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Scolpisce teste  e dipinge ritratti,ricerca le forme pure classiche e geometriche

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Ritratto di Jeanne Heburtene con il grande cappello (1918 1919)

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Ritratto di Jeanne Heburtene con il grande cappello (1918 1919)

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Contorni netti

volto ovale

occhi vuoti e senza iride

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Ritratto di Jeanne Hébuterne (Modigliani 1918) - Wikipedia

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Realta scomparsa

linee ,forme,colori sono i protagonisti

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Linee,colori.forme hanno una loro espressivita

composizione dinamica o stasi ,ascesa o discesa

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Vasilij Vasil'evič Kandinskij - Wikipedia

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Vasilij Vasil'evič Kandinskij (in russo Василий Васильевич Кандинский; Mosca, 16 dicembre 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 dicembre 1944) fu un pittore franco- russo, romanizzato anche come Vassily Kandinsky, precursore e fondatore della pittura astratta.

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forme indefinite

ricco di colori

forme lasciate libere sul foglio

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Ideatore del Neoplaticismo

la sua pittura di basa : stilizzazione,geometrizzazione,utilizzo della griglia,predilige colori primari (giallo,blu,rosso )

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Pieter Cornelis Mondriaan, meglio conosciuto come Piet Mondrian ( Amersfoort, 7 marzo 1872 - New York, 1º febbraio 1944), è stato un pittore olandese, fondatore assieme a Theo van Doesburg del " neoplasticismo" (il nome originale è De Stijl, dal nome della rivista ).

Nonostante siano molto famosi, anche se spesso imitati e banalizzati, i quadri di Mondrian dimostrano una complessità che smentisce la loro apparente semplicità. I quadri "non rappresentativi" per cui è conosciuto, che consistono in linee perpendicolari e campiture di colore geometriche in colori primari ( rosso, giallo, blu) col bianco, il nero o il grigio, sono in effetti il risultato di una continua ricerca di equilibrio e perfezione formale evoluta stilisticamente nel corso di tutta la sua vita.

Figlio di Pieter Cornelis Mondriaan e Johanna Christina de Kok, cominciò la sua carriera come insegnante di italiano, ma praticò anche l'arte della pittura. La maggior parte dei suoi lavori è naturalista o impressionista e consiste principalmente in paesaggi. Queste immagini pastorali dei suoi natii Paesi Bassi descrivono mulini, campi e fiumi, inizialmente nella maniera impressionista olandese, successivamente con l'utilizzo di una varietà di stili e tecniche che documentano la sua ricerca per un'espressione personale. Questi suoi dipinti sono ancora in modo rappresentativo e ci illustrano l'influenza che svariati movimenti artistici ebbero su Mondrian.

In esposizione al Gemeentemuseum di L'Aia si possono vedere svariati dipinti di questo periodo, compresi Il Mulino Rosso e Alberi nella luce della luna. Un dipinto del 1908, intitolato Avond ("Sera"), rappresenta una scena di un albero in un campo al crepuscolo e ci predice i futuri sviluppi con l'utilizzo di una tavolozza composta quasi solo da rosso, giallo e blu. Pur non essendo in alcun modo astratto, Avond è il primo tra i lavori di Mondrian ad enfatizzare l'uso dei colori primari.

I primi dipinti a mostrarci un accenno dell'astrazione che verrà sono una serie di tele datate tra il 1905 e il 1908, rappresentano scene buie di alberi confusi e case che si riflettono in specchi d'acqua immobile che ce li fanno apparire quasi come macchie d'inchiostro nei test di Rorschach. Ad ogni modo, nonostante il risultato finale porti lo spettatore ad enfatizzare le forme più che il contenuto, questi quadri sono ancora fermamente radicati alla natura, ed è solamente la conoscenza degli sviluppi successivi dei lavori di Mondrian che ci porta a ricercare le origini dei suoi lavori futuri in queste opere.

L'arte di Mondrian fu sempre intimamente legata ai suoi studi spirituali e filosofici. Nel 1908, cominciò ad interessarsi al movimento teosofico iniziato da Helena Petrovna Blavatsky nella seconda metà del XIX secolo. La Blavatsky riteneva fosse possibile raggiungere una più profonda conoscenza della natura che quella resa disponibile dai mezzi empirici: molto del lavoro di Mondrian per il resto della sua vita venne ispirato da questa sua ricerca della conoscenza spirituale.

Mondrian rimase molto colpito da una mostra di opere cubiste ad Amsterdam nell''11 che modificò profondamente il suo lavoro a venire. La sua ricerca della semplificazione è visibile nelle due versioni di stilleven met gemberpot ("natura morta con giara"). La versione dell''11 è cubista, mentre quella del '12 si riduce a una forma rotonda con triangoli e rettangoli.

Parigi, 1912-1914

Nel '12, Mondrian si trasferì a Parigi, cambiando anche il suo nome da Mondriaan in quello che conosciamo per enfatizzare la sua partenza dalla vita chiusa dello stagno artistico olandese. Da questo momento in poi, firmerà le sue opere come "Mondrian". In questo periodo parigino, l'influenza del cubismo di Picasso e Braque si fa notare quasi immediatamente nei suoi quadri. Dipinti come The Sea (1912) e i vari studi su alberi successivi a quell'anno ancora hanno una certa misura di rappresentativismo, ma sono sempre più dominati dalle forme geometriche e dai piani incastrati tra loro, molto comuni nel cubismo. Comunque, mentre Mondrian era desideroso di assorbire e trasportare nel suo lavoro l'influenza cubista, sembra chiaro che egli vede il cubismo stesso come una strada che porta a una fine, piuttosto che una fine in sé.

Paesi Bassi, 1914 -1919

Diversamente dai cubisti, Mondrian continuava a tentare di riconciliare la sua pittura con le sue ricerche spirituali, e nel 1913 cominciò a fondere la sua visione d'arte e i suoi studi teosofici in una teoria che segna la sua rottura finale con la pittura rappresentativa. La Grande guerra cominciò mentre Mondrian era in famiglia, nel 1914, ed egli fu costretto a rimanere nei Paesi Bassi per tutta la durata del conflitto. In questo periodo, abitò presso la colonia di artisti di Laren, conoscendovi Bart van der Leck e Theo van Doesburg, entrambi artisti che, in quello stesso momento, stavano attuando il proprio percorso personale verso l'astrazione artistica. Con van Doesburg, il Nostro fondò la rivista (Lo Stile), un periodico in cui pubblicò i suoi primi saggi che definivano la sua teoria, per la quale adottò il termine di neoplasticismo.

Mondrian pubblicò De Nieuwe Beelding in de Schilderkunst ("Il nuovo Plasticismo nella Pittura") in 11 uscite-capitoli sulla rivista De Stijl, tra il 1917 e il 1918. Fu, questo, il suo primo e maggiore tentativo per esprimere la sua teoria artistica in prosa, e non sulla tela. Comunque, le sue migliori e più citate espressioni su questa sua teoria si trovano in una lettera che scrisse a Hans-Peter Bremmer nel 1914.

"Costruisco combinazioni di linee e di colori su una superficie piatta, in modo da esprimere una bellezza generale con una somma coscienza. La Natura (o ciò che ne vedo) mi ispira, mi mette, come ogni altro pittore, in uno stato emozionale che mi provoca un'urgenza di fare qualcosa, ma voglio arrivare più vicino possibile alla verità e astrarre ogni cosa da essa, fino a che non raggiungo le fondamenta (anche se solo le fondamenta esteriori!) delle cose... Credo sia possibile che, attraverso linee orizzontali e verticali costruite con coscienza, ma non con calcolo, guidate da un'alta intuizione, e portate all'armonia e al ritmo, queste forme basilari di bellezza, aiutate se necessario da altre linee o curve, possano divenire un'opera d'arte, così forte quanto vera."

Alla fine della guerra, Mondrian ritornò in Francia, dove rimase fino al '38. Cominciò a produrre quadri "a griglia" verso la fine del '19, e, già nel '20, lo stile per cui sarebbe divenuto famoso cominciò ad apparire.

Nei primi dipinti, le linee che delineano le forme rettangolari sono sottili e grigie. Tendono anche a sbiadire man mano che s'avvicinano all'orlo della tela. I quadrati, sono dipinti con i colori primari, e quasi tutti sono colorati; solo alcuni sono stati lasciati bianchi.

A partire dal 1921, i quadri di Mondrian raggiungono una forma "matura". Spesse linee nere ora separano i quadrati, che sono più grandi e meno numerosi, e che sono lasciati in maggior parte bianchi rispetto ai primi esempi.

Nei dipinti del '21, molte, ma non tutte, delle linee nere si arrestano brevemente a una distanza che può sembrare arbitraria dal bordo delle tele, pur lasciando intatte le divisioni tra le forme rettangolari. Anche in questo caso, la maggior parte dei quadrati è colorata. Col passare degli anni e l'evolversi ulteriore del lavoro del pittore, egli cominciò ad estendere tutte le linee fino ai bordi delle tele e a utilizzare sempre meno forme colorate, favorendo invece il bianco.

Queste tendenze sono particolarmente evidenti nelle cosiddette "losanghe" che produsse con regolarità a partire dalla metà degli anni venti. Le losanghe sono normali tele quadrate appese con un'inclinazione di 45°, in modo da assumere la forma di rombo. Esempio tipico si può considerare Schilderij No. 1: Lozenge With Two Lines and Blue del '26, conosciuta anche con i nomi di Composizione con Blu oppure Composizione in Bianco e Blu, attualmente esposta al Museo delle Arti a Filadelfia. Uno dei più minimali tra i lavori di Mondrian, questo dipinto consiste solo in due linee perpendicolari nere e una piccola forma triangolare colorata di blu. Le linee si estendono fino ai bordi della tela, quasi dando l'impressione che il quadro sia solo un frammento di un'opera più grande.

Nonostante il visitatore sia intralciato dal vetro di protezione e il pedaggio pagato dalla tela al tempo e agli spostamenti sia ovvio, un esame più attento di questo dipinto ci può rivelare qualcosa del metodo dell'artista. I quadri di Mondrian non sono composti di zone perfettamente piatte di colore, come ci si potrebbe aspettare. I colpi di pennello sono evidenti su tutta la superficie, anche se sono delicati, e sembra che l'artista abbia usato differenti tecniche per i diversi elementi.

Le linee nere sono gli elementi più piatti, con la minore profondità. Le forme colorate hanno le più banali pennellate, tutte nella stessa direzione. Più interessanti, comunque, rimangono le parti bianche, chiaramente dipinte a strati, con pennellate che vanno in direzioni diverse. Ciò genera un maggior senso di profondità nelle zone bianche, come se stessero travolgendo e opprimendo le linee e i colori; cosa che in effetti stavano facendo, visto che i quadri del Nostro in questo periodo sono sempre più dominati dallo spazio bianco.

Schilderij No. 1 può esser citato come il più estremo punto del minimalismo di Mondrian. Con il passare degli anni, le linee cominciarono a prendere la precedenza sulle zone di colore nei suoi dipinti. Negli anni trenta, iniziò ad usare linee ancor più sottili o doppie linee con maggior frequenza, solamente punteggiate da poche e piccole zone colorate, sempre che ce ne fossero. Le doppie linee, in modo particolare, lo entusiasmavano e stimolavano, perché credeva dessero ai suoi dipinti un nuovo dinamismo che era desideroso di esplorare.

Nel settembre '38, Mondrian lasciò Parigi a causa dell'avanzante Nazismo per trasferirsi a Londra. Dopo l'invasione dei Paesi Bassi e la caduta di Parigi nel '40, lasciò anche Londra per New York, dove rimase fino alla morte.

Alcuni degli ultimi lavori di Mondrian sono difficili da sistemare nei riguardi del suo sviluppo artistico, anche perché svariate tele, che lui aveva cominciato a Parigi o Londra, furono completate solo mesi o anni dopo a New York. Ad ogni modo, le opere terminate di questo suo ultimo periodo dimostrano un "traffico" inconsueto e senza precedenti, con più linee che in qualsiasi altro lavoro dagli anni '20, sistemate in una maniera quasi sovrapposta, che potrebbe anche apparire cartografica.

Nel '33, Mondrian aveva prodotto una Composizione a Losanga con Quattro Linee Gialle, un dipinto semplice ma che introduceva ciò che per lui era un'innovazione scioccante: spesse linee colorate a sostituire quelle nere. Dopo questo dipinto, questa pratica rimase "dormiente" nell'artista e nelle sue opere fin quando non arrivò a New York, quando la accettò, abbandonandovisi. In qualche esempio di questa nuova sua direzione, come Composizione ( 1938)/ Place de la Concorde ( 1943), sembra aver portato con sé da Parigi quadri con le linee nere non terminati e averli poi completati a New York, aggiungendovi corte linee perpendicolari di colori diversi, tra le linee nere più lunghe preesistenti o da una linea nera al bordo della tela. Le aree colorate successivamente sono larghe, quasi un ibrido tra le linee e le zone di colore, ed è quasi sconvolgente vedere il colore, in un quadro di questo artista, non confinato o limitato dal nero. Altre opere mescolano lunghe linee rosse alle familiari linee nere, creando un nuovo senso di profondità dato dall'aggiunta di uno strato colorato sopra quello nero.

Le nuove tele iniziate da Mondrian a New York sono ancor più stupefacenti, e indicano l'inizio di un nuovo linguaggio sfortunatamente troncato dalla morte dell'artista. New York City ( 1942) è una complessa grata di linee rosse, blu e gialle, che si allacciano occasionalmente creando un senso di profondità come mai prima. Una versione incompleta del '41 di questo lavoro utilizza linee di nastro adesivo di carta dipinto, che l'artista poteva riordinare a piacere per sperimentare con differenti progetti.

Il suo quadro Broadway Boogie-Woogie, esposto al MoMA di New York è di grandissima influenza per la scuola della pittura astratta geometrica. Composto di una quantità di quadrati tremolanti di colore luminoso e brillante che balzano dal quadro, quasi ad uscirne, sembra quasi luccicare, attirando lo spettatore e circondandolo quasi di luci al neon.

Le opere finali di Mondrian, il suddetto Broadway Boogie-Woogie ('42 - '43) e l'incompiuta Victory Boogie-Woogie ('42 - '44), sostituiscono le linee solide con linee create da piccoli rettangoli di colore adiacenti l'uno all'altro, creati in parte anche usando piccoli pezzi di nastro di carta di vari colori. Rettangoli di colore più grandi e non bordati punteggiano il dipinto, alcuni con rettangoli più piccoli e "concentrici" al loro interno. Mentre le opere del Nostro degli anni '20 e '30 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci, e riflettono la musica ottimista, allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

Mondrian scrisse, in una cartolina a James Johnson Sweeney, progettista di una retrospettiva sul lavoro dell'artista al MoMA di New York, che "solo adesso (nel '43), sono cosciente che il mio lavoro di bianco, nero e piccole zone colorate è stato puramente 'dipingere' con i colori a olio. Nel dipingere, le linee sono i principali mezzi d'espressione; nella pittura, lo sono le zone di colore. Nel campo pittorico, ad ogni modo, le linee vengono assorbite dalle zone di colore; ma la limitazione delle zone ce le mostra come linee e conserva il loro grande valore".

In queste opere finali, le forme hanno in effetti usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "boogie-woogie" erano più parte di una modifica rivoluzionaria che evolutiva, che rappresenta il più radicale sviluppo nel lavoro del Nostro dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa nel '13. Sfortunatamente, siamo costretti a rimanere con solo un breve sguardo su questa innovazione: Piet Mondrian morì di polmonite a New York, nel '44, all'età di 71 anni e venne sepolto a Cypress Hills a Brooklyn.

L'apparente semplicità delle opere più conosciute di Mondrian portano molte persone a credere che chiunque, finanche un bambino, possa dipingerle. Invece, accurati studi sulla sua composizione neoplastica dimostrano che sono lavori completamente originali estremamente difficili da riprodurre con lo stesso effetto che lui fu in grado di ottenere. Inoltre, queste opere sono l'apice di un viaggio concettuale di decenni attraverso l'arte moderna, che comprese la sperimentazione con svariati stili e movimenti. Lo stile riduttivo, così spesso imitato, di Mondrian continua ad ispirare i mondi dell'arte, della moda, della pubblicità e del design. Anche se era un artista elevato (e non commerciale, come si sarebbe tentati di credere), il Nostro è considerato il padre del design pubblicitario, anche a causa della diffusione e della continua adozione del suo stile a griglia come struttura di base per il design grafico.

1898 (inizi), Dorpskerk (La chiesa del villaggio), Amsterdam, collezione privata

1899, La casa dei tessitori, Winterswijk, collezione privata

1900-02 circa, La fattoria Geinrust, collezione privata

1905-06 circa, La fattoria Geinrust con orizzonte alto, collezione privata

1905-06 circa, La fattoria Geinrust: veduta ravvicinata, Chicago Art Institute

1913, Gemälde no. I; Composition no. XII, collezione privata

1914, Composition no. VI; Compositie 9; Facciata blu, Basilea, collezione Beyeler

1915, Facciata di chiesa 2, collezione privata

1914, Oceano 4, Berna, collezione E. W. Kornfeld

1914, Molo e oceano 1, collezione Burton G. Tremaine

1914, Molo e oceano 3, collezione privata

1918, Composizione con piani di colore e linee grigie, Svizzera, Max Bill

1919, Composizione con griglia 4 (Losanga), Philadelphia Museum of Art

1920, Composition A; Composizione con nero, rosso, grigio, giallo e blu, Roma, Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea

1921, Composizione con giallo, blu, nero, rosso e grigio, Stephen Mazoh & Co. Inc.

1921, Composizione con piano rosso, nero, blu, giallo e grigio, Rotschild Foundation

1921, Composizione con grande piano blu, rosso, nero, giallo e grigio, Dallas Museum of Art

1921, Composizione a losanga con giallo, nero, blu, rosso e grigio, Art Institute of Chicago

1922, Composizione con blu, nero, giallo e rosso, collezione privata

1922, Composizione con blu, rosso, giallo e nero, collezione privata

1922, Composizione con grande piano rosso, grigio-blu, giallo, nero e blu, Montecarlo, collezione privata

1922, Composizione con rosso, blu, giallo, nero e grigio, Toledo Museum of Art

1922, Composizione con blu, giallo, rosso e nero, Minneapolis Institute of Arts

1922, Composizione con rosso, nero, giallo, blu e grigio, collezione privata

1925, Composizione a losanga con rosso, nero, blu e giallo, collezione privata

1926, Schilderij no. 1; Composizione a losanga con due linee e blu, Philadelphia Museum of Art

1927, Composizione con nero, rosso e grigio, Brandeburg Art Collection

1927, Composizione con giallo e rosso, collezione privata

1927, Composition no. I; Composizione con nero, giallo e blu, collezione privata

1928, Composizione con rosso, nero, blu, giallo e grigio, collezione privata

1929, Composition IV; Fox Trot A; Composizione a losanga con tre linee nere, Yale University Art Gallery

1929, Composition no. III; Composizione con rosso, blu, giallo e nero, Svizzera, collezione privata

1930, Composition II; Composition I; Composition en rouge, bleau et jaune (Composizione in rosso, blu e giallo), Fukuoka City Bank

1930, Composition no. II; Composizione con blu e giallo, collezione privata

1931, Composition no. I; Composizione con rosso, Svizzera, collezione privata

1932, Composition C; Composizione con grigio e rosso, collezione privata

1932, Composizione con giallo e blu, Basilea, collezione Beyeler

1932, Composition B; Composizione con doppia linea e giallo e grigio, Basilea, collezione privata

1933, Composizione con giallo, blu e doppia linea, Basilea, collezione privata

1935, Composition gris-rouge (Composizione grigio-rosso), Art Institute of Chicago

1935, Composizione con blu, Basilea, collezione Beyeler

1936, Composition B; Composition blanc et rouge (Composizione bianco e rosso), Philadelphia Museum of Art

1936, Composition C; Composizione in blu e giallo, Zurigo, collezione privata

1937, Opposition de lignes, de rouge et jaune, no. I (Opposizione di linee, di rosso e giallo, n. I), Philadelphia Museum of Art

1937-1942, Composizione con giallo, blu e rosso, Londra, Tate Modern

1938, Picture no. III; Composizione a losanga con otto linee e rosso, Basilea, collezione Beyeler

1938 (primo stato) e 1939-42 (secondo stato), Composition of red and white, no. I (Composizione con rosso e bianco, no. I); Composition no. 4, Saint Louis Art Museum

1938-1943, Place de la Concorde, Dallas Museum of Art

1939 (primo stato) e 1939-41 (secondo stato), Composition of red, blue and white (Composizione con rosso, blu e bianco), collezione privata

1939-42, Composition no. 10, collezione privata

1940-41 (primo stato) e 1941-42 (secondo stato), New York - Boogie Woogie; New York, Hester Diamond

1942-1944, Victory Boogie Woogie (incompiuto), collezione privata

Nel 1930 Lola Prusac, stilista per la Casa Hermès, crea una linea completa di borse e bagagli direttamente ispirate delle opere di Mondrian con tagli rossi, gialli e blu.

() Jean-R Guerrand, ^ Souvenirs Cousus Sellier Un demi-siècle chez Hermès, Editions Olivier Orban Parigi, 1987, ISBN 9782855653778

Ottavio Morisani, L'astrattismo di Piet Mondrian, N. Pozza, 1956.

Decio Gioseffi, Pieter Cornelis Mondrian, La Falsa preistoria di Piet Mondrian e le origini del neoplasticismo, Università degli studi di Trieste, Facoltà di lettere e filosofia, 1957.

Guido Morpurgo Tagliabue, Mondrian e la crisi dell'arte moderna, Istituto di estetica dell'Università di Torino, 1972.

Pieter Cornelis Mondrian, Piet Mondrian: tutti gli scritti, Feltrinelli, 1975.

Gli occhiali di Mondrian scritti di Carmine Benincasa, Bernard-Henri Lévy, Luigi Granetto, Cecilia Gatto Trocchi, Alessandro Masi, Ferruccio Ulivi, Alessandra Ottieri, primo Quaderno dell'Opera, Napoli 1992.

AA. VV., Piet Mondian 1872-1944, Catalogo della mostra, Leonardo Arte, 1994.

Jolanda Nigro Covre, Mondrian e De Stijl, Giunti Editore, 2008

Piet Mondrian, La realtà dell'astrazione, documentario di Fabiola Giancotti, 2006.

B. Tempel, Piet Mondrian. L'armonia perfetta, Skira, 2011.

Rudolf Arnheim, Arte e percezione visiva. Nuova versione, tradotto da Gillo Dorfles, Feltrinelli Editore, 2002.

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Pieter Cornelis Mondriaan, meglio conosciuto come Piet Mondrian ( Amersfoort, 7 marzo 1872 - New York, 1º febbraio 1944), è stato un pittore olandese, fondatore assieme a Theo van Doesburg del " neoplasticismo" (il nome originale è De Stijl, dal nome della rivista ).

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composizione con rosso blu e giallo(1930)

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composizione con rosso blu e giallo(1930)

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E una griglia con righe spesse nere ortogonali creando rettangoli e quadrati di diverse dimensioni

Il giallo indica il sole

il blu indica lo spazio

il rosso indica l unione tra spazio e luce

e bidimensionale

non esiste il centro

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composizione con rosso blu e giallo(1930)

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Nessuna ispirazione di corrente artistica.

Gli artisti dipingono in modo differente.

Rinoscibilta