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Eva Lindstöm : une référence pour la littérature jeunesse

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Eva Lindstöm : une référence pour la littérature jeunesse

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Musiques extraites des livres de Jessica Laurén

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Le site des Éditions Cambourakis : littérature, jeunesse, collection Sorcières, bande dessinée et hors collection.

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QUI VOILÀ ? Jessica Laurén / Avec la voix d'Hippolyte Girardot 

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QUI VOILÀ ? Au cinéma le 2 octobre 2013 | Avec la voix d'Hippolyte Girardot | Folimage

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Jessica Laurén est née en 1967 dans la ville de Solna, en Suède.

Elle commence à travailler dans le secteur de l’animation en tant que coloriste, avant d’occuper successivement des postes à l’encrage, au compositing et à l’animation.

Son parcours l’a également conduite dans le domaine de la musique (en tant que chanteuse et compositrice) et de l’illustration.

Elle est aussi l’auteure d’un livre Helt random, une description illustrée des rapports entre mère et fille.

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Illustratrice des albums (de livres)

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Stina Wirsén, née en 1968 à Âlvsjö en Suède, est diplômée de l’Université d’Art de Konsfackt en 1991.

Elle devient ensuite directrice du département illustrations du journal Dagens Nyheter (presse quotidienne nationale) pour lequel elle réalise des gravures de mode, des caricatures politiques et des carnets de voyage.

Elle publie en compagnie de sa mère Carin Wirsén les ouvrages de jeunesse Rut and Knut, récompensés du «Heff aklumpen Award» (prix de la culture pour enfants).

La série de livres pour enfants Qui voilà ? lancée en 2005 a été traduite dans huit langues, faisant de Stina Wirsén l’une des illustratrices la plus populaire de Suède.

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Hyppolite Girardot est à la fois le narrateur de toutes ces histoires et la voix de tous les personnages.

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Musiques extraites des livres de Jessica Laurén

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Jessica Laurén est née en 1967 dans la ville de Solna, en Suède.

Elle commence à travailler dans le secteur de l’animation en tant que coloriste, avant d’occuper successivement des postes à l’encrage, au compositing et à l’animation.

Son parcours l’a également conduite dans le domaine de la musique (en tant que chanteuse et compositrice) et de l’illustration.

Elle est aussi l’auteure d’un livre Helt random, une description illustrée des rapports entre mère et fille.

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Illustratrice des albums (de livres)

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Stina Wirsén, née en 1968 à Âlvsjö en Suède, est diplômée de l’Université d’Art de Konsfackt en 1991.

Elle devient ensuite directrice du département illustrations du journal Dagens Nyheter (presse quotidienne nationale) pour lequel elle réalise des gravures de mode, des caricatures politiques et des carnets de voyage.

Elle publie en compagnie de sa mère Carin Wirsén les ouvrages de jeunesse Rut and Knut, récompensés du «Heff aklumpen Award» (prix de la culture pour enfants).

La série de livres pour enfants Qui voilà ? lancée en 2005 a été traduite dans huit langues, faisant de Stina Wirsén l’une des illustratrices la plus populaire de Suède.

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Hyppolite Girardot est à la fois le narrateur de toutes ces histoires et la voix de tous les personnages.

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Linda Hambäck, originaire de la Corée du Sud née le 10 novembre 1974 à Séoul, est une auteure, réalisatrice et productrice suédoise.

En 1998, elle obtient un diplôme au Conservatoire d’arts dramatiques de Stockholm. Elle commence ensuite à travailler pour le cinéma et la télévision.

En 2004, elle se spécialise dans le film d’animation, et rejoint le studio d’animation suédois, FilmTecknarna.

Productrice : Linda Hambäck obtient de nombreux succès critique, et notamment la partie animée du documentaire Sugar Man réalisé par Malik Bendjelloul, et récompensé de l’Oscar du Meilleur film documentaire en 2013.

Réalisatrice : Récompensée du Michel Award for Best Children’s and Youth Film lors du Festival du film de Hambourg en 2021 pour les longs métrages Paddy, la petite souris (2017) et Ma mère est un gorille (et alors ?) (2021).

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Linda Hambäck : Autrice, réalisatrice et productrice

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Linda Hambäck : Autrice, réalisatrice et productrice

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Kommissarie Gordon : l'inspiration du film

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Kommissarie Gordon : l'inspiration du film

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Paddy, la petite souris est une adaptation de trois livres suédois pour enfants : "Kommissarie Gordon".

Illustrés par Gitte Spee, ils relatent les enquêtes d’un commissaire crapaud appelé Gordon, et de son assistante, une souris nommée Paddy.

Les ouvrages, écrits par Ulf Nilsson, un des auteurs suédois les plus célèbres de la littérature jeunesse, ont connu un véritable succès, au point d'être publiés dans une dizaine de pays, mais pas en France.

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Gitte Spee : Illustratrice des livres adaptés

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Gitte Spee : Illustratrice des livres adaptés

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«Paddy, la petite souris» : un dessin animé mignon

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Une petite souris sans emploi, ni maison, aide le commissaire crapaud Gordon à résoudre des enquêtes.

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Critique - Paddy, la petite souris - Little Big Animation

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Paddy, la petite souris, réalisé par Linda Hambäck et distribué par Les Films du préau, va mener l’enquête dans vos cinémas à partir du 5 décembre.

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Franz et le chef d'orchestre - Bande annonce

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"Nous avons tous quelque chose dont on peut se moquer !". Cette phrase est sans aucun doute la plus importante du film, et résonne en chacun de nous après la projection. L'histoire nous est racontée par le jeune Franz qui nous dévoile sa vision du monde et nous donne ainsi accès à ses pensées les plus intimes. Il n'a au fond qu'un seul désir : exister aux yeux de son père. Le film traite subtilement de cette relation père-fils qui va se construire sous nos yeux. Le père de Franz tente d'apprendre aux enfants la vie en communauté, mais prouvera pas ses propres actions que les adultes ne sont pas infaillibles et qu'il faut travailler le respect de l'autre à tout âge. Les réalisateurs tiennent également à nous transmettre le sentiment que la musique est un excellent moyen de nous rassembler et d'oublier nos querelles.

Franz et le chef d'orchestre a été réalisé grâce à une technique extrêmement bien maîtrisée par Lotta Geffenblad : l'animation en papier découpé. Les marionnettes des personnages et les décors - à l'exception de quelques objets en trois dimensions tels que les chardons, pour accentuer la sensation de réalisme - ont été photographiés ou dessinés sur du papier. On découpe ensuite ces images pour créer des personnages articulés et les animer. Le film intègre également une très belle séquence en hommage à la richesse du cinéma, en reproduisant les effets esthétiques et sonores d'un film 8 mm (format de film amateur fabriqué entre 1932 et 1967).

Cette ode à la musique classique et au respect, outre ses qualités esthétiques, pourra faire prendre conscience dès le plus jeune âge de l'importance - et de la nécessité - de vivre ensemble dans la joie et la bonne humeur !

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Uzi Geffenblad a notamment écrit le scénario et composé la bande son du film. Musicien expérimenté, il est plus précisément... joueur de cor ! Lotta Geffenblad était quant à elle en charge du graphisme, de l'animation et des décors. Il aura fallu sept ans de travail pour faire le film de bout en bout, dont presque cinq seulement pour l'animation.

Lotta et Uzi Geffenblad sont également les réalisateurs de nombreux courts métrages d'animation mettant en scène les adorables lapins Gros-pois et Petit-point.

Le personnage principal a été nommé en hommage au grand compositeur autrichien Franz Peter Schubert.

Dossier pédagogique et dossier de presse du distributeur :
http://www.lesfilmsdupreau.com/pdfs/guides/fz_0.pdf
http://www.lesfilmsdupreau.com/pdfs/dp/fz_dp.pdf

Fiche L'Enfant et le 7ème Art : http://enfant7art.org/archives/Festival2007/Docs/Pdf72/Franz72.pdf

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Benshi - Le guide du cinéma pour les enfants

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Benshi est la première plateforme de vidéos à la demande pour le jeune public en France. Découvrez plus de 200 films à voir en illimité pour une découverte du cinéma progressive en famille !

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Dans le film :

Uzi a fait le scénario, le story-board (avec Lotta), la musique et le son, le montage.

Lotta s’est chargée des images, du graphisme et de l’animation, du story-board (avec Uzi), des

décors.

Le film a été fait avec une petite équipe et le travail a duré 7 ans, dont 4 à 5 ans pour l’animation.

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Dans le film Franz et le chef d’orchestre, il y a à la fois la technique du papier découpé (2D) et des volumes (3D).

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Séance 4 : la technique du papier découpé

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Comme le dessin animé, le papier découpé fait partie des techniques d'animation plane. Il s'agit de fabriquer et/ou d'assembler des morceaux de papier en tout genre (dessins, photographies, journaux, affiches) pour créer des personnages, des objets ou des décors. Les papiers sont disposés sur un plateau, sous une caméra fixe. On les déplace petit à petit, en photographiant chaque étape des mouvements.

La technique de l'animation de papiers découpés tire son origine dans le théâtre d'ombres. Cette filiation est d'autant plus perceptible que certains animateurs choisissent d'animer des silhouettes (papier découpé retro-éclairé). C'est le cas de l'Allemande Lotte Reiniger ( Les Aventures du Prince Ahmed, 1928), dont on peut découvrir les créations dans le documentaire The Art of Lotte Reiniger (en anglais). Le réalisateur français Michel Ocelot ( Kirikou) s'est inspiré de son travail pour son film Princes et Princesses.
Entre les pionniers du genre, citons René Laloux ( La Planète Sauvage) ou Youri Norstein ( Le Conte des contes). Son court métrage Le Hérisson dans le brouillard permet d'avoir un aperçu de sa technique et de son style. Parmi les références cultes pour les adolescents, on peut mentionner l'épisode pilote de la série d'animation South Park de Trey Parker et Matt Stone, qui a été conçu avec du papier découpé.

Vous pouvez découvrir les coulisses d'un tournage en papiers découpés, avec l'exemple du film Les Perdrix, de Jean-Luc Gréco et Catherine Buffat (2009) : dessins préparatoires, découpage, prise de vues au banc-titre sous table de verre...

Le professeur Kouro a aussi choisi de nous faire découvrir un pan du cinéma d'animation en papier découpé dans une de ses célèbres leçons.﻿

Atelier " à vos papiers, découpez ! "

Matériel nécessaire :
- des ciseaux
- des papiers divers (dessins, photographies, journaux, affiches, papier peint...)
- pâte à fixer (attaches parisiennes, ficelle...)
- un appareil photo (avec un trépied)

1. On commence par inventer une histoire et à lister les éléments nécessaires. Puis on choisit les matériaux qui vont nous servir dans la conception des formes, des personnages, des accessoires et/ou du décor. Faîtes marcher votre folie créative !

2. On peut choisir de rendre son/ses personnage(s) articulable(s). Pour cela, il suffit de découper chaque partie du corps (tête, corps, bras, jambes...) et de les assembler. On peut les attacher ensemble grâce à la pâte à fixer, des attaches parisiennes, du fil... Tout dépend du rendu souhaité.

3. Il suffit de poser les éléments sur une surface plane comme une plaque de verre ou de plexiglas par exemple, et de positionner la caméra ou appareil photo au dessus. Il est possible de se servir de la pâte adhésive pour fixer les éléments sur le support qui sert de fond. Cela évite que les morceaux de papier ne s'envolent trop facilement.

4. Pour animer un personnage, on utilise l'image par image : on fait bouger certaines parties du corps, puis on prend une (ou deux) photos. On répète l'opération en modifiant légèrement sa position, et ainsi de suite.

On utilisera un logiciel d'animation pour observer le résultat (voir le document " logiciel de montage et de sonorisation").

Astuces
Il est possible d'utiliser des modèles de pantins à découper. Il existe de multiples exemples imprimables en ligne (taper par exemple " pantin à découper " dans un moteur de recherche).
Il existe aussi du carton magnétique en magasin de loisirs et création, cela vous permet de travailler sur un support aimanté.

Si vous souhaitez créer votre film avec le matériel adéquat, vous pouvez également fabriquer un banc-titre. Sur le site du festival Les Nuits Magiques vous trouverez les plans de fabrication à télécharger.

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Comme le dessin animé, le papier découpé fait partie des techniques d'animation plane. Il s'agit de fabriquer et/ou d'assembler des morceaux de papier en tout genre (dessins, photographies, journaux, affiches) pour créer des personnages, des objets ou des décors. Les papiers sont disposés sur un plateau, sous une caméra fixe.

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Voici une procédure étape par étape pour réaliser votre propre animation en papier découpé.

1. Rassemblez le matériel nécessaire.

Des matériaux, tels que du carton, du papier, de la laine, de la feutrine et du tissu

Des adhésifs, tels que du Blu-Tack et de la colle

Des ciseaux

Un crayon

Des supports papier

Du fil de fer

Posez-vous des questions importantes, par exemple, sur le matériau qui conviendra le mieux à votre projet. Souhaitez-vous réaliser de simples silhouettes en carton comme dans Les Aventures du prince Ahmed ? Ou préférez-vous quelque chose de plus élaboré nécessitant différents types de matériaux ? Le carton est plus solide que le papier. Serait-il plus adapté ? Voulez-vous utiliser du fil de fer pour relier les " membres " et leur donner une grande liberté de mouvement ou est-ce que du Blu-Tack fera l'affaire ?

2. Réfléchissez à l'histoire.

Tout le matériel est prêt, mais savez-vous exactement ce que vous allez raconter ? Avez-vous choisi les personnages ? La durée de l'histoire ? Il peut être utile de prendre des notes. De même, un plan vous aidera à avancer dans votre projet.

3. Pensez à vos personnages.

En plus de décider du style de vos créations animées en papier découpé, vous devrez prévoir comment les différentes pièces s'emboîteront. Pensez aux parties en superposition, comme les oreilles et la bouche, et à l'endroit où vous voulez qu'elles apparaissent sur le reste du visage. Réalisez plusieurs esquisses avant de vous décider.

Assemblez les personnages.

Une fois les designs finalisés, dessinez-les et découpez-les en fragments mobiles. Disposez les éléments comme vous le souhaitez, sur le fond de votre choix, qui peut être sophistiqué ou blanc tout simplement.

Fixez les éléments ensemble.

Si vous êtes novice en matière d'animation en papier découpé, il est préférable de faire simple. Par exemple, collez les parties entre elles à l'aide d'un adhésif pour les solidariser, tout en laissant suffisamment de jeu pour les manipuler, par exemple, pour faire bouger les bras. Si certaines parties doivent rester immobiles, utilisez de la colle.

Téléchargez une application pour votre smartphone.

Le moyen le plus simple de créer une animation en papier découpé est d'utiliser l'appareil photo d'un smartphone et une application adaptée. Lightroom permet de procéder à des retouches simples sur le téléphone, avant d'aller plus loin avec Photoshop sur un ordinateur.

Aménagez un espace pour le tournage.

Utilisez une surface plane et stable, de préférence dans une pièce obscure éclairée par des lampes, afin que la lumière ne change pas pendant que vous filmez; N'oubliez pas que le tournage peut durer un certain temps. Vous devrez également fixer solidement votre caméra afin qu'elle ne bouge pas. Un trépied vous aidera à la maintenir immobile.

Filmez votre animation.

Vous voilà prêt à réaliser votre animation. Si la norme est de 24 images par seconde (ips), une cadence de 12 ips conviendra aux débutants.

Exemples d'animations en papier découpé

De nombreux exemples d'animations en papier découpé sont accessibles en ligne. En voici un aperçu.

La plus mignonne

Coco est une adorable animation en papier découpé créée par Katherine Manaog, alors qu'elle se languissait de ses chiens après avoir déménagé à l'étranger pour intégrer une école d'art. Sa collaboration avec Annie Wong et Louie Zhang luis a permis de transformer des bouts de papier en œuvre à succès.

La plus fantasque

Kelly Pousette a illustré le livre pour enfants Don't Rake Your Garden in a Party Dress d'Aimee Bissonette à l'aide de collages originaux. Pour la promotion de l'album, elle a créé une animation en papier découpé en utilisant des images du livre.

La plus old-school

The Tree de Leander Huizinga fait un retour aux sources. La vidéo comporte principalement des silhouettes noires sur fond blanc, tout comme aux premiers temps de l'animation en papier découpé.

La plus sophistiquée
Once Upon a Dream
Once Upon a Dream est un film de mariage image par image mêlant des acteurs réels et des illustrations en papier découpé créées par Shirie Gordon-Feliks. C'est un magnifique exemple de ce qu'il est possible d'obtenir en combinant des styles différents.

La plus sombre

Avec Elsewhere, The Survivors, Ali Aschman a créé un univers de désolation insolite, avec deux personnages errants, hantés par le doute et l'anxiété.

La plus musicale

Cette vidéo animée sur la chanson Paper Plane de Giangrande est une animation en papier découpé collaborative, avec des illustrations de Felicita Sala, réalisée et animée par Gianluca Maruotti.

La plus épique

Voici une autre vidéo musicale, créée par Prominent Figures pour illustrer la chanson Love is Making its Way Back Home de Josh Ritter, et dont la particularité est le travail qu'elle a nécessité. Il a en effet fallu plus de 12 000 morceaux de papier cartonné pour la réaliser, sans qu'aucun effet ne soit appliqué lors de la post-production.

La plus imaginative

Voyage
Voyage d'Ali Azami, Bri Levy et John McGraw est une œuvre attachante qui montre que les possibilités sont illimitées pour le personnage représenté, ainsi que pour les animateurs eux-mêmes.

La plus nature

Le studio de production MoSoMoS a réalisé cette animation en papier image par image pour Sesame Workshop, afin d'illustrer le cycle de croissance d'un arbre.

La plus romantique
Whistle and Love
Whistle and Love de Wang Jingjie porte un regard malicieux sur l'amour.

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Animation en papier découpé | Comment fonctionne l'animation en papier découpé ? | Adobe

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L'animation en papier découpé, qui fait partie des premières formes d'animation, reste très prisée pour créer des animations image par image amusantes à partir de matériaux simples. Apprenez à calibrer votre écran en réglant la luminosité, le contraste, etc.

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La technique du stop-motion est la même que celle du dessin animé, mais avec des objets. Une scène constituée d'objets est filmée à l'aide d'une caméra dédiée à l'animation, c'est-à-dire pouvant enregistrer une seule photographie à la fois sur une pellicule cinématographique ou sur un support numérique.

Filmés image par image, il s'agit, à chaque prise, de les déplacer légèrement afin que lorsque la vidéo est passée à vitesse normale (24 images par seconde), ils semblent animés.

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La technique du stop-motion est la même que celle du dessin animé, mais avec des objets. Une scène constituée d'objets est filmée à l'aide d'une caméra dédiée à l'animation, c'est-à-dire pouvant enregistrer une seule photographie à la fois sur une pellicule cinématographique ou sur un support numérique.

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Les Films du Préau - Ma mère est un gorille (et alors?)

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Les Films du Préau Ma mère est un gorille (et alors?)

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Ce que souhaite Jonna par-dessus tout, c’est trouver une famille adoptive… Elle accepterait n’importe quel parent qui puisse lui donner de l’amour. La surprise est de taille lorsqu’une gorille se présente un jour à l’orphelinat pour être sa nouvelle maman !

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Affiche : Ma mère est un gorille (et alors ?)

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Affiche : Ma mère est un gorille (et alors ?)

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Linda Hambäck : Autrice, réalisatrice et productrice

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Linda Hambäck : Autrice, réalisatrice et productrice

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Linda Hambäck, originaire de la Corée du Sud née le 10 novembre 1974 à Séoul, est une auteure, réalisatrice et productrice suédoise.

En 1998, elle obtient un diplôme au Conservatoire d’arts dramatiques de Stockholm. Elle commence ensuite à travailler pour le cinéma et la télévision.

En 2004, elle se spécialise dans le film d’animation, et rejoint le studio d’animation suédois, FilmTecknarna.

Productrice : Linda Hambäck obtient de nombreux succès critique, et notamment la partie animée du documentaire Sugar Man réalisé par Malik Bendjelloul, et récompensé de l’Oscar du Meilleur film documentaire en 2013.

Réalisatrice : Récompensée du Michel Award for Best Children’s and Youth Film lors du Festival du film de Hambourg en 2021 pour les longs métrages Paddy, la petite souris (2017) et Ma mère est un gorille (et alors ?) (2021).

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Livre adapté : Ma mère est un gorille (et alors ?) 

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Livre adapté : Ma mère est un gorille (et alors ?) 

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Le film Ma mère est un gorille (et alors ?) reprend le roman

jeunesse du même nom, écrit en 2005 par Frida Nilsson.

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Frida Nilsson : Autrice du livre adapté "Ma mère est un gorille (et alors ?)"

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Frida Nilsson : Autrice du livre adapté "Ma mère est un gorille (et alors ?)"

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Autrice du livre adapté

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Née à Hardemo en Suède en 1979, Frida Nilsson a commencé par écrire des pièces de théâtre pour les enfants.

Aujourd’hui, elle écrit des chroniques pour la jeunesse diffusées à la radio et la télévision suédoises. Ses romans, dont les ambiances sont souvent comparées à celles de Roald Dahl, ont été salués par de nombreux prix, et certains d’entre eux ont été adaptés à la radio.

Il lui tient à cœur de raconter des histoires qui parlent d’amitié et de tendresse, en détournant les tabous et les préjugés.

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«Ma mère est un gorille (et alors ?)» : un joli dessin animé sur l’adoption et la différence

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Destiné aux tout-petits, «Ma mère est un gorille (et alors ?)» est un film d’animation réjouissant, d’une extrême douceur et réussi graphiqu

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Kiki La Petite Sorcière - Bande Annonce VF

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Hayao Miyazaki : Réalisateur et producteur

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Hayao Miyazaki : Réalisateur et producteur

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Cofondateur du Studio Ghibli avec Isao Takahata, il obtient une renommée internationale grâce à son talent de conteur et ses films d'animation. Il est considéré comme l'un des cinéastes les plus accomplis de l'histoire de l'animation.

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Hayao Miyazaki , né le à Tokyo, est un animateur, réalisateur, producteur, scénariste, écrivain et mangaka japonais. Cofondateur du Studio Ghibli avec Isao Takahata, il obtient une renommée internationale grâce à son talent de conteur et ses films d'animation japonais. Il est considéré comme l'un des cinéastes les plus accomplis de l'histoire de l'animation.

Né dans le quartier de Bunkyō à Tokyo, Miyazaki s'intéresse très tôt aux mangas et à l'animation et rejoint Toei Animation en 1963. Pendant ses premières années au studio, il travaille comme intervalliste et collabore ensuite avec le réalisateur Isao Takahata. Au sein de Toei, Miyazaki contribue notamment aux films Doggie March et Garibā no uchū ryokō. Il fournit des animations clés à d'autres films de Toei, comme Le Chat botté et L'Île au trésor, avant de passer à A-Pro en 1971, où il coréalise Edgar de la Cambriole aux côtés de Takahata. Après être passé chez Zuiyō Eizō (connu plus tard sous le nom de Nippon Animation) en 1973, Miyazaki travaille comme animateur sur World Masterpiece Theater, et réalise la série télévisée Conan, le fils du futur (1978). Il rejoint la Tokyo Movie Shinsha en 1979 pour réaliser son premier long métrage Le Château de Cagliostro ainsi que la série télévisée Sherlock Holmes. À la même époque, il commence à écrire et à illustrer le manga Nausicaä de la Vallée du Vent (1982-1994), et il réalise également son adaptation cinématographique de 1984, produite par Topcraft.

Miyazaki cofonde le Studio Ghibli en 1985. Il réalise de nombreux films avec Ghibli, dont Le Château dans le ciel (1986), Mon voisin Totoro (1988), Kiki la petite sorcière (1989) et Porco Rosso (1992). Ces films connaissent un succès critique et commercial au Japon. Le film suivant de Miyazaki, Princesse Mononoké, est le premier film d'animation à remporter le Japan Academy Prize du film de l'année, et devient à sa sortie en 1997 le plus gros succès commercial de l'histoire du box-office japonais ; sa distribution dans le monde occidental accroît considérablement la popularité et l'influence de Ghibli en dehors du Japon. Son film Le Voyage de Chihiro, sorti en 2001, devient le film le plus rentable de l'histoire du Japon, remporte l' Oscar du meilleur film d'animation et est souvent classé parmi les plus grands films des années 2000. Les films ultérieurs de Miyazaki - Le Château ambulant (2004), Ponyo sur la falaise (2008) et Le vent se lève (2013) - connaissent eux aussi un succès critique et commercial. Après la sortie du Vent se lève, Miyazaki annonce qu'il se retire des longs métrages, mais il sort de sa retraite en 2016 pour travailler sur le long métrage Kimi-tachi wa dō ikiru ka.

Les œuvres de Miyazaki sont caractérisées par la récurrence de thèmes tels que la relation de l'humanité avec la nature et la technologie, la salubrité des modes de vie naturels et traditionnels, l'importance de l'art et de l'artisanat, et la difficulté de maintenir une éthique pacifiste dans un monde violent. Les protagonistes de ses films sont souvent des filles ou des jeunes femmes fortes, et plusieurs de ses films présentent des antagonistes moralement ambigus dotés de qualités rédemptrices. Les œuvres de Miyazaki sont très appréciées et récompensées ; le réalisateur est nommé personne de mérite culturel pour ses contributions culturelles exceptionnelles en et reçoit l' Oscar d'honneur pour son impact sur l'animation et le cinéma en novembre 2014. Miyazaki est cité comme une source d'inspiration pour de nombreux animateurs, réalisateurs et écrivains.

Hayao Miyazaki naît le à Tokyo dans le quartier d'Akebono dans l'arrondissement de Bunkyō. Il est le deuxième d'une fratrie de quatre garçons. Son père, Katsuji Miyazaki (né en 1915), est alors directeur de Miyazaki Airplane, une entreprise en aéronautique appartenant à son frère (l'oncle de Hayao) qui fabrique des gouvernes pour des avions de chasse de type zéro pendant la Seconde Guerre mondiale. Cette entreprise permet à la famille Miyazaki de demeurer prospère pendant les premières années de sa vie. Le père de Miyazaki aime acheter des tableaux et les montrer à ses invités, mais il n'a guère de connaissances artistiques. Il déclare s'être engagé dans l' armée impériale japonaise vers 1940 ; après avoir déclaré à son commandant qu'il ne souhaite pas se battre à cause de sa femme et de son jeune enfant, il est libéré après un sermon sur le manque de loyauté. Selon Miyazaki, son père lui raconte souvent ses exploits, et affirme avoir continué à fréquenter les boîtes de nuit après avoir eu 70 ans. Katsuji Miyazaki décède le . Après sa mort, Miyazaki considère qu'il a souvent eu une vision négative de son père et que celui-ci n'a jamais rien dit de " noble ou d'inspirant ". Il regrette de ne pas avoir eu de discussion sérieuse avec son père et pense avoir hérité de ses " sentiments anarchistes et de son manque d'intérêt pour les contradictions ".

Miyazaki note que certains de ses premiers souvenirs sont ceux de " villes bombardées ". En 1944, alors qu'il a trois ans, sa famille est évacuée à Utsunomiya. Après le bombardement de la ville en , sa famille et lui sont évacués à Kanuma, également située dans la préfecture de Tochigi au nord de Tokyo. Le bombardement laisse une impression durable sur Miyazaki, alors âgé de quatre ans. Enfant, Miyazaki souffre de problèmes digestifs et on lui dit qu'il ne vivra pas plus de 20 ans, lui donnant l'impression d'être un paria,. De 1947 à 1955, Yoshiko, la mère de Miyazaki, souffre du Mal de Pott, une forme de tuberculose ; elle passe les premières années à l'hôpital avant d'être soignée à la maison. Yoshiko, qui est frugale, est décrite comme une femme intelligente, plutôt réservée et stricte, qui remet régulièrement en question les " normes socialement acceptées ". Elle est la plus proche de Miyazaki et exerce une forte influence sur lui et sur ses œuvres ultérieures. Yoshiko Miyazaki meurt en à l'âge de 72 ans,.

Miyazaki entre à l'école en 1947, dans une école primaire d'Utsunomiya, où il suit les cours de la première à la troisième année. Après le retour de sa famille au quartier Suginami de Tokyo, Miyazaki termine sa quatrième année à l'école élémentaire Ōmiya et la cinquième à l'école élémentaire Eifuku, qui vient d'être créée après avoir été séparée de l'école élémentaire Ōmiya. Après avoir obtenu son diplôme d'Eifuku en faisant partie de la première classe de diplômés, il fréquente le collège Ōmiya. Il aspire à devenir un dessinateur de manga, mais découvre qu'il ne sait pas dessiner les gens ; à la place, il ne dessine que des avions, des chars et des cuirassés pendant plusieurs années. Miyazaki est influencé par plusieurs dessinateurs de manga, comme Tetsuji Fukushima, Soji Yamakawa et Osamu Tezuka. Prenant conscience qu'il ne fait que copier le style de Tezuka, il brûle tous les mangas qu'il a dessinés, estimant que cela entrave son propre développement en tant qu'artiste,,. À cette époque, Miyazaki va souvent voir des films avec son père, qui est un cinéphile passionné ; parmi les films qui le marquent figurent et Tasogare Sakaba (1955).

Après avoir obtenu son diplôme du collège Ōmiya, Miyazaki entre au lycée de Toyotama. Au cours de sa troisième et dernière année, il découvre le premier long métrage d'animation en couleur du Japon, Le Serpent blanc , qui suscite son intérêt pour l'animation ; il sort en cachette regarder le film au lieu d'étudier pour ses examens d'entrée. Le film est une révélation pour Miyazaki, qui raconte plus tard être tombé amoureux de l'héroïne du film, Pai-nyan, et en avoir pleuré toute la nuit, profondément affecté. Il affirme avoir été " ému jusqu'au plus profond de [son] âme " et que " l'univers pur et sincère du film " a fait ressortir un aspect de lui qui " aspirait désespérément à valoriser le monde plutôt qu'à le renier ". Après avoir obtenu son diplôme à Toyotama, Miyazaki s'inscrit au département d'économie politique de l' Université Gakushuin, avec une spécialisation en théorie industrielle japonaise. Il rejoint le " Club de recherche sur la littérature pour enfants ", ce qui se rapproche le plus à l'époque d'un club de bande dessinée. Il est parfois le seul membre du club. Pendant son temps libre, Miyazaki rend visite à son professeur d'art du collège et dessine dans son atelier, où ils boivent tous les deux et " parlent de politique, de la vie, de toutes sortes de choses ". À cette époque, il dessine également des mangas ; il ne termine jamais ses récits, mais accumule des milliers de pages de débuts d'histoires. Il approche aussi fréquemment les éditeurs de mangas pour louer leurs histoires. En 1960, Miyazaki assiste aux manifestations contre l'Anpo, ayant développé un intérêt après avoir vu des photographies dans l' Asahi Graph ; à ce moment-là, il est trop en retard pour participer aux manifestations. Miyazaki est diplômé de Gakushuin en 1963 avec des diplômes en sciences politiques et en économie.

Miyazaki commence sa carrière en 1963 au studio Toei ; c'est la dernière année où la société embauche régulièrement. Il perçoit un salaire de dix-neuf mille cinq cents yens, tandis que le loyer de son petit appartement dans le quartier Nerima lui coûte six mille yens. Miyazaki travaille comme intervalliste sur le film d'animation Doggie March et série télévisée d'animation Ken, l'enfant-loup , tous deux réalisés en 1963. Il travaille également sur Garibā no uchū ryokō . Quand des troubles syndicaux éclatent en 1964 au sein du studio, Miyazaki prend la tête des manifestants et devient secrétaire en chef du syndicat des travailleurs. Miyazaki travaille ensuite comme animateur en chef, concepteur artistique et chef décorateur sur Horus, prince du Soleil . Tout au long de la production du film, Miyazaki travaille en étroite collaboration avec son mentor, Yasuo Ōtsuka, dont la vision de l'animation influence profondément son travail. Réalisé par Isao Takahata, avec qui Miyazaki continue de collaborer jusqu'à la fin de sa carrière, le film est très apprécié et considéré comme une œuvre charnière dans l'évolution de l'animation,,. Miyazaki s'installe dans une résidence à Ōizumigakuenchō en , après la naissance de son deuxième fils.

Sous le pseudonyme d'Akitsu Saburō , Miyazaki écrit et illustre le manga (, littéralement Le Peuple du désert , publié en 26 épisodes entre et dans le Shōnen shōjo shinbun Journal des garçons et des filles). Il est influencé par des histoires illustrées comme Evil Lord of the Desert . Miyazaki réalise également l'animation principale du film Le Chat botté , réalisé par Kimio Yabuki. Il crée une série manga de 12 chapitres pour la promotion du film, publiée dans l'édition dominicale du Tokyo Shimbun de janvier à ,. Miyazaki propose plus tard des scènes dans le scénario de Le Vaisseau fantôme volant , dans lesquelles des chars militaires provoquent une hystérie collective dans le centre-ville de Tokyo, et est engagé pour faire le story-board et l'animation des scènes. En 1970, Miyazaki déménage à Tokorozawa. L'année suivante, il développe la structure, les personnages et les dessins pour l'adaptation de L'Île au trésor d'Hiroshi Ikeda ; il crée l'adaptation manga en 13 parties, imprimée dans le Tokyo Shimbun de janvier à ,,. Miyazaki fournit également l' animation clé pour Ali Baba et les quarante voleurs .

En , Miyazaki quitte Toei et rejoint Isao Takahata et Yōichi Kotabe aux studios A-Pro, où il réalise ou co-réalise avec Takahata 23 épisodes de Edgar de la Cambriole , souvent sous le pseudonyme de Teruki Tsutomu . Les deux hommes commencent également la préproduction d'une série basée sur les livres d' Astrid Lindgren, Fifi Brindacier, en concevant de nombreux storyboards ; la série est annulée après que Miyazaki et Takahata n'ont pas réussi à rencontrer Lindgren, et la permission de terminer le projet leur est refusée,. En 1972 et 1973, Miyazaki écrit, conçoit et anime deux courts métrages Panda Petit Panda , réalisés par Takahata. Après être passés de A-Pro à Zuiyō Eizō en , Miyazaki et Takahata travaillent sur World Masterpiece Theater , qui présente leur série d'animation , une adaptation de de Johanna Spyri. Zuiyō Eizō devient en Nippon Animation. Miyazaki réalise également la série télévisée Conan, le fils du futur , une adaptation du roman Après la vague d'Alexander Key.

Miyazaki quitte Nippon Animation en 1979, pendant la production d'Anne... la maison aux pignons verts ; il assure la conception et l'organisation des scènes des quinze premiers épisodes. Il passe chez Telecom Animation Film, une filiale de TMS Entertainment, pour réaliser son premier long métrage d'animation, Le Château de Cagliostro , un film . Dans le cadre de ses fonctions à Telecom, Miyazaki contribue à la formation des nouveaux animateurs. Miyazaki réalise six épisodes de Sherlock Holmes en 1981, jusqu'à ce que des problèmes avec la succession de Sir Arthur Conan Doyle entraînent une suspension de la production ; Miyazaki est occupé par d'autres projets lorsque ces problèmes sont résolus, et les épisodes restants sont réalisés par Kyosuke Mikuriya. Ils sont diffusés de à . Miyazaki illustre également le roman graphique Le Voyage de Shuna , inspirée du conte populaire tibétain Le prince qui est devenu un chien. Le roman est publié par Tokuma Shoten en , et est adapté à la radio en 1987. Les Notes de rêveries de Hayao Miyazaki sont aussi publiées de manière irrégulière entre et dans Model Graphix ; certaines de ces histoires sont diffusées à la radio en 1995.

Après la sortie du Château de Cagliostro, Miyazaki commence à travailler sur ses idées pour une adaptation en film d'animation de la bande dessinée Rowlf de Richard Corben et soumet l'idée à Yutaka Fujioka de TMS. En , une proposition est formulée pour acquérir les droits du film,. À cette époque, Miyazaki est également sollicité par la rédaction d' Animage pour une série d'articles de magazine. Au cours de conversations ultérieures, il montre ses carnets de croquis et discute de ses idées de projets d'animation avec les rédacteurs Toshio Suzuki et Osamu Kameyama, qui voient le potentiel d'une collaboration pour leur développement en animation. Deux projets sont proposés : Warring States Demon Castle , qui se déroule durant l' époque Sengoku, et l'adaptation de Rowlf. Ces deux projets finissent par être rejetés, car la société n'est pas disposée à financer des projets d'animation qui ne sont pas basés sur des mangas existants et parce que les droits de l'adaptation de Rowlf ne peuvent pas être obtenus,. Un accord est conclu pour que Miyazaki puisse commencer à développer ses croquis et ses idées dans un manga pour le magazine, à condition qu'il ne soit jamais transformé en film,. Le manga - intitulé Nausicaä de la Vallée du Vent - est publié de à . L'histoire, telle qu'elle est réimprimée dans les volumes , s'étend sur sept volumes pour un total combiné de 1 060 pages. Miyazaki dessine les épisodes principalement au crayon, et le manga est imprimé en monochrome à l'encre aux tons sépia,. Miyazaki démissionne de Telecom Animation Film en .

Après le succès de Nausicaä de la Vallée du Vent, Yasuyoshi Tokuma, le fondateur de Tokuma Shoten, encourage Miyazaki à travailler sur son adaptation cinématographique. Miyazaki refuse dans un premier temps, puis accepte à condition de pouvoir la réaliser. L'empoisonnement au mercure de la baie de Minamata et la réaction de la nature à l'incident, qui prospère dans un environnement empoisonné, inspire à Miyazaki le monde pollué du film. Pour réaliser l'animation du film, Miyazaki et Takahata choisissent le petit studio Topcraft, estimant que le talent artistique du studio permettrait de retranscrire l'atmosphère sophistiquée du manga au cinéma. La préproduction commence le ; Miyazaki rencontre des difficultés dans la création du scénario, avec seulement seize chapitres du manga à travailler. Takahata fait appel au musicien expérimental et minimaliste Joe Hisaishi pour composer la musique du film. Nausicaä de la Vallée du Vent sort le et rapporte 1,48 milliard de yens au box-office. Le film est souvent considéré comme l'œuvre pivot de Miyazaki, qui a consolidé sa réputation en tant qu'animateur. Il est loué pour sa représentation positive des femmes, en particulier celle du personnage principal Nausicaä,. Plusieurs critiques ont affirmé que Nausicaä de la Vallée du Vent aborde des thèmes pacifistes et féministes, mais Miyazaki n'est pas de cet avis et prétend qu'il ne cherche qu'à divertir. La réussite de l'adaptation cinématographique du manga ouvre la voie à d'autres projets de collaboration. En , Miyazaki ouvre son propre bureau dans le quartier de Suginami, qu'il nomme Nibariki.

En , Miyazaki, Takahata, Tokuma et Suzuki fondent la société de production d'animation Studio Ghibli, avec le financement de Tokuma Shoten. Le premier film du Studio Ghibli, Le Château dans le ciel , est réalisé par la même équipe de production que Nausicaä. Miyazaki s'inspire de l' architecture grecque et des " modèles urbanistiques européens " pour concevoir le décor du film. Une partie de l'architecture du film s'inspire également d'une ville minière galloise ; Miyazaki a en effet assisté à la grève des mineurs lors de sa première visite au Pays de Galles en 1984 et dit avoir admiré le dévouement des mineurs à leur travail et à leur communauté. Le film suivant de Miyazaki, Mon voisin Totoro , sort en même temps que Le Tombeau des lucioles de Takahata en afin de préserver la situation financière du Studio Ghibli. La production simultanée est chaotique pour les artistes du studio, qui travaillent sur les deux films en même temps. Mon voisin Totoro traite de la relation entre l'environnement et l'humanité, contrairement à Nausicaä, qui met l'accent sur les effets négatifs de la technologie sur la nature. Bien que le film soit acclamé par la critique, il ne connaît pas de succès au box-office. Cependant, les produits dérivés du film connaissent un grand succès, et le film est depuis considéré comme un classique,.

En 1987, le Studio Ghibli acquiert les droits pour créer une adaptation cinématographique du roman Kiki la petite sorcière d' Eiko Kadono. Le travail de Miyazaki sur Mon voisin Totoro l'empêche de réaliser l'adaptation. Le film doit donc initialement être réalisé par Sunao Katabuchi et écrit par Nobuyuki Isshiki, mais Miyazaki, mécontent du script, finit par reprendre la réalisation du film. Kadono est mécontente des différences entre le livre et le scénario. Miyazaki et Suzuki lui rendent alors visite et l'invitent au studio, à la suite de quoi elle autorise la poursuite du projet. Le film doit initialement être une émission de 60 minutes, mais il devient un long métrage après que Miyazaki achève les storyboards et le scénario. La première de Kiki la petite sorcière a lieu le . Le film rapporte 2,15 milliards de yens au box-office et devient le film le plus rentable au Japon en 1989.

De mars à , le manga Hikōtei jidai de Miyazaki est publié dans le magazine Model Graphix. Miyazaki entame la production d'un film de 45 minutes basé sur le manga, destiné à être projeté sur les vols de la compagnie aérienne Japan Airlines ; Suzuki le transforme finalement en long métrage, intitulé Porco Rosso , alors que les attentes grandissent. En raison de la fin de la production de Souvenirs goutte à goutte de Takahata, Miyazaki gère d'abord la production de Porco Rosso de manière indépendante. Le déclenchement des guerres de Yougoslavie en 1991 affecte Miyazaki, ce qui confère au film un ton plus sombre. Miyazaki déclare plus tard que le film est " absurde ", car il estime que ses thèmes matures ne conviennent pas aux enfants. Le film aborde des thèmes anti-guerre, abordés à nouveau dans ses films ultérieurs. Japan Airlines reste un investisseur important du film, ce qui fait qu'il est d'abord présenté comme un film à visionner à bord d'un avion, avant de sortir en salles le . Le film connaît un succès critique et commercial, et reste le film d'animation le plus rentable au Japon pendant plusieurs années.

Le Studio Ghibli installe son siège à Koganei, Tokyo, en . En , deux spots télévisés réalisés par Miyazaki sont diffusés par la chaîne Nippon Television (NTV) : Sora Iro no Tane, un spot de 90 secondes basé sur l'histoire illustrée Sora Iro no Tane de Rieko Nakagawa et Yuriko Omura, et commandé pour célébrer le quarantième anniversaire de NTV ; et Nandarou, diffusé sous la forme d'un spot de 15 secondes et de quatre spots de 5 secondes, centré sur une créature indéfinissable qui devient la mascotte de NTV. En parallèle, Miyazaki conçoit les storyboards et écrit le scénario de Si tu tends l'oreille , réalisé par Yoshifumi Kondō.

Miyazaki commence à travailler sur les story-boards initiaux de Princesse Mononoké en , basés des pensées et des croquis préliminaires datant de la fin des années 1970. Alors qu'il souffre du syndrome de la page blanche pendant la production, Miyazaki accepte de réaliser On Your Mark, un clip musical pour la chanson du même nom du groupe jpop Chage and Aska. Dans le cadre de la production du clip, Miyazaki expérimente l' animation par ordinateur en complément de l'animation traditionnelle, une technique qu'il réutilise ensuite pour Princesse Mononoké. On Your Mark est exploité en tant que court-métrage, en ouverture du film Si tu tends l'oreille. Malgré la popularité du clip, Suzuki estime qu'il n'a pas fait l'objet de toute l'attention nécessaire.

En , Miyazaki emmène un groupe d'artistes et d'animateurs dans les forêts anciennes de Yaku-shima et dans les montagnes de Shirakami-Sanchi, pour prendre des photos et faire des croquis. Les paysages de Princesse Mononoké sont inspirés de Yakushima. Dans le film, Miyazaki revisite les thèmes écologiques et politiques de Nausicaä de la Vallée du Vent. Miyazaki supervise les 144 000 celluloïds du film, dont environ 80 000 sont des animations clés,. Princesse Mononoké est réalisé avec un budget estimé à 2,35 milliards de yens (environ 23,5 millions de dollars américains), ce qui en fait le film le plus cher du Studio Ghibli à l'époque. Sur les quinze minutes du film font appel à l'animation par ordinateur, environ cinq minutes utilisent des techniques telles que le rendu 3D, la composition numérique et une texture ; les dix minutes restantes utilisent l'encre et la peinture. Initialement, 5 000 images du film doivent être peintes numériquement, mais les contraintes de temps doublent le chiffre.

Lors de sa sortie le , Princesse Mononoké est acclamé par la critique, et devient le premier film d'animation à remporter le Japan Academy Prize du film de l'année,. Le film connaît également un succès commercial, avec un total de 14 milliards de yens (148 millions de dollars), et devient le film le plus rentable au Japon pendant plusieurs mois. Miramax achète les droits de distribution du film pour l'Amérique du Nord ; il s'agit de la première production du Studio Ghibli à bénéficier d'une distribution importante en salles aux États-Unis. Bien qu'il ne connaisse pas un grand succès au box-office, rapportant seulement 3 millions de dollars américains, le film est considéré comme l'introduction du Studio Ghibli au reste du monde. Miyazaki déclare que Princesse Mononoké est son dernier film.

Tokuma Shoten fusionne avec Studio Ghibli en . Miyazaki passe ses vacances dans un chalet de montagne avec sa famille et cinq petites filles d'amis de la famille. Il se rend compte alors qu'il n'a jamais réalisé de film pour des filles de 10 ans, et entreprend de le faire. Il lit des magazines de manga comme et pour s'en inspirer, mais estime qu'ils ne proposent que des sujets sur " les coups de foudre et les histoires d'amour ", qui ne sont pas selon lui ce qu'elles tiennent le plus à cœur. Il décide donc de réaliser un film sur une héroïne féminine qu'elles pourraient admirer. La production du film, intitulé Le Voyage de Chihiro , commence en 2000 avec un budget de 1,9 milliard de yens (15 millions de dollars). Comme pour Princesse Mononoké, l'équipe du film expérimente l'animation par ordinateur, mais l'utilise seulement de manière à améliorer l'histoire et non pour " attirer l'attention ". Le Voyage de Chihiro aborde des thèmes comme l'avidité des hommes et décrit un voyage dans le royaume des esprits. Le film sort en salles le ; il est acclamé par la critique et est considéré comme l'un des plus grands films des années 2000. Il remporte le Japan Academy Prize du film de l'année, l' Ours d'or du meilleur film et l' Oscar du meilleur film d'animation. Le film connaît également un succès commercial, rapportant 30,4 milliards de yens (289,1 millions de dollars) au box-office. Il devient le film le plus rentable au Japon, un record qu'il conserve pendant près de 20 ans. Après la mort de Tokuma en , Miyazaki dirige son comité funéraire.

En , le Studio Ghibli annonce la production du Château ambulant , d'après le roman Le Château de Hurle de Diana Wynne Jones. Mamoru Hosoda, de Toei Animation, est initialement sélectionné pour réaliser le film, mais des désaccords entre Hosoda et les dirigeants du Studio Ghibli conduisent à l'abandon du projet. Miyazaki a l'idée de réaliser le film en lisant le roman de Jones, et est frappé par l'image d'un château se déplaçant dans la campagne ; le roman n'explique pas comment le château se déplace, ce qui explique les dessins de Miyazaki. Il se rend à Colmar et à Riquewihr en Alsace, en France, pour étudier l'architecture et l'environnement du décor du film. Il s'inspire également des notions de technologie du futur dans l'œuvre d' Albert Robida, ainsi que de l'" art de l'illusion " de l'Europe du . Le film est réalisé en numérique, mais les personnages et les décors sont dessinés à la main avant d'être numérisés. Le film sort le et est largement salué par la critique. Il reçoit le Prix Osella pour la meilleure contribution technique au Festival international du film de Venise et est nommé pour l'Oscar du meilleur film d'animation. Au Japon, le film rapporte 14,5 millions de dollars lors de sa première semaine d'exploitation, ce qui constitue un record. Il reste l'un des plus gros succès du cinéma japonais, avec des recettes mondiales s'élevant à plus de 19,3 milliards de yens. En 2005, Miyazaki reçoit le Lion d'or pour sa carrière au Festival international du film de Venise.

En , le Studio Ghibli se sépare de Tokuma Shoten. Dans les années 1980, Miyazaki contacte Ursula K. Le Guin pour lui faire part de son intérêt pour la production d'une adaptation des romans du Cycle de Terremer ; ignorant tout du travail de Miyazaki, elle décline l'offre. Après avoir regardé Mon voisin Totoro des années plus tard, Le Guin approuve le projet d'adaptation. Elle rencontre Suzuki en , qui souhaite que le fils de Miyazaki, Gorō, réalise le film, Miyazaki ayant souhaité prendre sa retraite. Déçue que Miyazaki ne réalise pas le film, mais sachant qu'il superviserait le travail de son fils, Le Guin approuve la production du film. Plus tard, Miyazaki s'oppose et critique publiquement le choix de Gorō au poste de réalisateur. Après avoir visionné le film, Miyazaki écrit un message pour son fils : " Le film est fait de manière honnête, donc il est bon ".

Miyazaki conçoit les couvertures de plusieurs mangas en 2006, dont A Trip to Tynemouth ; il travaille également comme éditeur et crée un court manga pour le livre. Le film suivant de Miyazaki, Ponyo sur la falaise , commence à être produit en . Il s'inspire initialement de La Petite Sirène de Hans Christian Andersen, mais s'affranchit de cette influence pour prendre sa propre forme au fur et à mesure de la production. Miyazaki souhaite que le film célèbre l'innocence et la gaieté de l'univers enfantin. Il a au départ l'intention de n'utiliser que de l'animation traditionnelle, et est étroitement impliqué dans la conception du film. Il préfère dessiner lui-même la mer et les vagues, par goût de l'expérimentation. Ponyo comporte 170 000 images, un record pour Miyazaki. Le village de bord de mer du film est inspiré de Tomonoura, une ville du parc national de Setonaikai, où Miyazaki séjourne en 2005. Le personnage principal, Sōsuke, est inspiré de Gorō. Lors de sa sortie le , Ponyo est acclamé par la critique, et reçoit le prix du Meilleur film d'animation lors de la édition des Japan Academy Prize. Le film constitue également un succès commercial, rapportant 10 milliards de yens (93,2 millions de dollars américains) au cours de son premier mois d'exploitation et 15,5 milliards de yens à la fin de 2008, le classant parmi les films les plus rentables au Japon.

Au début de l'année 2009, Miyazaki commence à écrire un manga intitulé Le vent se lève , racontant l'histoire du concepteur de chasseurs Mitsubishi A6M Zero, Jirō Horikoshi. Le manga est publié pour la première fois dans deux numéros du magazine Model Graphix, parus les et . Miyazaki coécrit ensuite le scénario d'Arrietty : Le Petit Monde des Chapardeurs et de La Colline aux coquelicots , réalisés respectivement par Hiromasa Yonebayashi et Gorō Miyazaki. Miyazaki souhaite que son prochain film soit une suite de Ponyo, mais Suzuki le convainc d'adapter plutôt Le vent se lève au cinéma. En , le Studio Ghibli annonce la production de Le vent se lève , basé sur le manga du même nom, qui doit sortir en parallèle avec Le Conte de la princesse Kaguya , réalisé par Takahata.

Miyazaki trouve l'inspiration du film 11,6 milliards de 110 millions de Le vent se lève après avoir lu une citation d'Horikoshi : " Tout ce que je voulais, c'était faire quelque chose de beau ". Plusieurs scènes du film sont inspirées du roman de Tatsuo Hori, Le vent se lève , dans lequel Hori raconte son expérience de vie avec sa fiancée avant qu'elle ne meure de la tuberculose. Le nom du personnage principal féminin, Naoko Satomi, est emprunté d'un roman de Hori, Naoko . Le vent se lève continue de refléter la position pacifiste de Miyazaki, poursuivant les thèmes de ses œuvres précédentes, bien que Miyazaki ait déclaré que condamner la guerre n'est pas l'intention du film. Le film sort le et est acclamé par la critique. Il remporte le prix du Meilleur film d'animation lors de la édition des Japan Academy Prize et est nommé au prix du meilleur film d'animation lors de la cérémonie des Oscars. Il connaît également un succès commercial, rapportant yens ( dollars) au box-office japonais, devenant ainsi le film le plus rentable au Japon en 2013.

En , Miyazaki annonce prendre sa retraite comme réalisateur en raison de son âge, mais souhaite continuer à travailler sur les expositions du musée Ghibli,. En , Miyazaki reçoit un Oscar d'honneur. Il développe Boro la petite chenille , un court-métrage d'animation par ordinateur dont il a été question pour la première fois pendant la préproduction de Princesse Mononoké. Le film est projeté en exclusivité au musée Ghibli en . Il travaille également sur un manga de samouraïs sans titre. En , Miyazaki propose un nouveau long-métrage, Kimi-tachi wa dō ikiru ka , sur lequel il a commencé à travailler sans recevoir d'approbation officielle. Le film raconte l'histoire d'un jeune garçon de quinze ans qui vit chez son oncle. En , Suzuki déclare que l'animation du film est " à moitié terminée " et ajoute qu'il ne prévoit pas la sortie du film avant trois ans.

En , il est signalé que Vincent Maraval, un collaborateur fréquent de Miyazaki, a suggéré dans un tweet que ce dernier pourrait avoir des plans pour un autre film en préparation. En , un documentaire en quatre parties est diffusé sur la chaîne de télévision japonaise NHK, intitulé 10 Years with Hayao Miyazaki, documentant la production de ses films dans son studio privé. En 2019, Miyazaki approuve une adaptation musicale de Nausicaä de la Vallée du Vent, telle qu'elle est interprétée par une troupe de kabuki.

Miyazaki critique régulièrement l'état actuel de l'industrie de l'anime, affirmant que les animateurs ne créent pas de personnages réalistes. Il déclare que les anime modernes sont " produits par des humains qui ne supportent pas de regarder d'autres humains... c'est pourquoi l'industrie est pleine d'otaku ! ". Il attaque aussi fréquemment les otaku, notamment les " otaku des armes " et les " fanatiques du Zéro ", qu'il qualifie de " fétichisme " et refuse de s'identifier comme tel,.

En 2013, plusieurs membres du personnel du Studio Ghibli, dont Miyazaki, critiquent la politique du " " très à Premier ministre japonais Shinzō Abe, et le projet d'amendement constitutionnel qui permettrait à Abe de réviser la clause qui proscrit la guerre comme moyen de régler les différends internationaux. Miyazaki estime qu'Abe souhaite " laisser son nom dans l'histoire comme un grand homme qui a révisé la Constitution et son interprétation ", le qualifiant de " méprisable ". Miyazaki désapprouve aussi le déni par Abe de l'agression militaire du Japon, déclarant que le Japon " devrait clairement dire qu'il a infligé d'énormes dommages à la Chine et exprimer de profonds remords à ce sujet ". Il estime également que le gouvernement du pays devrait présenter des " excuses appropriées " aux femmes de réconfort coréennes qui ont servi l'armée japonaise pendant la Seconde Guerre mondiale, suggérant que les îles Senkaku devraient être " divisées en deux " ou contrôlées à la fois par le Japon et la Chine. Après la sortie du film Le vent se lève en 2013, certains critiques en ligne ont qualifié Miyazaki de " traître " et d' anti-japonais ", décrivant le film comme étant gauche ".

En 2003, Miyazaki refuse d'assister à la " beaucoup des personnes qui ont voté pour le cérémonie des Oscars à Hollywood, à Los Angeles, pour protester contre l'implication des États-Unis dans la guerre d'Irak, déclarant plus tard qu'il " ne voulait pas visiter un pays qui bombardait l'Irak ". Il ne s'exprime publiquement à ce sujet qu'en 2009, à la demande de son producteur, lorsqu'il lève son boycott et se rend au San Diego Comic-Con pour rendre service à son ami John Lasseter. Miyazaki exprime également son opinion sur l' attaque terroriste dans les bureaux du magazine satirique français Charlie Hebdo, critiquant la décision du magazine de publier le contenu cité comme le catalyseur de l'incident. En , Miyazaki affirme qu'il pense que Brexit et Trump " ont été affectées par l'augmentation du chômage due aux entreprises " construisant des voitures au Mexique en raison des bas salaires et [les] vendant aux États-Unis ". Il ne pense pas que Donald Trump sera élu président, le qualifiant de " terrible ", et estime que l'adversaire politique de Trump, Hillary Clinton, est " aussi épouvantable ".

Miyazaki évite de recourir aux scénarios traditionnels dans ses productions. Il développe plutôt la narration du film au fur et à mesure qu'il conçoit les storyboards. " Nous ne savons jamais où va aller l'histoire, mais nous continuons à travailler sur le film au fur et à mesure qu'il se développe ", explique-t-il. Dans chacun de ses films, Miyazaki emploie des méthodes d'animation traditionnelles, en dessinant chaque image à la main ; l'imagerie générée par ordinateur est utilisée dans plusieurs de ses films ultérieurs, à commencer par " conserver le bon rapport entre le travail à la main et l'ordinateur... et pouvoir ainsi continuer à appeler mes films Princesse Mononoké, pour " enrichir l'aspect visuel ", bien qu'il veille à ce que chaque film puisse 2D ". Il supervise chaque image de ses films mais, à la suite de problèmes de santé provoqués par la surcharge de travail, il délègue maintenant une partie de ce travail à d'autres membres du Studio Ghibli.

Miyazaki cite plusieurs artistes japonais parmi ses influences, dont Sanpei Shirato, Osamu Tezuka, Soji Yamakawa et Isao Takahata. Un certain nombre d'auteurs occidentaux influencent également ses œuvres, notamment Frédéric Back, Lewis Carroll, Roald Dahl, Jean Giraud, Paul Grimault, Ursula K. Le Guin, et Iouri Norstein, ainsi que le studio d'animation Aardman Animations (en particulier les œuvres de Nick Park). Parmi les œuvres spécifiques ayant marqué Miyazaki figurent La Ferme des animaux ( Animal Farm, 1945), La Reine des neiges ( Снежная королева, 1957), et Le Roi et l'Oiseau (1980). La Reine des neiges serait le véritable catalyseur de la filmographie de Miyazaki, influençant sa formation et son travail. Lorsqu'il anime de jeunes enfants, Miyazaki s'inspire souvent des enfants de ses amis, ainsi que des souvenirs de sa propre enfance.

Les œuvres de Miyazaki sont caractérisées par la récurrence de thèmes tels que l' écologisme, le pacifisme, le féminisme, l'amour et la famille. Ses récits sont également notables pour ne pas opposer un héros à un antagoniste antipathique,,.

Les films de Miyazaki mettent souvent l'accent sur l'environnementalisme et la fragilité de la Terre. Margaret Talbot affirme que Miyazaki n'aime pas la technologie moderne et qu'il pense qu'une grande partie de la culture moderne est " mince, superficielle et fausse " ; il anticipe une époque où il n'y aura " plus de gratte-ciel ". Miyazaki s'est senti frustré en grandissant pendant l' ère Shōwa, de 1955 à 1965, car " la nature - les montagnes et les rivières - était détruite au nom du progrès économique ". Peter Schellhase, de " tentent de dominer la nature dans le but d'exercer une domination politique, et sont en fin de compte destructeurs de la nature et de la civilisation humaine ". Miyazaki critique l'exploitation sous le communisme et le The Imaginative Conservative, constate que plusieurs antagonistes des films de Miyazaki capitalisme, ainsi que la mondialisation et ses effets sur la vie moderne. Il estime qu'" une entreprise est la propriété commune des personnes qui y travaillent ". Ram Prakash Dwivedi identifie les valeurs du Mahatma Gandhi dans les films de Miyazaki.

Plusieurs films de Miyazaki comportent des thèmes anti-guerre. Daisuke Akimoto, de Animation Studies, classe Porco Rosso parmi les films de " propagande anti-guerre " ; il estime que le personnage principal, Porco, se transforme en cochon en partie à cause de son dégoût extrême du militarisme. Akimoto soutient également que Le vent se lève reflète le " pacifisme anti-guerre " de Miyazaki, bien que ce dernier ait déclaré que le film ne cherche pas à " dénoncer " la guerre. Schellhase estime quant à lui que Princesse Mononoké est un film pacifiste en raison de son protagoniste, Ashitaka ; au lieu de se joindre à la campagne de vengeance contre l'humanité, comme son histoire ethnique le pousserait à le faire, Ashitaka aspire à la paix. David Loy et Linda Goodhew soutiennent que Nausicaä de la vallée du vent et Princesse Mononoke ne dépeignent pas le mal traditionnel, mais les racines bouddhistes du mal : l'avidité, la mauvaise volonté et l'illusion ; selon le bouddhisme, les racines du mal doivent se transformer en " générosité, amour bienveillant et sagesse " afin de surmonter la souffrance, et Nausicaä et Ashitaka y parviennent tous deux. Lorsque les personnages des films de Miyazaki sont contraints de s'engager dans la violence, ils sont montrés comme étant une tâche difficile ; dans Le Château ambulant, Hauru est contraint de livrer une bataille inéluctable pour défendre ceux qu'il aime, et cela le détruit presque, bien qu'il soit finalement sauvé par l'amour et la bravoure de Sophie.

Suzuki qualifie Miyazaki de féministe en référence à son attitude envers les travailleuses. Celui-ci décrit ses personnages féminins comme " des filles courageuses et autonomes qui n'hésitent pas à se battre pour ce en quoi elles croient de tout leur cœur ", déclarant qu'elles peuvent " avoir besoin d'un ami ou d'un soutien, mais jamais d'un sauveur " et que " toute femme est tout aussi capable d'être un héros que n'importe quel homme ". Nausicaä de la Vallée du Vent est salué pour sa représentation positive des femmes, en particulier de la protagoniste Nausicaä. Schellhase note que les personnages féminins des films de Miyazaki ne sont pas objectivés ou sexualisés, et qu'ils possèdent des caractéristiques complexes et individuelles absentes des productions hollywoodiennes. Schellhase relève aussi un aspect de " passage à l'âge adulte " pour les héroïnes des films de Miyazaki, car elles découvrent chacune " une personnalité et des forces individuelles ". Gabrielle Bellot, de The Atlantic, écrit que, dans ses films, Miyazaki " montre une compréhension aiguë des complexités de ce que cela peut signifier d'être une femme ". Bellot cite en particulier Nausicaä de la Vallée du Vent, louant la remise en question des attentes liées au genre dans le film, ainsi que la nature forte et indépendante de Nausicaä. Bellot note également que le personnage de San de Princesse Mononoké représente le " conflit entre le moi et l'expression ".

Miyazaki se préoccupe du sens de l'émerveillement chez les jeunes, cherchant à maintenir les thèmes de l'amour et de la famille dans ses films. Michael Toscano de Curator constate que Miyazaki " craint que les enfants japonais soient ternis par une culture de surconsommation, de surprotection, d'éducation utilitaire, de carriérisme, de techno-industrialisme et d'un laïcisme qui avale l'animisme natif du Japon ". Schellhase écrit que plusieurs des œuvres de Miyazaki abordent les thèmes de l'amour et de la romance, mais il estime que l'accent est mis sur " la façon dont les individus solitaires et vulnérables sont intégrés dans des relations de confiance et de responsabilité mutuelles, qui profitent généralement à tous ceux qui les entourent ". Il ajoute les familles dans les films de Miyazaki peuvent incarner une image idéalisée de la famille ou être dysfonctionnelles. Il considère que la famille non biologique du Château ambulant (composée de Hauru, Sophie, Marco, la sorcière des Landes et Hin) transmet un message d'espoir, à savoir que les exclus de la société peuvent " trouver un lieu d'appartenance sain ".

Miyazaki épouse sa collègue animatrice Akemi Ōta en ; les deux se rencontrent à Toei Animation où ils sont collègues,. Le couple a deux fils : Gorō, né en , et Keisuke, né en . Miyazaki considère que devenir père l'a changé, l'amenant à vouloir produire des œuvres susceptibles de plaire à ses enfants. Miyazaki promet dans un premier temps à sa femme qu'ils continueront tous les deux à travailler après la naissance de Gorō, le déposant à l'école maternelle pour la journée ; cependant, en voyant un jour l'épuisement de Gorō en rentrant à la maison, Miyazaki décide qu'ils ne peuvent pas continuer ainsi, et sa femme reste à la maison pour élever leurs enfants. Le dévouement de Miyazaki à son travail nuit à sa relation avec ses enfants, car il est souvent absent. Gorō visionne les œuvres de son père pour tenter de le " comprendre ", puisqu'ils ne se parlent que rarement. Miyazaki déclare avoir " essayé d'être un bon père, mais au final, je n'ai pas été un très bon parent ". Pendant la production des Les Contes de Terremer en 2006, Gorō déclare que son père " est un père nul, mais un excellent réalisateur de films d'animation ".

Gorō travaille dans une entreprise de conception paysagère avant de commencer à travailler au Musée Ghibli, ; il conçoit le jardin sur son toit et finit par en devenir le conservateur,. Keisuke étudie la sylviculture à l'université de Shinshu et travaille comme artiste du bois,, ; il crée une gravure sur bois qui apparaît dans Si tu tends l'oreille. La nièce de Miyazaki, Mei Okuyama, qui a inspiré le personnage de Mei dans Mon voisin Totoro, est mariée à l'artiste d'animation Daisuke Tsutsumi.

En 2016, Miyazaki est qualifié de " parrain de l'animation au Japon " par Tessa Wong de la BBC, qui souligne son savoir-faire et son humanité, les thèmes de ses films et son influence sur les jeunes artistes. Courtney Lanning de l' Arkansas Democrat-Gazette le désigne comme l'un des plus grands animateurs du monde, le comparant à Osamu Tezuka et Walt Disney. Swapnil Dhruv Bose, du magazine Far Out, écrit que l'œuvre de Miyazaki " a façonné non seulement l'avenir de l'animation, mais aussi celui du cinéma en général ", et qu'elle a aidé " génération après génération de jeunes spectateurs à observer la magie qui existe dans le banal ". Richard James Havis, du South China Morning Post, le qualifie de " génie [...] qui établit des normes rigoureuses pour lui-même, ses pairs et le personnel du studio ". Toussaint Egan, de , décrit Miyazaki comme " l'un des grands auteurs d'anime ", dont les " histoires dotées de thèmes si singuliers et d'une esthétique incomparable " attirent des spectateurs qui ne sont pas familiers avec les anime. En 2021, Miyazaki fait l'objet d'une exposition au Academy Museum of Motion Pictures de Los Angeles, présentant plus de 400 objets tirés de ses films.

Miyazaki est souvent cité comme une source d'inspiration pour de nombreux animateurs, réalisateurs et écrivains du monde entier, notamment Wes Anderson, James Cameron, Dean DeBlois, Guillermo del Toro, Pete Docter, Mamoru Hosoda, Bong Joon-ho, Glen Keane, Travis Knight, John Lasseter, Nick Park, Henry Selick, Makoto Shinkai, et Steven Spielberg. Keane affirme que Miyazaki exerce une " influence considérable " sur les Walt Disney Animation Studios et qu'il fait " partie de [leur] héritage " depuis Bernard et Bianca au pays des kangourous ( Renaissance Disney est également motivée par la concurrence avec le développement des films de Miyazaki. Les artistes de The Rescuers Down Under, 1990). L'ère de la Pixar et des studios Aardman signent un hommage au réalisateur en déclarant : " Tu es notre inspiration, Miyazaki-san ! ". Il est aussi cité comme source d'inspiration pour des créateurs de jeux vidéo, dont Shigeru Miyamoto et Hironobu Sakaguchi, ainsi que pour la série télévisée Avatar, le dernier maître de l'air (Ori and the Blind Forest (2015). Avatar: The Last Airbender) et le jeu vidéo

Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.

Miyazaki remporte le Prix Noburō Ōfuji aux Prix du film Mainichi pour Le Château de Cagliostro (1979), Nausicaä de la Vallée du Vent (1984), Le Château dans le ciel (1986) et Mon voisin Totoro (1988) ; il remporte aussi le prix Mainichi du meilleur film d'animation pour Kiki la petite sorcière (1989), Porco Rosso (1992), Princesse Mononoké (1997), Le Voyage de Chihiro et La Chasse à la baleine (2001). Le Voyage de Chihiro reçoit également l' Oscar du meilleur film d'animation, prix auxquels sont aussi nommés Le Château ambulant (2004) et Le vent se lève (2013),. Miyazaki est nommé personne de mérite culturel par le gouvernement japonais en , pour ses contributions culturelles exceptionnelles. Ses autres récompenses comprennent huit Tokyo Anime Awards,, huit Kinema Junpo Awards,,,, six Japan Academy Prize,,,,,, cinq Annie Awards,, et trois prix aux Anime Grand Prix, et à la Mostra de Venise,.

Sur les autres projets Wikimedia :

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Les ouvrages sont classés par ordre chronologique.

Ouvrages en anglais

(en) Hayao Miyazaki ( trad. Beth Cary et Frederik L. Schodt), Starting Point, 1979-1996, San Francisco, VIZ Media, .

(en) Helen McCarthy, Hayao Miyazaki : Master of Japanese Animation, Berkeley, Stone Bridge Press, .

(en) Dani Cavallaro, The Animé Art of Hayao Miyazaki, Jefferson, NC, McFarland & Company, .

(en) Hayao Miyazaki ( trad. Beth Cary et Frederik L. Schodt), Turning Point, 1997-2008, San Francisco, VIZ Media, .

(en) Jeff Lenburg, Hayao Miyazaki: Japan's Premier Anime Storyteller, New York, Infobase Publishing, .

(en) Dani Cavallaro, The Late Works of Hayao Miyazaki: A Critical Study 2004-2013, Jefferson, NC, McFarland & Company, .

Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, " Hayao Miyazaki ou l'enfance de l'art ", in Catalogue du festival international de Zagreb, 2004

(en) Dani Cavallaro, The Anime Art of Hayao Miyazaki, McFarland & Company, , 204 p.

Vincent-Paul Toccoli et Gersende Bollut, Miyazaki L'enchanteur : essai, Nantes, Amalthée, , 318 p.

Raphaël Colson et Gaël Régner, Hayao Miyazaki : Cartographie d'un univers, Lyon, Les Moutons électriques, coll. " La bibliothèque des miroirs-BD ", (réimpr. 2013), 364 p., 21 × 26 cm, couverture couleur, broché (ISBN 978-2-915793-84-0 , BNF 42275487, présentation en ligne)

Raphaël Colson et Gaël Régner (ill. Marie-Pierre Jeffard, David Alvarez, photogr. Stéphanie Lebouchard), Hayao Miyazaki : Cartographie d'un univers, Montélimar, Les Moutons électriques, coll. " La bibliothèque des miroirs-BD ", (1re éd. 2010), 360 p., 21 × 26 cm, couverture couleur, broché (ISBN 978-2-36183-135-6 , ISSN 1968-5955, présentation en ligne)

Stéphane Le Roux, Hayao Miyazaki : cinéaste en animation, poésie de l'insolite, Paris/Rennes, L'Harmattan, , 195 p. (ISBN 978-2-296-55074-2 , lire en ligne)

Hervé Joubert-Laurencin, Quatre films de Hayao Miyazaki, Yellow Now, 2012

Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, " Hayao Miyazaki ou le réenchantement du monde ", dossier de presse de Le Vent se lève, Walt Disney Company France, 2014

Emmanuel Trouillard, Bibliographie analytique des travaux universitaires (en français et en anglais) portant sur l'œuvre de Hayao Miyazaki et du Studio Ghibli, , 26 p. ([HAL https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-01367684%EF%BF%BD hal-01367684�], lire en ligne)

Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, " Le Magicien du vent ", Télérama hors-série : La grande vague du cinéma d'animation,

Propos recueillis par Eriko Chiba, " Rencontre avec Hayao Miyazaki. A 79 ans, le grand maître de l'animation japonaise refuse toujours de poser le crayon. très rare dans les médias, il a accordé un entretien à l' Asai Shimbun. Le créateur des personnages de Chihiro et Mononoke parle de ses projets en cours, de l'évolution de son métier et de la nécessité de former la relève. ", Courrier international no 1541, Courrier international S.A., Paris , , p. 36-39, (ISSN 1154-516X), (article original paru dans Asahi Shimbun, Tokyo, le ).

La Septième Obsession, numéro spécial, mai- (no 28), Hayao Miyazaki : incontournable, intemporel, universel

Ouvrages en japonais

(ja) Seiji Kanō, 宮崎駿全書 [" L'œuvre complète de Hayao Miyazaki "], Tokyo, Film Art Inc.,‎ , 2e éd. .

(en) The Birth of Studio Ghibli, Walt Disney Studios Home Entertainment, 2005.

(ja) The Kingdom of Dreams and Madness de Mami Sunada, Dwango, 16 novembre 2013, documentaire.

(ja) Drawing What's Real de Kaku Arakawa, NHK, coll. " 10 Years with Hayao Miyazaki ", 30 mars 2019, documentaire, ép. 2.

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Hayao Miyazaki , né le à Tokyo, est un animateur, réalisateur, producteur, scénariste, écrivain et mangaka japonais. Cofondateur du Studio Ghibli avec Isao Takahata, il obtient une renommée internationale grâce à son talent de conteur et ses films d'animation japonais. Il est considéré comme l'un des cinéastes les plus accomplis de l'histoire de l'animation.

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Kiki la petite sorcière, grandir est-ce s’élever (sur un balai magique) ?

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France culture et Kiki la petite sorcière

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France culture et Kiki la petite sorcière

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épisode 7/8 du podcast Philosopher avec Miyazaki

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Kiki la petite sorcière, grandir est-ce s’élever (sur un balai magique) ? : épisode 7/8 du podcast Philosopher avec Miyazaki

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AUDIO • Philosopher avec Miyazaki, épisode 7/8 : Kiki la petite sorcière, grandir est-ce s’élever (sur un balai magique) ?. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Les Chemins de la philosophie, et découvrez nos podcasts en ligne.

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Adaptation des ouvrages de "Kiki la petite sorcière" d'Eiko Kadono

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Adaptation des ouvrages de "Kiki la petite sorcière" d'Eiko Kadono

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Livres pour enfants d’Eiko Kadono, du même nom, paru en 1985.

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Eiko Kadono : écrivaine des ouvrages adaptés de "Kiki la petite sorcière"

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Eiko Kadono : écrivaine des ouvrages adaptés de "Kiki la petite sorcière"

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Eiko Kadono, née le 1er janvier 1935 dans le quartier ancien de Tokyo, est une écrivaine japonaise. Son œuvre la plus connue est la série Kiki la petite sorcière, qui comprend six ouvrages. Le premier a été adapté en film d'animation en 1989 par Hayao Miyazaki. En 2018, elle a reçu le prix Hans Christian Andersen¹.

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Sur cette page du site, nous vous proposons de découvrir la totalité des films du studio Ghibli, vous pouvez ensuite découvrir les films un par un en cliquant sur la fiche du film.

Tous les films des studios Ghibli

Princesse Mononoké

(Hayao Miyazaki, 1997) - Au XVe siècle, durant l'ère Muromachi, la forêt japonaise, jadis protégée par des animaux géants, se dépeuple à cause de l'homme. Un sanglier transformé en démon dévastateur en sort et attaque le village d'Ashitaka, futur chef du clan Emishi. Touché par le sanglier qu'il a tué, celui-ci est forcé de partir à la recherche du dieu Cerf pour lever la malédiction qui lui gangrène le bras. Découvrez la fiche du film Princesse Mononoké.

Le voyage de Chihiro

(Hayao Miyazaki, 2001) : Chihiro, dix ans, a tout d'une petite fille capricieuse. Elle s'apprête à emménager avec ses parents dans une nouvelle demeure.
Sur la route, la petite famille se retrouve face à un immense bâtiment rouge au centre duquel s'ouvre un long tunnel. De l'autre côté du passage se dresse une ville fantôme. Les parents découvrent dans un restaurant désert de nombreux mets succulents et ne tardent pas à se jeter dessus. Ils se retrouvent alors transformés en cochons.
Prise de panique, Chihiro s'enfuit et se dématérialise progressivement. L'énigmatique Haku se charge de lui expliquer le fonctionnement de l'univers dans lequel elle vient de pénétrer. Pour sauver ses parents, la fillette va devoir faire face à la terrible sorcière Yubaba, qui arbore les traits d'une harpie méphistophélique. Découvrez la fiche du film Le Voyage de Chihiro.

Le Château dans le ciel

(Hayao Miyazaki, 1986) : Retenue prisonnière par des pirates dans un dirigeable, la jeune Sheeta saute dans le vide en tentant de leur échapper. Elle est sauvée in extremis par Pazu, un jeune pilote d'avion travaillant dans une cité minière. Les pirates leur donnent la chasse.
Au terme d'une course-poursuite effrénée, Sheeta se confie à Pazu, lui avouant qu'elle est la descendante des souverains de Laputa, la cité mythique située dans les airs. Elle est par conséquent la seule détentrice du secret de Laputa que le chef des armées, le cruel Muska, cherche à percer. Découvrez la fiche du film Le Château dans le ciel.

Le royaume des chats

(Hiroyuki Morita, 2002) : Haru, une collégienne au comportement instable, sauve par hasard un chat d'un accident de la circulation. Ce qu'elle ignore, c'est que le félin n'est autre que le fils du puissant roi des chats. Cette rencontre va complètement bouleverser le cours de son existence. Dans son aventure, trois personnages vont se révéler des amis précieux : le très élégant Chat Baron, Mouta, un gros matou errant, et le corbeau Toto. Découvrez le film Le Royaume des chats.

Kiki la petite sorcière

(Hayao Miyazaki, 1989) : A l'âge de treize ans, une future sorcière doit partir faire son apprentissage dans une ville inconnue durant un an. Une expérience que va vivre la jeune et espiègle Kiki aux côtés de Osono, une gentille boulangère qui lui propose un emploi de livreuse. Découvrez le film Kiki la petite sorcière.

Le château Ambulant

(Hayao Miyazaki, 2004) : La jeune Sophie, âgée de 18 ans, travaille sans relâche dans la boutique de chapelier que tenait son père avant de mourir. Lors de l'une de ses rares sorties en ville, elle fait la connaissance de Hauru le Magicien. Celui-ci est extrêmement séduisant, mais n'a pas beaucoup de caractère... Se méprenant sur leur relation, une sorcière jette un épouvantable sort sur Sophie et la transforme en vieille femme de 90 ans.
Accablée, Sophie s'enfuit et erre dans les terres désolées. Par hasard, elle pénètre dans le Château Ambulant de Hauru et, cachant sa véritable identité, s'y fait engager comme femme de ménage. Cette " vieille dame " aussi mystérieuse que dynamique va bientôt redonner une nouvelle vie à l'ancienne demeure. Plus énergique que jamais, Sophie accomplit des miracles. Quel fabuleux destin l'attend ? Et si son histoire avec Hauru n'en était qu'à son véritable commencement ? Découvrez le film Le château ambulant.

Porco Rosso

(Hayao Miyazaki, 1992) : Dans l'entre-deux-guerres quelque part en Italie, le pilote Marco, aventurier solitaire, vit dans le repaire qu'il a établi sur une ile déserte de l'Adriatique. A bord de son splendide hydravion rouge, il vient en aide aux personnes en difficulté. Découvrez le film Porco Rosso de Hayao Miyazaki.

Mon voisin Totoro

(Hayao Miyazaki, 1988) : Deux petites filles viennent s'installer avec leur père dans une grande maison à la campagne afin de se rapprocher de l'hôpital ou séjourne leur mère. Elles vont découvrir l'existence de créatures merveilleuses, mais très discrètes, les totoros.
Le totoro est une créature rare et fascinante, un esprit de la forêt. Il se nourrit de glands et de noix. Il dort le jour, mais les nuits de pleine lune, il aime jouer avec des ocarinas magiques. Il peut voler et est invisible aux yeux des humains. Il existe trois totoros : O totoro (gros), chu totoro (moyen) et chili totoro (petit). Découvrez le film Mon voisin Totoro.

Pompoko

(Isao Takahata, 1994) : Jusqu'au milieu du XXe siècle, les tanukis, emprunts d'habitudes frivoles, partageaient aisément leur espace vital avec les paysans. Leur existence était douce et paisible.
Mais le gouvernement amorce la construction de la ville nouvelle de Tama. On commence à détruire fermes et forêts. Leur habitat devenu trop étroit, les tanukis jadis prospères et pacifistes se font la guerre, l'enjeu étant de conserver son bout de territoire. Efforts dérisoires car la forêt continue de disparaître...
Les humains, avec qui ils ont appris à cohabiter, font preuve d'un expansionnisme inexpliqué. Les chefs de clans coordonnent la riposte. Un plan est établi sur cinq ans : le temps pour les animaux d'étudier les humains et de réveiller leur pouvoir de transformation. Il va falloir tenter d'effrayer les humains en évoquant peurs et superstitions. Les solutions les plus farfelues sont expérimentées... Découvrez le film Pompoko.

Je peux entendre l'océan

(Tomomi Mochizuki, 1993) : Suite au divorce de ses parents, Rikako Muto, une jeune lycéenne originaire de la ville Tokyo, doit suivre malgré elle sa mère qui vient s'établir dans la petite ville de Kōchi. Rikako Muto arrive au lycée en cours d'année scolaire et dès son arrivée, elle est remarquée par Yutaka Matsuno qui la présente à son meilleur ami : Taku Morisaki.
L'ambiance méridionale et provinciale de Kōchi est très différente de la capitale Tokyo et la jeune Rikako a bien du mal à s'intégrer dans sa nouvelle classe. Découvrez le film Je peux entendre l'océan.

Souvenirs goutte à goutte

(Isao Takahata, 1991) : Une jeune japonaise de 27 ans, tokyoïte, retourne vers sa campagne natale et traverse le Japon, se remémorant son enfance. Découvrez le film Souvenirs goutte à goutte.

Les contes de Terremer

(Goro Miyazaki, 2006) : Les aventures du jeune Arren, prince du royaume d'Enlad, qui va s'allier aux forces du grand magicien Epervier, pour rétablir l'équilibre du monde rompu par une sorcière maléfique. Dans le combat qui s'annonce, Arren et Epervier croiseront la route de Therru, une mystérieuse jeune fille. Ensemble, ils dépasseront leurs peurs et uniront leurs destins pour mener le plus fascinant des voyages. Découvrez le film Les contes de Terremer.

Ponyo sur la falaise

(Hayao Miyazaki, 2008) : Le petit Sosuke, cinq ans, habite un village construit au sommet d'une falaise qui surplombe la Mer Intérieure. Un beau matin, alors qu'il joue sur la plage en contrebas, il découvre une petite fille poisson rouge nommée Ponyo, piégée dans un pot de confiture. Sosuke la sauve, et décide de la garder avec lui dans un seau. Ponyo est aussi fascinée par Sosuke que ce dernier l'est par elle. Le petit garçon lui promet de la protéger et de s'occuper d'elle, mais le père de Ponyo, Fujimoto - un sorcier autrefois humain qui vit tout au fond de la mer - la force à revenir avec lui dans les profondeurs. Bien décidée à devenir humaine, Ponyo s'échappe pour retrouver Sosuke. Mais avant de prendre la fuite, elle répand l'élixir magique de Fujimoto, l'Eau de la Vie, dans l'océan. Le niveau de la mer s'élève, et les soeurs de Ponyo sont transformées en vagues gigantesques qui montent jusqu'à la maison de Sosuke sur la falaise, et engloutissent le village... Une petite fille et un petit garçon. L'amour et la responsabilité.La mer et l'essence de la vie. Véritable antidote à l'anxiété et aux doutes de notre époque, Ponyo Sur La Falaise est la fabuleuse histoire d'une mère et de son enfant. Découvrez le film Ponyo sur la falaise.

Le Tombeau des lucioles

(Isao Takahata, 1988) : Japon, été 1945. Après le bombardement de Kobé, Seita, un adolescent de quatorze ans et sa petite sœur de quatre ans, Setsuko, orphelins, vont s'installer chez leur tante à quelques dizaines de kilomètres de chez eux. Celle-ci leur fait comprendre qu'ils sont une gêne pour la famille et doivent mériter leur riz quotidien. Seita décide de partir avec sa petite sœur. Ils se réfugient dans un bunker désaffecté en pleine campagne et vivent des jours heureux illuminés par la présence de milliers de lucioles. Mais bientôt la nourriture commence cruellement à manquer. Découvrez le film Le tombeau des lucioles.

Mes voisins les Yamada

(Isao Takahata, 1999) :

Nonoko Yamada, une petite fille espiègle au franc parler, nous présente chaque membre de sa famille peu ordinaire :

Son père, Takashi Yamada, homme d'affaires un peu bougon ; sa mère, Matsuko, au naturel spontané, un peu fainéante, vite démoralisée par les tâches ménagères et autres travaux domestiques. Quant à Naboru, son grand frère, il déteste étudier. Et enfin Shige, sa grand-mère, une septuagénaire bien bavarde qui ne rate pas une occasion de donner son avis sur tout et de s'amuser des querelles du couple.
Découvrez le film Mes voisins les Yamadas.

Si tu tends l'oreille

(Yoshifumi Kondo, 1995) :

Passionnée de lecture, Shizuku Tsukishima fréquente assidûment tant la bibliothèque municipale, où travaille son père, que celle de son collège, y compris pendant les congés scolaires, usant pour cela des bonnes relations qu'elle entretient avec avec la responsable des lieux.

Lors de ces lectures, elle remarque grâce aux fiches de suivit, que tous les livres qu'elle a emprunté l'on précédemment été par un certain Seiji Amazawa.

Étant douée en poésie, ses amies lui ont demandé d'adapter en japonais la chanson Country roads. Parallèlement à cette adaptation, elle a également écrit sur le même thème musical une chanson parodique Concrete road (la route en béton) moquant sa banlieue. Après avoir présenté ces deux versions à son amie Yuko Harada, elle oublie sur un banc le livre contenant les paroles des chansons. Revenant sur ses pas pour le récupérer, elle le trouve dans les mains d'un garçon inconnu qui le lui rend tout en se moquant de sa négligence ainsi que sa chanson parodique.

Peu après, se rendant à la bibliothèque municipale pour consulter des livres mais aussi apporter son repas à son père, Shizuku voit un chat prendre le train avec elle. Intriguée et amusée par le comportement du félin, elle le suit pour arriver, après quelques déambulations, dans une petite boutique d'antiquités. Elle y rencontre le propriétaire, un vieil homme sympathique.

Après être sortie précipitamment, pour cause de retard, de la boutique, elle rencontre à nouveau le mystérieux garçon, accompagné du chat, qui lui apporte le bento oublié chez l'antiquaire, et se moque à nouveau d'elle à propos de sa chanson.

Par la suite, elle se rend à nouveau plusieurs fois à la boutique, où elle trouve porte close.

Découvrez le film Si tu tends l'oreille.

Arrietty le petit monde des chapardeurs

(Hiromasa Yonebayashi, 2010) : L'histoire est celle de Shô, un jeune garçon âgé de 12 ans, convalescent, qui vient s'installer chez sa grand-mère et sa domestique. Les deux vieilles dames vivent dans une ancienne demeure, au jardin un peu à l'abandon, à l'ouest de Tokyo. C'est aussi là, sous le plancher, que résident les membres d'une famille pas plus haute que quelques centimètres, composée de Pod, le père, Homily, la mère, et de leur fille de 14 ans, Arrietty. Ils ont pour règle de ne jamais être vus par les êtres humains de taille normale. Cependant, le jeune garçon ne tarde pas à rencontrer Arrietty. À partir de là, commence entre eux une romance juvénile et il faudra bien du courage à la jeune fille pour parvenir à conserver son amitié avec le garçon appartenant au royaume des hommes, chose strictement interdite par les siens, sous peine de voir leur discrète survie compromise. Découvrez le film Arrietty.

La Colline aux Coquelicots

(Goro Miyazaki, 2011) : Yokohama, 1963. Umi est une jeune lycéenne qui vit dans une vieille bâtisse au sommet d'une colline surplombant le port de Yokohama. Chaque matin, depuis que son père a disparu en mer, elle hisse deux pavillons face à la baie, comme un message lancé à l'horizon. Au lycée, quelqu'un a même écrit un article sur cet émouvant signal dans le journal du campus. C'est peut-être l'intrépide Shun, le séduisant jeune homme qu'Umi n'a pas manqué de remarquer...
Attirés l'un par l'autre, les deux jeunes gens vont partager de plus en plus d'activités, de la sauvegarde du vieux foyer jusqu'à la rédaction du journal. Pourtant, leur relation va prendre un tour inattendu avec la découverte d'un secret qui entoure leur naissance et semble les lier...
Dans un Japon entre tradition et modernité, à l'aube d'une nouvelle ère, Umi et Shun vont se découvrir et partager une émouvante histoire d'amitié, d'amour et d'espoir. Découvrez le film La colline aux coquelicots.

Le vent se lève

(Hayao Miyazaki, 2013) : L'histoire de Jiro Horikoshi, le concepteur du Mitsubishi A6M Zero, un célèbre avion de combat japonais de la seconde guerre mondiale. Découvrez le film Le vent se lève.

Le conte de la princesse Kaguya

(Isao Takahata, 2013) : Un coupeur de bambou découvre un jour une minuscule princesse à l'intérieur d'une tige de bambou. Il la ramène chez lui en pensant qu'il s'agit d'un don du ciel et la présente à sa femme. Le petit être se transforme alors en bébé que le couple de paysans élève dans la montagne. Les enfants de la région la surnomment " Pousse de bambou " car tout comme les bambous elle grandit à vue d'œil. Mais le paysan trouve une montagne de pièces d'or en coupant un bambou et se persuade qu'il a le devoir de faire de sa fille une princesse. Il arrache donc la jeune enfant à sa montagne et à ses amis pour lui imposer une éducation de noble dans la capitale. Mélancolique, la jeune fille rêve de ses amis perdus et ne s'intéresse pas à l'aristocratie. Au cours de la cérémonie de passage à l'âge adulte on la nomme " Princesse Kaguya des bambous graciles " en raison de sa souplesse et de sa beauté " lumineuse ". Sa beauté devient incroyablement réputée bien que personne n'ait jamais vu son visage. Les cinq grands princes de la capitale demandent sa main. Elle refuse leurs offres ainsi que celle de l'empereur. Par la suite, elle comprend qu'elle vient de la Lune et qu'elle a été envoyée sur la Terre pour la punir d'avoir désiré découvrir cette planète interdite. Les " Luniens " considèrent que les Terriens sont souillés par des émotions telles la tristesse, la joie, la peur... Découvrez le film Princesse Kaguya.

Souvenirs de Marnie

(Hiromasa Yonebayashi, 2014) : Anna est une jeune fille qui n'a aucune amie jusqu'au jour où elle rencontre Marnie, une fille étrange avec qui elle se lie d'amitié. Cependant, la mystérieuse Marnie disparaît le jour où la famille Lindsays emménage dans sa maison. Anna, qui a sympathisé avec la nouvelle famille, décide d'en savoir plus sur son amie et les raisons de sa disparition. Découvrez le film Souvenirs de Marnie.

La Tortue Rouge

(Michael Dudok de Wit, 2016) :

The Red Turtle est un film d'animation sans dialogue qui raconte l'histoire touchante d'un homme échoué sur une île tropicale déserte qui forge une relation avec une tortue géante.
Découvrez le film La tortue Rouge.

Aya et la sorcière

Téléfilm de Goro Miyazaki réalisé en 2020.
Depuis sa naissance, Aya a grandi dans un orphelinat, ignorant que sa mère avait des pouvoirs magiques. Malicieuse et rusée, elle domine son petit monde. Lorsqu'un couple étrange vient l'adopter, Aya se rebelle et leur oppose une résistance farouche. Mais qui sont donc ce Mandrake et cette Bella Yaga ? Quel mystère se cache derrière leurs actions ? Aya va vite découvrir que ses nouveaux parents sont des sorciers et partir à l'aventure avec eux pour vivre des aventures extraordinaires !
Découvrez la fiche complète du filmAya et la sorcière sur le site.

Le Garçon et le Héron

Film d'animation réalisé par Hayao Miyazaki en 2023.

Après la disparition de sa mère dans un incendie, Mahito, un jeune garçon de 11 ans, doit quitter Tokyo pour partir vivre à la campagne dans le village où elle a grandi. Il s'installe avec son père dans un vieux manoir situé sur un immense domaine où il rencontre un héron cendré qui devient petit à petit son guide et l'aide au fil de ses découvertes et questionnements à comprendre le monde qui l'entoure et percer les mystères de la vie.

Découvrez le film Le Garçon et le Héron.

Les films du studio Ghibli en production

Nouveau film de Miyazaki intitulé : " Kimitachi wa dô ikiru ka " -

Comment vivez-vous ?

(Hayao Miyazaki, 2022)

Le film raconte l'évolution psychologique d'un adolescent à travers des interactions avec ses amis et son oncle.
Découvrez le film Comment vivez -vous.

Goro Miyazaki travaille également sur un nouveau film pour le studio mais encore aucune information n'est disponible sur le titre ni le scénario de ce prochain film.

Tous les films pré-Ghibli

Les films de Hayao Miyazaki ou Isao Takahata qui sont sortis avant la création du studio Ghibli.

Panda Petit Panda

(Hayao Miyazaki & Isao Takahata 1973) : La petite orpheline Mimiko, habite dans la maison de sa grand-mère. Alors que cette dernière s'absente quelques jours, un bébé panda et son papa, échappés du zoo voisin, pénètrent dans la maison... et s'y installent ! Tous trois deviennent rapidement les meilleurs amis du monde... même si le petit panda se révèle être un habitué des bêtises : il sème la panique à la cantine de l'école, manque de se noyer dans la rivière... Jusqu'au jour où il découvre un intrus couché dans son lit : un tigre qui ne retrouve pas le chemin de son cirque. C'est ainsi que Mimiko et les deux pandas le ramènent vers sa maman et qu'ils passent des instants merveilleux au milieu de gens du cirque, allant même jusqu'à sauver tous les animaux d'une inondation ! Cela vaut bien une magnifique parade dans les rues de la ville pour la plus grande joie des enfants ! Composé de 2 moyens métrages, Panda kopanda d'une durée de 33 mn, et Panda kopanda amefuri saakasu no maki d'une durée de 38 mn. Découvrez le film Panda petit panda.

Nausicaä de la vallée du vent

(Hayao Miyazaki, 1984) : Sur une Terre ravagée par la folie des hommes durant les sept jours de feu, une poignée d'humains a survécu. Menacée par une forêt toxique qui ne cesse de prendre de l'ampleur, cette poignée de survivants attend le salut de la princesse Nausicaä, capable de communiquer avec tous les êtres vivants. Nausicaa de la vallée du vent.

Horus prince du soleil

( Isao Takahata, 1968) :

Grunwald, un être aux pouvoirs maléfiques, s'est juré de se débarrasser des hommes. Il les combat notamment en leur envoyant des loups.

Horus est un garçon vivant isolé avec son père, qui avait fui après l'attaque de leur village. Juste avant de mourir, le père lui révèle l'existence des autres humains et conseille à Horus d'aller rejoindre les siens.

Les habitants du village sont affamés car un monstre, envoyé par Grunwald, les prive du poisson dont ils ont l'habitude de se nourrir. Horus va aider les villageois à combattre. Il rencontre aussi une mystérieuse jeune fille au chant envoûtant, Hilda et Moog, l'homme-rocher, qui a une épée plantée dans le haut du bras. Horus arrive à la retirer, et Moog lui en fait cadeau. Il lui apprend que cette épée est la fameuse épée du Soleil et que le jour où il arrivera à la maîtriser il sera devenu le prince du Soleil.
Découvrez le film Horus prince du soleil.

Goshu le violoncelliste

(Isao Takahata, 1982) : Goshu est un violoncelliste d'orchestre maladroit et timide, toujours réprimandé par son professeur. Il va être aidé dans la préparation de son concert par la visite d'une succession d'animaux : un chat, un coucou, un tanuki et un mulot, chacun lui apportant les vertus telles que la patience, le goût de la communication et la rigueur. Le chat provocateur, insolent et chapardeur révèlera à Goshu sa faculté d'exprimer sa colère. L'oiseau chantant son fameux " coucou " sur deux notes dont Goshu tentera de multiples variations ; le tanuki approfondira l'enseignement du rythme avec son tambour. Enfin, la souris suppliera Goshu de jouer pour la guérison de son souriceau malade ; c'est l'occasion d'exprimer sa compassion et sa générosité. Ces animaux, dans leur comportement authentique, auront tous contribué, par l'échange, à l'apprentissage intime du jeune héros. L'enseignement à en tirer, selon Verlaine, " l'art, c'est d'être absolument soi-même ". Découvrez la film Goshu le violoncelliste de Iao Takahata.

Kié la petite peste

(Isao Takahata, 1981) : Kié est une petite fille dont le père tient un petit restaurant dans l'arrondissement Nishinari-ku d'Osaka. Bagarreur et joueur, ce dernier néglige sa famille et son travail et sa femme le quitte, tout en continuant à rencontrer sa fille en cachette. Cette dernière, à huit ans seulement, s'occupe du restaurant tout en essayant de travailler en classe. L'histoire se déroule aussi en partie dans le quartier Shinsekai d'Osaka. Découvrez le film Kié la petite peste de Isao Takahata.

Le Château de Cagliostro

(Hayao Miyazaki, 1979) : Le célèbre Lupin dévalise un casino mais s'aperçoit que les billets volés sont des faux. En compagnie de son acolyte Jingen, Lupin enquête sur cette fausse monnaie qui le conduit au château de Cagliostro. Ils apprennent alors qu'une princesse, enfermée dans le château, détiendrait la clé d'un fabuleux trésor... Découvrez le film Le château de Cagliostro de Hayao Miyazaki.

Tous les films post-Ghibli

La liste des films qui ont été créés par des anciens collaborateurs du studio, en rejoignant ou créant leur propre studio d'animation.

Mary et la fleur de la sorcière

(Hiromasa Yonebayashi, 2017) : C'est l'été. Mary vient d'emménager chez sa grande-mère dans le village de Redmanor. Dans la forêt voisine, elle découvre une fleur mystérieuse qui ne fleurit qu'une fois tous les 7 ans. On l'appelle la " fleur de la sorcière ". Pour une nuit seulement, grâce à la fleur, Mary possèdera des pouvoirs magiques et pourra entrer à Endor, l'école la plus renommée dans le monde de la magie, qui s'élève au-dessus du ciel, au-delà des nuages.
Le secret de la fleur de la sorcière se révèlera à elle petit à petit... Découvrez le film Mary et la fleur de la sorcière.

Nouveau film Ponoc

Comment vivez-vous ?

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La liste de tous les films de Hayao Miyazaki et Isao Takahata | Studio Ghibli France

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Tous les films du studio Ghibli, de Princesse Mononoké au Voyage de Chihiro en passant par Totoro et le Château Ambulant, Ponyo et Le vent se lève.

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Mis à jour : dimanche 19 juin 2022

Origines et création

L'histoire- du studio Ghibli commence en réalité à la fin des années 50. Isao Takahata entre au studio Tôei Dôga (futur Tôei Animation) en 1959 et Hayao Miyazaki en 1963. Tous deux appartiennent au même syndicat, Takahata en étant le vice-président et Miyazaki le secrétaire général. Après la réalisation de Taiyô no Ôji : Horusu no Daibôken ( Horus, prince du soleil), tous deux quittent la Tôei et intègrent un autre studio, où Takahata est réalisateur et Miyazaki est chargé de la conception scénique. Ils mettent au point ensemble diverses techniques d'animation et de mise en scène. Amis de longue date, les deux hommes ont donc souvent collaboré ensemble et sont tous deux portés par une même ambition artistique. Or, dans les années 70, avec le développement de l'animation " bon marché " pour la télévision, la qualité des productions ne cesse de baisser. Il devient alors très dur pour eux de satisfaire à leurs exigences de qualité. L'idée d'un studio indépendant mûrit alors.

Isao Takahata et Hayao Miyazaki, au milieu des années 70.

Au début des années 80, le projet d'adapter en long métrage d'animation Kaze no Tani no Naushika ( Nausicaä de la Vallée du Vent), le manga que Miyazaki publie dans la revue Animage (qui appartient à Tokuma Shoten), est le point de départ véritable de la création du studio. En effet, une fois le projet lancé, se pose le problème de savoir à quel studio confier le travail, la seule personne sûre de travailler sur le projet étant... Miyazaki ! Ce dernier exige que son ami Takahata assure le poste de producteur et, bien qu'il n'est à cette époque aucune expérience de ce travail, ce dernier accepte, après de longues négociations de Toshio Suzuki.

Pour trouver un studio, Takahata prend contact avec plusieurs sociétés. Il se met finalement en accord avec un ancien ami de la Tôei Dôga, Tôru Hara, qui a fondé sa petite société, Topcraft. Bien que Ghibli n'existe pas encore, beaucoup considèrent aujourd'hui que l'équipe de Topcraft a été le point de départ du studio. Nausicaä de la Vallée du Vent obtient un succès mérité (915 000 spectateurs et des critiques très favorables), établissant qu'il est possible de réaliser et de produire de l'animation de qualité pour le cinéma.

Dans le studio Topcraft.

Pourtant, malgré le succès de Nausicaä, le studio Topcraft ferme et se pose alors la question du financement du prochain film de Miyazaki. Tokuma Shoten hésite, car selon eux, réaliser des longs métrages d'animation est quelque chose de trop incertain pour pouvoir assurer une structure pérenne à ce type de projet. Mais la réussite de Nausicaä les convainc finalement de prendre le risque et ils acceptent de financer la création d'un studio au sein d'une filière de Tokuma Shoten. Yasuyoshi Tokuma, PDG de la branche éditions du groupe, en devient le président. Même s'il vient rarement au studio, sa contributation a été décisive : c'est lui qui avait déjà pris la décision d'adapter le manga Nausicaä au cinéma, puis, un peu plus tard, il prendra en charge lui-même les relations avec les distributeurs pour assurer la sortie commune de Mon voisin Totoro et du Tombeau des lucioles. Toshio Suzuki accepte de rejoindre le studio, tout en continuant de travailler à Animage.

Plus qu'un but, ce studio est le moyen pour Miyazaki et Takahata de réaliser leur rêve. Au début, Takahata tient à lui donner un nom japonais. Il a avancé " Musashino Kôbô " (l'atelier Musashino), mais Miyazaki n'est pas emballé. Il propose alors " studio Ghibli ", " Ghibli " désignant un vent chaud du désert que les pilotes italiens de la Seconde Guerre mondiale ont repris pour désigner leurs avions de reconnaissance. Par ce choix, Miyazaki, passionné d'aviation depuis l'enfance, a exprimé ainsi sa volonté d'imposer " un nouveau souffle à l'animation japonaise ".

Si le studio est l'occasion, pour les deux réalisateurs, d'être libres et de pouvoir proposer des longs métrages d'animation de qualité (chose souvent impossible dans d'autres sociétés, où rentabilité et délais minimums sont les maîtres mots), chaque film est un pari risqué. En effet, il s'agit de financer le prochain film par les recettes du précédent. Qu'un seul film vienne à manquer son public et c'en était fini du studio Ghibli... Heureusement, cela n'est jamais arrivé !

Reconnaissance et premiers succès

En 1986, Tenkû no Shiro Rapyuta ( Le château dans le ciel) est le premier film sorti sous l'appellation " Ghibli ". Il fait 775 000 entrées, remportant un succès d'estime. Les bénéfices sont alors réinvestis dans un projet incroyablement risqué : la production de deux films, Tonari no Totoro ( Mon voisin Totoro) de Hayao Miyazaki et Hotaru no Haka ( Le tombeau des lucioles) de Isao Takahata. L'équipe du studio Ghibli doit se partager sur les deux projets et les films sortent simultanément en 1988. Se pose déjà le problème de l'exiguïté du studio, trop " petit " pour le talent réuni de Miyazaki et de Takahata.

Hayao Miyazaki travaillant sur Le château dans le ciel.

Le succès n'est pas immédiat, mais les deux œuvres cimentent pour de bon la réputation de sérieux et de qualité du studio. Ils ne cessent d'accumuler récompenses sur récompenses dans tous les festivals où ils sont présentés et font partie aujourd'hui des films d'animation japonais les plus connus et appréciés dans le monde. En outre, le personnage de Totoro apporte des gains inattendus grâce aux produits dérivés pourtant vendus deux ans après la sortie du film, suite à sa diffusion TV. Totoro, devenu un symbole, est rapidement adopté comme logo pour le studio.

Le premier vrai succès national au box-office du studio Ghibli est leur production de 1989 : Majo no Takkyûbin ( Kiki, la petite sorcière). Réalisé par Miyazaki, ce film totalise 2 640 000 entrées rien qu'au Japon. Avec ce résultat inespéré, le studio est maintenant capable de s'autofinancer et permet à Miyazaki de faire accepter quelques propositions profitables à tous les " acteurs " du studio qui, jusqu'à présent, n'avaient que des postes d'intérimaires. L'argent récolté permet donc, dès novembre 1990, d'engager à plein temps une partie de l'équipe afin de bénéficier de l'expérience qu'elle a acquis. Il permet aussi de développer une section d'apprentissage qui accueille de nouveaux talents.

C'est à cette époque du changement dans la gestion du studio que Toshio Suzuki, ancien rédacteur en chef du magazine Animage, rejoint définitivement le studio Ghibli en tant que producteur. Il avait été impliqué dans la parution du manga Nausicaä, puis dans la production de son adaptation cinématographique, et suivait de très près la réalisation des œuvres du studio Ghibli. Il devient ensuite président du studio quelques années plus tard.

Au bout d'un épuisant travail, Omohide Poroporo ( Souvenirs goutte à goutte) de Takahata, obtient à son tour un immense succès en terminant une nouvelle fois en tête du box-office annuel. Une autre réussite de l'année 1991 est le doublement des salaires et la mise en place d'un recrutement régulier. Les dirigeants du studio ont évidemment anticipé cette forte augmentation des coûts de production. C'est donc à l'occasion de la sortie de Souvenirs goutte à goutte qu'une nouvelle politique promotionnelle est adoptée afin d'augmenter les recettes aux box-office.

Isao Takahata travaillant sur Souvenirs goutte à goutte.

Afin de justifier le salaire mensuel des employés du studio, Kurenai no Buta ( Porco Rosso) est mis en chantier avant même la fin de Souvenirs goutte à goutte. Le personnel est épuisé et Miyazaki doit commencer tout seul. Il assume ainsi les casquettes de producteur, réalisateur et assistant-réalisateur. La pression est trop forte. Pour s'en distraire, il propose un projet fou : se rendant compte qu'il est de plus en plus difficile de continuer à travailler dans un endroit inadapté (90 personnes dans 300 m²), il désire faire construire un studio adapté aux besoins spécifiques des animateurs. Le président du studio Ghibli, Tôru Hara, refuse un tel projet et est contraint de claquer la porte. Le risque financier était alors non négligeable et c'est Yasuyoshi Tokuma qui acceptera de financer l'opération, alors que même Suzuki était inquiet quant à la faisabilité de ce projet de création d'un studio à la mesure des ambitions de Miyazaki et Takahata.

Miyazaki supervise lui-même la réalisation des plans du nouvel immeuble. Il le veut aéré, clair, entouré de verdure. Il restreint le parking au strict minimum, mais double l'espace réservé aux femmes, massivement embauchées au moment de Porco Rosso. Il choisit lui-même les matériaux de construction et contrôle les travaux, tout en continuant son ouvrage sur Porco Rosso. En 1992, le studio est terminé au même moment que le film (qui récolte une nouvelle fois un grand succès). Sur plus de 1 100 m² et trois étages, dans la banlieue de Tôkyô à Koganei, c'est désormais une centaine de personnes qui y travaille quotidiennement.

Hayao Miyazaki dans les travaux de construction de l'actuel bâtiment principal du studio Ghibli.

En 1993, le studio s'équipe de deux caméras pilotées par ordinateur afin de faciliter les prises de vue. Sont achetés également des outils d'infographie qui vont permettre de franchir encore un nouveau pas dans les techniques d'animation.

Cette même année, le studio produit son premier et seul téléfilm animé Umi ga Kikoeru ( Tu peux entendre la mer). Le jeune réalisateur de 34 ans, Tomomi Mochizuki, est le premier réalisateur du studio autre que Miyazaki et Takahata depuis la création de Ghibli. L'équipe de production est jeune et leur objectif est de créer une œuvre " rapidement, à bon marché, mais de qualité ". Le téléfilm obtient des résultats satisfaisants, excédant les prévisions.

En 1994, Heisei Tanuki Gassen Ponpoko ( Pompoko) de Takahata est une nouvelle fois n°1 au box-office. Pompoko est le premier film du studio à présenter des séquences en images de synthèse. Le long métrage Mimi wo Sumaseba ( Si tu tends l'oreille) et le clip musical de commande On your mark en 1995, puis surtout Mononoke Hime ( Princesse Mononoke) en 1997, témoignent à leur tour de l'utilisation croissante des ordinateurs pour faciliter la fluidité des animations, le rendu des reliefs.

Pour Si tu tends l'oreille, Ghibli a essayé une nouvelle composition pour le staff : Miyazaki est responsable de la production, du scénario et de la continuité. Yoshifumi Kondô, directeur de l'animation du Tombeau des lucioles, Kiki, la petite sorcière et Souvenirs goutte à goutte, est chargé de la réalisation. Miyazaki et Takahata commencent, à l'époque, à songer à trouver leurs successeurs et Kondô relève le défi brillamment. Le film est un nouveau succès.

L'accord Tokuma-Disney

Intrigués par son triomphe auprès du public asiatique, quelques Major Companies, comme la Warner et la Fox, ont fait une cour empressée à Hayao Miyazaki pour distribuer ses films aux États-Unis. Mais elles exigeaient de les remonter sur un rythme différent, en modifiant la musique ou en coupant des scènes. Miyazaki et le président du studio Ghibli, Toshio Suzuki, ont tenu bon. En juillet 1996, ils ont finalement trouvé un accord avec Buena Vista Home Entertainment : Disney peut exploiter une grande partie des films du studio Ghibli dans le monde entier, excepté l'Asie. Ainsi, pourront être distribuées (en vidéo ou dans les salles) les œuvres suivantes : Nausicaä de la Vallée du Vent, Le château dans le ciel, Mon voisin Totoro, Kiki, la petite sorcière, Souvenirs goutte à goutte, Porco Rosso, Pompoko, Si tu tends l'oreille, ainsi que le futur Princesse Mononoke.

Miyazaki et Takahata auraient-ils vendu leur âme au diable ? Eux qui se sont battus pour être libres, eux qui ne voulaient faire aucune concession... Avant toute chose, précisons que ce contrat ne remet pas en cause l'indépendance artistique du studio, puisque Disney n'a aucun pouvoir d'intervention dans la réalisation des films, s'occupant exclusivement de leur distribution hors Asie.

Pourtant, l'annonce de l'accord a secoué le monde de l'animation et a provoqué une vague d'inquiétude parmi les fans. Inquiétude infondée pour certains sur les desseins de Disney qui aurait acheté les droits pour étouffer la concurrence. Inquiétude légitime pour d'autres si on se rappelle du massacre perpétré à l'occasion de l'adaptation américaine du film Nausicaä. Cet épisode avait profondément choqué Miyazaki et l'on peut se demander comment il a pu accepter l'accord (le réalisateur dira par la suite qu'il a voulu aider son ami Yasuyoshi Tokuma à renforcer la position de son groupe, lui qui l'avait aidé à ses débuts).

Dessin humoristique de Tomkat, illustrant les craintes des fans
à l'annonce de l'accord Tokuma-Disney

En fait, il faut savoir que le contrat a été signé alors que Princesse Mononoke était toujours en cours de production. Or, le film coûtait très cher et les producteurs pensaient que les bénéfices de l'exploitation au Japon seraient insuffisants (ils se sont trompés largement). Est venue alors l'idée d'en faire une exploitation internationale et de vendre les droits de distribution des autres œuvres. Des compagnies intéressées par la proposition, seul Disney satisfait aux exigences de qualités de Miyazaki. En outre, les conditions du contrat sont très clairement énoncées sur un point : les films " ne seront PAS touchés ", à l'exception des modifications dues au doublage et à la traduction. Ainsi, Disney s'est engagé à ne pas couper une seconde et à ne pas changer la musique.

Pourtant, ces conditions n'ont pas été respectées complètement. En ce qui concerne la sortie en vidéo de Kiki, la petite sorcière, par exemple, il y a une scène dans laquelle Kiki reçoit une lettre écrite en japonais. Cette lettre n'apparaît que rapidement, seulement la graphie n'est pas occidentale. Disney a modifié l'image numériquement et transformé ainsi la graphie pour qu'elle paraisse plus occidentale. Pour les musiques, ils n'ont pas à proprement parler touché à la composition originale, mais ont ajouté des musiques supplémentaires. Or, dans les films de Miyazaki, les instants de silence sont des moments privilégiés qui renforcent la dramatisation de l'action.

Concernant Princesse Mononoke, au lieu de préserver le générique original, magnifiquement interprété par un chanteur qui place sa voix très haut, Disney fait réinterpréter la chanson en anglais (ils songeaient même à Madonna à l'origine !). En outre, le script a été retravaillé. Heureusement, pas une seconde des 2 h 15 du film n'a été supprimée, malgré la complexité du scénario, et les nombreuses scènes violentes qui vont totalement à l'encontre de la politique Disney (La compagnie américaine pensait à l'époque acheter un film comme Mon voisin Totoro ou Kiki, la petite sorcière). Ainsi, après son triomphe sans précédent au Japon, Princesse Mononoke s'est fait attendre aux Etats-Unis plus de deux ans, nul ne sachant comment gérer la distribution d'une telle production. Finalement, Disney n'osant pas apposer son sceau, préfère laisser la gestion du film à Miramax, sa filiale " films indépendants ", afin d'éviter de prendre de trop gros risques financiers.

Malgré cette expérience difficile et le succès mitigé de Princess Mononoke aux Etats-Unis, Disney a investi 10 % dans le budget du film de Takahata, Mes voisins les Yamada, ainsi que dans celui de la réalisation suivante de Miyazaki, Le voyage de Chihiro. C'est une première : jamais Disney n'avait jusqu'à lors investi dans la production d'un film étranger ! Au final, il faut avouer que ce contrat a permis et va permettre encore au public occidental de découvrir les films du studio Ghibli sur grand écran mais aussi en vidéo.

Six ans après la signature du contrat, le personnel de Ghibli a dressé un bilan très positif de l'accord Tokuma-Disney, malgré les quelques accrocs retardant les sorties étrangères. La France est particulièrement gâtée avec les sorties au cinéma de tous les nouveaux Ghibli, mais également les ressorties d'œuvres plus anciennes sur le grand écran, comme Nausicaä, Le château dans le ciel, Kiki, la petite sorcière, ou encore Pompoko !

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Historique du studio Ghibli - Buta Connection

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Historique du studio Ghibli : création, reconnaissance, succès et quête d'une relève

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Isao Takahata : cofondateur des studios Ghibli

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Isao Takahata : cofondateur des studios Ghibli

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Réalisateur japonais

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Sa notoriété en Occident vient principalement de son film Le Tombeau des lucioles, sorti en 1988. Considéré par ses pairs comme l'un des plus grands réalisateurs d'animation, il exerce une influence capitale sur l'évolution de son art au Japon comme à l'échelle internationale.

Né à Ise ( Japon) le , Isao Takahata reste marqué par le bombardement de la région d' Okayama par les Américains pendant la Seconde Guerre mondiale, fuyant pieds nus en pyjama avec l'une de ses sœurs.

Il étudie la littérature française à l' université de Tokyo. Il découvre ainsi les poèmes de Jacques Prévert, mais aussi son travail avec Paul Grimault, pour La Bergère et le Ramoneur première version du Roi et l'Oiseau, sortie au Japon en 1956. Ce film est l'un des déclencheurs de sa vocation artistique.

Dès 1959, il rejoint le studio d'animation Tōei Animation en tant qu'assistant, où il effectue toutes sortes les travaux, y compris le balayage. Il y fait connaissance de Hayao Miyazaki, avec qui il est engagé dans le mouvement syndical. En 1963, il réalise la série Ken, l'enfant loup.

En 1968, il réalise son premier long métrage, Horus, prince du soleil, en collaboration avec Hayao Miyazaki. Ce film, sorti dans une version inachevée et mutilée, n'ayant pas obtenu le succès attendu, les producteurs privilégient alors la création télévisuelle plutôt que cinématographique. À partir de ce projet, Miyazaki et Takahata travaillent souvent ensemble, sur des films ( Heidi, la petite fille des Alpes en 1974, Nausicaä de la vallée du vent en 1984 et L'Histoire des canaux de Yanagawa en 1987) comme sur des séries télévisées (notamment la première série de , plus connue en France sous le nom d' Edgar de la Cambriole).

Pour Takahata et Miyazaki, la " trilogie " , (d'après Le Livre-Cœur) et (ou Anne, la maison aux pignons verts), tous trois réalisés entre 1974 et 1979, constitue un âge d'or, même si leur collaboration s'est terminée avec le dernier épisode. Leur amitié persiste néanmoins, et la collaboration prend alors une nouvelle orientation : Miyazaki dirige et Takahata réalise. Cependant, au cours de la réalisation de Anne, la Maison aux pignons verts, Miyazaki démissionne. Takahata aide alors Miyazaki à produireConan, le fils du futur.

En 1981, Takahata achève son second long-métrage Kié la petite peste, qui reçoit un bon accueil puis Goshu le Violoncelliste récompensé par le Prix Ofuji.

C'est en 1985 que Takahata fonde avec Miyazaki le Studio Ghibli. Il réalise pour ce studio, en 1988, Le Tombeau des lucioles puis Souvenirs goutte à goutte (1991), (1994) qui reçoit le prix du long-métrage au festival d'Annecy, Mes voisins les Yamada (1999). Enfin Le Conte de la princesse Kaguya (2013) est présenté au Festival de Cannes ( Quinzaine des réalisateurs) et nommé aux Oscars.

Contrairement à Miyazaki, Takahata n'est pas dessinateur d'animation. Il se considère avant tout comme un réalisateur. Il réalise d'ailleurs un documentaire en prise de vue réelle, L'Histoire des canaux de Yanagawa, en 1987. Ce statut lui permet de n'être attaché à aucun style de dessin en particulier et de pousser au plus loin toute forme d'expérimentation dans le domaine de l'animation. Ainsi, le long métrage Mes voisins les Yamada est entièrement créé sur ordinateur afin d'obtenir un effet d'aquarelle difficile à traduire sur celluloïd.

Le style des sujets traités par Takahata est très varié. Ainsi, Le Tombeau des lucioles est un drame de guerre plutôt réaliste, Pompoko tend vers le burlesque en présentant des qui tentent d'empêcher des humains de s'installer sur leurs terres. Le plus souvent, Isao Takahata s'inspire d'une œuvre existante (le roman d' Akiyuki Nosaka pour Le Tombeau des lucioles et celui de Kenji Miyazawa pour Goshu le violoncelliste) ou encore de l'univers des mangas ( Souvenirs goutte à goutte ou Mes voisins les Yamada). Il peut également développer une idée originale, comme pour Pompoko (la guerre des tanuki).

Il reste très attaché au dessin à la main, malgré l'ère du numérique. Celui-ci laisse selon lui l'imagination du spectateur plus libre.

Son œuvre, marquée par le pacifisme, le conduit à s'opposer au projet d'amendement de l' article 9 de la constitution japonaise, qui dispose que " le peuple japonais renonce à jamais à la guerre ". Membre du groupe Eigajin Kyujo no kai (" Les cinéastes pour l'article 9 "), il s'élève en 2015 contre les lois jugées sécuritaires et bellicistes du Premier ministre Shinzō Abe.

Isao Takahata meurt au matin du à l'hôpital annexe de la Teikyo University Medical School, des suites d'un cancer du poumon,,. Il est incinéré.

Passionné par la France et la culture française, Isao Takahata y effectue de fréquents voyages.

Il est notamment reçu à plusieurs reprises par le Forum des Images à Paris dans le cadre du festival Nouvelles Images du Japon dont il est l'un des invités en 1999. Cet évènement contribue à la reconnaissance de son œuvre en France et à la sortie en salles de plusieurs de ses films : Horus, prince du Soleil, Panda Petit Panda, Kié la petite peste, Goshu le violoncelliste... C'est également à l'occasion de ce festival qu'Isao Takahata est sollicité par Kihachiro Kawamoto qui lui propose de participer au film collectif Jours d'hiver (2003).

Les créateurs de ce festival, Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, interprète du réalisateur, vont s'employer tout au long des années suivantes, à faire reconnaître l'œuvre d'Isao Takahata en France. Ainsi, Isao Takahata a été l'invité de Portrait d'un cinéaste sous l'arbre (2002), festival itinérant en Poitou-Charentes qui présente les différentes facettes de l'œuvre et de la personnalité artistique et intellectuelle de Takahata Isao autour de nombreux invités qui lui rendent hommage comme les réalisateurs René Laloux et Jacques Colombat, le comédien Maurice Baquet, le violoncelliste Jérôme Pernoo, Paulette et Henri Grimault, Paule et Jean-Pierre Pagliano...

Isao Takahata a aussi dirigé des master class sur les rouleaux peints du Moyen Âge japonais au Centre européen d'art et de civilisation médiévale à Conques (2000) puis à l' abbaye Notre-Dame de Fontevraud (2007). Ce même lieu consacre, en 2008, une grande exposition " Mondes et merveilles du dessin animé " à la filiation artistique entre Paul Grimault, Isao Takahata et Hayao Miyazaki (commissaire : Jean-Pierre Pagliano). À l'occasion de son inauguration, Isao Takahata est accueilli par Jeanne Moreau.

Isao Takahata a également contribué à la sortie au Japon de plusieurs longs-métrages d'animation français. En 2002, ayant rencontré le réalisateur Michel Ocelot à la Maison franco-japonaise de Tokyo, Isao Takahata organise, via le studio Ghibli, la sortie en salles au Japon de Kirikou et la Sorcière, qui n'y avait pas trouvé de distributeur depuis sa sortie en France quatre ans plus tôt. Il traduit en japonais le roman d'Ocelot tiré de Kirikou, rédige les sous-titres japonais destinés aux projections en version originale, traduit les dialogues pour le doublage japonais et se charge de la distribution des rôles. Par la suite, il prend part à la sortie au Japon des films Azur et Asmar de Michel Ocelot, Les Triplettes de Belleville et L'Illusionniste de Sylvain Chomet. À son instigation, le studio Ghibli coproduit La Tortue rouge de Michael Dudok de Wit.

En 2011, le musée de la Tapisserie de Bayeux présente une exposition inspirée de son ouvrage sur les rouleaux peints japonais

En 2014, le festival d'Annecy lui décerne le Cristal d'honneur pour l'ensemble de son œuvre.

En 2015, il est élevé au rang d'officier de l' ordre des Arts et des Lettres par le ministère de la Culture. Dans son discours d'acceptation, il souligne son attachement à la France et déclare : " La France est le pays où j'ai le plus voyagé et je suis des plus heureux d'être décoré par la nation dont je me sens le plus proche ".

En 2016, il dirige une master class consacrée à son œuvre télévisée, organisée au Centre européen d'études japonaises d'Alsace (CEEJA) par la NEF Animation et l'Agence culturelle d'Alsace.

Sympathisant communiste et pacifiste, il s'engage notamment contre le premier ministre nationaliste Shinzō Abe et ses projets de réarmement du Japon et de participation à des théâtres d'opération extérieurs. En 2011, après la catastrophe de Fukushima, il se montre critique à l'égard du nucléaire.

Réalisateur

Longs métrages

Court métrage

Séries télévisées

1963-1965 : Ken l'enfant loup , réalisateur d'épisodes, non traduit en français.

1968-1969 : Gegege no Kitaro , réalisateur d'épisodes, non traduit en français.

1969-1970 : Mooretsu atarō , réalisateur d'épisodes, non traduit en français.

1971-1972 : Apache Yakyugun , réalisateur d'épisodes, non traduit en français.

1971-1972 : Gegege no Kitaro , La deuxième série, réalisateur d'épisodes, non traduit en français.

1971-1972 : Lupin III , coréalisateur avec Hayao Miyazaki des épisodes de la seconde moitié de la saison.

1978 : Conan, le fils du futur , coréalisateur des épisodes 8 et 9 avec Hayao Miyazaki.

Producteur

Assistant-réalisateur

Notes et références

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Bibliographie

Stéphane Le Roux, Isao Takahata : Cinéaste en animation, Modernité du dessin animé, Paris, L'Harmattan, , 254 p.

Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, Gauche le Violoncelliste d'Isao Takahata, édition Les Enfants de cinéma, collection " Carnets de notes sur... ", 2000, 40 p.

Xavier Kawa-Topor et Ilan Nguyen, Le Tombeau des Lucioles d'Isao Takahata, édition CNC, collection " Dossier collège et cinéma ", n° 149, 2005.

Jean-Pierre Pagliano, Isao Takahata ou la saveur du quotidien (article + entretien) : Positif 508, (p. 99-103)

Hubert Niogret, " Isaho Takahata, 1935-2018. Réalisateur d'animation sans dessiner ", , Paris, Institut Lumière/Actes Sud, , p. 74,

Liens externes

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Sa notoriété en Occident vient principalement de son film Le Tombeau des lucioles , sorti en 1988. Considéré par ses pairs comme l'un des plus grands réalisateurs d'animation, il exerce une influence capitale sur l'évolution de son art au Japon comme à l'échelle internationale.

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"Hayao Miyazaki c'est une superstar. Miyazaki il est connu dans le monde entier. Il a quand même reçu un Ours d'or à Berlin pour "Le voyage de Chihiro", ça dans l'animation c'est unique. Il a aussi eu un Oscar du Meilleur film étranger, pareil, pour un film d'animation c'est unique. Donc il y a une aura, et puis il y a une personnalité ", Alexandre Mathis, critique et auteur du livre Un monde parfait selon Ghibli, Playlist Society.

En savoir plus : M comme Hayao Miyazaki, un cinéma révélé

Ses débuts

Né en 1941, c'est au lycée qu'il se passionne pour le dessin, d'abord avec les mangas puis avec l'animation. Un film a été fondateur pour lui : Le Serpent blanc (1958), qui conte une légende chinoise. La technique, l'univers mais aussi les émotions transmis par ce film le marquent et le bouleversent. Il va alors recopier, dessiner et travailler sans relâche pour entrer dans ce milieu et parvient à décrocher son premier travail dans le secteur en 1963 au studio Toe. C'est là qu'il rencontre Isao Takahata et Toshio Suzuki avec qui il fondera le studio Ghibli.

Mais avant de produire ses œuvres les plus connues avec son propre studio, Hayao Miyazaki arrive à vendre un film à des producteurs : Nausicäa de la Vallée du Vent. Une histoire qui lui tient à cœur puisqu'il a mis 12 ans à l'écrire et la dessiner. À l'époque les seuls films produits sont des mangas ou des histoires existantes. Miyazaki réussi un exploit.
Le nom de Ghibli vient de la passion de Miyazaki pour l'aviation : le Caproni Ca. 3092 Ghibli est un avion de reconnaissance italien pendant la Seconde Guerre mondiale.

Son studio a immédiatement la vocation de proposer une autre vision de l'animation, de la poésie, des sujets sociétaux, des dessins fins et beaucoup de paysages. Très éloigné des mangas où les sentiments sont exacerbés et les dessins très exagérés.

L'écologie et le féminisme

"Miyazaki est un écologiste convaincu qui est très méfiant des mutations urbaines. Notamment parce qu'il a grandi dans un Japon du milieu du XXe siècle, rural, avec des grands champs de riz, ce qui lui confère un rapport extrêmement fort à la nature. Il a aussi tout une culture de l'animisme et du shinto (là où il y a une âme dans chaque chose) qui est extrêmement développée. Et Miyazaki, par ses histoires fantastiques va mettre en valeur cette nature, en disant qu'il faut la protéger, qu'elle est à la fois fragile, parce qu'elle peut être détruite, et en même temps forte, c'est-à-dire que la nature peut se venger et ça là où ça devient intéressant. Chez Miyazaki, la nature ne se laisse pas faire. Soit par les esprits qu'il incarne : les dieux de Princesse Mononoké avec les loups, les sangliers qui eux se défendent et se battent contre les humains. Soit par la furie animale comme les fameuses grosses larves de Nausicäa, elles deviennent furieuses parce qu'on a détruit leur habitat et du coup elles attaquent. Pas par méchanceté mais parce qu'en fait elles protègent leur habitat ", analyse Alexandre Mathis.

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Miyazaki est aussi l'un des premiers dessinateurs à écrire des films avec, principalement, des héroïnes : "il a déclaré plusieurs fois, que pour lui, les femmes ont leur propre destinée en main. Ce sont des héroïnes, elles choisissent ce qu'elles doivent faire et quand il y a un personnage masculin qui est à leur côté ça peut être un ami, ça peut être un amoureux éventuellement, ça peut être un père, ça peut être un allié, mais jamais un sauveur. Il a toujours vu les femmes qui l'entouraient comme des personnes extrêmement fortes, indépendantes et il n'a jamais voulu niveler l'un ou l'autre.
Le Japon a en effet, ce côté un petit peu paradoxal. C'est un pays extrêmement patriarcal avec des règles, comme la femme devant rester au foyer, etc. Mais en même temps, il y a cette idée d'émancipation de l'être et de prendre en main sa destinée d'une certaine manière. Et chez Miyazaki c'est extrêmement important." Alexandre Mathis

Un poète de l'animation

En savoir plus : Philosopher avec Miyazaki

Hayao Miyazaki a poétisé l'animation. À l'inverse du schéma Disney autour du sauvetage d'une princesse en détresse entourée de méchants, les films Ghibli prônent l'entraide et la découverte de soi. Le succès est tel que la musique du film Totoro est chantée dans les écoles maternelles japonaises.

Malheureusement les studios Ghibli s'approchent de la fin. Isao Takahata est décédé en 2018 et Hayao Miyazaki veut partir à la retraite depuis déjà des années. Mais aucun réalisateur ne colle au style "Ghibli". Le réalisateur a fait une première annonce de retraite en 1997 après " a princesse Mononoké qui l'avait épuisé, il réitère en 2004 après le Château Ambulant et en 2012 après Le vent se lève.

" Le vent se lève devait être son dernier film, mais il veut finalement en refaire un et la seule chose qui l'arrêtera c'est le fait qu'il perde la vue petit à petit, et la mort. Comme Takahata a fini son dernier film et est mort peu de temps après, je pense qu'il n'y a que ça qui l'arrêtera, il n'y aura pas vraiment d'héritier. Et toute la question pour Ghibli tourne autour de cette mutation à trouver un héritier. Il y aura sûrement un nouveau Hayao Miyazaki un jour, au sens où il y aura une nouvelle personnalité japonaise d'animation qui aura un immense succès, mais ça ne sera peut-être pas avec Ghibli, c'est très flou. Et Miyazaki lui-même dit : "De toute façon je sais très bien que le studio va mourir." Il est très fataliste là-dessus", conclut Alexandre Mathis.

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"Hayao Miyazaki c'est une superstar. Miyazaki il est connu dans le monde entier. Il a quand même reçu un Ours d'or à Berlin pour "Le voyage de Chihiro", ça dans l'animation c'est unique. Il a aussi eu un Oscar du Meilleur film étranger, pareil, pour un film d'animation c'est unique.

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VOSTF Bande annonce - Tom Foot de Bo Widerberg

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Bo Widerberg, né le 8 juin 1930 à Malmö et mort le 1er mai 1997 à Ängelholm, est un réalisateur, scénariste, monteur, acteur, écrivain, directeur de la photographie et producteur de cinéma suédois...

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