht nur dem Zeitalter, sondern auch dem Volk angepasst (das gallische Dorf ist natürlich weitaus spartanischer ausgestattet, als Rom).

Bebilderung

Es gibt mehrere Herangehensweisen ein Comic zu bebildern:

Einige Künstler nehmen für jedes Bild ein eigenes Blatt Papier und fügen diese später zusammen.

Andere zeichnen gleich mehrere Bilder auf ein Blatt.

Je nach Größe und Aufwand des Comics und der jeweiligen Bilder sucht man sich die Methode, die dafür am besten geeignet ist.

Der Vorteil an der 1. Methode ist natürlich, dass ohne großen Aufwand einzelne Bilder in der Mitte ergänzt, ersetzt oder geändert werden können. Die typischen Rahmen oder auch Kästen zur Trennung der einzelnen Bilder empfehlen sich dabei erst bei der Zusammenstellung zu zeichnen.

Wobei bei der 2. Methode alles nahezu vorab geplant und durchdacht sein muss, da hier auch schon die Trennrahmen gezeichnet werden. Großartige Experimente mit Perspektiven, Kontrasten oder Farben sind hierbei nur bedingt möglich.

Hat man alles mit Bleistift vorgezeichnet (was durchaus empfehlenswert ist), zeichnet man die Konturen mit einem Tuschestift (alternativ auch einem Fineliner) vor.

Sind die Linien getrocknet, entfernt man vorsichtig die Bleistiftlinien mit einem Radiergummi. Dannach kann coloriert werden.
Auch hierfür gibt es mehrere Möglichkeiten beim Comiczeichnen:

man kann farbige Tusche, Marker oder Wasserfarben verwenden

man scannt die Zeichnung ein und coloriert sie am PC

man coloriert sie mit anderen Farben (Buntstifte, Wachsmaler, Kreide, Öl- oder Acrylfarben etc.) wobei dies am wenigsten zu empfehlen ist

oder man belässt die Zeichnung schwarz/weiß und ergänzt sie lediglich um raffinierte Schattierungen mit dem Tuschestift/Fineliner

Wofür man sich auch entscheidet, man sollte berücksichtigen, dass die Bilder später ein Comic ergeben sollen, welches eine Geschichte erzählt und Dialoge beinhaltet.

Texte

Die Texte sollten als letztes gesetzt werden.

Am besten ist es, man scannt seine fertigen Zeichnungen ein (wenn man sie nicht am PC coloriert hat) und setzt dann die Bilder in der Reihenfolge und Größe zusammen, wie man es haben möchte (wenn man alle Bilder einzeln gezeichnet hat).

Die meisten Bildbearbeitungsprogramme verfügen über Formen und Flächen, die entweder eine Sprechblase bilden oder zu einer Sprechblase umfunktioniert werden können. Man kann auch vorgefertigte Sprechblasen nehmen und in die Bilder einfügen. Wichtig ist jedenfalls, dass der Text einen guten Untergrund bekommt, so dass er ohne Mühe gelesen werden kann.

Auch die Reihenfolge des Dialoges innerhalb eines Bildes ist sehr wichtig, damit der Leser weiß welche Figur welchen Satz zuerst spricht und welcher folgt. Dabei geht man üblicherweise von links nach rechts und von oben nach unten.

Dann sollte man eine Schriftart wählen, die sich besonders gut lesen lässt. Zu empfehlen wäre entweder Comic Sans (oder wieso sonst der Name ?) oder eine Serifenschrift wie z.B. Georgia, Times New Roman, Times oder Serif. Diese lassen sich in gedruckter Form am besten lesen.

Manchmal werden auch Schreibschriften eingesetzt um einem Comic eine persönlichere Note zu verleihen. Meistens werden kurze Comicstrips in Schreibschrift beschriftet. Da dort die Menge des Textes nicht so groß ist, kann man es dem Leser zumuten eine ansich nicht wirklich gut lesbare Schrift zu entziffern.

Soll das Comic nicht gedruckt werden, so kann man neben der Comic Sans serifenlose Schriften wie Verdana oder Arial nehmen. Diese Schriften erleichtern das Lesen am Bildschirm.

Man kann durch verändern der Schriftgröße und -gewicht (z.B. Fettdruck) verschiedene Lautstärken bzw. Betonungen des Dialoges zum Ausdruck bringen.

Macht der abgebildete Charakter den Eindruck, dass er schreit, so sollte dafür eine große, stark fette Schriftformatierung gewählt werden. Man kann allerdings auch Versalien (Großbuchstaben) dafür verwenden um diesen Eindruck zu erzielen.

Soll der Charakter flüstern, formatiert man die Schrift sehr dünn und klein.

Auch die Laufweite (Abstand der Buchstaben zueinander) kann einen bestimmten Eindruck vermitteln. Neben dem typischen "Pünktchen Pünktchen Pünktchen" wäre dies eine Methode der Figur laaaaaaaangsaaaaaames Sprechen zuzuordnen.

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In 11 Schritten eigenen Podcast erstellen - deinpodcast.com

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Systematisch und strukturiert deinen ersten eigenen Podcast erstellen. Schnell und einfach mit unseren Tipps aus langjähriger Erfahrung.

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Das eigene Hörbuch erstellen ist mittlerweile einfacher denn je: Die Markteintrittskosten für Produktion und Vertrieb sind stetig gesunken sowie die Prozesse haben sich vereinfacht, was es gerade für Jungautoren und Selfpublisher zu einem attraktiven Wachstumsmarkt macht. Die Statistik zeigt: Gerade Autoren von Ratgebern und Coaches können sich in diesem Segment auf eine stetige Nachfrage freuen.

Hörbuch ist ein spannendes Format, das über die Jahre gerade in Deutschland zunehmend an Popularität gewonnen hat und stabile Absätze verspricht sowie die Möglichkeit seinen eigenen Bekanntheitsgrad auch durch Hörbuchkunden zu erweitern. Bei Kinder- und Jugendbüchern sowie Belletristik, dicht gefolgt vom Educational-Bereich (Ratgeber, Sachbücher) greifen Menschen hierzulande besonders gern zum Hörbuch. Bei einem Umsatz von im Schnitt 80 Millionen Euro allein in Deutschland im Jahr ist der Hörbuchmarkt absolut keinen Nischen- und Randphänomen. Hinzu kommt, dass der Anteil an Selfpublishern in diesem Bereich stetig wächst. Dadurch, dass es viel einfacher und günstiger geworden ist, auch ohne Verleger-Erfahrungen in den Markt einzutreten, spricht eigentlich wenig dagegen, es drauf ankommen zu lassen. Anbei wollen wir unsere Erfahrungen auf diesem Gebiet mit euch teilen.

Selbst lesen oder einen Profi-Sprecher buchen?

Das ist für die meisten selbstpublizierenden Autoren oft eine Frage, die ganz am Anfang steht. Doch gibt es für beide Varianten gute Gründe, die es genau abzuwägen gilt. Viele Tonstudios raten direkt zu der Arbeit mit Profi-Sprechern, da die Zusammenarbeit routiniert und effizient ablaufen kann. In einigen Fällen lohnt es sich doch genauer hinzuschauen: Bei autobiographischen Werken sowie auch im Educational, Ratgeber und Coaching-Bereich sind die Bücher oft sehr eng mit der Persönlichkeit des Autors verknüpft, somit kann es einen deutlich authentischeren Eindruck vermitteln als eine perfekt ausgebildete Profi-Stimme.

Nichtsdestotrotz ist die Arbeit mit einem Profi-Sprecher betörend komfortabel: Du musst nichts tun außer die Stimme auswählen und ein paar Bemerkungen und Regieanweisungen mit auf den Weg geben und das Hörbuch kann in Produktion gehen. Auch wenn der Sprecher eine Gage erhält: Durch die Zeitersparnis an Studiostunden bei der Arbeit mit einem Profi-Sprecher kommt es in vielen Fällen zu ähnlichen Gesamtkosten wie bei Produktionen, die vom Autor selbst gelesen werden - in Ausnahmefällen sind diese manchmal sogar günstiger! Wir stellen bei Hörbuch-Anfragen eine Seite zur Verfügung, aus denen du dir deine Wunsch-Stimme aus vorhandenen Sprachsamples und allen Preiskategorien auswählen kannst.

Für beide Fälle gibt es klare Vor- und Nachteile und es hängt viel von deinem Werk ab.

Was dir auch klar sein muss: Sprechen will gelernt sein! Wenn du jetzt denkst „Na, sprechen kann ich ja, das krieg ich schon selber hin" ist Vorsicht geboten. Ausgebildete Sprecher durchlaufen nicht ohne Grund eine mehrjährige Ausbildung, Schulungen und haben in der Regel viel Erfahrung auf ihrem Gebiet. Artikulation, kleinste dialektische Färbungen, Stimmausdauer, textliches Gestaltungsvermögen, Konzentration und vieles mehr sind alles potentielle Fallen, die einem ungeübten Sprecher in der Studiosituation schnell die Schweißperlen auf die Stirn treiben.

Aber wir wollen hier aus keine Angst davor verbreiten, lediglich ein Bewusstsein für die „Problemzonen". Im Schnitt kann man auch aus einer nicht ganz so flüssigen Aufnahme einiges rausholen - und geübte Redner bringen auch die besten Voraussetzungen für das Mikrofonsprechen mit. Deswegen empfiehlt es sich, diese Punkte genau abzuwägen und auch einen längeren „Testlauf" zuhause zu lesen (am Besten mit einer Aufnahme auf das Smartphone, sodass man selber zumindest einen Eindruck bekommt, wie das fertige Produkt anmuten wird.

Selbst lesen

Profi-Sprecher

PRO

PRO

Authentischer Eindruck (Werkabhängig)

Preisersparnis (meistens)

Stressfreies Arbeiten für den Autor

Professionell gesprochenes und garantiert marktfähiges Produkt

CONTRA

Eventuell unauthentischer Eindruck (Werkabhängig)

Höherer Preis (meistens)

CONTRA

Einige Risikofaktoren für ungeübte Sprecher

Stressfreies Arbeiten und ggf. mehr Gestaltungsspielraum durch Regie und Sprecherauswahl

Kann ich mein Hörbuch selbst aufnehmen im Homestudio?

Heutzutage sind die Markteintrittskosten für den Audio-Bereich deutlich gesunken. Und sind wir mal ehrlich: Sprachaufnahmen anfertigen ist keine Sache, für die man eine jahrelange Tontechnik-Ausbildung benötigt. Doch wie bei der Zubereitung einer guten Mahlzeit ist es auch hier: Mit wenigen, gut ausgewählten wirklich hervorragenden Zutaten und eins, zwei Handgriffen zur richtigen Zeit wird das Kochen zum Kinderspiel und das Gericht sicherlich gelingen.

Erste Zutat wird deine Stimme sein: Wenn deine Stimme, Gestaltung und Leseleistung überzeugend ist, ist das schon mal mindestens die halbe Miete. Wenn eine Stimme monoton einen Text runterrattert ohne jegliche Spannung, verliert man auch bei einer technisch perfekten Aufnahme schnell als Hörer das Interesse an der Sache.

Auf das Zusammenspiel von Stimmqualität, Entspannungsfaktor und technischer Infrastruktur kommt es an.

Zweitens sind die technischen Voraussetzungen relevant - und zwar aus zwei Gründen: Einerseits musst du dich beim Sprechen sicher und wohlfühlen. Wenn die technische Infrastruktur holpert, du in der Bedienung unsicher bist oder dich Unzulänglichkeiten und andere Störfaktoren ständig rausbringen, kannst du dich nicht entspannt auf deine Sprecherleistung konzentrieren. Andererseits spielt das Zusammenspiel von Raumakustik, Mikrofon und DAW auch eine große Rolle. Gerade bei Hörbüchern ist es so, dass ein nicht gut isolierter und optimierter Raum zu einem unangenehmen Raumgefühl auf der Aufnahme führen kann (gerade bei kleinen, quadratischen Räumen), der es für die Hörer nach 1-2 Stunden fast unmerklich anstrengend macht, zuzuhören.

Gleiches gilt für Nebengeräusche, Rauschpegel oder generell einem unangenehmen Klangeindruck durch Mikrofonauswahl und/oder Positionierung. Aus diesem Grund haben wir auch unser Studio B für optimale Sprachaufnahmen gebaut und haben gemerkt, dass sich die Produktionszeiten erheblich verkürzt und die Qualität ist gestiegen.

Fazit: Selbst im Homestudio kann man heutzutage ohne Probleme annehmbare Sprachaufnahmen herstellen. Allerdings sind die Fixkosten für die Anschaffung, die Zeit zum Erlernen der Technik und der akustischen Behandlung des Raumes ein Faktor, der das ganze erst erschwinglich macht, wenn man plant wirklich regelmäßig zu produzieren.

Was wird das Hörbuch kosten?

Das hängt maßgeblich damit zusammen, wie viel Zeit die Produktion in Anspruch nehmen wird. Erster Wert, der hierfür relevant ist, wäre der Umfang des Hörbuches. Am meisten hilft uns hier die Wortanzahl deines Werkes weiter. Daraus lässt sich die Laufzeit der fertigen Audioproduktion schätzen. Es ist sinnvoll, von ca. 100 Wörter pro Minute Laufzeit auszugehen - bei schnellen Sprechern etwas mehr (bis zu 150 Wörter), bei langsamen Sprechern auch etwas weniger. Angenommen, dein Hörbuch hat 10.000 Wörter, befindest du dich wahrscheinlich bei einer Laufzeit von etwas über einer Stunde.

Wortanzahl, Produktiondauer und Sprecherauswahl sind preisrelevant.

Mit diesen Angaben lässt sich dann ein Angebot erstellen. Wenn du selbst sprechen möchtest, hängt es davon ab, wie lange du benötigst das Skript einzusprechen. Es ist sinnvoll fürs erste eine konservative Schätzung zu machen und davon auszugehen, dass du für eine Stunde Textmaterial zwei oder sogar mehr Studiostunden benötigst. Wenn du schneller durchkommst, umso besser! Ein Profi-Sprecher kommt natürlich schneller durch, da er wahrscheinlich weniger oft neu ansetzen muss. Das wirkt sich positiv auf die Recording-Zeit aus, als auch auf die benötigte Zeit für Schnitt und Postproduktion.

Bei uns werden die Profi-Sprecher meist nach fertiger Hörbuchstunde abgerechnet. Das ist für dich als Kunden am sichersten und transparentesten und auch für den Sprecher komfortabel, da er nicht bangen muss, das Limit für Studiokosten zu sprengen, wenn er mal einen ungewohnten Text oder einen unkonzentrierten Moment hat.

Wie kann ich mein Hörbuch vertreiben?

Wir kennen alle noch die schicken, großem CD-Boxen die in Buchläden, Plattenläden oder auch an Tankstellen verkauft werden mit den Bestsellern zum Hören für die Wohnzimmercouch oder die lange Autofahrt. Es ist keine Neuigkeit mehr, dass die Umsätze mit physischen Produkten im Musik- aber auch im Hörbuchbereich zum großen Teil weggebrochen sind und zunehmend zu einem Randphänomen werden.

Das Hörbuch als Download oder direkt als Stream hat zunehmend an Relevanz gewonnen und den Massenmarkt erobert. Allen voran hier Amazon mit dessen eigener Marke Audible für Hörbücher, der auch Hauptlieferant diesen Segments (wenn auch nicht mehr alleiniger wie bis Anfang 2017 noch) auftritt. Spotify, der als Streaminganbieter schon eine Marktdominanz im Musikbereich aufgebaut hat, wird zunehmend bedeutender auch im Vertrieb von Audio-Books. Auch Google bietet seit Anfang 2018 auch Hörbücher in dessen Play Store an.

Download und Streaming verdrängt die CD - die aber bei aussichtsreichem Direktvertrieb durchaus noch Sinn macht.

Es sollte also Grundvoraussetzung sein, das Hörbuch bei allen relevanten Download- und Streaminganbietern in den virtuellen Regalen zu haben: Manche Hörbuch-Fans haben sich mit Sicherheit ein Abo bei einem der Anbieter zugelegt und sind womöglich nicht Willens, sich wegen einer einzigen Veröffentlichung bei einem anderen Anbieter zusätzlich Geld zu zahlen. Es gibt mittlerweile viele Anbieter, die die Einstellung in alle Shops übernehmen und sich um den Digitalvertrieb für Hörbücher kümmern, die sich alle leicht in Preis- und Organisationsstruktur unterscheiden. Manche wie bookwire richten ihr Angebot eher an Verlage und bieten sehr weitreichende Funktionen, andere wie recordjet bieten einfachere Abwicklung für Selbstverleger. Für Hörbücher, die bei uns produziert wurden, bieten wir außerdem unkompliziert und zu sehr günstigen Konditionen einen Digitalvertrieb an, bei dem wir euch durch den ganzen Prozess leiten und euch die Formalitäten abnehmen.

Aber in manchen Fällen macht es auch immer noch Sinn, auf jedem Fall eine physische CD-Variante anbieten zu können: Auch wenn ohne die Hilfe eines großen Verlages und viel Promotion die schmale Marge aus dem Einzelhandel schwerlich ausreicht die Kosten für die CD-Herstellung zu decken, macht es für Autoren Sinn, die nennenswerte Einkünfte aus dem Direktvertrieb zu erzielen versprechen. Eine bereits etablierte Website mit Online-Shop aber vor allem auch Touren und Lesereisen oder Workshops (im Educational/Coaching-Bereich) sind Anlässe, an denen sich gewöhnlich noch ein Absatzmarkt für physische Produkte befindet. Geht in euch und spielt für euch ein paar realistische Marketing-Szenarien durch.

Gerne beraten wir euch hierzu auch, führen euch auf Wunsch durch den Prozess und können durch unsere Partner ein günstiges Angebot zur CD-Herstellung unterbreiten.

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Eigenes Hörbuch aufnehmen - was muss ich beachten? | Klangkantine Studios

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Doris Dörrie

Doris Dörrie wurde 1985 durch ihren Film "Männer" schlagartig berühmt. Seitdem hat sie sich als Regisseurin, Drehbuchautorin und Schriftstellerin einen Namen gemacht und dabei zahlreiche Romane und Kurzgeschichten veröffentlicht und mehr als 30 Filme auf die Leinwand gebracht. Seit 1997 lehrt sie an der Filmhochschule München Angewandte Dramaturgie und Stoffentwicklung. Auch außerhalb der Hochschule ermutigt sie Menschen in Vorträgen, Büchern und Workshops zum kreativen Schreiben. Zuletzt hat sie mit ihrem Buch "Leben, Schreiben, Atmen" aus dem Jahr 2019 viele Menschen zum Schreiben animiert. Für ihre Verdienste rund um Film und Literatur hat sie zahlreiche Auszeichnungen erhalten, unter anderem das Bundesverdienstkreuz, den deutschen Filmpreis und den Grimme-Preis. In den Kinos war 2019 ihr Film "Kirschblüten & und Dämonen" zu sehen.

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Doris Dörrie wurde 1985 durch ihren Film "Männer" schlagartig berühmt. Seitdem hat sie sich als Regisseurin, Drehbuchautorin und Schriftstellerin einen Namen gemacht und dabei zahlreiche Romane und Kurzgeschichten veröffentlicht und mehr als 30 Filme auf die Leinwand gebracht. Seit 1997 lehrt sie an der Filmhochschule München Angewandte Dramaturgie und Stoffentwicklung.

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Schreibtipps Archive - Schreiben und Leben

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Ich liebe es, Äpfel mit Birnen zu vergleichen. Doch was ist mit Blogartikeln und Romanen, Hausarbeiten und Kurzgeschichten, Sachbüchern und Essays? Unterscheiden sich diese nicht wesentlich stärker voneinander als Obstsorten? Lässt sich überhaupt etwas Sinnvolles über das Schreiben aller Texte sagen? Unbedingt! Grundlegende Prinzipien und Herangehensweisen für gute Texte helfen [...]

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Wer Spannende Kurzgeschichten schreiben will, hat es nicht leicht. Denn je kürzer ein Text ist, desto größer ist die Gefahr der Langeweile. Daran liegt es:

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Suche dir eine Kategorie aus und erstelle dazu deine kreative Arbeit.

1. Literatur: Kurzgeschichten und Gedichte

2.  Audio: Podcasts und Hörspiele

3. Visuelles: Comics, Filme, Trickfilme oder Fotostorys

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Liebe Schülerinnen und Schüler,  macht mit beim Kreativwettbewerb "#staycreative"  der Landesvereinigung Kulturelle Jugendbildung (LKJ).

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Erstelle eine digitale kreative Arbeit, in der du zeigst, wie du mit der aktuellen Situation (Homeschooling) umgehst.

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Digitale Beiträge + Teilnahmebogen bis 30. April 2020 an info@lkjbw.de unter dem Stichwort #staycreative senden.